“Family Movie” se presenta como una comedia de terror que homenajea el amor por el cine y la tenacidad de quienes lo producen sin esperar recompensas económicas. El filme, que busca la esencia de hacer cine por el mero placer de crear, tuvo su estreno europeo en el Festival de Sitges, donde Bacon y Sedgwick fueron recibidos como auténticas estrellas. La historia sigue a un director de películas de serie Z, interpretado por Bacon, quien lucha por financiar su último film, rodado en su propia casa. Su esposa, interpretada por Sedgwick, y sus hijos encarnan a personajes que enfrentan las frustraciones y ambiciones en un entorno familiar cargado de humor oscuro.

Con una carrera cinematográfica que abarca más de tres décadas, Kevin Bacon ha asumido diversos roles, desde protagonista en exitosas películas hasta director. Durante su trayecto, ha buscado proyectos que lo desafíen artísticamente, alejándose de los grandes presupuestos para centrarse en historias que lo inspiren. Como él mismo ha dicho, aún siente la misma pasión que a los 18 años por crecer y superarse en su trabajo.

El actor ha aprendido a lidiar con la fama y ha optado por ignorar las críticas sobre su trabajo, buscando en cambio un proceso creativo que impulse su crecimiento personal y profesional. Su relación con Kyra Sedgwick ha sido un pilar fundamental en su vida, abordando la profesión con autenticidad y sin dejarse llevar por el ruido de la industria.

En ocasiones, comparte con entusiasmo anécdotas sobre su experiencia en salas de cine, defendiendo la importancia de la experiencia colectiva de ver películas en grupo. Asegura que ningún hogar puede replicar el ambiente de una sala oscura donde se comparte el arte del cine. Esta visión resuena igualmente en su nuevo proyecto, donde la familia se convierte en el eje central, reflexionando sobre la conexión y las relaciones en el contexto de la industria cinematográfica.

Con la mirada puesta hacia el futuro, ambos artistas continúan innovando y apoyándose mutuamente, sin dejar de lado el placentero recuerdo de cuando se conocieron, un amor que germinó en el set de “Lemon Sky” en 1988. Un viaje que no solo abarca su vida personal, sino también su complicada y rica trayectoria en la cinematografía.

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Mollà, conocido por su participación en películas como La buena estrella y Los años bárbaros, aceptó la oferta, agradeciendo el honor de unirse al proyecto. En su respuesta publicada en Instagram, expresó: “Querido Sr. Allen: Muchas gracias por su preciosa carta para brindarme el honor de participar en su próxima película que tendrá lugar en Madrid, España. Sinceramente suyo, Jordi Mollà”. Con esto, se suma a un elenco que incluye a figuras como Peter Vives, Alexi Wasser, Jemima Kirke, Marton Csokas y Jakob Oftebro.

Desde el 5 de octubre, Allen ha estado rodando su película número 51 en la capital española. Durante una reciente rueda de prensa, el director destacó que la historia requiere una “atmósfera diplomática”, lo que convierte a Madrid, ciudad que ya le es familiar, en el escenario ideal. Allen describió la ciudad como “bonita, elegante, y parecía un lugar lógico para la historia”. La obra, que mezcla comedia, romance e intriga, promete ser intrigante, aunque se deberán esperar los resultados finales para comprobar si cumple con las expectativas del director.

Aunque el título de la película aún se desconoce, se ha revelado que el Ayuntamiento y la Comunidad Autónoma de Madrid han contribuido con 1,5 millones de euros cada uno para su financiación, representando alrededor del 20% de un presupuesto total estimado en 14 millones de dólares (12 millones de euros). Este apoyo económico ha sido decisivo, especialmente dado que Madrid ofrece menos incentivos fiscales para producciones cinematográficas.

La producción se centrará principalmente en Madrid, con muchas secuencias realizadas en el corazón de la ciudad, y también se incluirá la localización de Aranjuez. Además, el equipo técnico será casi completamente español e incluirá a profesionales de renombre internacional, como la diseñadora de vestuario Sonia Grande, quien ha colaborado en proyectos anteriores de Allen, y el célebre director de fotografía José Luis Alcaine.

Los seguidores del cine de Woody Allen están ansiosos por ver el resultado de este nuevo proyecto, que promete capturar la esencia de Madrid mientras ofrece una historia que, según el director, estará repleta de todos los ingredientes necesarios para una narración cautivadora. La expectativa crece en torno a esta película, que marcará otro hito en la extensa carrera del cineasta estadounidense.

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El reciente primer largo de Pereda en inglés, Found Alive, ha añadido otro hito a su carrera: este filme inauguró el prestigioso Festival de Sitges, el evento más relevante a nivel mundial en los géneros de terror y fantástico. Durante la presentación, Pereda comentó con humor: “Sí, demasiadas veces he sido la primera”.

Found Alive, un thriller basado en la novela The Edge of Normal de Carla Norton, sigue la historia de una joven, interpretada por Chloë Grace Moretz, que fue secuestrada por un psicópata y, tras una década de traumatización, se enfrenta a su pasado. La narrativa se centra en su proactividad, alejándose de la típica representación de víctimas, algo que Pereda aborda con una renovada sensibilidad. “No le van a resolver sus problemas”, enfatiza Pereda sobre la protagonista, a quien desea proyectar como un símbolo de resiliencia.

La elección de Moretz no fue casual; la cineasta la tenía en mente desde el principio, admirando su capacidad actoral demostrada en películas como La (des)educación de Cameron Post. La colaboración creativa entre ambas fue fundamental para dar vida a un personaje complejo y empoderado.

Pereda explora la violencia que permea la sociedad a través de su narrativa, y su enfoque en la empatía como motor de la historia brinda una perspectiva inusual en el género. En su búsqueda de una representación más auténtica, ha optado por un enfoque que resalta no solo el sufrimiento, sino también la luz y la humanidad de las víctimas. “No existe ni la víctima perfecta ni la mujer perfecta”, sostiene, desafiando los estereotipos generalmente impuestos por la industria.

Al rodar en Estados Unidos, Pereda se sintió respaldada por un elenco dispuesto a participar no solo por motivos económicos, sino también por la confianza en su visión. Este ambiente de colaboración creativa recuerda sus inicios y refuerza su compromiso con narrativas que desafían las estructuras convencionales del horror.

La inauguración de su filme en Sitges resalta la necesidad de visibilizar el trabajo de mujeres cineastas en un ámbito que ha sido históricamente dominado por hombres. Pereda expresa su esperanza de que, en el futuro, se mantengan las historias y las voces que son reflejos de una diversidad enriquecedora. "Ojalá logremos no perder esas historias ni esos puntos de vista", concluye, dejando claro que hay un camino por recorrer en la búsqueda de equidad en la industria del cine.

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Las adaptaciones de novelas que han alcanzado la categoría de mitos a menudo no logran capturar la complejidad y el trasfondo emocional que sus escritos originales transmiten. Ejemplos notables incluyen "Cien años de soledad", donde la singularidad del Macondo y su protagonista, José Arcadio Buendía, se ven diluidos en intentos de representación en pantalla. El cineasta Igor Legarreta, en su reciente adaptación de "Las ciegas hormigas", enfrenta un desafío similar. Aunque su película se filmó casi en su totalidad en euskera, muchos críticos han argumentado que la interpretación de la novela es superficial y carece de la profundidad que caracteriza la obra de Pinilla.

La novela, aunque no establece un tiempo específico para su narrativa, frecuentemente se relaciona con la posguerra civil española y el contexto del franquismo. Sin embargo, Pinilla se inspiró en un evento de 1929, cuando un barco inglés encalló en las costas de Getxo, lo que lo llevó a imaginar un contexto de pobrezas y desafíos ante la represión de las autoridades. Legarreta, en su adaptación, elige situar la historia en 1930, marcando el final de la dictadura de Miguel Primo de Rivera.

Uno de los obstáculos en la adaptación es la perspectiva narrativa que Pinilla emplea en su novela. Esta presenta múltiples voces, destacando principalmente la de un hijo que observa el pasado desde un futuro incierto, mientras los otros personajes expresan sus pensamientos a través de monólogos internos. Lamentablemente, esta complejidad se pierde en la película, que adopta un enfoque más lineal y simplificado.

A pesar de la notoria dirección artística, la película sufre de un aura académica que le resta dinamismo. La iluminación, aunque estéticamente cuidada, provoca que los escenarios interiores se sientan uniformes, limitando la diversidad visual que las complejidades de la narrativa original podrían ofrecer. Además, el actor Urko Olazabal, encargado de interpretar a Sabas, no logra transmitir la magnitud del carácter heroico y trágico del personaje, como lo establece la novela.

La secuencia que retrata el encallamiento del barco es uno de los elementos que se resuelven con mayor acierto, a pesar de las limitaciones de presupuesto. Sin embargo, la trama central, que abarca la lucha por la supervivencia a través de la recolección de carbón y los traumas familiares, se presenta como insustancial y carente de la intensidad emocional que caracteriza la obra de Pinilla.

El filme de Legarreta, aunque intenta reflejar los eventos de la novela, se queda corto en términos de magnitud y contenido, lo que podría decepcionar tanto a los lectores de Pinilla como a los nuevos espectadores. En última instancia, "Las ciegas hormigas", en su versión cinematográfica, representa un esfuerzo que, a pesar de su potencial, apenas roza la superficie de la rica narrativa original.

La adaptación de "Las ciegas hormigas" fue dirigida por Igor Legarreta y cuenta con la actuación de Urko Olazabal, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea y Carlos Santos. El filme, un drama español de 101 minutos, se estrena el 9 de octubre de 2026.

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En una reciente conversación, Bardem compartió su perspectiva sobre la situación de la vivienda en Madrid, un tema que ha cobrado relevancia en la sociedad. Describiendo su propio entorno, señala cómo la gentrificación ha transformado su barrio, donde los locales de café sustituyen a los vecinos y el comercio de cercanía, reflejando una deshumanización en la urbanización turística de la capital española. "Nos han robado las ciudades", afirmó, defendiendo la necesidad de recuperar un paisaje urbano más humano.

Bardem también ha estado activamente involucrado en movimientos sociales, como la acampada en la Puerta del Sol, donde vio un "acto de amor" en la lucha por una vida digna y derechos básicos. En contraste, critica la postura de la derecha en cuanto al acceso a la vivienda, señalando que su discurso se ha vuelto irrelevante ante las necesidades reales de la población.

La novela también explora la relación entre el arte y la política, con Bardem argumentando que no basta con crear arte por el arte; considera que el arte debe tener un compromiso social. "Reivindico una cultura militante", dice, proponiendo que la bondad y el compromiso social son la verdadera revolución en tiempos complicados.

Aunque su protagonista se siente en conflicto con un mundo cada vez más polarizado, Bardem enfatiza que la literatura debe ser un ejercicio de responsabilidad ante la realidad. Reconoce que los fascismos comienzan con la indiferencia hacia una minoría y pueden expandirse a más personas que inicialmente se consideran fuera de peligro.

El autor también aborda el tema de la desigualdad que se ha generado a lo largo de la historia, enfatizando que los privilegios actuales tienen raíces en atrocidades del pasado, especialmente relacionadas con la Guerra Civil y el régimen franquista. Además, destaca la violencia hacia las mujeres, un hilo conductor que ha acompañado a los conflictos a lo largo de la historia.

Finalmente, Bardem considera que la literatura de calidad no debería diferenciarse entre hombres y mujeres, aunque entiende la necesidad de que las escritoras cuenten sus historias. Reconoce que la revolución feminista es un factor clave en la respuesta a las "masculinidades frágiles" que han alimentado el auge de la ultraderecha.

Con su séptima novela, Carlos Bardem no solo continúa su trayectoria literaria, sino que también se posiciona como un pensador que explora las intersecciones entre la literatura, la política y la lucha social, haciendo un llamado a una reflexión profunda en tiempos de crisis.

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Nacido en Viena en 1885 y fallecido en Francia en 1957, Stroheim llegó a Hollywood durante la primera década del siglo XX. Con un monóculo colgante y un aura de esnobismo militar prusiano, se convirtió en una figura de fascinación y controversia. Su estilo vanguardista y minucioso en la dirección de películas contrastaba con las crecientes restricciones morales de una industria que se volvía cada vez más conservadora. Sus obras, repletas de lujos y sensualidad, eran tan reales como el champagne que empleaba en sus rodajes.

Su enfrentamiento constante con el productor Irving Thalberg fue la batalla que marcó su carrera. Thalberg, consciente del potencial de Stroheim, mutiló su obra maestra Avaricia (1924), reduciendo un metraje original de casi diez horas a una versión irremediablemente truncada. Este acto de censura no solo significó la pérdida de una obra monumental, sino que simbolizó la victoria del sistema industrial sobre la creatividad individual.

La reina Kelly, filmada entre 1929 y 1932, surgió de la unión entre Stroheim y la emblemática actriz Gloria Swanson, quien la produjo junto a su amante Joseph P. Kennedy, un influyente financiero. La historia gira en torno a Patricia "Kitty" Kelly, una huérfana atrapada en un convento y enamorada de un príncipe libertino, quien la arrastra a un oscuro destino. La producción, marcada por la brillantez y el derroche de Stroheim, finalmente fue interrumpida por la creciente preocupación de Swanson y Kennedy, quienes temían los excesos de la narrativa y el inminente advenimiento del cine sonoro.

Tras la abrupta salida de Stroheim, la película fue completada por Richard Boleslawski y se estrenó en varios países, pero rápidamente se desvaneció en el olvido. Sin embargo, la nueva versión que se presenta ahora en cines y filmotecas de España proviene de los materiales de Stroheim, que ofrecen una experiencia visual nunca antes vista.

Dennis Doros, el restaurador de la película, recuerda cómo, en tiempos analógicos, la restauración era un proceso minucioso y laborioso. La era digital ha transformado este trabajo, facilitando la creación de una versión que honra el legado de Stroheim, mientras elimina los daños de la película original. El acceso a archivos que antes estaban restringidos ha permitido recuperar materiales que enriquecen la historia detrás de La reina Kelly, ofreciendo un vistazo a una época donde el romance y la decadencia se entrelazaban en la pantalla.

Stroheim, en su reclusión, se reinventó como actor en las décadas siguientes. La admiración de Billy Wilder por su trabajo lo llevó a roles memorables, incluyendo su aparición en El crepúsculo de los dioses (1950). Este filme, que refleja la melancolía de una época dorada, revitalizó el interés por su obra perdida y dejó claro que, a pesar de las adversidades, su arte seguía cautivando.

La historia de La reina Kelly, ahora restaurada, es no solo un testimonio del talento de Stroheim, sino también de las luchas que enfrentó un artista en un mundo que, a menudo, priorizaba la conveniencia empresarial sobre la visión creativa. Su legado continúa desafiando y fascinando, recordándonos que el cine mudo fue un campo de batalla donde se forjaron las bases de un arte que sigue evolucionando.

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La trayectoria de Iñárritu ha estado marcada por una serie de obras aclamadas, entre ellas "Amores perros", "21 gramos" y "Babel", las cuales coescribió junto a Guillermo Arriaga. Esta colaboración se destacó por su capacidad para tejer narrativas complejas y profundas que resonaban emocionalmente con los espectadores. Sin embargo, tras su separación profesional, la obra de Iñárritu ha pasado por altibajos, siendo "Biutiful" uno de sus trabajos más notables en años recientes.

A pesar del impacto previo de sus películas, algunos críticos han expresado su desconcierto ante la recepción de "Digger". Al parecer, la cinta se aleja de la brillantez que caracterizaba sus obras anteriores. Sin embargo, el director ha logrado mantener su sello visual y narrativo, aunque las reacciones a esta producción parecen indicar que no ha logrado la misma conexión con el público que en sus trabajos pasados.

El filme ha sido descrito como una de las propuestas más audaces del año, pero no ha estado exento de críticas severas. A medida que se incrementa el debate crítico, se hace evidente que "Digger" invita a una reflexión sobre la evolución del director y su legado en la industria cinematográfica.

Con la proyección de "Digger", el director enfrenta el desafío de reconectar con su audiencia. La crítica abrirá un espacio de discusión sobre su adaptación a tiempos contemporáneos y el impacto de su narración en un panorama cinematográfico saturado. Este estreno se convierte así en un punto focal no solo por la anticipación, sino también por las expectativas que genera en el contexto actual del cine.

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El filme, dirigido por Marcelo Martinessi, se sumerge en la vida de Bernardo Aranda, un carismático locutor de radio que fue asesinado en 1959. Basada en la novela del escritor e historiador Guido Rodríguez Alcalá, "Narciso" se desarrolla en Radio Capital, una emisora popular que respiraba el folclore nacional mientras enfrentaba el influjo del rock estadounidense. Aranda, interpretado por Diro Romero, se convierte en una figura central en esta emisora, justo cuando la dictadura de Alfredo ‘El Rubio’ Stroessner inicia una ofensiva moral, particularmente contra la comunidad homosexual.

El guion despliega un profundo simbolismo, posicionando el programa de radio como un microcosmos de la sociedad paraguaya. La historia de "Narciso" no solo narra el asesinato de Aranda; más bien, revela cómo los nuevos ritmos y la cultura juvenil se convirtieron en amenazas para un régimen represor. La relación entre la música y el silencio, el deseo y la censura, se explora con maestría en un ambiente lleno de sombras.

Martinessi, conocido por su aclamada película "Las Herederas", vuelve a examinar la historia de Paraguay a través de una lente crítica que invita a la reflexión sobre la lucha por la libertad en tiempos de represión. La película, que se estrena el 2 de octubre de 2026, ofrece un viaje inquietante hacia un periodo histórico que marcaría la memoria colectiva de una nación.

Con una duración de 100 minutos, "Narciso" se presenta no solo como un relato del pasado, sino como una llamada a la conciencia sobre la importancia de recordar y entender la historia para construir un futuro más libre. En medio de un panorama sombrío, la película deja entrever que el verdadero peligro para cualquier poder retrógrado radica en la creatividad, la música y la imaginación —elementos que erigen un espacio de resistencia ante la opresión. Esta exploración del cuerpo y la voz como herramientas de reclamación y libertad resulta esencial en un contexto donde el silencio a menudo es la única respuesta.

"Narciso", con su narrativa rica en simbolismo y su enfoque en los desafíos de una época convulsa, captura la esencia de una lucha por la dignidad y la expresión en un tiempo donde la opresión intentó silenciarla todo.

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Desde el impulso de este modelo en 2019, varias ciudades españolas han tenido la oportunidad de celebrar los Goya. Sevilla ha sido elegida dos veces, en 2019 y 2023, mientras que Málaga fue anfitriona en 2020 y 2021, y Valencia, Valladolid, y Granada también han sido sedes en años recientes. Esta decisión refleja un esfuerzo consciente por parte de la Academia, según su presidente, Fernando Méndez-Leite, quien destacó la importancia de llevar el evento al norte de España, indicando que "lo más arriba que hemos llegado hasta ahora ha sido Valladolid".

Durante la presentación de la gala en Madrid, llevada a cabo en conjunto con la presidenta del Gobierno de Navarra, María Chivite, se anunció que las nominaciones se revelarán el 15 de diciembre de 2026, y el encuentro de nominados será el 11 de enero de 2027. Este anuncio genera expectativa en un contexto en el que la cinematografía española atraviesa un momento de gran creatividad y reconocimiento internacional.

La llegada de los Goya a Pamplona también coincide con lo que muchos consideran una etapa dorada para el cine español, especialmente con títulos que han brillado en festivales de renombre. Películas como La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, ya han destacado por su éxito en Cannes y en el Festival Internacional de Cine de Toronto, donde se llevó el premio del público. Esta película, aparte de su impresionante trayectoria, ha sido seleccionada para representar a España en la próxima edición de los Oscar, a celebrarse en 2027.

El 2025 estableció un precedente positivo para el cine español. Con producciones que han resonado a nivel internacional, como Los domingos, y la aclamada Sirât, que fue nominada en dos categorías a los Oscar, el panorama cinematográfico español se presenta vibrante y lleno de oportunidades.

Con la 41ª edición de los Premios Goya acercándose, la atención se centra no solo en los premios y nominaciones, sino también en el impacto que este evento tendrá en la cultura cinematográfica de España y la proyección internacional de sus creaciones. La emoción por el futuro del cine español es palpable, y la contribución de Pamplona como sede de este prestigioso evento promete ser un capítulo significativo en su rica historia.

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Nacido en un entorno de talante deportivo, Suárez tuvo vínculos familiares con el ámbito futbolístico a través de su padrastro, Helenio Herrera, icónico entrenador del FC Barcelona. Aunque su carrera como cronista deportivo lo llevó a crear una figura literaria bajo el seudónimo de Martín Girard, la vida de Gonzalo se enfocó en dos pilares: el cine y la literatura.

Su intrigante relación con el fútbol se inició en su niñez, cuando su madre lo llevó a ver al Atlético de Madrid, un momento que dejó una huella imborrable en su memoria. Años más tarde, ese amor por el fútbol, aunque en retirada, nunca desapareció del todo, y su vínculo con el cine se intensificó, convirtiéndose en uno de los referentes artísticos del país.

A medida que su vida transcurría, Suárez se adentró en el mundo del cine y la escritura, creando obras que examinan la condición humana. "La literatura es el boxeador con su sombra", solía decir, contrastando la acción de escribir entrevistas con la soledad de la creación literaria. En los últimos años, Gonzalo continuó siendo una figura relevante en el panorama cultural español, con premios que celebran su trayectoria y la influencia que ha tenido en múltiples artes.

Su conversación final sobre la naturaleza fugaz de la vida se convierte en un recordatorio para todos nosotros. La rapidez con que avanza el tiempo puede ser abrumadora, pero es a través del amor y la conexión con nuestros seres queridos que se encuentra sentido. Así, Gonzalo Suárez, siempre huyendo y buscando, se despide como un artista que ha dejado una huella inigualable en la cultura española, recordándonos que, en última instancia, lo que realmente importa es el legado que dejamos atrás.

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Este año, sus trabajos en “Amarga Navidad”, su segundo proyecto dirigido por Pedro Almodóvar, y “El ser querido” de Rodrigo Sorogoyen, han definido su creciente carrera, tras haber sido catapultada a la fama con la serie “Antidisturbios”. Su reciente participación incluye la presentación del filme “Sants” de Mikel Gurrea en el Festival de San Sebastián, demostrando su versatilidad y compromiso con la actuación.

En sus declaraciones, Luengo critica la saturación mediática, expresando su inquietud sobre cómo su constante exposición podría agotar la paciencia del público. A pesar de sus preocupaciones, está disfrutando plenamente del momento profesional que atraviesa. Recuerda su trayectoria desde el inicio, conectando los hilos entre sus sueños de infancia y su éxito actual.

El equilibrio entre la promoción y el rodaje es un tema recurrente en su vida; enfatiza que, aunque el trabajo de promoción puede ser agotador, el valor que encuentra en cada uno de los proyectos que lleva a cabo compensa el esfuerzo. Aún así, Luengo ha señalado la importancia de encontrar tiempo para sí misma y su familia, especialmente dado el delicado estado de salud de su madre. Ha decidido hacer una pausa en los rodajes hasta mayo para centrarse en una obra de teatro que se estrenará en 2027, resaltando el aspecto íntimo y seguro del teatro como un espacio esencial para su desarrollo artístico.

En lo que respecta a su futuro en el ámbito de las series, Luengo admite que no planea comprometerse a largo plazo con un proyecto, destacando el desgaste emocional que conlleva. “La vida en estos últimos dos o tres años me ha dado tantas vueltas”, expresa, evidenciando una madurez desarrollada a raíz de su experiencia.

La relación familiar también ocupa un lugar relevante en su discurso. Luengo menciona cómo su familia no siente la necesidad de seguir su carrera de manera constante, reflejando una comprensión del viaje profesional que ha emprendido. Su rol como actriz le ha permitido abordar temas personales a través de sus personajes, lo cual considera un gran regalo de la vida.

Consciente de su creciente influencia en la industria del entretenimiento, Victoria Luengo se siente responsable de su impacto y utiliza su voz para expresar sus necesidades y preocupaciones en el set. La edad y la experiencia la han llevado a un lugar donde puede comunicar lo que siente sin temor.

En resumen, Victoria Luengo continúa dejando su huella en el panorama cinematográfico español mientras navega las complejidades de la fama, la familia, y su compromiso con el arte. Su trabajo en proyectos diversos destaca no solo su talento, sino también su profunda conexión con el mensaje que busca transmitir a través de cada uno de sus personajes.

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Días más tarde, cuando Cortés llegó al set para rodar su única jornada de trabajo, que coincidía con el último día de Miguel Bernardeau, quien da vida a Rafael Rodríguez Rapún, el hombre que inspiró a Lorca en Sonetos del amor oscuro, vivió una experiencia intensa y emotiva. Esta conexión lo alinea con una breve pero significativa lista de actores que han dado vida al poeta en la pantalla grande y pequeña.

Lorca, quien fue asesinado hace 90 años, ha sido objeto de numerosos documentales. Uno de los más recientes, La voz quebrada, se estrenará el 16 de octubre, ampliando las narrativas en torno a su figura.

A lo largo de los años, diversas producciones han abordado la vida y muerte de Lorca, destacando:

1. Lorca, muerte de un poeta (1987): Seis episodios dirigidos por Juan Antonio Bardem, basada en la obra de Ian Gibson. Un dato curioso es que el rol principal fue interpretado por el actor inglés Nickolas Grace, cuyas similitudes físicas con Lorca le valieron el papel, aunque su voz fue doblada.
2. Muerte en Granada (1996): Esta película, dirigida por Marcos Zurinaga, presenta a un periodista (interpretado por Esai Morales) que busca respuestas sobre la desaparición de Lorca durante la dictadura franquista. Andy García toma el rol del poeta en una narración más dramatizada y menos precisa.
3. Little Ashes (2008): Un filme sobre la juventud de Lorca, Dalí y Buñuel, protagonizado por Javier Beltrán, quien intenta representar la complejidad de su figura.
4. El Ministerio del Tiempo (2015-2020): Ángel Ruiz encarna a Lorca en varias ocasiones en esta serie, donde el poeta interactúa con personajes que viajan en el tiempo.
5. Ena, la reina Victoria Eugenia (2024): Ángel Ruiz regresa para interpretar a Lorca en esta nueva serie que explora la vida de la reina consorte de España.
6. Lorca (2027): La nueva película de Fernando Franco, ya en producción, se centrará en las últimas semanas de vida del poeta, ofreciendo una mirada íntima y humana a su existencia marcada por el miedo y la incertidumbre.

Un aspecto fascinante de la representación de Lorca en el cine es la ausencia de grabaciones de su voz. Sus contemporáneos, como el poeta Luis Rosales, describieron su timbre poderoso y grave. Según testimonios, su acento andaluz, con un ceceo característico, se ha convertido en un objeto de estudio en la búsqueda por comprender su legado.

En una época donde las imágenes y los relatos sobre figuras icónicas son más accesibles que nunca, la exploración de la vida de Lorca sigue enriqueciendo el entendimiento y la apreciación de su obra y su tiempo.

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La controversia despertó interés en los medios, años más tarde, cuando la película se proyectó nuevamente en el festival de San Sebastián tras ser restaurada en 6K. Esta reestrena fue gestionada por su hijo, Jonás Trueba, a través de su empresa Los Ilusos. La historia detrás del cubo de agua, que algunos interpretan como un acto de venganza, sigue generando distintas narrativas según quién la cuente. Mientras Trueba habla de un momento impulsivo y surrealista, las crónicas de la época sugieren un trasfondo más conflictivo.

Este año, el festival también presentó Bajañí, otra de las obras de Trueba, un documental que explora la vida del guitarrista Niño Josele. A través de un diálogo artístico, Trueba ha reunido a varias leyendas de la música, como Caetano Veloso y Rubén Blades. Desde su perspectiva, la conexión entre ambas películas reside en la libertad creativa que las caracteriza, sin restricciones narrativas ni guiones preestablecidos.

El cineasta rememoró el rodaje de Chicho o mientras el cuerpo aguante, que decidió hacer sin un guion, junto a Chicho Sánchez Ferlosio, un cantautor cuya vida se regía por un espíritu libre y despreocupado. “Quería rodar sin un plan, adoptando una libertad total cada día”, manifestó Trueba, quien contrastó el enfoque de dicha producción con su anterior trabajo, Ópera prima, que había sido rigidamente estructurado.

El regreso de la película de 1982 también provocó la creación de Diario iluso, un periódico que recopila artículos sobre el escándalo del cubo, así como escritos y fotografías de aquel rodaje. Este resurgimiento del interés por el pasado de Trueba no solo destaca su legado cinematográfico, sino que también arroja luz sobre su enfoque artístico: crear películas que puedan acercar al público a la música y a la vida de sus protagonistas.

Además, se anticipa un nuevo proyecto: Las abdicaciones (una comedia histórica), una colaboración con su hijo Jonas, quien ha manifestado su deseo de trabajar junto a él, resultando en un filme que se estrenará en primavera. Estableciendo así un puente generacional en el mundo del cine, Trueba continúa su labor, siempre en busca de la autenticidad y la emoción en su arte.

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El jurado ha destacado su excepcional trabajo en la obra Gula (Gola), donde Pla es intérprete y cocreador junto al director Pau Matas Nogué. Esta propuesta teatral ha sido elogiada por su integración de diversas artes y disciplinas, así como por su innovador uso del lenguaje del clown. La evaluación del jurado subraya el virtuosismo de Pla y considera la pieza un "éxito contundente" tanto entre el público como la crítica, abordando temáticas contemporáneas con esfuerzo, riesgo y originalidad.

La trayectoria de Oriol Pla en el arte escénico se remonta a su infancia; comenzó a los seis años en la compañía familiar Teatre Tot Terreny. Su formación incluye un profundo vínculo con el circo y estudios en la famosa escuela de Jacques Lecoq, abarcando disciplinas como el clown, la música, el mimo, la acrobacia, la danza y la escritura teatral. Desde entonces, ha combinado la creación y la actuación en teatro, cine y televisión.

En 2018, hizo su debut como director con Travy, una obra que también escribió en colaboración con Pau Matas, obteniendo el Premio de la Crítica al mejor espectáculo de pequeño formato. A lo largo de su carrera audiovisual, ha trabajado desde los 11 años en películas y series de directores destacados como Agustí Villaronga, Cesc Gay y Jaime Rosales.

Este premio llega un año después de que Pla hiciera historia al convertirse en el primer intérprete español en ganar el Emmy internacional a la mejor interpretación masculina por su papel en Yo, adicto. El Premio Nacional de Teatro se otorga anualmente a una persona o entidad destacada en el ámbito teatral, reconociendo su labor por una obra o actuación representada el año anterior, aunque también puede premiar la totalidad de una trayectoria.

Pla recibió la noticia del galardón en San Sebastián, donde se encuentra presentando Esta Soledad, dirigida por Javier Giner. Compartió que el anunció del Emmy internacional llegó en el último día de filmación de esta película, y desde entonces, ha experimentado una racha de buenas noticias. Con una actitud juguetona, incluso utilizó una nariz roja de payaso durante su encuentro con la prensa, un objeto que le acompaña para calmar los nervios.

"Para mí el teatro es la base, es mi base y es mi ser y es mi todo", declaró tras conocer la noticia del premio. Este reconocimiento le emociona especialmente, ya que rememora sus inicios como niño viajando con sus padres en furgoneta, acompañándolos en su travesía artística, y llega a él gracias a Gula (Gola), una obra que reivindica la esencia del clown desde una óptica contemporánea.

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La película, un drama que narra la historia de un oficial de las Fuerzas Especiales, James Belmont, y su perro de combate, Odín, aborda temas profundos como el estrés postraumático. La trama, que se desarrolla tras un accidente aéreo en Alaska, saldrá en cines españoles el 25 de septiembre, después de su presentación en la sección Oficial del festival. La rueda de prensa de Pitt fue notablemente breve, con solo 24 minutos, contrastando con la duración promedio de estos encuentros que ronda los 40 minutos.

La expectación generada por su presencia fue tal, que incluso el photocall se trasladó a la parte interior del Kursaal, debido a la multitud que se aglomeraba en el exterior. Durante el evento, Pitt, vestía casualmente con chaqueta, jeans y una corbata rosa, se mostró educado y optó por la ambigüedad en sus respuestas, gesticulando con una sonrisa. A pesar de su ajetreada agenda de promoción, Pitt ha disfrutado del arte y la gastronomía de San Sebastián, visitando puntos emblemáticos como el Peine de los Vientos y el Chillida Leku, donde compartió recuerdos de su anterior visita hace 17 años.

Sobre los desafíos de la filmación, Pitt destacó la necesidad de realismo, mencionando el frío y las dificultades durante las grabaciones en Nueva Zelanda, donde se recreó Alaska. También hizo hincapié en la importancia de la conexión con su compañero de reparto, el perro que interpreta a Odín, señalando que cada día se esforzaron por convertir el rodaje en una experiencia lúdica para el animal.

El actor describió su personaje como alguien que ha enfrentado tanto heridas físicas como mentales, enfatizando que la película aborda el tema del cuidado entre las personas. Exhortó a los presentes a buscar las similitudes y a unirse ante las divisiones actuales, proponiendo un mensaje de unidad y respeto.

A punto de cumplir 63 años, Pitt atraviesa un periodo intenso de promoción, no solo de En el corazón de la bestia, sino también de Las nuevas desventuras de Cliff Booth, la precuela de Érase una vez en... Hollywood. A lo largo de su carrera ha acumulado un notable número de trabajos como intérprete y productor, destacándose en producciones de cine independiente. En su intervención, hizo hincapié en cómo la llegada de las plataformas digitales ha transformado la industria cinematográfica, brindando oportunidades a nuevos talentos, especialmente a aquellos que emergen de espacios como YouTube.

Finalmente, se supo que, a pesar de su popularidad, el festival no le otorgará un premio Donostia a Pitt, quien ha dejado claro su desinterés por recibir reconocimientos a lo largo de su carrera. Con mucho más por delante, el actor continúa contribuyendo al cine y a la cultura, dejando claro que su legado está lejos de concluir.

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Leigh, reconocido mundialmente por su enfoque humanista y por retratar la clase media británica, ha acumulado una notable trayectoria en el mundo del cine. Ha sido galardonado con la Palma de Oro en Cannes por Secretos y mentiras en 1996 y el León de Oro en Venecia por El secreto de Vera Drake en 2004. A lo largo de su carrera, ha conseguido 18 nominaciones al Oscar, lo que subraya su impacto y relevancia en la industria.

En su declaración sobre el futuro, Leigh expresó que, aunque la vida presenta incertidumbres, la esperanza persiste, especialmente por el bienestar de sus hijos y nietos. “No existe una respuesta correcta” acerca de qué vendrá después, pero mantiene un deseo optimista a pesar de los tiempos difíciles.

La esencia de Tender Loving Care radica en la exploración de la humanidad y la positividad inherente al ser humano. Leigh inició el proyecto sin un guion completo, permitiendo que sus actores participaran creativamente en el desarrollo de los personajes. En esta obra, dos trabajadoras sociales, amigas que enfrentan crisis sentimentales, viven juntas y reflejan las complejidades de una clase media que lucha por mantener la esperanza y la compasión en medio de un entorno social desafiante.

Leigh evita el melodrama, buscando capturar la ternura de la vida cotidiana y cómo, a pesar de las adversidades, los lazos familiares y la solidaridad pueden prevalecer. Su filme destaca la importancia de los servicios públicos y el apoyo comunitario como pilares fundamentales de la humanidad, una idea que resuena profundamente en la actualidad.

Los actores, muchos de ellos colaboradores habituales de Leigh, aportan una conexión auténtica a sus personajes. La entrega y la experiencia compartida en el rodaje permiten que la narrativa fluya con sinceridad y realismo, envolviendo al espectador en un hervidero de emociones que reflejan la cruda belleza de la vida.

A medida que se cierne el final de su carrera, Mike Leigh nos recuerda que el amor y la compasión son el núcleo de la experiencia humana. En un mundo donde el cinismo puede prevalecer, su invitación a ver la bondad y a luchar por un futuro esperanzador resuena más que nunca.

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En la última década, la queja sobre este tema ha alcanzado nuevos niveles en la televisión española. Aunque se producen más series que en los años 2010, su longitud ha disminuido drásticamente. Antes, una temporada podría incluir hasta 22 episodios; en la actualidad, conformarse con seis es motivo de celebración. Además, el fenómeno de las múltiples temporadas ha desaparecido casi por completo; ahora, para algunas producciones, conseguir una segunda entrega se percibe como una hazaña de proporciones épicas.

Este cambio tiene una explicación clara: los CEOs de las plataformas de streaming están moldeando el futuro de la producción audiovisual. La consecuencia directa ha sido un notable recorte en los equipos de guion. Mientras que anteriormente un equipo podría contar con la dinámica de un grupo completo, hoy en día, a menudo está reducido a un par de individuos, a veces tres. La dificultad para debutar en este ámbito es abrumadora, y aquellos que logran entrar a menudo se encuentran atrapados en un ciclo de proyectos que no les permiten diversificar.

A esta compleja situación se añade un factor cualitativo: el creciente prestigio de algunas plataformas, como Movistar Plus, ha generado un acceso aún más limitado para nuevos creadores. Aunque es cierto que han surgido voces talentosas que lograron aprovechar oportunidades que les fueron ofrecidas, la pregunta persiste: ¿dónde está el resto de los aspirantes? Esta no es solo una inquietud humana; refleja una demanda legítima por parte de muchos que desean unirse a este mundo, donde las oportunidades son escasas y la competencia feroz.

Recientemente, Movistar Plus ha tomado la iniciativa de ampliar sus horizontes, buscando un balance entre conservar a los creativos consagrados y aumentar su producción. Con planes para estrenar dos series españolas al mes, han comenzado a mostrar los primeros frutos de esta estrategia, como el anuncio de Iruña 97, una serie creada por Natxo López y Marina Parés. Sin embargo, al abrir las puertas, también enfrentan el riesgo de desdibujar su propuesta inicial.

La inquietud colectiva de aquellos que sienten que siempre trabajan las mismas personas es comprensible, y es probable que esa percepción persista entre aquellos que, a pesar de su talento, quedan excluidos de las oportunidades. La industria visual se encuentra ante un cruce de caminos: la necesidad de innovar y expandir, mientras se mantiene la calidad y se brinda espacio a nuevas voces. Solo el tiempo dirá si esta nueva era traerá cambios significativos para todos los involucrados.

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elpais.com: https://elpais.com/television/2026-09-22/siempre-trabajan-los-mismos.html

Este documental, concebido por Diego San José y dirigido por Juan Zavala y Javier Morales, toma un enfoque inusual, fusionando el absurdo humor de Chiquito con elementos de true crime. La visión creativa de los cineastas se basa en la notoriedad inexplicable de su humor, que 30 años después sigue siendo un enigma. Optaron por construir una narrativa donde Chiquito, además de ser un ícono de la comedia española, se convierta en el protagonista de un filme de atracos que explora la suplantación de su identidad en el mundo televisivo.

Aunque hoy muchos no lo recuerden, Chiquito fue un descubrimiento inesperado en la televisión española. Su carrera como cantaor comenzó en su infancia en la malagueña calle de Calzada de la Trinidad, antes de alcanzar la fama en Antena 3. En cuestión de meses, se convirtió en un fenómeno que eclipsó incluso eventos deportivos de gran relevancia. Su capacidad para conectar con el público lo convirtió en un baluarte en un país que necesitaba consuelo y alegría tras los dificiles años previos a los noventa.

El documental no solo brinda una mirada a la figura de Chiquito, sino que también reflexiona sobre la España de los noventa. Los creadores proponen que su éxito fue un antídoto contra la tristeza de la época, un momento en que un hombre de 62 años, con un estilo inconfundible y frases hilarantes pero incomprensibles, iluminó a una nación buscando razones para reír.

Un punto interesante que destaca el filme es la ausencia de un heredero a su legado. Sin una figura que haya logrado conquistar inclinaciones políticas y demográficas tan diversas como Chiquito, su recuerdo podría haber quedado relegado al olvido. Es también un relato sobre el conflicto con la nueva competencia televisiva, donde su estilo fue objeto de disputa, llevando a un juicio con Pepe Navarro por la apropiación de sus personajes y formatos.

El documental, además, ofrece testimonios de quienes compartieron esa etapa con él, desde cómicos hasta ejecutivos de televisión. Su narrativa es abierta, dejando que la audiencia evalúe el veredicto del juicio que, sorprendentemente, no tuvo una conclusión oficial. En un contexto donde los derechos de propiedad intelectual eran aún inciertos, Chiquito se convirtió en un símbolo de la lucha por su identidad artística.

Entre las revelaciones del filme, destaca la amistad entre Chiquito y Mario Conde, el exbanquero, un lazo poco esperado que refleja la interacción de dos mundos muy diferentes. La proyección de este documental no solo recuerda a un ícono del humor español, sino que también invita a los espectadores a cuestionarse sobre la felicidad, el trauma y la capacidad de los cómicos para conectar con sus audiencias.

El análisis de su figura revela un hombre que, a pesar de sus sufrimientos, mantuvo un entusiasmo vital. Chiquito no solo se convirtió en un emblema para la risa, sino que también representa las complejidades del humor en relación al dolor. En un contexto donde muchos cómicos arrastran historias trágicas, su capacidad para ser feliz y contagiar alegría a los demás se convierte en un legado memorable.

Con la llegada del documental El otro Chiquito a Movistar Plus a partir del 1 de octubre, surge una nueva oportunidad para que las nuevas generaciones descubran y valoren la singularidad y relevancia de Chiquito de la Calzada en el paisaje cultural español.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-21/el-dia-en-que-chiquito-de-la-calzada-se-enfrento-al-otro-chiquito.html

Su creador, Berto Romero, se alejó de los encargos y se lanzó a escribir esta historia en 2023 influenciado por una pulsión creativa. La trama sigue a una pareja, él y Belén Cuesta, en un intento por salvar su relación en una casa de campo, solo para encontrar que el tiempo se repite de manera inquietante tras conocer al guardián de la finca, interpretado por Javier Cámara. Este bucle temporal no solo actúa como un recurso narrativo, sino que también refleja una tragedia más profunda que los personajes deben enfrentar.

Javier Ruiz Caldera, director del filme, comentó que el enfoque del guion le sorprendió, destacando su pureza dentro del género fantástico. La narrativa abre una valiosa discusión sobre la percepción contemporánea del tiempo, que hoy se encuentra marcado por la dictadura del estímulo y la reacción. Ambos creadores coinciden en que la presión social actual hace que las respuestas sean más emotivas que reflexivas.

El pesimismo permea la película, donde se explora la autojustificación de los personajes, siendo cada uno la víctima de sus circunstancias, mientras que el resto del mundo se percibe como una amenaza. La relación con la paternidad se convierte en un elemento central, donde las decisiones extremas se justifican en nombre de los hijos. A través de su historia, la película no pretende ser moralizante, sino más bien una exploración cruda de la condición humana.

Romero, durante el desarrollo del guion, sintió la necesidad de infundirle comedia al relato, buscando un equilibrio entre lo oscuro y lo divertido. A diferencia de otras películas de bucles temporales que se centran en la posibilidad de una segunda oportunidad, "Cinco minutos más" se enfoca en la aceptación de los errores y las ramificaciones que estos conllevan.

Ruiz Caldera adaptó su enfoque de trabajo, priorizando esta historia sobre otros proyectos, ya que considera que el genre fantástico puede ofrecer reflexiones profundas sobre la sociedad actual. En este sentido, "Cinco minutos más" se presenta como una obra simbólica que ofrece interpretaciones variadas, desde la lucha en la vida de pareja hasta el choque entre el campo y la ciudad, así como tensiones sociales más amplias.

En un momento en que la impunidad parece reinar, Romero subraya la importancia de que nuestras acciones tengan consecuencias, reclamando la responsabilidad social que parece haberse desvanecido en los últimos años. Así, este filme no solo cautiva con su originalidad, sino que también invita a una profunda reflexión sobre nuestros tiempos.

Actualización: Los datos corresponden a 2026-09-19 21:30:00.

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La interpretación del joven actor Franklin Aro Huasco otorga al personaje de Martín una profundidad que permite a los espectadores conectar con su soledad. Desde su intento de superación en la escuela hasta su relación con un sastre, cuya figura evoca la imagen de un padre que nunca tuvo, cada escena invita a reflexionar sobre la complejidad de la vida en la calle.

Las elecciones cinematográficas de Tomicic, aunque chispeantes, a veces se asientan en un terreno conocido por el cine latinoamericano, donde el miserabilismo parece dominar. Sin embargo, es en los momentos en que la historia se libera de esta fórmula convencional donde realmente brilla. A través de la exploración de la vida cotidiana que Martín anhela, ya sea en la casa que colma su deseo de familia o en el taller de sastrería donde se desata un conflicto fundamental, Tomicic crea un viaje íntimo que trasciende lo superficial.

El sastre, interpretado por Alfredo Castro, representa una figura clave en la vida de Martín, aunque su caracterización a menudo queda en la penumbra, privando al público de una comprensión más completa de su influencia en la vida del adolescente. El contraste entre la naturalidad de Huasco y la opacidad del personaje de Castro podría desentonar, lo que limita la profundización en el drama del joven limpiabotas.

Un elemento recurrente en la trama es el perro, que actúa como una metáfora de las contradicciones humanas. Al igual que en "La perra", otra notable producción chilena, el perro representa un anhelo de conexión y refugio emocional. En una de las secuencias más memorables, Martín pasea por las calles de La Paz con su nuevo compañero, vestido con un traje, símbolo de dignidad y amor que refleja lo que desea alcanzar, aunque su realidad esté marcada por la orfandad.

La película, que cuenta con una duración de 90 minutos y tiene programado su estreno para el 8 de septiembre de 2024, promete ser una exploración significativa de las emociones humanas, mientras Tomicic sigue la vida de Martín con un ojo hacia la esperanza, buscando un camino que va más allá de las adversidades. En un contexto donde el cine boliviano se enfrenta a retos y oportunidades, "El ladrón de perros" se alza como una obra que invita a la reflexión y la empatía, proponiendo una mirada fresca sobre la juventud y su lucha por el amor y la pertenencia.

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Martín, interpretado por el actor natural Franklin Aro Huasco, encarna la soledad y el vacío de su orfandad a través de un comportamiento errático. Su trayecto oscila entre la escuela, donde intenta superarse, y los lugares donde se refugia, creando un retrato conmovedor de su vida marginal. Tomicic captura la esencia de la vida callejera, si bien estas imágenes pueden parecer redundantes en un cine latinoamericano que a menudo aborda el miserabilismo.

El filme gana profundidad cuando se aparta de estos clichés, explorando la vida doméstica que se escapa de Martín. El contraste entre los espacios cerrados de las casas, la sastrería y las antiguas calles de La Paz pinta un cuadro de anhelos y secretos. A través de esta exploración, el espectador descubre la búsqueda de conexión del protagonista. Sin embargo, la caracterización del sastre, interpretada por Alfredo Castro, no logra equilibrar el naturalismo de Martín. La falta de contexto sobre su vida limita la comprensión del drama que enfrenta el joven limpiabotas.

La figura del perro en la narrativa actúa como una metáfora de las paradojas humanas. En una secuencia especialmente hermosa, Martín se pasea por las calles con su compañero canino, vestido para la ocasión. Este momento encapsula la dignidad y el amor que el perro representa, un breve respiro a su orfandad y un reflejo de lo que anhela alcanzar.

Con una duración de 90 minutos, el filme está programado para su estreno el 8 de septiembre de 2024. Mientras se ha presentado en festivales y ha sido galardonado en los premios Platino y el festival de Málaga, "El ladrón de perros" promete ser una adición significativa al panorama del cine boliviano y una reflexión conmovedora sobre la soledad y la búsqueda de pertenencia en un mundo desafiante.

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Sin embargo, la carrera de Ritchie dio un giro abrupto con su tercer largometraje, Barridos por la marea (2002), una adaptación fallida de la satírica obra italiana de Lina Wertmüller. Esta película fue objeto de duras críticas, y muchos atribuyeron su fracaso a la influencia de Madonna, quien en ese momento era su esposa y protagonizaba el filme. La idea era que su presencia quizás había desviado la visión creativa de Ritchie, llevando su trabajo a un terreno menos experimental y más comercial. Con el paso del tiempo, no obstante, muchos críticos se dieron cuenta de que el verdadero responsable del fiasco era el propio director.

Desde ese tropiezo, la filmografía de Ritchie ha estado marcada por un tono a la baja. Su reciente estreno, En la zona gris, llega a las pantallas españolas -con un elenco atractivo que incluye a Jake Gyllenhaal, Eiza González, Henry Cavill y Carlos Bardem- con críticas que podrían equivaler a uno de sus trabajos más débiles, solo superado por su tercer filme.

La película, que mezcla géneros como el espionaje y el drama judicial, no logra sobreponerse a un guion que deja mucho que desear. Durante los primeros 40 minutos, Ritchie se pierde en monólogos redundantes que no aportan nada a la trama y desdibujan la conexión entre los personajes. A pesar de contar con una producción sofisticada, la falta de química entre el elenco y la debilidad de los diálogos convierten el filme en un ejercicio de frustración.

Un aspecto que Ritchie intenta explorar es la relación entre la violencia y el sistema legal, sugiriendo que las mafias no son sostenidas únicamente por la violencia, sino también por un entramado legal. Sin embargo, este enfoque se queda corto, ya que la falta de desarrollo de personajes hace que las muertes en pantalla no tengan el impacto emocional esperado. Así, el título se refiere más a las "zonas grises" de moralidad y legalidad sin adentrarse realmente en sus implicaciones.

El director parece más interesado en la acción superficial que en profundizar en los complejos temas que su propia historia podría haber abordado. La película, que se centra en un mundo lleno de corrupción y maniobras oscuras, no permite que el espectador se conecte con sus personajes o se involucre en su lucha.

Mientras En la zona gris se estrena este 18 de septiembre de 2026, queda la pregunta de si Ritchie recuperará algún día la chispa que lo encumbró en sus inicios como cineasta. La crítica, al parecer, no hace más que reafirmar que la esperanza de un renacer para el director parece, por el momento, bastante desvanecida. En el trayecto del triunfo al desencanto, el director británico ha dejado en claro que el brillo de un talento puede desvanecerse con la misma rapidez con la que se construye.

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A lo largo de su trayectoria, solo otras películas como La sociedad de la nieve, de Juan Antonio Bayona, y Sirât, de Oliver Laxe, que logró dos nominaciones en la pasada edición de los Oscars, se acercaron a este fenómeno. Los espectadores que han disfrutado de La bola negra en festivales la han encumbrado, y la crítica especializada muestra un amplio apoyo. En Norteamérica, se espera que cuente con un lanzamiento respaldado por el gigante Netflix, lo que augura un camino sólido durante la campaña de premios.

Desde su presentación en Cannes, medios anglosajones como The New York Times han elogiado el drama de los Javis, sus directores, quienes, en un acercamiento proactivo, planean acompañar la promoción de la película a cada rincón posible. Sus esfuerzos se ven reflejados en las proyecciones realizadas por Variety, que anticipa que La bola negra podría obtener hasta siete nominaciones en los Oscars, incluyendo mejor película y guion adaptado. Por su parte, The Hollywood Reporter sugiere que las posibilidades podrían aumentar a catorce nominaciones en diversas categorías, como dirección y actuación secundaria para Penélope Cruz.

Sin embargo, la competencia es feroz. Aunque La bola negra tiene una sólida base, otros títulos de gran renombre, como Digger de Alejandro González Iñárritu o Dune: parte tres de Denis Villeneuve, no han pasado desapercibidos y podrían alterar el panorama. La expectativa por el estreno es alta, y aún quedan varios festivales por atravesar, incluidos San Sebastián, Roma y Nueva York, antes del lanzamiento en salas estadounidenses previsto para el 16 de octubre y en Netflix el 2 de diciembre.

El equipo de promoción que rodea a La bola negra es también notable, con Lisa Tabak, vicepresidenta de relaciones con el talento en Netflix, desempeñando un papel crucial. Tabak, con amplia experiencia en el manejo de campañas de premios, ha reafirmado que la película tiene el potencial de resonar en el público estadounidense.

La inversión que Netflix empleará para posicionar La bola negra es considerable. Medios estiman que para películas no estadounidenses, el monto puede oscilar entre los 25 y 30 millones de euros, un cálculo que parece razonable dadas las ambiciones para esta producción.

Con fechas clave en el horizonte, incluida la entrega de los Oscar honoríficos el 15 de noviembre, la presión y las expectativas irán en aumento. Las votaciones para las listas cortas de las categorías de los Oscars se llevarán a cabo del 7 al 11 de diciembre, y los resultados se dividirán entre las nominaciones de enero, precediendo a la gala principal que se celebrará el 14 de marzo de 2027.

Finalmente, el camino que La bola negra deberá recorrer se asemeja a una travesía desafiante, pero con un respaldo sólido y un mensaje poderoso, los creadores están decididos a hacer de esta película un hito en la industria del cine español. Mientras tanto, la promoción se intensificará, con el objetivo de que esta obra de arte se convierta en un fenómeno entre el gran público.

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La película será presentada ante la prensa el 1 de octubre en la Real Academia de Bellas Artes, y se espera que sea exhibida en un festival internacional, además de un estreno mundial en varias ciudades. Este filme marcará la 51ª obra escrita y dirigida por Allen, quien es conocido por su capacidad de capturar la esencia de distintas ciudades del mundo en sus narrativas cinematográficas, habiendo trabajado en lugares como Nueva York, Roma y París.

En un esfuerzo por promover Madrid como un destino turístico de cine, el Gobierno de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Isabel Díaz Ayuso, ha decidido patrocinar este proyecto con la suma de 1,5 millones de euros. Este acuerdo fue oficializado mediante un contrato publicado en el portal de contratación pública de la CAM el 24 de octubre de 2025, y los pagos se dividirán en tres partes: 150,000 euros este 2025, 600,000 en 2026 y 750,000 en 2027. El contrato estipula un plazo de 26 meses para la realización del filme, que deberá culminar antes del 31 de diciembre de 2027.

El Ayuntamiento de Madrid también apoya esta iniciativa, contribuyendo con fondos que elevan el total a tres millones de euros. Ambas administraciones esperan que esta colaboración ayude a fomentar el turismo cinematográfico, atrayendo a visitantes interesados en recorrer las localizaciones que aparecerán en la película.

Woody Allen, considerado uno de los cineastas más influyentes del panorama cinematográfico contemporáneo, ha dirigido 50 películas aclamadas, con su último trabajo, "Golpe de suerte", estrenado en 2023 en el Festival de Venecia. Su capacidad para retratar la vida urbana y los matices culturales ha dejado una huella indeleble en la historia del cine, y su nueva obra promete seguir esa tradición, esta vez con el telón de fondo de una Madrid en constante transformación.

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La historia de Sus hijos gira en torno a un novelista de renombre mundial, interpretado por Bill Nighy, quien lleva dos décadas sin crear. En una mansión donde convive con su hijo pequeño, el escritor se enfrenta a una revelación inesperada tras la muerte de un amigo. Decide convocar a sus dos hijos mayores de una relación anterior para compartir una información familiar que podría cambiar su dinámica por completo. Esta narrativa se adentra en temas recurrentes de Trapero, como las relaciones familiares y la búsqueda de la verdad, elementos que han estado presentes en su filmografía.

Trapero, de 54 años y originario de San Justo, ha explicado que Sus hijos resuena con sus obsesiones creativas: “La historia encaja en mi carrera”, ha comentado en una entrevista reciente. El guion, originalmente creado por Sarah Polley, fue adaptado para centrar el drama en los personajes, alejándose del bullicio de Nueva York a una campiña inglesa, lo que se manifiesta en un ambiente más introspectivo.

La película también refleja cuestiones contemporáneas, como el egoísmo en el contexto familiar. Trapero destaca la importancia de las decisiones que los padres toman en su afán por proveer lo mejor para sus hijos, a menudo a expensas del tiempo que pasan con ellos. Explica que el título inglés de la película, traducido como E hijos, implica una cadena de conexiones, mientras que el título en español sugiere posesión, lo que proporciona matices a la trama.

El director menciona su admiración por Luis Buñuel, un referente en el uso del surrealismo realista, y habla de la influencia de este estilo en su propia forma de contar historias. Trapero busca encapsular lo extraordinario dentro de lo cotidiano, creando situaciones que, aunque puedan parecer absurdas, resuenan con la verdad de sus personajes.

El cineasta también ha manifestado su deseo de volver a historias más íntimas y contenidas después de un período en el que se sintió desviado hacia producciones más escandalosas. Refleja en Sus hijos la complejidad de las relaciones humanas y cómo cada historia familiar ofrece una ventana hacia las comunidades a las que pertenecemos.

Trapero ha regresado a Argentina tras completar la filmación de la serie Gordon, que se centra en Aníbal Gordon, un personaje real involucrado con la organización político-terrorista de derecha conocida como Triple A en los años setenta. El director ve esto como una declaración de intenciones en el contexto actual del país.

Con Sus hijos, Trapero busca no solo narrar una historia cautivadora, sino también generar reflexión sobre las dinámicas familiares y la verdad que a menudo se oculta entre los lazos de sangre. A medida que la película se acerca a su estreno, las expectativas son altas, esperando que este trabajo continúe la rica tradición del cine argentino en la exploración de la condición humana.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-14/pablo-trapero-el-cineasta-argentino-que-busca-la-verdad-y-el-drama-salta-al-ingles-con-sus-hijos.html

Miles de jóvenes en el país generan ingresos a través de diversas actividades como la actuación, la creación de contenido digital y el comercio. Así, la cuestión sobre la fiscalidad aplicable a los menores de edad se ha vuelto un tema crucial que merece atención. Yanin Ortiz, subdelegada de la Procuraduría de la Defensa del Contribuyente (Prodecon) en Tabasco, enfatiza que las personas físicas que obtienen ingresos en territorio nacional están obligadas a cumplir con esta normativa, incluyendo a aquellos que residen en el extranjero pero tienen un establecimiento permanente en México.

Bajo estas condiciones, los menores de edad que generan ingresos deben, sin duda, pagar impuestos. La ley establece que los tutores o responsables legales de estos menores son los encargados de cumplir con las obligaciones fiscales correspondientes. Esto significa que, aunque los niños y adolescentes pueden generar estos ingresos, quienes tienen la tutela son considerados responsables solidarios ante el fisco.

Existen dos escenarios específicos para los menores que trabajan o generan ingresos. Primeramente, los adolescentes de 16 años pueden inscribirse en el Registro Federal de Contribuyentes (RFC) para comenzar su andadura fiscal, siempre con la autorización de sus padres o tutores. Este registro es particularmente aplicable a aquellos que trabajan formalmente en un empleo subordinado, donde las responsabilidades de cálculo y retención de impuestos recaen sobre el empleador.

Por otro lado, aquellos menores que operan por su cuenta, como los generadores de contenido o los comerciantes, pueden también obtener su RFC, pero las obligaciones fiscales recaen en sus tutores hasta que alcancen la mayoría de edad. Según el catedrático Juvenal Lobato de la UNAM, la normativa fiscal no distingue entre adultos y menores, subrayando que si hay ingresos, necesariamente debe cumplirse con la obligación de declarar y pagar impuestos.

Al llegar a la mayoría de edad, todo joven que haya estado generando ingresos o que prevea hacerlo debe inscribirse en el RFC. La ley mandató en 2022 que quienes cumplan 18 años se registren, aunque no estén trabajando, lo que les permite tener una base legal clara. Sin embargo, el incumplimiento de este registro por parte de quienes ya generan ingresos puede acarrear sanciones que oscilan entre 4,480 y 13,430 pesos.

Este marco legislativo es fundamental para entender el panorama fiscal de los jóvenes en México. La realidad de que cada ingreso cuenta y que la responsabilidad fiscal puede recaer en sus tutores es un aspecto que cualquier joven emprendedor o trabajador debe considerar seriamente.

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A diario, miles de jóvenes en el país reciben ingresos a través de diversas actividades, incluyendo la actuación, la creación de contenido digital, el comercio y el empleo formal. La subdelegada de la Procuraduría de la Defensa del Contribuyente (Prodecon), Yanin Ortiz, ha subrayado que cualquier individuo que obtenga un ingreso en el territorio nacional, ya sea una persona física o moral, está sujeta al pago de impuestos. Esta normativa se extiende incluso a aquellos con residencia en el extranjero que mantienen un establecimiento permanente en México.

Para aquellos menores que generan ingresos, existen diferentes modalidades. A partir de los 16 años, un menor puede registrarse en el Registro Federal de Contribuyentes (RFC) para formalizar su obligación tributaria, aunque este proceso requiere la autorización de sus padres o tutores. Este registro se aplica principalmente a quienes comienzan a trabajar con un patrón bajo el régimen de sueldos y salarios, asegurando que el empleador se encargue de las retenciones y otros trámites fiscales.

En el caso de los jóvenes que trabajan de manera independiente, como en la actuación o la creación de contenido, también pueden obtener su RFC. Sin embargo, aquí la responsabilidad de las obligaciones fiscales recae en un "responsable solidario"—típicamente un padre o tutor—hasta que el menor cumpla la mayoría de edad. Este enfoque busca asegurar que la carga fiscal se cumpla, sin importar la edad del contribuyente.

La Ley del Impuesto Sobre la Renta y las disposiciones fiscales son claras: cualquier ingreso que pueda ser declarado debe serlo, y la obligación de pagar impuestos es ineludible. Esto significa que, mientras el trabajo de un menor no contravenga las leyes laborales, está obligado a cumplir con sus responsabilidades fiscales.

En cuanto a la obtención del RFC, Ortiz menciona que cualquier persona que realice actividades generadoras de ingresos o que deba emitir facturas está obligada a registrarse. Desde 2022, incluso los jóvenes de 18 años, aunque no estén trabajando, deben hacerlo. Si un joven no genera ingresos, se le clasifica como "persona física sin obligaciones fiscales", lo que exime de sanciones por incumplimiento.

Sin embargo, es crucial que aquellos contribuyentes que sí generan ingresos se registren a tiempo. Las multas por no hacerlo pueden oscilar entre 4,480 y 13,430 pesos, una carga considerable que podría evitarse con una adecuada gestión.

Este contexto pone de manifiesto la importancia de la educación fiscal desde una edad temprana, ayudando a los jóvenes a entender no solo sus derechos, sino también sus deberes como ciudadanos responsables frente a la autoridad fiscal. La inclusión de los menores en el ámbito fiscal es, sin duda, un tema que merece atención y reflexión en nuestra sociedad actual.

(Actualización hasta 2026-09-13 10:00:00)

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Un claro ejemplo de esta dinámica es Forastera, la ópera prima de Lucía Aleñar Iglesias. Con una formación académica sólida que incluye estudios en la Escuela de Cine de Nueva York y un máster de guion en Columbia, Aleñar ha adaptado su propio corto homónimo de 2020 en un largometraje que aborda cuestiones de identidad y conexión familiar. Situada en una idílica casa de Mallorca, la historia se centra en una adolescente que, tras la muerte de su abuela, inicia una relación compleja con su abuelo, marcada por un intercambio inquietante de roles familiares.

El filme se sitúa en un contexto de pérdida y duelo, explorando las primeras experiencias sentimentales y sexuales de los jóvenes. Sin embargo, su desarrollo tiene un ritmo lento que puede disuadir a algunos, puesto que tarda aproximadamente 55 minutos en encontrar su ritmo narrativo. A lo largo de este tiempo, se manejan paisajes visuales cautivadores, capturando la luz y el entorno con un gusto notable, pero los silencios pueden resultar vacíos y los diálogos, esporádicos e irrelevantes.

A medida que avanza la trama, la película comienza a transformar su atmósfera. En los últimos 30 minutos, Aleñar introduce una musicalidad envolvente, elementos visuales expresivos a través de angulares dramáticos y simbolismos que añaden mayor profundidad a la narrativa. Este cambio culmina en un final que, aunque mejorado, podría no ser suficiente para recuperar la atención disipándose en el primer acto.

A pesar de haber recibido reconocimientos internacionales y un premio de la Crítica en la sección Discovery del Festival de Toronto, la obra ha inscrito su estreno en septiembre, más de un año después de debutar en el festival Seminci de Valladolid en 2025. Para muchos críticos, incluido este autor, Forastera no se presenta como una película fácil de digerir, y algunos pueden argumentar que no ha cumplido sus expectativas.

La producción, que cuenta con un elenco destacado que incluye a Zoe Stein y Lluís Homar, se articula como un drama notable en un contexto cinematográfico cambiante. Con una duración de 97 minutos y su estreno programado para el 11 de septiembre, la película invita a la reflexión sobre la complejidad de las relaciones humanas y las experiencias de los jóvenes en un marco de pérdida y descubrimiento.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-11/forastera-fantasmal-y-tedioso-desconcierto-adolescente.html

El documental se basa en una rigurosa investigación por parte del diario británico The Guardian y se caracteriza por su perspectiva fría y crítica, entrelazando testimonios desgarradores con el sonido y las imágenes de Tel Aviv. El término "NAZA" se refiere, en el lenguaje militar israelí, a los daños colaterales en las operaciones, creando un contraste entre la tecnología bélica moderna y el sufrimiento humano que provoca.

Mientras se presenta este relato, se destaca la coincidencia con el 80º aniversario del Holocausto en Israel. Un militar comparte que, aunque los nazis eran "el diablo", se cuestiona su propia identidad en el contexto actual. Esta reflexión se torna más potente al observar que el poder destructivo desplegado por el ejército israelí hace eco de patrones de deshumanización que resuenan desde eventos pasados trágicos.

A medida que avanza el relato en "NAZA", los soldados describen el sofocante engranaje de una tecnología militar que transforma la guerra en algo similar a un videojuego. Recoger información a través de los teléfonos móviles de los gazatíes sospechosos de ser parte de Hamas se convierte en rutina. A medida que los objetivos se amplían a los edificios donde habitan, la discusión sobre los "naza" —ciudadanos inocentes como mujeres, niños y ancianos— se diluye en el proceso. Aquí, se introducen infames "juegos del hambre", donde la desesperación de la población es tratada como un recurso en la escalada de violencia.

Los testimonios ofrecidos revelan cómo los efectos psicológicos de sus acciones persiguen a estos individuos, a pesar de su aparente insensibilidad. Algunos hablan de la adrenalina de la guerra y de cómo, aunque se les ofreció ayuda psicológica, no la consideraron necesaria. Este análisis minucioso, a la vez que perturbador, muestra que el dolor y el sufrimiento son solo parte de un engranaje mucho más complejo.

Rachel Szor, una de las directoras, aclara que el propósito de "NAZA" no es solo presentar hechos, sino desafiar la negación de la violencia sistemática contra los palestinos. El reconocimiento de que los crímenes del estado deben ser develados es central para el mensaje del documental. A pesar de los detractores y las acusaciones de antisemitismo que enfrentan quienes critican a Israel, los productores defienden su derecho a señalar estas violaciones.

A medida que se contempla la memoria del Holocausto, la compleja relación de Israel con su pasado se presenta como una carga en la lucha actual por los derechos palestinos. Al final, "NAZA" otorga un espacio para que las víctimas, aunque no estén físicamente presentes en el documental, queden siempre en la memoria, instando a la búsqueda de justicia y una reflexión crítica sobre el impacto del conflicto.

Mientras se presenta esta potente pieza en diversos festivales de cine, la obra invita a cuestionar la narración recibida y a tomar conciencia sobre las atrocidades que siguen ocurriendo, haciendo hincapié en la necesidad urgente de abordar la violencia sistemática en el contexto de la ocupación y la historia compartida de sufrimiento.

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En la historia, Bardem interpreta a un arquitecto español que vive en Londres y se enfrenta al encargo de diseñar un búnker de lujo para un magnate tecnológico. A través de este proyecto, la trama profundiza en cómo las tensiones de este encargo impactan su relación con la editora encarnada por Cruz, quien se siente cada vez más desconectada en su entorno británico. Zeller, en la presentación, reflexionó sobre el guion, señalando que aborda la "paranoia de los ricos" y la creciente desconexión social que se vive en la actualidad.

Junto a Cruz y Bardem, también participaron en la conferencia Stephen Graham, Paul Dano y Patrick Schwarzenegger, quienes aportan matices y profundidades a la historia. Bardem resaltó que decidieron trabajar en este proyecto por la calidad del material que Zeller había desarrollado, mencionando que la historia resuena con temas actuales que afectan a diversas relaciones humanas.

La química entre Bardem y Cruz ha sido un aspecto vital en la construcción de su personaje en la pantalla. Ambos actores expresaron su confianza en Zeller como director y su capacidad para gestionar la intimidad de su relación mientras exploraban los elementos más humanos y emocionales del guion. En palabras de Cruz, la experiencia de trabajar juntos se siente "natural", consolidando un equilibrio saludable entre su vida personal y profesional.

En Búnker, se aprecia un uso innovador del lenguaje, ya que los personajes de Cruz y Bardem interactúan en español entre sí, pero se comunican en inglés con su entorno, algo que Cruz considera un reflejo positivo del avance del cine multicultural. La actriz subrayó que hacía unos años esto habría sido impensable y celebró que hoy en día los proyectos multiculturales obtienen financiamiento y reconocimiento.

El filme también aborda el tema del miedo y la deshumanización en la sociedad contemporánea, un tema que resonó en las declaraciones de Cruz. Explicó que su personaje refleja la manipulación que existe en el mundo actual y la pérdida de la conexión humana. Para ella, era esencial dar voz a estos conceptos a través de su actuación, mientras que Bardem se mostró firme en que los artistas tienen la responsabilidad de ser fieles a su verdad y abordar temáticas relevantes.

Florian Zeller, al hablar sobre la construcción del búnker en la trama, señaló que este simboliza el aislamiento que muchas personas eligen en su día a día, reflexionando sobre una sociedad que a menudo prefiere encerrarse en su propia burbuja en lugar de explorar el mundo.

Sobre la creciente apreciación del cine español en el ámbito internacional, Bardem expresó su optimismo acerca de la calidad de las producciones y la forma en que el cine español ha comenzado a resonar y ser bien recibido en otros países, destacando los beneficios de contar con historias que ahonden en las realidades de su entorno.

La presentación de Búnker no solo subraya el compromiso de Cruz y Bardem con su arte, sino también su deseo de impulsar una reflexión en la audiencia sobre la conexión humana en un mundo cada vez más aislado y veloz.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-08/penelope-cruz-sobre-javier-bardem-en-venecia-tenemos-un-buen-equilibrio-entre-lo-personal-y-lo-profesional.html