En su trayectoria cinematográfica, Winding Refn ha oscilado entre momentos de genio y excentricidades que, si bien pueden ser esperables en su estilo, han llevado a algunos críticos a clasificar sus obras más recientes como cada vez más vacías. Solo Dios perdona (2013), por ejemplo, fue visto como una continuación de esta deriva, aunque no todos los críticos coincidieron en su valoración. La llegada de The Neon Demon (2016) marcó un punto bajo, y ahora con Su propio infierno, se intensifican las preocupaciones sobre el enfoque narcisista y la falta de sustancia en su trabajo.

Analizando la obra más reciente, se observa que, a pesar de sus pretensiones de amalgamar diversos géneros como el drama, thriller y terror, la película parece carecer de un enfoque claro. Se mencionan temas complejos, como la relación entre padres e hijas y la crítica a la superficialidad de la cultura influencer, pero estos elementos son manejados de manera tan vaga que resultan confusos. La representación visual, que intenta evocar una estética similar a la de Blade Runner, resulta superficial, con un uso de colores que más que cautivar, desvirtúa el propósito de la narrativa.

El diseño de producción ha sido descrito como ineficaz, y los diálogos, en su intento por ser poéticos, solo logran crear una sensación de pretensión. En este contexto, se pueden encontrar influencias de cineastas como David Lynch, junto con referencias a clásicos de cuentos, pero todas ellas se entrelazan de tal manera que terminan convirtiéndose en un galimatías que pocos pueden seguir.

Con un elenco que incluye a Sophie Thatcher y Charles Melton, Su propio infierno presenta una duración de 107 minutos. La película, que debió estrenarse en cines el 9 de octubre, ha suscitado una serie de reacciones adversas, advirtiendo que, más allá de atraer a los incondicionales del director, podría desinteresar incluso a los más apasionados del cine de autor.

En resumen, mientras Nicolas Winding Refn sigue explorando su visión única, la pregunta que muchos se plantean es si logrará recuperar su capacidad de contar historias que resuenen con el público, o si este nuevo capítulo se convertirá en un hito de desconexión en su carrera. La evolución de su estilo promete ser un tema de interés en los años venideros.

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Leigh, reconocido mundialmente por su enfoque humanista y por retratar la clase media británica, ha acumulado una notable trayectoria en el mundo del cine. Ha sido galardonado con la Palma de Oro en Cannes por Secretos y mentiras en 1996 y el León de Oro en Venecia por El secreto de Vera Drake en 2004. A lo largo de su carrera, ha conseguido 18 nominaciones al Oscar, lo que subraya su impacto y relevancia en la industria.

En su declaración sobre el futuro, Leigh expresó que, aunque la vida presenta incertidumbres, la esperanza persiste, especialmente por el bienestar de sus hijos y nietos. “No existe una respuesta correcta” acerca de qué vendrá después, pero mantiene un deseo optimista a pesar de los tiempos difíciles.

La esencia de Tender Loving Care radica en la exploración de la humanidad y la positividad inherente al ser humano. Leigh inició el proyecto sin un guion completo, permitiendo que sus actores participaran creativamente en el desarrollo de los personajes. En esta obra, dos trabajadoras sociales, amigas que enfrentan crisis sentimentales, viven juntas y reflejan las complejidades de una clase media que lucha por mantener la esperanza y la compasión en medio de un entorno social desafiante.

Leigh evita el melodrama, buscando capturar la ternura de la vida cotidiana y cómo, a pesar de las adversidades, los lazos familiares y la solidaridad pueden prevalecer. Su filme destaca la importancia de los servicios públicos y el apoyo comunitario como pilares fundamentales de la humanidad, una idea que resuena profundamente en la actualidad.

Los actores, muchos de ellos colaboradores habituales de Leigh, aportan una conexión auténtica a sus personajes. La entrega y la experiencia compartida en el rodaje permiten que la narrativa fluya con sinceridad y realismo, envolviendo al espectador en un hervidero de emociones que reflejan la cruda belleza de la vida.

A medida que se cierne el final de su carrera, Mike Leigh nos recuerda que el amor y la compasión son el núcleo de la experiencia humana. En un mundo donde el cinismo puede prevalecer, su invitación a ver la bondad y a luchar por un futuro esperanzador resuena más que nunca.

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La interpretación del joven actor Franklin Aro Huasco otorga al personaje de Martín una profundidad que permite a los espectadores conectar con su soledad. Desde su intento de superación en la escuela hasta su relación con un sastre, cuya figura evoca la imagen de un padre que nunca tuvo, cada escena invita a reflexionar sobre la complejidad de la vida en la calle.

Las elecciones cinematográficas de Tomicic, aunque chispeantes, a veces se asientan en un terreno conocido por el cine latinoamericano, donde el miserabilismo parece dominar. Sin embargo, es en los momentos en que la historia se libera de esta fórmula convencional donde realmente brilla. A través de la exploración de la vida cotidiana que Martín anhela, ya sea en la casa que colma su deseo de familia o en el taller de sastrería donde se desata un conflicto fundamental, Tomicic crea un viaje íntimo que trasciende lo superficial.

El sastre, interpretado por Alfredo Castro, representa una figura clave en la vida de Martín, aunque su caracterización a menudo queda en la penumbra, privando al público de una comprensión más completa de su influencia en la vida del adolescente. El contraste entre la naturalidad de Huasco y la opacidad del personaje de Castro podría desentonar, lo que limita la profundización en el drama del joven limpiabotas.

Un elemento recurrente en la trama es el perro, que actúa como una metáfora de las contradicciones humanas. Al igual que en "La perra", otra notable producción chilena, el perro representa un anhelo de conexión y refugio emocional. En una de las secuencias más memorables, Martín pasea por las calles de La Paz con su nuevo compañero, vestido con un traje, símbolo de dignidad y amor que refleja lo que desea alcanzar, aunque su realidad esté marcada por la orfandad.

La película, que cuenta con una duración de 90 minutos y tiene programado su estreno para el 8 de septiembre de 2024, promete ser una exploración significativa de las emociones humanas, mientras Tomicic sigue la vida de Martín con un ojo hacia la esperanza, buscando un camino que va más allá de las adversidades. En un contexto donde el cine boliviano se enfrenta a retos y oportunidades, "El ladrón de perros" se alza como una obra que invita a la reflexión y la empatía, proponiendo una mirada fresca sobre la juventud y su lucha por el amor y la pertenencia.

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Martín, interpretado por el actor natural Franklin Aro Huasco, encarna la soledad y el vacío de su orfandad a través de un comportamiento errático. Su trayecto oscila entre la escuela, donde intenta superarse, y los lugares donde se refugia, creando un retrato conmovedor de su vida marginal. Tomicic captura la esencia de la vida callejera, si bien estas imágenes pueden parecer redundantes en un cine latinoamericano que a menudo aborda el miserabilismo.

El filme gana profundidad cuando se aparta de estos clichés, explorando la vida doméstica que se escapa de Martín. El contraste entre los espacios cerrados de las casas, la sastrería y las antiguas calles de La Paz pinta un cuadro de anhelos y secretos. A través de esta exploración, el espectador descubre la búsqueda de conexión del protagonista. Sin embargo, la caracterización del sastre, interpretada por Alfredo Castro, no logra equilibrar el naturalismo de Martín. La falta de contexto sobre su vida limita la comprensión del drama que enfrenta el joven limpiabotas.

La figura del perro en la narrativa actúa como una metáfora de las paradojas humanas. En una secuencia especialmente hermosa, Martín se pasea por las calles con su compañero canino, vestido para la ocasión. Este momento encapsula la dignidad y el amor que el perro representa, un breve respiro a su orfandad y un reflejo de lo que anhela alcanzar.

Con una duración de 90 minutos, el filme está programado para su estreno el 8 de septiembre de 2024. Mientras se ha presentado en festivales y ha sido galardonado en los premios Platino y el festival de Málaga, "El ladrón de perros" promete ser una adición significativa al panorama del cine boliviano y una reflexión conmovedora sobre la soledad y la búsqueda de pertenencia en un mundo desafiante.

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Un claro ejemplo de esta dinámica es Forastera, la ópera prima de Lucía Aleñar Iglesias. Con una formación académica sólida que incluye estudios en la Escuela de Cine de Nueva York y un máster de guion en Columbia, Aleñar ha adaptado su propio corto homónimo de 2020 en un largometraje que aborda cuestiones de identidad y conexión familiar. Situada en una idílica casa de Mallorca, la historia se centra en una adolescente que, tras la muerte de su abuela, inicia una relación compleja con su abuelo, marcada por un intercambio inquietante de roles familiares.

El filme se sitúa en un contexto de pérdida y duelo, explorando las primeras experiencias sentimentales y sexuales de los jóvenes. Sin embargo, su desarrollo tiene un ritmo lento que puede disuadir a algunos, puesto que tarda aproximadamente 55 minutos en encontrar su ritmo narrativo. A lo largo de este tiempo, se manejan paisajes visuales cautivadores, capturando la luz y el entorno con un gusto notable, pero los silencios pueden resultar vacíos y los diálogos, esporádicos e irrelevantes.

A medida que avanza la trama, la película comienza a transformar su atmósfera. En los últimos 30 minutos, Aleñar introduce una musicalidad envolvente, elementos visuales expresivos a través de angulares dramáticos y simbolismos que añaden mayor profundidad a la narrativa. Este cambio culmina en un final que, aunque mejorado, podría no ser suficiente para recuperar la atención disipándose en el primer acto.

A pesar de haber recibido reconocimientos internacionales y un premio de la Crítica en la sección Discovery del Festival de Toronto, la obra ha inscrito su estreno en septiembre, más de un año después de debutar en el festival Seminci de Valladolid en 2025. Para muchos críticos, incluido este autor, Forastera no se presenta como una película fácil de digerir, y algunos pueden argumentar que no ha cumplido sus expectativas.

La producción, que cuenta con un elenco destacado que incluye a Zoe Stein y Lluís Homar, se articula como un drama notable en un contexto cinematográfico cambiante. Con una duración de 97 minutos y su estreno programado para el 11 de septiembre, la película invita a la reflexión sobre la complejidad de las relaciones humanas y las experiencias de los jóvenes en un marco de pérdida y descubrimiento.

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El filme aborda el tema del tiempo y su influencia en las relaciones militares en el seno familiar. Un hombre maduro enfrenta su propia autodestrucción tras un accidente trágico que altera su existencia y la de quienes lo rodean. Como un eremita que se aísla en su dolor, la historia plantea cuestiones fundamentales sobre cómo lidiar con las adversidades y si el cerrarse al mundo y aferrarse a lo poco que puede ofrecer satisfacción es realmente la mejor respuesta.

La narración, rica en matices, nos adentra en los dilemas que rodean la educación de los hijos y la convivencia con enfermedades degenerativas. ¿Deberíamos abrazar cada pequeño momento de felicidad o asumir una postura más cautelosa para evitar daños mayores? Las decisiones que tomamos, más aún en situaciones límites, se convierten en el hilo conductor del relato.

La construcción de la historia se desarrolla con precisión, especialmente en la primera mitad, donde el director introduce lentamente el trasfondo del protagonista, su exesposa y sus hijos. Esta cadencia narrativa crea una tensión emocional que mantiene al espectador intrigado, deseoso de descubrir las raíces del conflicto.

No obstante, a medida que la trama avanza, el guion se desvíe hacia una narrativa paralela que, aunque aporta un contraste generacional, se percibe como menos relevante en el contexto del drama principal. La interacción entre el protagonista, que se siente ajeno a su entorno cotidiano, y un grupo de jóvenes que desafían las normas convencionales resalta el choque entre generaciones. Sin embargo, muchos consideran que el enfoque principal debería permanecer más centrado en el núcleo familiar.

La película, un dramma que evoca conflictos familiares similares a otros títulos reconocidos de la cinematografía contemporánea, recupera fuerza en su parte final. Se enfoca en un juicio que tiene consecuencias vitales para el protagonista, encapsulando la complicada relación entre responsabilidad y perdón. La actuación del actor principal añade una capa de profundidad, convirtiendo sus gestos sutiles en mensajes cargados de significado.

Como es habitual en el cine italiano, la obra transita entre el dolor y la ternura, sin miedo a evocar emociones intensas. Se abordan los accidentes que alteran la trayectoria de nuestras vidas con un enfoque humanista, recordándonos que, frente a las calamidades, siempre hay espacio para la comprensión y el crecimiento.

Con un estreno programado para el 4 de septiembre y una duración de 100 minutos, este drama promete tanto como su predecesor, un trabajo que ya había explorado temas similares con maestría. El enfoque en las relaciones humanas y los desafíos de la vida cotidiana resultan en una experiencia cinematográfica rica en emociones, reflexión y, sobre todo, humanidad.

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Su más reciente trabajo, titulado La constelación del perro, adapta la novela homónima de Peter Heller. Esta historia, ambientada en una distopía posapocalíptica cercana en el tiempo, nos transporta a una sombría realidad alrededor de la década de 2030. A pesar de la recurrencia de temas similares en el cine y la televisión, la película ofrece un enfoque de narración que, aunque no necesariamente innovador, proporciona momentos de contemplación y conexión emocional en un mundo devastado por una pandemía.

El filme se centra en los conceptos de hogar y comunidad, valores que parecen estar cada vez más en desuso. Esta narrativa se enriquece con una selección de canciones country, que refuerzan sus temas conservadores mientras presenta un ambiente de soledad y escasez de supervivientes. La película se siente cercana a otros clásicos como El último hombre vivo y su remake, Soy leyenda, pero pronto evoluciona hacia una épica narrativa, reminiscentes de las antiguas leyendas griegas, donde el protagonista emprende un viaje lleno de pruebas y encuentros significativos, en este caso, a bordo de una avioneta.

Scott mantiene un estilo de dirección sólido, aunque a menudo evita recursos clásicos que podrían elevar su obra. Sin embargo, su habilidad para contar historias persiste; emplea elipsis mínimas y flashbacks que aportan una profundidad interesante al relato. Esto, combinado con un reparto carismático liderado por Jacob Elordi, ayuda a dar vida a la historia en un contexto de revitalización personal y comunitaria tras una catástrofe viral.

A la luz de su trayectoria y la esencia de la novela de Heller, la película ofrece un análisis crítico sobre un planeta en el que los que sobreviven son aquellos conectados con habilidades manuales, mientras que el valor del dinero ha perdido todo sentido. La narrativa explora la división entre distintos grupos de sobrevivientes, desde salvajes de las carreteras hasta comunidades religiosas, brindando una reflexión sobre la naturaleza humana en tiempos de crisis.

Con la expectativa de que Scott continúe produciendo películas, poco se espera ya que alcance las cotas de excelencia de sus primeros años. Sin embargo, su contribución al cine, incluso a un ritmo de rodaje que genera debate, merece ser reconocida y apreciada. A pesar de que La constelación del perro puede no alcanzar la grandeza de su obra maestra, su capacidad de entretener y conectar con el público es un testamento a su legado, recordándonos que no siempre es necesario que una película sea extraordinaria para ser valiosa.

La constelación del perro

Dirección: Ridley Scott.

Intérpretes: Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Guy Pearce.

Género: Ciencia ficción. EE. UU., 2026.

Duración: 118 minutos.

Estreno: 26 de agosto.

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