Actrices | Columna Digital

Siempre buscando crecer y dejar huella

Redacción — Sun, 11 Oct 2026 07:58:05 GMT

A pesar de haber perdido casi todos sus ahorros en la estafa de Bernie Madoff, Kevin Bacon y Kyra Sedgwick, quienes han estado juntos durante 38 años, han mantenido su hogar en Nueva York y una granja en Connecticut, donde lidiaron con el confinamiento de la pandemia. Durante ese tiempo, la familia unió esfuerzos para dar vida a “Family Movie”, un proyecto cinematográfico que los involucró a ellos y a sus hijos, Travis y Sosie Bacon.

“Family Movie” se presenta como una comedia de terror que homenajea el amor por el cine y la tenacidad de quienes lo producen sin esperar recompensas económicas. El filme, que busca la esencia de hacer cine por el mero placer de crear, tuvo su estreno europeo en el Festival de Sitges, donde Bacon y Sedgwick fueron recibidos como auténticas estrellas. La historia sigue a un director de películas de serie Z, interpretado por Bacon, quien lucha por financiar su último film, rodado en su propia casa. Su esposa, interpretada por Sedgwick, y sus hijos encarnan a personajes que enfrentan las frustraciones y ambiciones en un entorno familiar cargado de humor oscuro.

Con una carrera cinematográfica que abarca más de tres décadas, Kevin Bacon ha asumido diversos roles, desde protagonista en exitosas películas hasta director. Durante su trayecto, ha buscado proyectos que lo desafíen artísticamente, alejándose de los grandes presupuestos para centrarse en historias que lo inspiren. Como él mismo ha dicho, aún siente la misma pasión que a los 18 años por crecer y superarse en su trabajo.

El actor ha aprendido a lidiar con la fama y ha optado por ignorar las críticas sobre su trabajo, buscando en cambio un proceso creativo que impulse su crecimiento personal y profesional. Su relación con Kyra Sedgwick ha sido un pilar fundamental en su vida, abordando la profesión con autenticidad y sin dejarse llevar por el ruido de la industria.

En ocasiones, comparte con entusiasmo anécdotas sobre su experiencia en salas de cine, defendiendo la importancia de la experiencia colectiva de ver películas en grupo. Asegura que ningún hogar puede replicar el ambiente de una sala oscura donde se comparte el arte del cine. Esta visión resuena igualmente en su nuevo proyecto, donde la familia se convierte en el eje central, reflexionando sobre la conexión y las relaciones en el contexto de la industria cinematográfica.

Con la mirada puesta hacia el futuro, ambos artistas continúan innovando y apoyándose mutuamente, sin dejar de lado el placentero recuerdo de cuando se conocieron, un amor que germinó en el set de “Lemon Sky” en 1988. Un viaje que no solo abarca su vida personal, sino también su complicada y rica trayectoria en la cinematografía.

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Invitación de Woody Allen a Mollà: 90 años

Redacción — Sat, 10 Oct 2026 09:25:32 GMT

El actor Jordi Mollà ha compartido en su cuenta de Instagram una carta especial del cineasta Woody Allen, quien le ofreció un papel en su nueva película que se está rodando en Madrid. “Querido Jordi, nos encantaría que interpretaras a John. Es un personaje especial, y pensamos que podríamos hacerlo muy real. Si aceptas, estaremos encantados. Si no, tal vez en el futuro podamos trabajar juntos. Solo tengo 90 [años]. Te deseo lo mejor, Woody”, escribió Allen en su misiva.

Mollà, conocido por su participación en películas como La buena estrella y Los años bárbaros, aceptó la oferta, agradeciendo el honor de unirse al proyecto. En su respuesta publicada en Instagram, expresó: “Querido Sr. Allen: Muchas gracias por su preciosa carta para brindarme el honor de participar en su próxima película que tendrá lugar en Madrid, España. Sinceramente suyo, Jordi Mollà”. Con esto, se suma a un elenco que incluye a figuras como Peter Vives, Alexi Wasser, Jemima Kirke, Marton Csokas y Jakob Oftebro.

Desde el 5 de octubre, Allen ha estado rodando su película número 51 en la capital española. Durante una reciente rueda de prensa, el director destacó que la historia requiere una “atmósfera diplomática”, lo que convierte a Madrid, ciudad que ya le es familiar, en el escenario ideal. Allen describió la ciudad como “bonita, elegante, y parecía un lugar lógico para la historia”. La obra, que mezcla comedia, romance e intriga, promete ser intrigante, aunque se deberán esperar los resultados finales para comprobar si cumple con las expectativas del director.

Aunque el título de la película aún se desconoce, se ha revelado que el Ayuntamiento y la Comunidad Autónoma de Madrid han contribuido con 1,5 millones de euros cada uno para su financiación, representando alrededor del 20% de un presupuesto total estimado en 14 millones de dólares (12 millones de euros). Este apoyo económico ha sido decisivo, especialmente dado que Madrid ofrece menos incentivos fiscales para producciones cinematográficas.

La producción se centrará principalmente en Madrid, con muchas secuencias realizadas en el corazón de la ciudad, y también se incluirá la localización de Aranjuez. Además, el equipo técnico será casi completamente español e incluirá a profesionales de renombre internacional, como la diseñadora de vestuario Sonia Grande, quien ha colaborado en proyectos anteriores de Allen, y el célebre director de fotografía José Luis Alcaine.

Los seguidores del cine de Woody Allen están ansiosos por ver el resultado de este nuevo proyecto, que promete capturar la esencia de Madrid mientras ofrece una historia que, según el director, estará repleta de todos los ingredientes necesarios para una narración cautivadora. La expectativa crece en torno a esta película, que marcará otro hito en la extensa carrera del cineasta estadounidense.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-10/la-carta-de-woody-allen-a-jordi-molla-para-que-participara-en-su-pelicula-si-no-aceptas-tal-vez-en-el-futuro-solo-tengo-90-anos.html

Responsabilidad colectiva ante la violencia

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 16:27:44 GMT

Carlota Pereda, cineasta madrileña de 51 años, se ha convertido en una figura pionera en el panorama cinematográfico español. En 2019, hizo historia al ganar el Goya al Mejor Cortometraje de Ficción por su aclamado filme de terror Cerdita. Este cortometraje no solo captó la atención del público, sino que también la catapultó a la escena internacional. Cuando Cerdita se transformó en un largometraje, Pereda se convirtió en la primera mujer nominada al Goya a la Dirección Novel por una película de terror en la edición de 2022.

El reciente primer largo de Pereda en inglés, Found Alive, ha añadido otro hito a su carrera: este filme inauguró el prestigioso Festival de Sitges, el evento más relevante a nivel mundial en los géneros de terror y fantástico. Durante la presentación, Pereda comentó con humor: “Sí, demasiadas veces he sido la primera”.

Found Alive, un thriller basado en la novela The Edge of Normal de Carla Norton, sigue la historia de una joven, interpretada por Chloë Grace Moretz, que fue secuestrada por un psicópata y, tras una década de traumatización, se enfrenta a su pasado. La narrativa se centra en su proactividad, alejándose de la típica representación de víctimas, algo que Pereda aborda con una renovada sensibilidad. “No le van a resolver sus problemas”, enfatiza Pereda sobre la protagonista, a quien desea proyectar como un símbolo de resiliencia.

La elección de Moretz no fue casual; la cineasta la tenía en mente desde el principio, admirando su capacidad actoral demostrada en películas como La (des)educación de Cameron Post. La colaboración creativa entre ambas fue fundamental para dar vida a un personaje complejo y empoderado.

Pereda explora la violencia que permea la sociedad a través de su narrativa, y su enfoque en la empatía como motor de la historia brinda una perspectiva inusual en el género. En su búsqueda de una representación más auténtica, ha optado por un enfoque que resalta no solo el sufrimiento, sino también la luz y la humanidad de las víctimas. “No existe ni la víctima perfecta ni la mujer perfecta”, sostiene, desafiando los estereotipos generalmente impuestos por la industria.

Al rodar en Estados Unidos, Pereda se sintió respaldada por un elenco dispuesto a participar no solo por motivos económicos, sino también por la confianza en su visión. Este ambiente de colaboración creativa recuerda sus inicios y refuerza su compromiso con narrativas que desafían las estructuras convencionales del horror.

La inauguración de su filme en Sitges resalta la necesidad de visibilizar el trabajo de mujeres cineastas en un ámbito que ha sido históricamente dominado por hombres. Pereda expresa su esperanza de que, en el futuro, se mantengan las historias y las voces que son reflejos de una diversidad enriquecedora. "Ojalá logremos no perder esas historias ni esos puntos de vista", concluye, dejando claro que hay un camino por recorrer en la búsqueda de equidad en la industria del cine.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-09/carlota-pereda-directora-de-cine-que-inaugura-sitges-es-muy-facil-echarle-la-culpa-a-una-persona-para-no-ver-que-la-violencia-ha-permeado-la-sociedad.html

Hormigas a ciegas: la novela olvidada

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 05:10:41 GMT

Las adaptaciones cinematográficas de novelas consideradas míticas suelen enfrentar retos significativos, más aún cuando estas obras trascienden su narrativa para encarnar un tiempo y un lugar concretos. Este es el caso de "Las ciegas hormigas", la obra debut de Ramiro Pinilla, galardonada con el premio Nadal en 1960. Desde su publicación, la novela ha sido comparada con las obras de William Faulkner, especialmente con "Mientras agonizo", debido a su representación del microcosmos de Getxo, en el País Vasco, un lugar que simboliza la esencia de su entorno, de manera similar a lo que hace Yoknapatawpha en la obra de Faulkner, que refleja la decadencia del sur estadounidense.

Las adaptaciones de novelas que han alcanzado la categoría de mitos a menudo no logran capturar la complejidad y el trasfondo emocional que sus escritos originales transmiten. Ejemplos notables incluyen "Cien años de soledad", donde la singularidad del Macondo y su protagonista, José Arcadio Buendía, se ven diluidos en intentos de representación en pantalla. El cineasta Igor Legarreta, en su reciente adaptación de "Las ciegas hormigas", enfrenta un desafío similar. Aunque su película se filmó casi en su totalidad en euskera, muchos críticos han argumentado que la interpretación de la novela es superficial y carece de la profundidad que caracteriza la obra de Pinilla.

La novela, aunque no establece un tiempo específico para su narrativa, frecuentemente se relaciona con la posguerra civil española y el contexto del franquismo. Sin embargo, Pinilla se inspiró en un evento de 1929, cuando un barco inglés encalló en las costas de Getxo, lo que lo llevó a imaginar un contexto de pobrezas y desafíos ante la represión de las autoridades. Legarreta, en su adaptación, elige situar la historia en 1930, marcando el final de la dictadura de Miguel Primo de Rivera.

Uno de los obstáculos en la adaptación es la perspectiva narrativa que Pinilla emplea en su novela. Esta presenta múltiples voces, destacando principalmente la de un hijo que observa el pasado desde un futuro incierto, mientras los otros personajes expresan sus pensamientos a través de monólogos internos. Lamentablemente, esta complejidad se pierde en la película, que adopta un enfoque más lineal y simplificado.

A pesar de la notoria dirección artística, la película sufre de un aura académica que le resta dinamismo. La iluminación, aunque estéticamente cuidada, provoca que los escenarios interiores se sientan uniformes, limitando la diversidad visual que las complejidades de la narrativa original podrían ofrecer. Además, el actor Urko Olazabal, encargado de interpretar a Sabas, no logra transmitir la magnitud del carácter heroico y trágico del personaje, como lo establece la novela.

La secuencia que retrata el encallamiento del barco es uno de los elementos que se resuelven con mayor acierto, a pesar de las limitaciones de presupuesto. Sin embargo, la trama central, que abarca la lucha por la supervivencia a través de la recolección de carbón y los traumas familiares, se presenta como insustancial y carente de la intensidad emocional que caracteriza la obra de Pinilla.

El filme de Legarreta, aunque intenta reflejar los eventos de la novela, se queda corto en términos de magnitud y contenido, lo que podría decepcionar tanto a los lectores de Pinilla como a los nuevos espectadores. En última instancia, "Las ciegas hormigas", en su versión cinematográfica, representa un esfuerzo que, a pesar de su potencial, apenas roza la superficie de la rica narrativa original.

La adaptación de "Las ciegas hormigas" fue dirigida por Igor Legarreta y cuenta con la actuación de Urko Olazabal, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea y Carlos Santos. El filme, un drama español de 101 minutos, se estrena el 9 de octubre de 2026.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-09/las-ciegas-hormigas-la-descarnada-novela-de-ramiro-pinilla-no-trasciende-en-imagenes.html

El amor peculiar que arruinó a Stroheim

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 06:55:43 GMT

Bajo la apariencia de un aristócrata ficticio del decadente Imperio Austrohúngaro, Erich von Stroheim desafió las convenciones de Hollywood en la era del cine mudo, adentrándose en un mundo donde la exquisitez visual y los excesos narrativos eran su sello distintivo. Pocas figuras en la historia del cine se han adentrado tan profundamente en la creación de su legado como Stroheim, que encarnó tanto al genio incomprendido como a la víctima de un sistema implacable. Su película La reina Kelly, cuya nueva versión restaura su legado casi un siglo después de su fallido rodaje, representa un hito en su carrera y un trágico capítulo en la historia del cine.

Nacido en Viena en 1885 y fallecido en Francia en 1957, Stroheim llegó a Hollywood durante la primera década del siglo XX. Con un monóculo colgante y un aura de esnobismo militar prusiano, se convirtió en una figura de fascinación y controversia. Su estilo vanguardista y minucioso en la dirección de películas contrastaba con las crecientes restricciones morales de una industria que se volvía cada vez más conservadora. Sus obras, repletas de lujos y sensualidad, eran tan reales como el champagne que empleaba en sus rodajes.

Su enfrentamiento constante con el productor Irving Thalberg fue la batalla que marcó su carrera. Thalberg, consciente del potencial de Stroheim, mutiló su obra maestra Avaricia (1924), reduciendo un metraje original de casi diez horas a una versión irremediablemente truncada. Este acto de censura no solo significó la pérdida de una obra monumental, sino que simbolizó la victoria del sistema industrial sobre la creatividad individual.

La reina Kelly, filmada entre 1929 y 1932, surgió de la unión entre Stroheim y la emblemática actriz Gloria Swanson, quien la produjo junto a su amante Joseph P. Kennedy, un influyente financiero. La historia gira en torno a Patricia "Kitty" Kelly, una huérfana atrapada en un convento y enamorada de un príncipe libertino, quien la arrastra a un oscuro destino. La producción, marcada por la brillantez y el derroche de Stroheim, finalmente fue interrumpida por la creciente preocupación de Swanson y Kennedy, quienes temían los excesos de la narrativa y el inminente advenimiento del cine sonoro.

Tras la abrupta salida de Stroheim, la película fue completada por Richard Boleslawski y se estrenó en varios países, pero rápidamente se desvaneció en el olvido. Sin embargo, la nueva versión que se presenta ahora en cines y filmotecas de España proviene de los materiales de Stroheim, que ofrecen una experiencia visual nunca antes vista.

Dennis Doros, el restaurador de la película, recuerda cómo, en tiempos analógicos, la restauración era un proceso minucioso y laborioso. La era digital ha transformado este trabajo, facilitando la creación de una versión que honra el legado de Stroheim, mientras elimina los daños de la película original. El acceso a archivos que antes estaban restringidos ha permitido recuperar materiales que enriquecen la historia detrás de La reina Kelly, ofreciendo un vistazo a una época donde el romance y la decadencia se entrelazaban en la pantalla.

Stroheim, en su reclusión, se reinventó como actor en las décadas siguientes. La admiración de Billy Wilder por su trabajo lo llevó a roles memorables, incluyendo su aparición en El crepúsculo de los dioses (1950). Este filme, que refleja la melancolía de una época dorada, revitalizó el interés por su obra perdida y dejó claro que, a pesar de las adversidades, su arte seguía cautivando.

La historia de La reina Kelly, ahora restaurada, es no solo un testimonio del talento de Stroheim, sino también de las luchas que enfrentó un artista en un mundo que, a menudo, priorizaba la conveniencia empresarial sobre la visión creativa. Su legado continúa desafiando y fascinando, recordándonos que el cine mudo fue un campo de batalla donde se forjaron las bases de un arte que sigue evolucionando.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-05/la-reina-kelly-el-excentrico-romanticismo-que-acabo-con-la-carrera-de-erich-von-stroheim-en-el-hollywood-mudo.html

Excavador, con Tom Cruise: Sin nada

Redacción — Fri, 02 Oct 2026 10:38:32 GMT

La llegada de la nueva película "Digger", dirigida por Alejandro González Iñárritu, ha generado gran interés en la comunidad cinematográfica. Este filme, que se presenta como una comedia dramática y sátira, se estrenó el 2 de octubre de 2026, cautivando la atención del público con su impresionante elenco, que incluye a figuras como Tom Cruise, Riz Ahmed, John Goodman y Sandra Hüller, entre otros. Con una duración de 128 minutos, la película mezcla géneros para ofrecer una experiencia única en la pantalla grande.

La trayectoria de Iñárritu ha estado marcada por una serie de obras aclamadas, entre ellas "Amores perros", "21 gramos" y "Babel", las cuales coescribió junto a Guillermo Arriaga. Esta colaboración se destacó por su capacidad para tejer narrativas complejas y profundas que resonaban emocionalmente con los espectadores. Sin embargo, tras su separación profesional, la obra de Iñárritu ha pasado por altibajos, siendo "Biutiful" uno de sus trabajos más notables en años recientes.

A pesar del impacto previo de sus películas, algunos críticos han expresado su desconcierto ante la recepción de "Digger". Al parecer, la cinta se aleja de la brillantez que caracterizaba sus obras anteriores. Sin embargo, el director ha logrado mantener su sello visual y narrativo, aunque las reacciones a esta producción parecen indicar que no ha logrado la misma conexión con el público que en sus trabajos pasados.

El filme ha sido descrito como una de las propuestas más audaces del año, pero no ha estado exento de críticas severas. A medida que se incrementa el debate crítico, se hace evidente que "Digger" invita a una reflexión sobre la evolución del director y su legado en la industria cinematográfica.

Con la proyección de "Digger", el director enfrenta el desafío de reconectar con su audiencia. La crítica abrirá un espacio de discusión sobre su adaptación a tiempos contemporáneos y el impacto de su narración en un panorama cinematográfico saturado. Este estreno se convierte así en un punto focal no solo por la anticipación, sino también por las expectativas que genera en el contexto actual del cine.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-02/digger-com-tom-cruise-nada-de-nada.html

Narciso: oscuro drama sobre amor prohibido

Redacción — Fri, 02 Oct 2026 09:26:37 GMT

En el contexto tumultuoso de Paraguay en la década de 1950, donde el rock’n’roll emergía como una revolución musical en muchas partes del mundo, el país se sumía en la oscuridad de una de las dictaduras más prolongadas de América Latina. Esta paradoja histórica es el punto de partida de "Narciso", una nueva película que explora la memoria sociopolítica de Paraguay a través de una narrativa expresionista y sombría.

El filme, dirigido por Marcelo Martinessi, se sumerge en la vida de Bernardo Aranda, un carismático locutor de radio que fue asesinado en 1959. Basada en la novela del escritor e historiador Guido Rodríguez Alcalá, "Narciso" se desarrolla en Radio Capital, una emisora popular que respiraba el folclore nacional mientras enfrentaba el influjo del rock estadounidense. Aranda, interpretado por Diro Romero, se convierte en una figura central en esta emisora, justo cuando la dictadura de Alfredo ‘El Rubio’ Stroessner inicia una ofensiva moral, particularmente contra la comunidad homosexual.

El guion despliega un profundo simbolismo, posicionando el programa de radio como un microcosmos de la sociedad paraguaya. La historia de "Narciso" no solo narra el asesinato de Aranda; más bien, revela cómo los nuevos ritmos y la cultura juvenil se convirtieron en amenazas para un régimen represor. La relación entre la música y el silencio, el deseo y la censura, se explora con maestría en un ambiente lleno de sombras.

Martinessi, conocido por su aclamada película "Las Herederas", vuelve a examinar la historia de Paraguay a través de una lente crítica que invita a la reflexión sobre la lucha por la libertad en tiempos de represión. La película, que se estrena el 2 de octubre de 2026, ofrece un viaje inquietante hacia un periodo histórico que marcaría la memoria colectiva de una nación.

Con una duración de 100 minutos, "Narciso" se presenta no solo como un relato del pasado, sino como una llamada a la conciencia sobre la importancia de recordar y entender la historia para construir un futuro más libre. En medio de un panorama sombrío, la película deja entrever que el verdadero peligro para cualquier poder retrógrado radica en la creatividad, la música y la imaginación —elementos que erigen un espacio de resistencia ante la opresión. Esta exploración del cuerpo y la voz como herramientas de reclamación y libertad resulta esencial en un contexto donde el silencio a menudo es la única respuesta.

"Narciso", con su narrativa rica en simbolismo y su enfoque en los desafíos de una época convulsa, captura la esencia de una lucha por la dignidad y la expresión en un tiempo donde la opresión intentó silenciarla todo.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-02/narciso-un-tenebroso-drama-paraguayo-sobre-represion-homosexual-y-rocknroll.html

Pamplona será sede de los Goya 41.

Redacción — Thu, 01 Oct 2026 10:05:44 GMT

Pamplona se prepara para convertirse en el epicentro del cine español al albergar el 6 de febrero de 2027 la 41ª edición de los Premios Goya, un evento anual emblemático del séptimo arte en España. Esta será la primera vez que la capital navarra ejerce como anfitriona de la gala, que se llevará a cabo en el moderno Navarra Arena, marcando un punto de inflexión en la estrategia de la Academia de Cine de descentralizar la ceremonia y llevarla a diferentes ciudades del país. Pamplona tomará el relevo de Barcelona, que será la sede de la ceremonia en 2026.

Desde el impulso de este modelo en 2019, varias ciudades españolas han tenido la oportunidad de celebrar los Goya. Sevilla ha sido elegida dos veces, en 2019 y 2023, mientras que Málaga fue anfitriona en 2020 y 2021, y Valencia, Valladolid, y Granada también han sido sedes en años recientes. Esta decisión refleja un esfuerzo consciente por parte de la Academia, según su presidente, Fernando Méndez-Leite, quien destacó la importancia de llevar el evento al norte de España, indicando que "lo más arriba que hemos llegado hasta ahora ha sido Valladolid".

Durante la presentación de la gala en Madrid, llevada a cabo en conjunto con la presidenta del Gobierno de Navarra, María Chivite, se anunció que las nominaciones se revelarán el 15 de diciembre de 2026, y el encuentro de nominados será el 11 de enero de 2027. Este anuncio genera expectativa en un contexto en el que la cinematografía española atraviesa un momento de gran creatividad y reconocimiento internacional.

La llegada de los Goya a Pamplona también coincide con lo que muchos consideran una etapa dorada para el cine español, especialmente con títulos que han brillado en festivales de renombre. Películas como La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, ya han destacado por su éxito en Cannes y en el Festival Internacional de Cine de Toronto, donde se llevó el premio del público. Esta película, aparte de su impresionante trayectoria, ha sido seleccionada para representar a España en la próxima edición de los Oscar, a celebrarse en 2027.

El 2025 estableció un precedente positivo para el cine español. Con producciones que han resonado a nivel internacional, como Los domingos, y la aclamada Sirât, que fue nominada en dos categorías a los Oscar, el panorama cinematográfico español se presenta vibrante y lleno de oportunidades.

Con la 41ª edición de los Premios Goya acercándose, la atención se centra no solo en los premios y nominaciones, sino también en el impacto que este evento tendrá en la cultura cinematográfica de España y la proyección internacional de sus creaciones. La emoción por el futuro del cine español es palpable, y la contribución de Pamplona como sede de este prestigioso evento promete ser un capítulo significativo en su rica historia.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/premios-goya/2026-09-30/pamplona-acogera-la-41-edicion-de-los-premios-goya.html

Temo que se agoten de mí.

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 22:53:16 GMT

Victoria Luengo, una destacada actriz de 36 años originaria de Palma, ha logrado un notable reconocimiento en la industria cinematográfica. Actualmente, se siente "felizmente cansada", un estado revelador de su intensa trayectoria profesional. Luengo ha participado en dos películas en la misma edición del Festival de Cannes, un logro que pocos actores españoles han conseguido, después de Marisa Paredes.

Este año, sus trabajos en “Amarga Navidad”, su segundo proyecto dirigido por Pedro Almodóvar, y “El ser querido” de Rodrigo Sorogoyen, han definido su creciente carrera, tras haber sido catapultada a la fama con la serie “Antidisturbios”. Su reciente participación incluye la presentación del filme “Sants” de Mikel Gurrea en el Festival de San Sebastián, demostrando su versatilidad y compromiso con la actuación.

En sus declaraciones, Luengo critica la saturación mediática, expresando su inquietud sobre cómo su constante exposición podría agotar la paciencia del público. A pesar de sus preocupaciones, está disfrutando plenamente del momento profesional que atraviesa. Recuerda su trayectoria desde el inicio, conectando los hilos entre sus sueños de infancia y su éxito actual.

El equilibrio entre la promoción y el rodaje es un tema recurrente en su vida; enfatiza que, aunque el trabajo de promoción puede ser agotador, el valor que encuentra en cada uno de los proyectos que lleva a cabo compensa el esfuerzo. Aún así, Luengo ha señalado la importancia de encontrar tiempo para sí misma y su familia, especialmente dado el delicado estado de salud de su madre. Ha decidido hacer una pausa en los rodajes hasta mayo para centrarse en una obra de teatro que se estrenará en 2027, resaltando el aspecto íntimo y seguro del teatro como un espacio esencial para su desarrollo artístico.

En lo que respecta a su futuro en el ámbito de las series, Luengo admite que no planea comprometerse a largo plazo con un proyecto, destacando el desgaste emocional que conlleva. “La vida en estos últimos dos o tres años me ha dado tantas vueltas”, expresa, evidenciando una madurez desarrollada a raíz de su experiencia.

La relación familiar también ocupa un lugar relevante en su discurso. Luengo menciona cómo su familia no siente la necesidad de seguir su carrera de manera constante, reflejando una comprensión del viaje profesional que ha emprendido. Su rol como actriz le ha permitido abordar temas personales a través de sus personajes, lo cual considera un gran regalo de la vida.

Consciente de su creciente influencia en la industria del entretenimiento, Victoria Luengo se siente responsable de su impacto y utiliza su voz para expresar sus necesidades y preocupaciones en el set. La edad y la experiencia la han llevado a un lugar donde puede comunicar lo que siente sin temor.

En resumen, Victoria Luengo continúa dejando su huella en el panorama cinematográfico español mientras navega las complejidades de la fama, la familia, y su compromiso con el arte. Su trabajo en proyectos diversos destaca no solo su talento, sino también su profunda conexión con el mensaje que busca transmitir a través de cada uno de sus personajes.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-25/victoria-luengo-el-cine-me-ha-dado-la-oportunidad-de-decir-unas-palabras-que-la-vida-no-me-dio-con-mi-padre.html

La esfera oscura y Lorca en pantalla

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 22:18:18 GMT

Durante la escritura del guion de La bola negra, sus creadores, Javier Ambrossi y Javier Calvo, se enfrentaron a una decisión crucial: ¿debería aparecer Federico García Lorca en la película? A pesar de la incertidumbre inicial, sabían con claridad quién debía interpretarlo: el dramaturgo malagueño Alberto Cortés. Tras contactarlo, le pidieron que realizara una prueba para un personaje que, aunque no lo mencionaron explícitamente, tenía una gran relevancia.

Días más tarde, cuando Cortés llegó al set para rodar su única jornada de trabajo, que coincidía con el último día de Miguel Bernardeau, quien da vida a Rafael Rodríguez Rapún, el hombre que inspiró a Lorca en Sonetos del amor oscuro, vivió una experiencia intensa y emotiva. Esta conexión lo alinea con una breve pero significativa lista de actores que han dado vida al poeta en la pantalla grande y pequeña.

Lorca, quien fue asesinado hace 90 años, ha sido objeto de numerosos documentales. Uno de los más recientes, La voz quebrada, se estrenará el 16 de octubre, ampliando las narrativas en torno a su figura.

A lo largo de los años, diversas producciones han abordado la vida y muerte de Lorca, destacando:

Lorca, muerte de un poeta (1987): Seis episodios dirigidos por Juan Antonio Bardem, basada en la obra de Ian Gibson. Un dato curioso es que el rol principal fue interpretado por el actor inglés Nickolas Grace, cuyas similitudes físicas con Lorca le valieron el papel, aunque su voz fue doblada.
Muerte en Granada (1996): Esta película, dirigida por Marcos Zurinaga, presenta a un periodista (interpretado por Esai Morales) que busca respuestas sobre la desaparición de Lorca durante la dictadura franquista. Andy García toma el rol del poeta en una narración más dramatizada y menos precisa.
Little Ashes (2008): Un filme sobre la juventud de Lorca, Dalí y Buñuel, protagonizado por Javier Beltrán, quien intenta representar la complejidad de su figura.
El Ministerio del Tiempo (2015-2020): Ángel Ruiz encarna a Lorca en varias ocasiones en esta serie, donde el poeta interactúa con personajes que viajan en el tiempo.
Ena, la reina Victoria Eugenia (2024): Ángel Ruiz regresa para interpretar a Lorca en esta nueva serie que explora la vida de la reina consorte de España.
Lorca (2027): La nueva película de Fernando Franco, ya en producción, se centrará en las últimas semanas de vida del poeta, ofreciendo una mirada íntima y humana a su existencia marcada por el miedo y la incertidumbre.

Un aspecto fascinante de la representación de Lorca en el cine es la ausencia de grabaciones de su voz. Sus contemporáneos, como el poeta Luis Rosales, describieron su timbre poderoso y grave. Según testimonios, su acento andaluz, con un ceceo característico, se ha convertido en un objeto de estudio en la búsqueda por comprender su legado.

En una época donde las imágenes y los relatos sobre figuras icónicas son más accesibles que nunca, la exploración de la vida de Lorca sigue enriqueciendo el entendimiento y la apreciación de su obra y su tiempo.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-25/la-bola-negra-y-las-otras-pocas-veces-en-que-federico-garcia-lorca-se-ha-asomado-a-las-pantallas.html

Trueba: del escándalo a su amor musical

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 15:50:28 GMT

Hace más de cuatro décadas, un joven cineasta madrileño, Fernando Trueba, protagonizó un episodio curioso que lo ha seguido desde entonces. En 1982, durante el festival de San Sebastián, Trueba, entonces con solo 27 años, arrojó un cubo de agua sobre Diego Galán, el crítico de cine que había ocupado su antiguo puesto en el diario El País. Este acto no fue un ataque directo, como algunos interpretaron. En declaraciones de Trueba en 2026, aseguró que ni siquiera había leído la crítica negativa que Galán había escrito sobre su película Chicho o mientras el cuerpo aguante, y explicó que el acto respondía a un sueño surrealista que había tenido.

La controversia despertó interés en los medios, años más tarde, cuando la película se proyectó nuevamente en el festival de San Sebastián tras ser restaurada en 6K. Esta reestrena fue gestionada por su hijo, Jonás Trueba, a través de su empresa Los Ilusos. La historia detrás del cubo de agua, que algunos interpretan como un acto de venganza, sigue generando distintas narrativas según quién la cuente. Mientras Trueba habla de un momento impulsivo y surrealista, las crónicas de la época sugieren un trasfondo más conflictivo.

Este año, el festival también presentó Bajañí, otra de las obras de Trueba, un documental que explora la vida del guitarrista Niño Josele. A través de un diálogo artístico, Trueba ha reunido a varias leyendas de la música, como Caetano Veloso y Rubén Blades. Desde su perspectiva, la conexión entre ambas películas reside en la libertad creativa que las caracteriza, sin restricciones narrativas ni guiones preestablecidos.

El cineasta rememoró el rodaje de Chicho o mientras el cuerpo aguante, que decidió hacer sin un guion, junto a Chicho Sánchez Ferlosio, un cantautor cuya vida se regía por un espíritu libre y despreocupado. “Quería rodar sin un plan, adoptando una libertad total cada día”, manifestó Trueba, quien contrastó el enfoque de dicha producción con su anterior trabajo, Ópera prima, que había sido rigidamente estructurado.

El regreso de la película de 1982 también provocó la creación de Diario iluso, un periódico que recopila artículos sobre el escándalo del cubo, así como escritos y fotografías de aquel rodaje. Este resurgimiento del interés por el pasado de Trueba no solo destaca su legado cinematográfico, sino que también arroja luz sobre su enfoque artístico: crear películas que puedan acercar al público a la música y a la vida de sus protagonistas.

Además, se anticipa un nuevo proyecto: Las abdicaciones (una comedia histórica), una colaboración con su hijo Jonas, quien ha manifestado su deseo de trabajar junto a él, resultando en un filme que se estrenará en primavera. Estableciendo así un puente generacional en el mundo del cine, Trueba continúa su labor, siempre en busca de la autenticidad y la emoción en su arte.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-25/fernando-trueba-en-san-sebastian-del-escandalo-cuando-tiro-un-cubo-de-agua-a-un-critico-a-su-pasion-por-nino-josele.html

Arrestan a Susan Sarandon en protesta

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 13:21:13 GMT

La actriz de Hollywood Susan Sarandon, reconocida ganadora del Oscar por su interpretación en "Pena de muerte" (1995), fue arrestada recientemente en Nueva York, en el contexto de una manifestación que reunió a más de un centenar de personas. La protesta, que se llevó a cabo en el marco de la Asamblea General de las Naciones Unidas, fue organizada por el grupo Jewish Voices for Peace, que se opone a la ocupación israelí de la franja de Gaza y aboga por un cese del conflicto que se ha intensificado desde octubre de 2023.

La acción policial se produjo ya que los manifestantes estaban bloqueando una calle cerca de la sede de la ONU sin el permiso necesario. Tras ser identificados por las autoridades, los detenidos, incluyendo a la actriz Hannah Einbinder, quien recientemente ganó un Emmy por la serie "Hacks", fueron liberados poco después.

Durante la protesta, se escucharon gritos y consignas contundentes, como “Dejad de armar a Israel” y “Palestina libre”, reflejando la creciente frustración entre los activistas hacia el conflicto en Oriente Próximo. La jornada también contó con la presencia de figuras políticas, entre ellas Darializa Avila-Chevalier, una destacada candidata demócrata a la Cámara de Representantes.

Esta no es la primera vez que el alcalde de Nueva York, Zohran Mamdani, se pronuncia sobre el primer ministro israelí, Benjamín Netanyahu. En una entrevista concedida en julio, había declarado que Netanyahu no era bienvenido en la ciudad y mencionó la posibilidad de ejecutar una orden de arresto emitida por la Corte Penal Internacional en su contra por supuestos crímenes de lesa humanidad. Sin embargo, Mamdani posteriormente reconoció que la alcaldía no tenía la autoridad legal para llevar a cabo tal acción.

Los eventos en Nueva York se enmarcan en un clima de creciente tensión y debate sobre la política israelí, y se anticipan nuevas concentraciones a lo largo de la próxima noche, evidenciando la convicción de muchos activistas que buscan exigir cambios en la situación en Gaza. La manifestación subraya la pasión y el compromiso de los ciudadanos preocupados por el futuro de la región y la demanda de un discurso y acciones más justas en torno a este conflicto.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-25/la-policia-de-nueva-york-arresta-a-la-actriz-susan-sarandon-en-una-protesta-contra-netanyahu.html

Protejamos más nuestra conexión humana

Redacción — Wed, 23 Sep 2026 12:14:32 GMT

Colas de dos horas se formaron en el San Sebastián International Film Festival, donde Brad Pitt, acompañado del director David Ayer y otros miembros del equipo, presentó su nueva película, En el corazón de la bestia. Este evento ha atraído la atención de numerosos fanáticos que intentaron sin éxito acceder al Kursaal, mientras que otros se agolpaban frente al Hotel María Cristina en busca de una mera aparición del actor. Contrario al año anterior, cuando Angelina Jolie dominó el certamen, este año la estrella indiscutible fue Pitt, quien ha sido objeto de gran interés incluso en derredores de su exesposa, que lo acusó de maltrato.

La película, un drama que narra la historia de un oficial de las Fuerzas Especiales, James Belmont, y su perro de combate, Odín, aborda temas profundos como el estrés postraumático. La trama, que se desarrolla tras un accidente aéreo en Alaska, saldrá en cines españoles el 25 de septiembre, después de su presentación en la sección Oficial del festival. La rueda de prensa de Pitt fue notablemente breve, con solo 24 minutos, contrastando con la duración promedio de estos encuentros que ronda los 40 minutos.

La expectación generada por su presencia fue tal, que incluso el photocall se trasladó a la parte interior del Kursaal, debido a la multitud que se aglomeraba en el exterior. Durante el evento, Pitt, vestía casualmente con chaqueta, jeans y una corbata rosa, se mostró educado y optó por la ambigüedad en sus respuestas, gesticulando con una sonrisa. A pesar de su ajetreada agenda de promoción, Pitt ha disfrutado del arte y la gastronomía de San Sebastián, visitando puntos emblemáticos como el Peine de los Vientos y el Chillida Leku, donde compartió recuerdos de su anterior visita hace 17 años.

Sobre los desafíos de la filmación, Pitt destacó la necesidad de realismo, mencionando el frío y las dificultades durante las grabaciones en Nueva Zelanda, donde se recreó Alaska. También hizo hincapié en la importancia de la conexión con su compañero de reparto, el perro que interpreta a Odín, señalando que cada día se esforzaron por convertir el rodaje en una experiencia lúdica para el animal.

El actor describió su personaje como alguien que ha enfrentado tanto heridas físicas como mentales, enfatizando que la película aborda el tema del cuidado entre las personas. Exhortó a los presentes a buscar las similitudes y a unirse ante las divisiones actuales, proponiendo un mensaje de unidad y respeto.

A punto de cumplir 63 años, Pitt atraviesa un periodo intenso de promoción, no solo de En el corazón de la bestia, sino también de Las nuevas desventuras de Cliff Booth, la precuela de Érase una vez en... Hollywood. A lo largo de su carrera ha acumulado un notable número de trabajos como intérprete y productor, destacándose en producciones de cine independiente. En su intervención, hizo hincapié en cómo la llegada de las plataformas digitales ha transformado la industria cinematográfica, brindando oportunidades a nuevos talentos, especialmente a aquellos que emergen de espacios como YouTube.

Finalmente, se supo que, a pesar de su popularidad, el festival no le otorgará un premio Donostia a Pitt, quien ha dejado claro su desinterés por recibir reconocimientos a lo largo de su carrera. Con mucho más por delante, el actor continúa contribuyendo al cine y a la cultura, dejando claro que su legado está lejos de concluir.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-23/brad-pitt-en-el-festival-de-san-sebastian-cuidemonos-mucho-mas-entre-nosotros.html

Mike Leigh se despide con amor en ‘Tender Loving Care’

Redacción — Tue, 22 Sep 2026 17:55:30 GMT

En el marco del Festival de Cine de San Sebastián, el legendario cineasta Mike Leigh, de 83 años, dejó una profunda huella en los corazones de los cinéfilos al presentar su última película, Tender Loving Care. Durante una rueda de prensa desde Londres, el director reveló que este filme podría marcar su despedida del cine, una decisión impulsada por su condición médica, la miositis, que le impide afrontar el esfuerzo creativo de manera continua.

Leigh, reconocido mundialmente por su enfoque humanista y por retratar la clase media británica, ha acumulado una notable trayectoria en el mundo del cine. Ha sido galardonado con la Palma de Oro en Cannes por Secretos y mentiras en 1996 y el León de Oro en Venecia por El secreto de Vera Drake en 2004. A lo largo de su carrera, ha conseguido 18 nominaciones al Oscar, lo que subraya su impacto y relevancia en la industria.

En su declaración sobre el futuro, Leigh expresó que, aunque la vida presenta incertidumbres, la esperanza persiste, especialmente por el bienestar de sus hijos y nietos. “No existe una respuesta correcta” acerca de qué vendrá después, pero mantiene un deseo optimista a pesar de los tiempos difíciles.

La esencia de Tender Loving Care radica en la exploración de la humanidad y la positividad inherente al ser humano. Leigh inició el proyecto sin un guion completo, permitiendo que sus actores participaran creativamente en el desarrollo de los personajes. En esta obra, dos trabajadoras sociales, amigas que enfrentan crisis sentimentales, viven juntas y reflejan las complejidades de una clase media que lucha por mantener la esperanza y la compasión en medio de un entorno social desafiante.

Leigh evita el melodrama, buscando capturar la ternura de la vida cotidiana y cómo, a pesar de las adversidades, los lazos familiares y la solidaridad pueden prevalecer. Su filme destaca la importancia de los servicios públicos y el apoyo comunitario como pilares fundamentales de la humanidad, una idea que resuena profundamente en la actualidad.

Los actores, muchos de ellos colaboradores habituales de Leigh, aportan una conexión auténtica a sus personajes. La entrega y la experiencia compartida en el rodaje permiten que la narrativa fluya con sinceridad y realismo, envolviendo al espectador en un hervidero de emociones que reflejan la cruda belleza de la vida.

A medida que se cierne el final de su carrera, Mike Leigh nos recuerda que el amor y la compasión son el núcleo de la experiencia humana. En un mundo donde el cinismo puede prevalecer, su invitación a ver la bondad y a luchar por un futuro esperanzador resuena más que nunca.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-22/el-cineasta-mike-leigh-se-despide-con-la-mas-bella-oda-a-la-compasion-en-tender-loving-care.html

Siempre laboran las mismas personas

Redacción — Tue, 22 Sep 2026 12:02:37 GMT

El interminable runrún sobre la escasez de oportunidades en el mundo del cine y la televisión resuena con fuerza, especialmente en la industria española. No es un fenómeno nuevo; en un ámbito tan volátil y arriesgado, es común que una fórmula de éxito atraiga una copiosa cantidad de trabajos derivados, hasta que finalmente puede desgastarse o perder su frescura. Este patrón afecta de igual manera a actores, directores y guionistas, quienes deben adaptarse a un entorno en constante cambio.

En la última década, la queja sobre este tema ha alcanzado nuevos niveles en la televisión española. Aunque se producen más series que en los años 2010, su longitud ha disminuido drásticamente. Antes, una temporada podría incluir hasta 22 episodios; en la actualidad, conformarse con seis es motivo de celebración. Además, el fenómeno de las múltiples temporadas ha desaparecido casi por completo; ahora, para algunas producciones, conseguir una segunda entrega se percibe como una hazaña de proporciones épicas.

Este cambio tiene una explicación clara: los CEOs de las plataformas de streaming están moldeando el futuro de la producción audiovisual. La consecuencia directa ha sido un notable recorte en los equipos de guion. Mientras que anteriormente un equipo podría contar con la dinámica de un grupo completo, hoy en día, a menudo está reducido a un par de individuos, a veces tres. La dificultad para debutar en este ámbito es abrumadora, y aquellos que logran entrar a menudo se encuentran atrapados en un ciclo de proyectos que no les permiten diversificar.

A esta compleja situación se añade un factor cualitativo: el creciente prestigio de algunas plataformas, como Movistar Plus, ha generado un acceso aún más limitado para nuevos creadores. Aunque es cierto que han surgido voces talentosas que lograron aprovechar oportunidades que les fueron ofrecidas, la pregunta persiste: ¿dónde está el resto de los aspirantes? Esta no es solo una inquietud humana; refleja una demanda legítima por parte de muchos que desean unirse a este mundo, donde las oportunidades son escasas y la competencia feroz.

Recientemente, Movistar Plus ha tomado la iniciativa de ampliar sus horizontes, buscando un balance entre conservar a los creativos consagrados y aumentar su producción. Con planes para estrenar dos series españolas al mes, han comenzado a mostrar los primeros frutos de esta estrategia, como el anuncio de Iruña 97, una serie creada por Natxo López y Marina Parés. Sin embargo, al abrir las puertas, también enfrentan el riesgo de desdibujar su propuesta inicial.

La inquietud colectiva de aquellos que sienten que siempre trabajan las mismas personas es comprensible, y es probable que esa percepción persista entre aquellos que, a pesar de su talento, quedan excluidos de las oportunidades. La industria visual se encuentra ante un cruce de caminos: la necesidad de innovar y expandir, mientras se mantiene la calidad y se brinda espacio a nuevas voces. Solo el tiempo dirá si esta nueva era traerá cambios significativos para todos los involucrados.

elpais.com: https://elpais.com/television/2026-09-22/siempre-trabajan-los-mismos.html

El día que Chiquito se retó al rival

Redacción — Mon, 21 Sep 2026 10:30:59 GMT

Hubo un tiempo en que España se encontraba sumida en un intenso clima político, marcado por la polarización entre un gobierno socialista y la oposición del Partido Popular. Las tensiones eran palpables en el Congreso de los Diputados, y las televisiones privadas competían en creatividad más que en contenido. Sin embargo, en medio de este escenario, surgió una figura que rompió las divisiones y alcanzó a múltiples generaciones: Chiquito de la Calzada, cuyo legado sigue resonando hoy con la proyección de un nuevo documental titulado El otro Chiquito, que se presentará en el festival de San Sebastián.

Este documental, concebido por Diego San José y dirigido por Juan Zavala y Javier Morales, toma un enfoque inusual, fusionando el absurdo humor de Chiquito con elementos de true crime. La visión creativa de los cineastas se basa en la notoriedad inexplicable de su humor, que 30 años después sigue siendo un enigma. Optaron por construir una narrativa donde Chiquito, además de ser un ícono de la comedia española, se convierta en el protagonista de un filme de atracos que explora la suplantación de su identidad en el mundo televisivo.

Aunque hoy muchos no lo recuerden, Chiquito fue un descubrimiento inesperado en la televisión española. Su carrera como cantaor comenzó en su infancia en la malagueña calle de Calzada de la Trinidad, antes de alcanzar la fama en Antena 3. En cuestión de meses, se convirtió en un fenómeno que eclipsó incluso eventos deportivos de gran relevancia. Su capacidad para conectar con el público lo convirtió en un baluarte en un país que necesitaba consuelo y alegría tras los dificiles años previos a los noventa.

El documental no solo brinda una mirada a la figura de Chiquito, sino que también reflexiona sobre la España de los noventa. Los creadores proponen que su éxito fue un antídoto contra la tristeza de la época, un momento en que un hombre de 62 años, con un estilo inconfundible y frases hilarantes pero incomprensibles, iluminó a una nación buscando razones para reír.

Un punto interesante que destaca el filme es la ausencia de un heredero a su legado. Sin una figura que haya logrado conquistar inclinaciones políticas y demográficas tan diversas como Chiquito, su recuerdo podría haber quedado relegado al olvido. Es también un relato sobre el conflicto con la nueva competencia televisiva, donde su estilo fue objeto de disputa, llevando a un juicio con Pepe Navarro por la apropiación de sus personajes y formatos.

El documental, además, ofrece testimonios de quienes compartieron esa etapa con él, desde cómicos hasta ejecutivos de televisión. Su narrativa es abierta, dejando que la audiencia evalúe el veredicto del juicio que, sorprendentemente, no tuvo una conclusión oficial. En un contexto donde los derechos de propiedad intelectual eran aún inciertos, Chiquito se convirtió en un símbolo de la lucha por su identidad artística.

Entre las revelaciones del filme, destaca la amistad entre Chiquito y Mario Conde, el exbanquero, un lazo poco esperado que refleja la interacción de dos mundos muy diferentes. La proyección de este documental no solo recuerda a un ícono del humor español, sino que también invita a los espectadores a cuestionarse sobre la felicidad, el trauma y la capacidad de los cómicos para conectar con sus audiencias.

El análisis de su figura revela un hombre que, a pesar de sus sufrimientos, mantuvo un entusiasmo vital. Chiquito no solo se convirtió en un emblema para la risa, sino que también representa las complejidades del humor en relación al dolor. En un contexto donde muchos cómicos arrastran historias trágicas, su capacidad para ser feliz y contagiar alegría a los demás se convierte en un legado memorable.

Con la llegada del documental El otro Chiquito a Movistar Plus a partir del 1 de octubre, surge una nueva oportunidad para que las nuevas generaciones descubran y valoren la singularidad y relevancia de Chiquito de la Calzada en el paisaje cultural español.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-21/el-dia-en-que-chiquito-de-la-calzada-se-enfrento-al-otro-chiquito.html

La ciencia ficción refleja nuestra sociedad

Redacción — Sun, 20 Sep 2026 07:13:31 GMT

El festival de San Sebastián ha sido escenario de una apuesta audaz con la proyección de una película que combina ciencia ficción y comedia, un estilo que no suele ser el más destacado en este certamen, conocido principalmente por su enfoque en cine de autor crudo y contundente. La película, que se proyecta en sábado, se titula "Cinco minutos más" y plantea desafíos narrativos originales en un contexto de bucles temporales.

Su creador, Berto Romero, se alejó de los encargos y se lanzó a escribir esta historia en 2023 influenciado por una pulsión creativa. La trama sigue a una pareja, él y Belén Cuesta, en un intento por salvar su relación en una casa de campo, solo para encontrar que el tiempo se repite de manera inquietante tras conocer al guardián de la finca, interpretado por Javier Cámara. Este bucle temporal no solo actúa como un recurso narrativo, sino que también refleja una tragedia más profunda que los personajes deben enfrentar.

Javier Ruiz Caldera, director del filme, comentó que el enfoque del guion le sorprendió, destacando su pureza dentro del género fantástico. La narrativa abre una valiosa discusión sobre la percepción contemporánea del tiempo, que hoy se encuentra marcado por la dictadura del estímulo y la reacción. Ambos creadores coinciden en que la presión social actual hace que las respuestas sean más emotivas que reflexivas.

El pesimismo permea la película, donde se explora la autojustificación de los personajes, siendo cada uno la víctima de sus circunstancias, mientras que el resto del mundo se percibe como una amenaza. La relación con la paternidad se convierte en un elemento central, donde las decisiones extremas se justifican en nombre de los hijos. A través de su historia, la película no pretende ser moralizante, sino más bien una exploración cruda de la condición humana.

Romero, durante el desarrollo del guion, sintió la necesidad de infundirle comedia al relato, buscando un equilibrio entre lo oscuro y lo divertido. A diferencia de otras películas de bucles temporales que se centran en la posibilidad de una segunda oportunidad, "Cinco minutos más" se enfoca en la aceptación de los errores y las ramificaciones que estos conllevan.

Ruiz Caldera adaptó su enfoque de trabajo, priorizando esta historia sobre otros proyectos, ya que considera que el genre fantástico puede ofrecer reflexiones profundas sobre la sociedad actual. En este sentido, "Cinco minutos más" se presenta como una obra simbólica que ofrece interpretaciones variadas, desde la lucha en la vida de pareja hasta el choque entre el campo y la ciudad, así como tensiones sociales más amplias.

En un momento en que la impunidad parece reinar, Romero subraya la importancia de que nuestras acciones tengan consecuencias, reclamando la responsabilidad social que parece haberse desvanecido en los últimos años. Así, este filme no solo cautiva con su originalidad, sino que también invita a una profunda reflexión sobre nuestros tiempos.

Actualización: Los datos corresponden a 2026-09-19 21:30:00.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-20/berto-romero-y-javier-ruiz-caldera-en-el-festival-de-san-sebastian-la-mejor-ciencia-ficcion-habla-de-como-funciona-nuestra-sociedad.html

El robador de canes: la soledad del limpiabotas

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 11:49:47 GMT

En el vibrante escenario de La Paz, Bolivia, se despliega una historia conmovedora que captura la lucha por la identidad y la búsqueda de una conexión emocional. "El ladrón de perros", la ópera prima del director chileno Vinko Tomicic, nos presenta a Martín, un adolescente huérfano cuya vida gira en torno al lustrado de zapatos. En su travesía por encontrar un sentido de pertenencia, se encuentra no solo con un perro, sino también con un vacío existencial que resuena a lo largo de la narrativa.

La interpretación del joven actor Franklin Aro Huasco otorga al personaje de Martín una profundidad que permite a los espectadores conectar con su soledad. Desde su intento de superación en la escuela hasta su relación con un sastre, cuya figura evoca la imagen de un padre que nunca tuvo, cada escena invita a reflexionar sobre la complejidad de la vida en la calle.

Las elecciones cinematográficas de Tomicic, aunque chispeantes, a veces se asientan en un terreno conocido por el cine latinoamericano, donde el miserabilismo parece dominar. Sin embargo, es en los momentos en que la historia se libera de esta fórmula convencional donde realmente brilla. A través de la exploración de la vida cotidiana que Martín anhela, ya sea en la casa que colma su deseo de familia o en el taller de sastrería donde se desata un conflicto fundamental, Tomicic crea un viaje íntimo que trasciende lo superficial.

El sastre, interpretado por Alfredo Castro, representa una figura clave en la vida de Martín, aunque su caracterización a menudo queda en la penumbra, privando al público de una comprensión más completa de su influencia en la vida del adolescente. El contraste entre la naturalidad de Huasco y la opacidad del personaje de Castro podría desentonar, lo que limita la profundización en el drama del joven limpiabotas.

Un elemento recurrente en la trama es el perro, que actúa como una metáfora de las contradicciones humanas. Al igual que en "La perra", otra notable producción chilena, el perro representa un anhelo de conexión y refugio emocional. En una de las secuencias más memorables, Martín pasea por las calles de La Paz con su nuevo compañero, vestido con un traje, símbolo de dignidad y amor que refleja lo que desea alcanzar, aunque su realidad esté marcada por la orfandad.

La película, que cuenta con una duración de 90 minutos y tiene programado su estreno para el 8 de septiembre de 2024, promete ser una exploración significativa de las emociones humanas, mientras Tomicic sigue la vida de Martín con un ojo hacia la esperanza, buscando un camino que va más allá de las adversidades. En un contexto donde el cine boliviano se enfrenta a retos y oportunidades, "El ladrón de perros" se alza como una obra que invita a la reflexión y la empatía, proponiendo una mirada fresca sobre la juventud y su lucha por el amor y la pertenencia.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-18/el-ladron-de-perros-la-orfandad-del-limpiabotas.html

El hurto de canes: la soledad del limpiabotas

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 11:49:46 GMT

En el vibrante corazón de La Paz, los limpiabotas llevan pasamontañas para ocultar su edad, una imagen poderosa que revela las dificultades y la resiliencia de quienes habitan las calles. La ópera prima del cineasta chileno Vinko Tomicic nos presenta a Martín, un adolescente huérfano que busca su lugar en el mundo lustrando zapatos. En su búsqueda de un padre, Martín se encuentra con un perro que se convierte en su compañero inseparable.

Martín, interpretado por el actor natural Franklin Aro Huasco, encarna la soledad y el vacío de su orfandad a través de un comportamiento errático. Su trayecto oscila entre la escuela, donde intenta superarse, y los lugares donde se refugia, creando un retrato conmovedor de su vida marginal. Tomicic captura la esencia de la vida callejera, si bien estas imágenes pueden parecer redundantes en un cine latinoamericano que a menudo aborda el miserabilismo.

El filme gana profundidad cuando se aparta de estos clichés, explorando la vida doméstica que se escapa de Martín. El contraste entre los espacios cerrados de las casas, la sastrería y las antiguas calles de La Paz pinta un cuadro de anhelos y secretos. A través de esta exploración, el espectador descubre la búsqueda de conexión del protagonista. Sin embargo, la caracterización del sastre, interpretada por Alfredo Castro, no logra equilibrar el naturalismo de Martín. La falta de contexto sobre su vida limita la comprensión del drama que enfrenta el joven limpiabotas.

La figura del perro en la narrativa actúa como una metáfora de las paradojas humanas. En una secuencia especialmente hermosa, Martín se pasea por las calles con su compañero canino, vestido para la ocasión. Este momento encapsula la dignidad y el amor que el perro representa, un breve respiro a su orfandad y un reflejo de lo que anhela alcanzar.

Con una duración de 90 minutos, el filme está programado para su estreno el 8 de septiembre de 2024. Mientras se ha presentado en festivales y ha sido galardonado en los premios Platino y el festival de Málaga, "El ladrón de perros" promete ser una adición significativa al panorama del cine boliviano y una reflexión conmovedora sobre la soledad y la búsqueda de pertenencia en un mundo desafiante.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-18/el-ladron-de-perros-la-orfandad-del-limpiabotas.html

Talento ahogado por la corriente

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 08:54:02 GMT

En el umbral del siglo XXI, un director británico emergió de la nada y cautivó al público con dos películas que fusionaban un humor singular con un trasfondo de violencia desatada. Con Lock & Stock (1998) y Snatch. Cerdos y diamantes (2000), Guy Ritchie se catapultó a la fama a apenas una década de entrar en la treintena. Su ingenio en el montaje y su giros narrativos sorprendieron, en una línea que claramente recordaba el estilo distintivo de Quentin Tarantino. Esto provocó una oleada de imitadores que adoptaron su particular forma de contar historias.

Sin embargo, la carrera de Ritchie dio un giro abrupto con su tercer largometraje, Barridos por la marea (2002), una adaptación fallida de la satírica obra italiana de Lina Wertmüller. Esta película fue objeto de duras críticas, y muchos atribuyeron su fracaso a la influencia de Madonna, quien en ese momento era su esposa y protagonizaba el filme. La idea era que su presencia quizás había desviado la visión creativa de Ritchie, llevando su trabajo a un terreno menos experimental y más comercial. Con el paso del tiempo, no obstante, muchos críticos se dieron cuenta de que el verdadero responsable del fiasco era el propio director.

Desde ese tropiezo, la filmografía de Ritchie ha estado marcada por un tono a la baja. Su reciente estreno, En la zona gris, llega a las pantallas españolas -con un elenco atractivo que incluye a Jake Gyllenhaal, Eiza González, Henry Cavill y Carlos Bardem- con críticas que podrían equivaler a uno de sus trabajos más débiles, solo superado por su tercer filme.

La película, que mezcla géneros como el espionaje y el drama judicial, no logra sobreponerse a un guion que deja mucho que desear. Durante los primeros 40 minutos, Ritchie se pierde en monólogos redundantes que no aportan nada a la trama y desdibujan la conexión entre los personajes. A pesar de contar con una producción sofisticada, la falta de química entre el elenco y la debilidad de los diálogos convierten el filme en un ejercicio de frustración.

Un aspecto que Ritchie intenta explorar es la relación entre la violencia y el sistema legal, sugiriendo que las mafias no son sostenidas únicamente por la violencia, sino también por un entramado legal. Sin embargo, este enfoque se queda corto, ya que la falta de desarrollo de personajes hace que las muertes en pantalla no tengan el impacto emocional esperado. Así, el título se refiere más a las "zonas grises" de moralidad y legalidad sin adentrarse realmente en sus implicaciones.

El director parece más interesado en la acción superficial que en profundizar en los complejos temas que su propia historia podría haber abordado. La película, que se centra en un mundo lleno de corrupción y maniobras oscuras, no permite que el espectador se conecte con sus personajes o se involucre en su lucha.

Mientras En la zona gris se estrena este 18 de septiembre de 2026, queda la pregunta de si Ritchie recuperará algún día la chispa que lo encumbró en sus inicios como cineasta. La crítica, al parecer, no hace más que reafirmar que la esperanza de un renacer para el director parece, por el momento, bastante desvanecida. En el trayecto del triunfo al desencanto, el director británico ha dejado en claro que el brillo de un talento puede desvanecerse con la misma rapidez con la que se construye.

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La esfera oscura sorprende en los Oscar

Redacción — Thu, 17 Sep 2026 07:31:27 GMT

Nunca antes una película española había alcanzado una posición tan destacada en la temporada de premios cinematográficos internacionales como La bola negra. Esta aclamada obra ha sido seleccionada para representar a España en los Oscar en la categoría de mejor película internacional, un anuncio realizado por la Academia de Cine el 16 de septiembre de 2026.

A lo largo de su trayectoria, solo otras películas como La sociedad de la nieve, de Juan Antonio Bayona, y Sirât, de Oliver Laxe, que logró dos nominaciones en la pasada edición de los Oscars, se acercaron a este fenómeno. Los espectadores que han disfrutado de La bola negra en festivales la han encumbrado, y la crítica especializada muestra un amplio apoyo. En Norteamérica, se espera que cuente con un lanzamiento respaldado por el gigante Netflix, lo que augura un camino sólido durante la campaña de premios.

Desde su presentación en Cannes, medios anglosajones como The New York Times han elogiado el drama de los Javis, sus directores, quienes, en un acercamiento proactivo, planean acompañar la promoción de la película a cada rincón posible. Sus esfuerzos se ven reflejados en las proyecciones realizadas por Variety, que anticipa que La bola negra podría obtener hasta siete nominaciones en los Oscars, incluyendo mejor película y guion adaptado. Por su parte, The Hollywood Reporter sugiere que las posibilidades podrían aumentar a catorce nominaciones en diversas categorías, como dirección y actuación secundaria para Penélope Cruz.

Sin embargo, la competencia es feroz. Aunque La bola negra tiene una sólida base, otros títulos de gran renombre, como Digger de Alejandro González Iñárritu o Dune: parte tres de Denis Villeneuve, no han pasado desapercibidos y podrían alterar el panorama. La expectativa por el estreno es alta, y aún quedan varios festivales por atravesar, incluidos San Sebastián, Roma y Nueva York, antes del lanzamiento en salas estadounidenses previsto para el 16 de octubre y en Netflix el 2 de diciembre.

El equipo de promoción que rodea a La bola negra es también notable, con Lisa Tabak, vicepresidenta de relaciones con el talento en Netflix, desempeñando un papel crucial. Tabak, con amplia experiencia en el manejo de campañas de premios, ha reafirmado que la película tiene el potencial de resonar en el público estadounidense.

La inversión que Netflix empleará para posicionar La bola negra es considerable. Medios estiman que para películas no estadounidenses, el monto puede oscilar entre los 25 y 30 millones de euros, un cálculo que parece razonable dadas las ambiciones para esta producción.

Con fechas clave en el horizonte, incluida la entrega de los Oscar honoríficos el 15 de noviembre, la presión y las expectativas irán en aumento. Las votaciones para las listas cortas de las categorías de los Oscars se llevarán a cabo del 7 al 11 de diciembre, y los resultados se dividirán entre las nominaciones de enero, precediendo a la gala principal que se celebrará el 14 de marzo de 2027.

Finalmente, el camino que La bola negra deberá recorrer se asemeja a una travesía desafiante, pero con un respaldo sólido y un mensaje poderoso, los creadores están decididos a hacer de esta película un hito en la industria del cine español. Mientras tanto, la promoción se intensificará, con el objetivo de que esta obra de arte se convierta en un fenómeno entre el gran público.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-17/la-bola-negra-entra-en-la-carrera-de-los-oscar-con-una-expectacion-insolita-y-la-campana-de-promocion-mas-grande-del-cine-espanol.html

Mi tiempo como actriz ha sido en vano

Redacción — Tue, 15 Sep 2026 15:14:15 GMT

La célebre actriz María Galiana, originaria de Sevilla y con 91 años, ha revelado su deseo de seguir trabajando en el mundo del espectáculo, a pesar de su extensa trayectoria. En una reflexión sobre su carrera, Galiana ha expresado su lamento por haber dedicado 22 años a su icónico papel como Herminia en la serie “Cuéntame cómo pasó”, que se emitió entre 2001 y 2023. Esta serie, centrada en la vida de una familia de clase media madrileña durante la transición española, ha marcado la televisión española durante más de dos décadas. Galiana describe su experiencia en este papel como un tiempo desperdiciado, afirmando que se siente ajena a ese personaje: “¡Vaya un papel! ¡Madre mía!”.

Aunque su papel televisivo predomine, la actriz anhela haber tenido más oportunidades en el cine y tener el privilegio de interpretar roles complejos, como la madre de Hamlet, Gertrudis. Sin embargo, compensa esta falta con una prolífica carrera en el teatro que sigue activa.

La ganadora de un premio Goya por su actuación en “Solas” en 1999, Galiana también ofrece una visión provocadora sobre el machismo en el cine español. Denuncia que, a pesar de los avances en la representación femenina, todavía existe un desbalance notable entre hombres y mujeres en los papeles protagónicos. Cita ejemplos de figuras masculinas prominentes y lamenta la escasa presencia de mujeres que lideren la industria cinematográfica.

Recientemente, el 13 de septiembre, recibió el Premio de Honor del Festival Internacional de Cine Iridiscente de Guadix, en Granada, un tributo a su trayectoria que comenzó en 1985 con “Made in Japan”, una hazaña iniciada a los 50 años. Con firmeza, Galiana expresa su deseo de seguir añadiendo capítulos a su historia en el cine y el teatro, enfatizando su compromiso con su arte, incluso en una edad en la que muchos se retiran.

La intervención de Galiana no solo subraya la importancia de la experiencia y la sabiduría en el mundo del entretenimiento, sino que también provoca una reflexión sobre la necesidad de más diversidad e inclusión en la representación de géneros en la pantalla.

elpais.com: https://elpais.com/television/series/2026-09-15/maria-galiana-sobre-su-papel-como-la-abuela-alcantara-en-cuentame-el-tiempo-como-actriz-lo-he-desperdiciado.html

Woody Allen inicia filmación en Madrid

Redacción — Mon, 14 Sep 2026 12:45:27 GMT

Woody Allen, el renombrado director neoyorquino, comenzará a rodar su nueva película el próximo 5 de octubre en diversas localizaciones de Madrid, incluyendo el icónico centro de la ciudad y Aranjuez, al sur de la comunidad. Este nuevo proyecto cinematográfico, que aún no tiene un título definitivo y opera bajo el nombre provisional de "Wasp 2026", cuenta con un elenco que incluye a actores de renombre como Alexi Wasser, Jemima Kirke, Peter Vives, Marton Csokas y Jakob Oftebro.

La película será presentada ante la prensa el 1 de octubre en la Real Academia de Bellas Artes, y se espera que sea exhibida en un festival internacional, además de un estreno mundial en varias ciudades. Este filme marcará la 51ª obra escrita y dirigida por Allen, quien es conocido por su capacidad de capturar la esencia de distintas ciudades del mundo en sus narrativas cinematográficas, habiendo trabajado en lugares como Nueva York, Roma y París.

En un esfuerzo por promover Madrid como un destino turístico de cine, el Gobierno de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Isabel Díaz Ayuso, ha decidido patrocinar este proyecto con la suma de 1,5 millones de euros. Este acuerdo fue oficializado mediante un contrato publicado en el portal de contratación pública de la CAM el 24 de octubre de 2025, y los pagos se dividirán en tres partes: 150,000 euros este 2025, 600,000 en 2026 y 750,000 en 2027. El contrato estipula un plazo de 26 meses para la realización del filme, que deberá culminar antes del 31 de diciembre de 2027.

El Ayuntamiento de Madrid también apoya esta iniciativa, contribuyendo con fondos que elevan el total a tres millones de euros. Ambas administraciones esperan que esta colaboración ayude a fomentar el turismo cinematográfico, atrayendo a visitantes interesados en recorrer las localizaciones que aparecerán en la película.

Woody Allen, considerado uno de los cineastas más influyentes del panorama cinematográfico contemporáneo, ha dirigido 50 películas aclamadas, con su último trabajo, "Golpe de suerte", estrenado en 2023 en el Festival de Venecia. Su capacidad para retratar la vida urbana y los matices culturales ha dejado una huella indeleble en la historia del cine, y su nueva obra promete seguir esa tradición, esta vez con el telón de fondo de una Madrid en constante transformación.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-14/woody-allen-comienza-a-rodar-su-nueva-pelicula-en-madrid-el-5-de-octubre.html

Pablo Trapero explora la realidad en 'Sus hijos'

Redacción — Mon, 14 Sep 2026 06:53:03 GMT

Pablo Trapero, el reconocido cineasta argentino, ha regresado con su nueva película Sus hijos, que se estrena en España el 18 de septiembre de 2026. Esta obra resulta particularmente significativa, ya que marca su primera incursión en el cine en inglés, aunque el director ha trabajado en producciones de este idioma previamente, como en las series ZeroZeroZero y Echo 3.

La historia de Sus hijos gira en torno a un novelista de renombre mundial, interpretado por Bill Nighy, quien lleva dos décadas sin crear. En una mansión donde convive con su hijo pequeño, el escritor se enfrenta a una revelación inesperada tras la muerte de un amigo. Decide convocar a sus dos hijos mayores de una relación anterior para compartir una información familiar que podría cambiar su dinámica por completo. Esta narrativa se adentra en temas recurrentes de Trapero, como las relaciones familiares y la búsqueda de la verdad, elementos que han estado presentes en su filmografía.

Trapero, de 54 años y originario de San Justo, ha explicado que Sus hijos resuena con sus obsesiones creativas: “La historia encaja en mi carrera”, ha comentado en una entrevista reciente. El guion, originalmente creado por Sarah Polley, fue adaptado para centrar el drama en los personajes, alejándose del bullicio de Nueva York a una campiña inglesa, lo que se manifiesta en un ambiente más introspectivo.

La película también refleja cuestiones contemporáneas, como el egoísmo en el contexto familiar. Trapero destaca la importancia de las decisiones que los padres toman en su afán por proveer lo mejor para sus hijos, a menudo a expensas del tiempo que pasan con ellos. Explica que el título inglés de la película, traducido como E hijos, implica una cadena de conexiones, mientras que el título en español sugiere posesión, lo que proporciona matices a la trama.

El director menciona su admiración por Luis Buñuel, un referente en el uso del surrealismo realista, y habla de la influencia de este estilo en su propia forma de contar historias. Trapero busca encapsular lo extraordinario dentro de lo cotidiano, creando situaciones que, aunque puedan parecer absurdas, resuenan con la verdad de sus personajes.

El cineasta también ha manifestado su deseo de volver a historias más íntimas y contenidas después de un período en el que se sintió desviado hacia producciones más escandalosas. Refleja en Sus hijos la complejidad de las relaciones humanas y cómo cada historia familiar ofrece una ventana hacia las comunidades a las que pertenecemos.

Trapero ha regresado a Argentina tras completar la filmación de la serie Gordon, que se centra en Aníbal Gordon, un personaje real involucrado con la organización político-terrorista de derecha conocida como Triple A en los años setenta. El director ve esto como una declaración de intenciones en el contexto actual del país.

Con Sus hijos, Trapero busca no solo narrar una historia cautivadora, sino también generar reflexión sobre las dinámicas familiares y la verdad que a menudo se oculta entre los lazos de sangre. A medida que la película se acerca a su estreno, las expectativas son altas, esperando que este trabajo continúe la rica tradición del cine argentino en la exploración de la condición humana.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-14/pablo-trapero-el-cineasta-argentino-que-busca-la-verdad-y-el-drama-salta-al-ingles-con-sus-hijos.html

Forastera: inquietante desasosiego juvenil

Redacción — Fri, 11 Sep 2026 07:13:53 GMT

El cine contemporáneo enfrenta un dilema en la era de los festivales de segunda fila, donde muchas películas luchan por capturar la atención del espectador, a menudo perdiéndose en un mar de despojo y monotonía. Este fenómeno se traduce en un aburrimiento que puede surgir bien por la falta de interés en la trama, o por una forma narrativa inadecuada que no logra sostener la atención. Sin embargo, los realizadores que abrazan un enfoque más pausado pueden, con talento, ofrecer experiencias cinematográficas extraordinarias.

Un claro ejemplo de esta dinámica es Forastera, la ópera prima de Lucía Aleñar Iglesias. Con una formación académica sólida que incluye estudios en la Escuela de Cine de Nueva York y un máster de guion en Columbia, Aleñar ha adaptado su propio corto homónimo de 2020 en un largometraje que aborda cuestiones de identidad y conexión familiar. Situada en una idílica casa de Mallorca, la historia se centra en una adolescente que, tras la muerte de su abuela, inicia una relación compleja con su abuelo, marcada por un intercambio inquietante de roles familiares.

El filme se sitúa en un contexto de pérdida y duelo, explorando las primeras experiencias sentimentales y sexuales de los jóvenes. Sin embargo, su desarrollo tiene un ritmo lento que puede disuadir a algunos, puesto que tarda aproximadamente 55 minutos en encontrar su ritmo narrativo. A lo largo de este tiempo, se manejan paisajes visuales cautivadores, capturando la luz y el entorno con un gusto notable, pero los silencios pueden resultar vacíos y los diálogos, esporádicos e irrelevantes.

A medida que avanza la trama, la película comienza a transformar su atmósfera. En los últimos 30 minutos, Aleñar introduce una musicalidad envolvente, elementos visuales expresivos a través de angulares dramáticos y simbolismos que añaden mayor profundidad a la narrativa. Este cambio culmina en un final que, aunque mejorado, podría no ser suficiente para recuperar la atención disipándose en el primer acto.

A pesar de haber recibido reconocimientos internacionales y un premio de la Crítica en la sección Discovery del Festival de Toronto, la obra ha inscrito su estreno en septiembre, más de un año después de debutar en el festival Seminci de Valladolid en 2025. Para muchos críticos, incluido este autor, Forastera no se presenta como una película fácil de digerir, y algunos pueden argumentar que no ha cumplido sus expectativas.

La producción, que cuenta con un elenco destacado que incluye a Zoe Stein y Lluís Homar, se articula como un drama notable en un contexto cinematográfico cambiante. Con una duración de 97 minutos y su estreno programado para el 11 de septiembre, la película invita a la reflexión sobre la complejidad de las relaciones humanas y las experiencias de los jóvenes en un marco de pérdida y descubrimiento.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-11/forastera-fantasmal-y-tedioso-desconcierto-adolescente.html

Militares israelíes de ‘NAZA’ conmueven Venecia

Redacción — Thu, 10 Sep 2026 17:05:08 GMT

En una noche de penumbra sobre los tejados de Tel Aviv, se presenta "NAZA", un documental impactante realizado por los directores israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor. Esta obra reúne las voces de 24 agentes de inteligencia y soldados, quienes cuentan de manera anónima su experiencia y papel tras los brutales atentados de Hamas del 7 de octubre de 2023, que cobraron la vida de 1,200 personas. Este evento desató una operación bélica sin precedentes que ha dejado más de 73,000 palestinos muertos en Gaza, una situación que sus entrevistados describen como "genocidio".

El documental se basa en una rigurosa investigación por parte del diario británico The Guardian y se caracteriza por su perspectiva fría y crítica, entrelazando testimonios desgarradores con el sonido y las imágenes de Tel Aviv. El término "NAZA" se refiere, en el lenguaje militar israelí, a los daños colaterales en las operaciones, creando un contraste entre la tecnología bélica moderna y el sufrimiento humano que provoca.

Mientras se presenta este relato, se destaca la coincidencia con el 80º aniversario del Holocausto en Israel. Un militar comparte que, aunque los nazis eran "el diablo", se cuestiona su propia identidad en el contexto actual. Esta reflexión se torna más potente al observar que el poder destructivo desplegado por el ejército israelí hace eco de patrones de deshumanización que resuenan desde eventos pasados trágicos.

A medida que avanza el relato en "NAZA", los soldados describen el sofocante engranaje de una tecnología militar que transforma la guerra en algo similar a un videojuego. Recoger información a través de los teléfonos móviles de los gazatíes sospechosos de ser parte de Hamas se convierte en rutina. A medida que los objetivos se amplían a los edificios donde habitan, la discusión sobre los "naza" —ciudadanos inocentes como mujeres, niños y ancianos— se diluye en el proceso. Aquí, se introducen infames "juegos del hambre", donde la desesperación de la población es tratada como un recurso en la escalada de violencia.

Los testimonios ofrecidos revelan cómo los efectos psicológicos de sus acciones persiguen a estos individuos, a pesar de su aparente insensibilidad. Algunos hablan de la adrenalina de la guerra y de cómo, aunque se les ofreció ayuda psicológica, no la consideraron necesaria. Este análisis minucioso, a la vez que perturbador, muestra que el dolor y el sufrimiento son solo parte de un engranaje mucho más complejo.

Rachel Szor, una de las directoras, aclara que el propósito de "NAZA" no es solo presentar hechos, sino desafiar la negación de la violencia sistemática contra los palestinos. El reconocimiento de que los crímenes del estado deben ser develados es central para el mensaje del documental. A pesar de los detractores y las acusaciones de antisemitismo que enfrentan quienes critican a Israel, los productores defienden su derecho a señalar estas violaciones.

A medida que se contempla la memoria del Holocausto, la compleja relación de Israel con su pasado se presenta como una carga en la lucha actual por los derechos palestinos. Al final, "NAZA" otorga un espacio para que las víctimas, aunque no estén físicamente presentes en el documental, queden siempre en la memoria, instando a la búsqueda de justicia y una reflexión crítica sobre el impacto del conflicto.

Mientras se presenta esta potente pieza en diversos festivales de cine, la obra invita a cuestionar la narración recibida y a tomar conciencia sobre las atrocidades que siguen ocurriendo, haciendo hincapié en la necesidad urgente de abordar la violencia sistemática en el contexto de la ocupación y la historia compartida de sufrimiento.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-10/los-militares-israelies-de-naza-estremecen-venecia-los-nazis-eran-el-diablo-pero-que-soy-yo.html

Conexión perfecta entre amor y trabajo

Redacción — Tue, 08 Sep 2026 16:59:32 GMT

Ante una sala de prensa colmada de periodistas y admiradores, Penélope Cruz y Javier Bardem presentaron su más reciente colaboración cinematográfica, Búnker, en el Festival de Cine de Venecia. Dirigida por el talentoso Florian Zeller, la película explora las complejidades de una relación de pareja atrapada en el dilema entre el éxito profesional y la conexión emocional.

En la historia, Bardem interpreta a un arquitecto español que vive en Londres y se enfrenta al encargo de diseñar un búnker de lujo para un magnate tecnológico. A través de este proyecto, la trama profundiza en cómo las tensiones de este encargo impactan su relación con la editora encarnada por Cruz, quien se siente cada vez más desconectada en su entorno británico. Zeller, en la presentación, reflexionó sobre el guion, señalando que aborda la "paranoia de los ricos" y la creciente desconexión social que se vive en la actualidad.

Junto a Cruz y Bardem, también participaron en la conferencia Stephen Graham, Paul Dano y Patrick Schwarzenegger, quienes aportan matices y profundidades a la historia. Bardem resaltó que decidieron trabajar en este proyecto por la calidad del material que Zeller había desarrollado, mencionando que la historia resuena con temas actuales que afectan a diversas relaciones humanas.

La química entre Bardem y Cruz ha sido un aspecto vital en la construcción de su personaje en la pantalla. Ambos actores expresaron su confianza en Zeller como director y su capacidad para gestionar la intimidad de su relación mientras exploraban los elementos más humanos y emocionales del guion. En palabras de Cruz, la experiencia de trabajar juntos se siente "natural", consolidando un equilibrio saludable entre su vida personal y profesional.

En Búnker, se aprecia un uso innovador del lenguaje, ya que los personajes de Cruz y Bardem interactúan en español entre sí, pero se comunican en inglés con su entorno, algo que Cruz considera un reflejo positivo del avance del cine multicultural. La actriz subrayó que hacía unos años esto habría sido impensable y celebró que hoy en día los proyectos multiculturales obtienen financiamiento y reconocimiento.

El filme también aborda el tema del miedo y la deshumanización en la sociedad contemporánea, un tema que resonó en las declaraciones de Cruz. Explicó que su personaje refleja la manipulación que existe en el mundo actual y la pérdida de la conexión humana. Para ella, era esencial dar voz a estos conceptos a través de su actuación, mientras que Bardem se mostró firme en que los artistas tienen la responsabilidad de ser fieles a su verdad y abordar temáticas relevantes.

Florian Zeller, al hablar sobre la construcción del búnker en la trama, señaló que este simboliza el aislamiento que muchas personas eligen en su día a día, reflexionando sobre una sociedad que a menudo prefiere encerrarse en su propia burbuja en lugar de explorar el mundo.

Sobre la creciente apreciación del cine español en el ámbito internacional, Bardem expresó su optimismo acerca de la calidad de las producciones y la forma en que el cine español ha comenzado a resonar y ser bien recibido en otros países, destacando los beneficios de contar con historias que ahonden en las realidades de su entorno.

La presentación de Búnker no solo subraya el compromiso de Cruz y Bardem con su arte, sino también su deseo de impulsar una reflexión en la audiencia sobre la conexión humana en un mundo cada vez más aislado y veloz.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-08/penelope-cruz-sobre-javier-bardem-en-venecia-tenemos-un-buen-equilibrio-entre-lo-personal-y-lo-profesional.html

Javier Bardem y Penélope Cruz, amor cinematográfico

Redacción — Tue, 08 Sep 2026 06:04:59 GMT

Este martes se llevará a cabo la proyección de Búnker, dirigido por Florian Zeller, en el Festival de Venecia. Este drama explora el conflicto de un matrimonio, en el que el esposo, un arquitecto, toma la decisión controvertida de asumir un proyecto para construir un búnker de supervivencia para un multimillonario tecnológico. Esta elección desencadena serias dudas en la esposa sobre su relación.

Zeller compuso este drama específicamente teniendo en mente a Penélope Cruz y Javier Bardem, quienes, además de ser aclamados actores españoles, son pareja en la vida real. Este filme marca su noveno proyecto conjunto, aunque en varios de ellos no compartieron escenas.

Un recorrido por su trayectoria como pareja en la pantalla revela hitos significativos:

‘Jamón, jamón’ (1992): Su primer trabajo en común, dirigido por Bigas Luna, que catapultó a ambos a la fama. Recuerdan momentos de rodaje destacados, incluyendo escenas memorables que reflejan su química.
‘El amor perjudica seriamente la salud’ (1996): Una comedia donde Cruz es una fanática de The Beatles y Bardem aparece brevemente como camillero, sin coincidir en pantalla.
‘Carne trémula’ (1997): Cruz debuta en el universo de Almodóvar, interpretando a una joven madre, mientras Bardem tiene un rol clave como policía.
‘Sin noticias de Dios’ (2001): Cruz asume un papel protagónico en el que Bardem, aunque aparece, no es visible para el público.
‘Vicky Cristina Barcelona’ (2008): El filme que marcó el inicio de su romance. Durante el rodaje, surgió una conexión especial que culminó en su relación amorosa.
‘El consejero’ (2013): Aunque ambos participaron en esta película de Ridley Scott, sus personajes no se cruzan en pantalla.
‘Loving Pablo’ (2017): Por fin trabajan juntos como pareja en la pantalla, interpretando a Pablo Escobar y a la periodista Virginia Vallejo, respectivamente. Cruz destacó los retos emocionales que enfrentó durante el rodaje.
‘Todos lo saben’ (2018): En este drama dirigido por Asghar Farhadi, interpretan a una expareja con la que aún existe cariño y aprecio. Bardem se mostró preocupado por el estado emocional de Cruz durante la filmación.

Con su nueva colaboración en Búnker, Zeller ha querido explorar la complejidad emocional de una pareja que enfrenta dilemas morales en su relación. El director expresó su admiración por la valentía de Bardem y Cruz al abordar estos temas íntimos y personales en la interpretación.

Según Zeller, la experiencia de rodar en Madrid, su hogar, ha sido intensa y gratificante. La conjugación de su enfoque artístico y el vínculo personal entre los actores promete ofrecer una obra cinematográfica rica en emociones y matices.

Este recorrido cinematográfico de Bardem y Cruz ilustra no solo su evolución como artistas, sino también su capacidad de trabajar en colaboración en proyectos que desnudan las realidades de la vida y el amor.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-08/javier-bardem-y-penelope-cruz-una-historia-de-amor-de-cine.html

Fallece a los 33 la actriz Carla Jeffery

Redacción — Thu, 03 Sep 2026 11:07:36 GMT

La comunidad del entretenimiento se encuentra de luto tras la conmoción generada por el fallecimiento de Carla Jeffery, actriz reconocida principalmente por su papel protagónico en la trilogía de películas Zombies de Disney Channel. Jeffery, que contaba con tan solo 33 años, perdió la vida el pasado 1 de septiembre, y la noticia fue compartida al día siguiente a través de su cuenta oficial de Instagram. La causa de su muerte no ha sido revelada.

Nacida en Texas en 1993, Carla inició su carrera en el mundo del espectáculo desde muy joven, a los 12 años. Su primera aparición en la gran pantalla se dio en 2006 con el filme Phat Girlz, y su trayectoria continuó con una breve aparición en la emblemática serie de Nickelodeon iCarly en 2008. Desde entonces, su carisma y talento la llevaron a obtener reconocimiento y admiración entre los jóvenes espectadores.

La noticia de su deceso ha generado una ola de condolencias tanto de fans como de colegas en la industria. Fuentes oficiales de Disney expresaron su pesar, recordando la "calidez" y el "talento extraordinario" de Jeffery, afirmando que su legado ha dejado una huella indeleble en todos aquellos que tuvieron el privilegio de colaborar con ella.

Carla Alexander, representante de Jeffery desde el inicio de su carrera, se refirió a ella no solo como una clienta, sino como parte de su familia. En un emotivo mensaje, expresó su tristeza y pidió que se respete la privacidad de la familia en este momento tan difícil. "Descansa dulcemente, Carla", añadió.

La pérdida de Carla Jeffery no solo se siente en el ámbito profesional, sino también entre sus seguidores, quienes valoran su impacto en sus vidas a través de la pantalla. Con su partida, el cine y la televisión juvenil ha perdido a una estrella brillante que, sin duda, será recordada por muchos años.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-03/muere-a-los-33-anos-la-actriz-de-disney-carla-jeffery-conocida-por-la-saga-zombies.html

Naomi Watts recibe Premio Donostia 2026

Redacción — Mon, 31 Aug 2026 10:25:00 GMT

La reconocida actriz británica Naomi Watts, de 57 años, será galardonada con el Premio Donostia durante la 74ª edición del Festival de San Sebastián, programada del 18 al 26 de septiembre. La entrega del premio tendrá lugar el sábado 19 de septiembre, un evento que resalta su destacada trayectoria en el mundo del cine. Watts se une así a otros grandes del séptimo arte, como el director alemán Werner Herzog, también homenajeado en este certamen.

El Festival de San Sebastián ha resaltado la versatilidad de Watts al alternar entre películas independientes y producciones de gran presupuesto, tanto en cine como en televisión. La actriz es aclamada como “una de las más talentosas y premiadas de su generación”, con un reconocimiento internacional que la catapultó a la fama, especialmente gracias a su interpretación en Mulholland Drive de David Lynch, considerada una de las mejores actuaciones de la cinematografía contemporánea.

A lo largo de su carrera, Watts ha obtenido dos nominaciones al Oscar a la mejor actriz. La primera fue por 21 gramos en 2003, dirigida por Alejandro González Iñárritu, y la segunda por Lo imposible en 2012, una obra del director español Juan Antonio Bayona. Su filmografía incluye colaboraciones con reconocidos cineastas como Peter Jackson, David Cronenberg y Clint Eastwood, entre otros. En 2009, estuvo presente en San Sebastián con Mother & Child, un trabajo que clausuró la sección oficial del festival fuera de concurso.

En el ámbito televisivo, la actriz también ha sido reconocida. Recientemente, recibió su primera nominación al Emmy por su interpretación de Babe Paley en la serie Feud: Capote vs. The Swans, producida por Ryan Murphy. En esta edición del festival, Watts protagonizará una de las proyecciones principales: The Housewife, debut del director canadiense Ben Shirinian. Ambientada en 1964 y basada en hechos reales, la trama sigue a un joven periodista que investiga a un hombre que podría ser un exoficial nazi oculto en Nueva York, y su viaje lo lleva a forjar una amistad inesperada con la esposa del sospechoso.

Aparte de su labor en el cine y la televisión, el festival también ha enfatizado el compromiso de Watts como activista en favor de la salud femenina, un aspecto que complementa su rica trayectoria artística. Con múltiples reconocimientos en su haber, incluyendo el Premio Montecito y el Premio Desert Palm, Naomi Watts sigue siendo una figura emblemática en la industria del entretenimiento y un referente para futuras generaciones de actores.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-08-31/naomi-watts-premio-donostia-en-el-festival-de-san-sebastian-2026.html