“Family Movie” se presenta como una comedia de terror que homenajea el amor por el cine y la tenacidad de quienes lo producen sin esperar recompensas económicas. El filme, que busca la esencia de hacer cine por el mero placer de crear, tuvo su estreno europeo en el Festival de Sitges, donde Bacon y Sedgwick fueron recibidos como auténticas estrellas. La historia sigue a un director de películas de serie Z, interpretado por Bacon, quien lucha por financiar su último film, rodado en su propia casa. Su esposa, interpretada por Sedgwick, y sus hijos encarnan a personajes que enfrentan las frustraciones y ambiciones en un entorno familiar cargado de humor oscuro.

Con una carrera cinematográfica que abarca más de tres décadas, Kevin Bacon ha asumido diversos roles, desde protagonista en exitosas películas hasta director. Durante su trayecto, ha buscado proyectos que lo desafíen artísticamente, alejándose de los grandes presupuestos para centrarse en historias que lo inspiren. Como él mismo ha dicho, aún siente la misma pasión que a los 18 años por crecer y superarse en su trabajo.

El actor ha aprendido a lidiar con la fama y ha optado por ignorar las críticas sobre su trabajo, buscando en cambio un proceso creativo que impulse su crecimiento personal y profesional. Su relación con Kyra Sedgwick ha sido un pilar fundamental en su vida, abordando la profesión con autenticidad y sin dejarse llevar por el ruido de la industria.

En ocasiones, comparte con entusiasmo anécdotas sobre su experiencia en salas de cine, defendiendo la importancia de la experiencia colectiva de ver películas en grupo. Asegura que ningún hogar puede replicar el ambiente de una sala oscura donde se comparte el arte del cine. Esta visión resuena igualmente en su nuevo proyecto, donde la familia se convierte en el eje central, reflexionando sobre la conexión y las relaciones en el contexto de la industria cinematográfica.

Con la mirada puesta hacia el futuro, ambos artistas continúan innovando y apoyándose mutuamente, sin dejar de lado el placentero recuerdo de cuando se conocieron, un amor que germinó en el set de “Lemon Sky” en 1988. Un viaje que no solo abarca su vida personal, sino también su complicada y rica trayectoria en la cinematografía.

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Mollà, conocido por su participación en películas como La buena estrella y Los años bárbaros, aceptó la oferta, agradeciendo el honor de unirse al proyecto. En su respuesta publicada en Instagram, expresó: “Querido Sr. Allen: Muchas gracias por su preciosa carta para brindarme el honor de participar en su próxima película que tendrá lugar en Madrid, España. Sinceramente suyo, Jordi Mollà”. Con esto, se suma a un elenco que incluye a figuras como Peter Vives, Alexi Wasser, Jemima Kirke, Marton Csokas y Jakob Oftebro.

Desde el 5 de octubre, Allen ha estado rodando su película número 51 en la capital española. Durante una reciente rueda de prensa, el director destacó que la historia requiere una “atmósfera diplomática”, lo que convierte a Madrid, ciudad que ya le es familiar, en el escenario ideal. Allen describió la ciudad como “bonita, elegante, y parecía un lugar lógico para la historia”. La obra, que mezcla comedia, romance e intriga, promete ser intrigante, aunque se deberán esperar los resultados finales para comprobar si cumple con las expectativas del director.

Aunque el título de la película aún se desconoce, se ha revelado que el Ayuntamiento y la Comunidad Autónoma de Madrid han contribuido con 1,5 millones de euros cada uno para su financiación, representando alrededor del 20% de un presupuesto total estimado en 14 millones de dólares (12 millones de euros). Este apoyo económico ha sido decisivo, especialmente dado que Madrid ofrece menos incentivos fiscales para producciones cinematográficas.

La producción se centrará principalmente en Madrid, con muchas secuencias realizadas en el corazón de la ciudad, y también se incluirá la localización de Aranjuez. Además, el equipo técnico será casi completamente español e incluirá a profesionales de renombre internacional, como la diseñadora de vestuario Sonia Grande, quien ha colaborado en proyectos anteriores de Allen, y el célebre director de fotografía José Luis Alcaine.

Los seguidores del cine de Woody Allen están ansiosos por ver el resultado de este nuevo proyecto, que promete capturar la esencia de Madrid mientras ofrece una historia que, según el director, estará repleta de todos los ingredientes necesarios para una narración cautivadora. La expectativa crece en torno a esta película, que marcará otro hito en la extensa carrera del cineasta estadounidense.

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El reciente primer largo de Pereda en inglés, Found Alive, ha añadido otro hito a su carrera: este filme inauguró el prestigioso Festival de Sitges, el evento más relevante a nivel mundial en los géneros de terror y fantástico. Durante la presentación, Pereda comentó con humor: “Sí, demasiadas veces he sido la primera”.

Found Alive, un thriller basado en la novela The Edge of Normal de Carla Norton, sigue la historia de una joven, interpretada por Chloë Grace Moretz, que fue secuestrada por un psicópata y, tras una década de traumatización, se enfrenta a su pasado. La narrativa se centra en su proactividad, alejándose de la típica representación de víctimas, algo que Pereda aborda con una renovada sensibilidad. “No le van a resolver sus problemas”, enfatiza Pereda sobre la protagonista, a quien desea proyectar como un símbolo de resiliencia.

La elección de Moretz no fue casual; la cineasta la tenía en mente desde el principio, admirando su capacidad actoral demostrada en películas como La (des)educación de Cameron Post. La colaboración creativa entre ambas fue fundamental para dar vida a un personaje complejo y empoderado.

Pereda explora la violencia que permea la sociedad a través de su narrativa, y su enfoque en la empatía como motor de la historia brinda una perspectiva inusual en el género. En su búsqueda de una representación más auténtica, ha optado por un enfoque que resalta no solo el sufrimiento, sino también la luz y la humanidad de las víctimas. “No existe ni la víctima perfecta ni la mujer perfecta”, sostiene, desafiando los estereotipos generalmente impuestos por la industria.

Al rodar en Estados Unidos, Pereda se sintió respaldada por un elenco dispuesto a participar no solo por motivos económicos, sino también por la confianza en su visión. Este ambiente de colaboración creativa recuerda sus inicios y refuerza su compromiso con narrativas que desafían las estructuras convencionales del horror.

La inauguración de su filme en Sitges resalta la necesidad de visibilizar el trabajo de mujeres cineastas en un ámbito que ha sido históricamente dominado por hombres. Pereda expresa su esperanza de que, en el futuro, se mantengan las historias y las voces que son reflejos de una diversidad enriquecedora. "Ojalá logremos no perder esas historias ni esos puntos de vista", concluye, dejando claro que hay un camino por recorrer en la búsqueda de equidad en la industria del cine.

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En su trayectoria cinematográfica, Winding Refn ha oscilado entre momentos de genio y excentricidades que, si bien pueden ser esperables en su estilo, han llevado a algunos críticos a clasificar sus obras más recientes como cada vez más vacías. Solo Dios perdona (2013), por ejemplo, fue visto como una continuación de esta deriva, aunque no todos los críticos coincidieron en su valoración. La llegada de The Neon Demon (2016) marcó un punto bajo, y ahora con Su propio infierno, se intensifican las preocupaciones sobre el enfoque narcisista y la falta de sustancia en su trabajo.

Analizando la obra más reciente, se observa que, a pesar de sus pretensiones de amalgamar diversos géneros como el drama, thriller y terror, la película parece carecer de un enfoque claro. Se mencionan temas complejos, como la relación entre padres e hijas y la crítica a la superficialidad de la cultura influencer, pero estos elementos son manejados de manera tan vaga que resultan confusos. La representación visual, que intenta evocar una estética similar a la de Blade Runner, resulta superficial, con un uso de colores que más que cautivar, desvirtúa el propósito de la narrativa.

El diseño de producción ha sido descrito como ineficaz, y los diálogos, en su intento por ser poéticos, solo logran crear una sensación de pretensión. En este contexto, se pueden encontrar influencias de cineastas como David Lynch, junto con referencias a clásicos de cuentos, pero todas ellas se entrelazan de tal manera que terminan convirtiéndose en un galimatías que pocos pueden seguir.

Con un elenco que incluye a Sophie Thatcher y Charles Melton, Su propio infierno presenta una duración de 107 minutos. La película, que debió estrenarse en cines el 9 de octubre, ha suscitado una serie de reacciones adversas, advirtiendo que, más allá de atraer a los incondicionales del director, podría desinteresar incluso a los más apasionados del cine de autor.

En resumen, mientras Nicolas Winding Refn sigue explorando su visión única, la pregunta que muchos se plantean es si logrará recuperar su capacidad de contar historias que resuenen con el público, o si este nuevo capítulo se convertirá en un hito de desconexión en su carrera. La evolución de su estilo promete ser un tema de interés en los años venideros.

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Las adaptaciones de novelas que han alcanzado la categoría de mitos a menudo no logran capturar la complejidad y el trasfondo emocional que sus escritos originales transmiten. Ejemplos notables incluyen "Cien años de soledad", donde la singularidad del Macondo y su protagonista, José Arcadio Buendía, se ven diluidos en intentos de representación en pantalla. El cineasta Igor Legarreta, en su reciente adaptación de "Las ciegas hormigas", enfrenta un desafío similar. Aunque su película se filmó casi en su totalidad en euskera, muchos críticos han argumentado que la interpretación de la novela es superficial y carece de la profundidad que caracteriza la obra de Pinilla.

La novela, aunque no establece un tiempo específico para su narrativa, frecuentemente se relaciona con la posguerra civil española y el contexto del franquismo. Sin embargo, Pinilla se inspiró en un evento de 1929, cuando un barco inglés encalló en las costas de Getxo, lo que lo llevó a imaginar un contexto de pobrezas y desafíos ante la represión de las autoridades. Legarreta, en su adaptación, elige situar la historia en 1930, marcando el final de la dictadura de Miguel Primo de Rivera.

Uno de los obstáculos en la adaptación es la perspectiva narrativa que Pinilla emplea en su novela. Esta presenta múltiples voces, destacando principalmente la de un hijo que observa el pasado desde un futuro incierto, mientras los otros personajes expresan sus pensamientos a través de monólogos internos. Lamentablemente, esta complejidad se pierde en la película, que adopta un enfoque más lineal y simplificado.

A pesar de la notoria dirección artística, la película sufre de un aura académica que le resta dinamismo. La iluminación, aunque estéticamente cuidada, provoca que los escenarios interiores se sientan uniformes, limitando la diversidad visual que las complejidades de la narrativa original podrían ofrecer. Además, el actor Urko Olazabal, encargado de interpretar a Sabas, no logra transmitir la magnitud del carácter heroico y trágico del personaje, como lo establece la novela.

La secuencia que retrata el encallamiento del barco es uno de los elementos que se resuelven con mayor acierto, a pesar de las limitaciones de presupuesto. Sin embargo, la trama central, que abarca la lucha por la supervivencia a través de la recolección de carbón y los traumas familiares, se presenta como insustancial y carente de la intensidad emocional que caracteriza la obra de Pinilla.

El filme de Legarreta, aunque intenta reflejar los eventos de la novela, se queda corto en términos de magnitud y contenido, lo que podría decepcionar tanto a los lectores de Pinilla como a los nuevos espectadores. En última instancia, "Las ciegas hormigas", en su versión cinematográfica, representa un esfuerzo que, a pesar de su potencial, apenas roza la superficie de la rica narrativa original.

La adaptación de "Las ciegas hormigas" fue dirigida por Igor Legarreta y cuenta con la actuación de Urko Olazabal, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea y Carlos Santos. El filme, un drama español de 101 minutos, se estrena el 9 de octubre de 2026.

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Mientras tanto, otras producciones han tenido mejor suerte en la taquilla. La película Verity, protagonizada por Anne Hathaway y Dakota Johnson, se posicionó en el primer lugar de la taquilla estadounidense al recaudar 29 millones de euros, además de otros 26 millones en el resto del mundo. En el segundo lugar se encuentra Resident Evil, que ha acumulado 218 millones desde su estreno el 18 de septiembre. El corazón de la bestia, con Brad Pitt, ocupa la tercera posición tras generar una recaudación de nueve millones en su segunda semana.

A pesar de las críticas tibias que ha recibido Digger, Iñárritu defendió su obra, alegando que refleja el espíritu de un tiempo en el que la realidad a menudo supera a la ficción, y que el lenguaje y la narrativa son herramientas fundamentales para transformar esa percepción. Tom Cruise, por su parte, se mostró entusiasmado con el proyecto, afirmando que este rol, en el que encarna a un excéntrico empresario petrolero, es el mejor de su carrera. Iñárritu también ha resaltado el orgullo que siente Cruise por su interpretación, comentando que este papel ha representado un reto significativo y una experiencia gratificante para el actor.

No obstante, la recepción crítica ha sido un desafío. Críticos como Carlos Boyero han calificado la película como un "espectáculo histérico, pretencioso y narrativamente fallido", lo que añade otra capa de complejidad al escenario comercial desalentador al que se enfrenta Digger. En un panorama donde las expectativas eran altas, el futuro de la película en la taquilla parece incierto, y pronto se evaluará si puede recuperarse o si se sumará a la lista de fracasos en la industria cinematográfica contemporánea.

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Fernando González Molina será el encargado de la dirección, contribuyendo también a la escritura del guion junto a Miguel López Martínez. La trama del filme se desarrollará a través del rico repertorio musical de la banda, prometiendo ofrecer una narrativa original que resonará entre los fanáticos de sus canciones. Corral destacó la singularidad de este proyecto al afirmar que “las canciones de la banda son parte de la memoria emocional de España”, lo que añade una capa de significado a la producción.

Los miembros de La Oreja de Van Gogh expresaron su entusiasmo por ver sus composiciones cobrar vida en un formato cinematográfico. “Siempre hemos contado historias a través de nuestra música”, afirmaron, añadiendo que la película representará una hermosa celebración de la conexión con su público. Este 2026 ha sido un año significativo para la banda, que marcó el regreso a sus giras con la voz de su cantante original, Amaia Montero, tras un periodo de cambios.

Con González Molina al timón, conocido por sus exitosas obras como Palmeras en la nieve y Tres metros sobre el cielo, el director se enfrenta al desafío de trasladar la esencia de La Oreja a un formato visual impactante. “Deseo crear un evento cinematográfico que emocione al público como lo han hecho nuestras canciones durante décadas”, comentó. Este proyecto, dirigido con ambición, busca rendir homenaje tanto a la música de la banda como a la experiencia romántica del cine musical.

Los productores también están comprometidos con hacer de esta película un evento significativo, de la misma manera que grandes títulos como La La Land han logrado en el pasado. Aunque aún no se han definido aspectos como el presupuesto, el reparto o el coreógrafo, la expectativa ya empieza a crecer en torno a esta colaboración creativa.

Detrás de este esfuerzo se encuentra Beltrán Gortázar, quien lidera la iniciativa desde su reciente productora, Arce Studios, tras una exitosa trayectoria en plataformas y producciones de alto calibre. Su compañero Gonzalo Salazar-Simpson, conocido por su trabajo en cine, televisión y teatro, también aporta una vasta experiencia a este proyecto.

De esta forma, el mundo de la música y el cine se entrelazan, ofreciendo a los seguidores de La Oreja de Van Gogh una experiencia renovadora que promete dejar huella. El proyecto se perfila como una nueva etapa en la carrera de la banda y un reto emocionante para todos los involucrados. La unión de talento y pasión está destinada a crear algo verdaderamente especial.

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Nacido en Viena en 1885 y fallecido en Francia en 1957, Stroheim llegó a Hollywood durante la primera década del siglo XX. Con un monóculo colgante y un aura de esnobismo militar prusiano, se convirtió en una figura de fascinación y controversia. Su estilo vanguardista y minucioso en la dirección de películas contrastaba con las crecientes restricciones morales de una industria que se volvía cada vez más conservadora. Sus obras, repletas de lujos y sensualidad, eran tan reales como el champagne que empleaba en sus rodajes.

Su enfrentamiento constante con el productor Irving Thalberg fue la batalla que marcó su carrera. Thalberg, consciente del potencial de Stroheim, mutiló su obra maestra Avaricia (1924), reduciendo un metraje original de casi diez horas a una versión irremediablemente truncada. Este acto de censura no solo significó la pérdida de una obra monumental, sino que simbolizó la victoria del sistema industrial sobre la creatividad individual.

La reina Kelly, filmada entre 1929 y 1932, surgió de la unión entre Stroheim y la emblemática actriz Gloria Swanson, quien la produjo junto a su amante Joseph P. Kennedy, un influyente financiero. La historia gira en torno a Patricia "Kitty" Kelly, una huérfana atrapada en un convento y enamorada de un príncipe libertino, quien la arrastra a un oscuro destino. La producción, marcada por la brillantez y el derroche de Stroheim, finalmente fue interrumpida por la creciente preocupación de Swanson y Kennedy, quienes temían los excesos de la narrativa y el inminente advenimiento del cine sonoro.

Tras la abrupta salida de Stroheim, la película fue completada por Richard Boleslawski y se estrenó en varios países, pero rápidamente se desvaneció en el olvido. Sin embargo, la nueva versión que se presenta ahora en cines y filmotecas de España proviene de los materiales de Stroheim, que ofrecen una experiencia visual nunca antes vista.

Dennis Doros, el restaurador de la película, recuerda cómo, en tiempos analógicos, la restauración era un proceso minucioso y laborioso. La era digital ha transformado este trabajo, facilitando la creación de una versión que honra el legado de Stroheim, mientras elimina los daños de la película original. El acceso a archivos que antes estaban restringidos ha permitido recuperar materiales que enriquecen la historia detrás de La reina Kelly, ofreciendo un vistazo a una época donde el romance y la decadencia se entrelazaban en la pantalla.

Stroheim, en su reclusión, se reinventó como actor en las décadas siguientes. La admiración de Billy Wilder por su trabajo lo llevó a roles memorables, incluyendo su aparición en El crepúsculo de los dioses (1950). Este filme, que refleja la melancolía de una época dorada, revitalizó el interés por su obra perdida y dejó claro que, a pesar de las adversidades, su arte seguía cautivando.

La historia de La reina Kelly, ahora restaurada, es no solo un testimonio del talento de Stroheim, sino también de las luchas que enfrentó un artista en un mundo que, a menudo, priorizaba la conveniencia empresarial sobre la visión creativa. Su legado continúa desafiando y fascinando, recordándonos que el cine mudo fue un campo de batalla donde se forjaron las bases de un arte que sigue evolucionando.

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Ante esta presión pública, diversos estados han comenzado a tomar medidas. Por ejemplo, Nueva York ha decretado una moratoria de un año en los permisos para nuevos centros de datos, y actualmente existen más de 100 moratorias en consideración en todo Estados Unidos. Garman argumentó que si se implementan tales restricciones, el país podría estar comprometiendo su competitividad a largo plazo en el sector tecnológico.

Garman también se propuso desmentir cuatro mitos importantes que rodean a los centros de datos: el consumo excesivo de agua, el aumento de los costos eléctricos, la gran contaminación que producen y su aparente falta de beneficios comunitarios. A través de un informe de Amazon, resaltó que el “consumo directo de agua” en sus centros de datos representa solo el 0.5% de toda el agua industrial en Estados Unidos, menos que sectores como el golf o la agricultura de almendras.

Sin embargo, aunque empresas como Nvidia han declarado que sus nuevos sistemas de refrigeración eliminan casi completamente el uso de agua, las críticas persisten, ya que tanto el uso de agua como la energía en estos centros están interrelacionados con la generación eléctrica y la producción de chips, lo que requeriría un análisis más profundo y uniforme.

En términos de tarifas eléctricas, Garman indicó que aunque en algunos estados han aumentado, en otros estas han permanecido estables o incluso han disminuido. Atribuyó los aumentos a la falta de inversión en la infraestructura eléctrica, en lugar de a la presencia de centros de datos. Sin embargo, un informe reciente de un organismo independiente afirma que estos centros son responsables de un incremento del 76% en los precios de la electricidad en la red más grande de Estados Unidos.

En el ámbito de la contaminación, Garman defiende la postura de que los críticos a menudo se enfocan en la cantidad máxima de polución que los centros de datos están autorizados a emitir. Por ejemplo, un centro de datos de Amazon en Texas tiene permiso para liberar 33 millones de toneladas de dióxido de carbono al año, más que cualquier otra planta de energía en el país. Garman, no obstante, afirmó que los generadores de los centros rara vez operan, funcionando solo alrededor del 0.1% del tiempo, principalmente para pruebas de mantenimiento.

Por otro lado, el CEO también resaltó que Amazon ha dejado de utilizar NDAs con las agencias gubernamentales en sus proyectos y que, en los últimos tres años, ha contribuido con más de mil millones de dólares a las comunidades donde tiene una presencia significativa de centros de datos.

A pesar de estos esfuerzos, persiste la desconfianza en las comunidades. Según Dario Amodei, CEO de Anthropic, la desconfianza hacia la tecnología y las empresas está muy arraigada, y la percepción general es que gobiernos y compañías están constantemente buscando nuevas formas de actuar en contra de los intereses públicos. Esto ha llevado a que, cuando los opositores a los centros de datos reciben los argumentos de las empresas, su respuesta a menudo sea: “No les creo”.

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El filme, dirigido por Marcelo Martinessi, se sumerge en la vida de Bernardo Aranda, un carismático locutor de radio que fue asesinado en 1959. Basada en la novela del escritor e historiador Guido Rodríguez Alcalá, "Narciso" se desarrolla en Radio Capital, una emisora popular que respiraba el folclore nacional mientras enfrentaba el influjo del rock estadounidense. Aranda, interpretado por Diro Romero, se convierte en una figura central en esta emisora, justo cuando la dictadura de Alfredo ‘El Rubio’ Stroessner inicia una ofensiva moral, particularmente contra la comunidad homosexual.

El guion despliega un profundo simbolismo, posicionando el programa de radio como un microcosmos de la sociedad paraguaya. La historia de "Narciso" no solo narra el asesinato de Aranda; más bien, revela cómo los nuevos ritmos y la cultura juvenil se convirtieron en amenazas para un régimen represor. La relación entre la música y el silencio, el deseo y la censura, se explora con maestría en un ambiente lleno de sombras.

Martinessi, conocido por su aclamada película "Las Herederas", vuelve a examinar la historia de Paraguay a través de una lente crítica que invita a la reflexión sobre la lucha por la libertad en tiempos de represión. La película, que se estrena el 2 de octubre de 2026, ofrece un viaje inquietante hacia un periodo histórico que marcaría la memoria colectiva de una nación.

Con una duración de 100 minutos, "Narciso" se presenta no solo como un relato del pasado, sino como una llamada a la conciencia sobre la importancia de recordar y entender la historia para construir un futuro más libre. En medio de un panorama sombrío, la película deja entrever que el verdadero peligro para cualquier poder retrógrado radica en la creatividad, la música y la imaginación —elementos que erigen un espacio de resistencia ante la opresión. Esta exploración del cuerpo y la voz como herramientas de reclamación y libertad resulta esencial en un contexto donde el silencio a menudo es la única respuesta.

"Narciso", con su narrativa rica en simbolismo y su enfoque en los desafíos de una época convulsa, captura la esencia de una lucha por la dignidad y la expresión en un tiempo donde la opresión intentó silenciarla todo.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-02/narciso-un-tenebroso-drama-paraguayo-sobre-represion-homosexual-y-rocknroll.html

Delgado Arroyo, en respuesta a estas críticas, subraya la complejidad que rodea la elaboración de presupuestos electorales. Invita a aquellos que impugnan los gastos a considerar múltiples factores, incluyendo el crecimiento de la población electoral. De acuerdo con su análisis, el aumento en el número de ciudadanos habilitados para votar requiere la instalación de más casillas, lo cual, a su vez, demanda más personal de apoyo y material electoral.

El delegado enfatiza que una parte sustancial del gasto electoral proviene de servicios personales, con un porcentaje considerable destinado a salarios de cargos temporales, los cuales son generalmente mínimos. Sin embargo, cuando estos salarios aumentan por encima de la inflación, el presupuesto necesario para la organización de las elecciones también experimenta incrementos.

En el contexto de Michoacán, del proceso electoral anterior se contaba con cerca de 1,600 personas de apoyo. Aunque por el momento se desconoce la cifra exacta para el próximo proceso, se estima que podría haber un aumento en la cantidad de capacitadores y supervisores necesarios. Para el anterior proceso, se instalaron 6,400 casillas en la entidad, y el número definitivo se dará a conocer entre marzo y abril del año próximo.

En cuanto a la seguridad del proceso electoral, hasta la fecha, no existen indicios alarmantes que pudieran interrumpir la instalación de las casillas. Delgado Arroyo añade que se realizará un diagnóstico continuo sobre las condiciones de seguridad a medida que se acerque la fecha de las elecciones, asegurando así la viabilidad del proceso.

A medida que avanzan los preparativos, es crucial que tanto la ciudadanía como las autoridades comprendan la naturaleza de los gastos involucrados en las elecciones. La transparencia en la utilización de estos recursos es fundamental para mantener la confianza en el sistema electoral de México.

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changoonga.com: https://changoonga.com/2026/09/30/ine-michoacan-lamenta-las-voces-que-critican-su-presupuesto-para-elecciones/

En este contexto, plataformas como Stardust TV han surgido, ofreciendo acceso a una vasta gama de dramas verticales que han cosechado millones de visualizaciones. Actualmente, hay más de 60 partes de este contenido, generando un atractivo que va más allá del mero entretenimiento. Sin embargo, estos dramas verticales tienen un carácter distintivo: sus historias suelen estar llenas de giros absurdos y tramas exageradas, como la invasión de personajes malintencionados o batallas que dejan mucho que desear en términos de autenticidad.

El aumento de estos dramas marca una preocupación creciente sobre la calidad del contenido que consumimos. Aunque se considera que están en una "carrera hacia el fondo" en términos de producción, el formato se ha adaptado a las preferencias del público moderno, que busca contenido digerible y de fácil acceso. De acuerdo con estadísticas recientes, más estadounidenses ven microdramas que programas en servicios de streaming. Se prevé que continúe la proliferación de plataformas dedicadas a este tipo de contenido, que incluyen nombres como ReelShort y DramaWave, entre otros.

El acceso a este contenido no es puro entretenimiento; a menudo está acompañado de una inundación de anuncios y características que fomentan la participación prolongada del usuario, incentivando un modelo de suscripción que puede costar hasta $17 por semana. Esta estrategia de gamificación, donde los espectadores obtienen "monedas" que les permiten desbloquear clips, ha suscitado críticas al comparar la experiencia de consumo con el juego.

No es sorprendente que la erotica también juegue un papel importante en este ecosistema. El contenido para adultos se ha transformado en un poder dentro de este nuevo marco de producción de microdramas, ofreciendo al espectador una forma rápida y sin complicaciones de disfrutar del entretenimiento.

Mientras el medio se expande, los actores involucrados comienzan a ganar visibilidad, convirtiéndose en influenciadores que publican sobre los desafíos y las dinámicas de la industria. Algunos, como Olivia Rose Williams, han comenzado a abordar abiertamente las problemáticas de género y las condiciones laborales en estos sets, reflejando un aware emergente dentro de la comunidad.

A pesar de que existen preocupaciones legítimas sobre la explotación y la calidad del contenido, también hay una gran oportunidad para que los creadores innoven en un espacio que podría convertirse en un nuevo tipo de arte. En este mar de contenido, quienes puedan respetar y entender el lenguaje único de la narrativa vertical tienen el potencial de moldear el futuro de este formato. La pregunta que queda es si esta explosión de microdramas será disfrutada de manera moderada o si los espectadores se dejarán llevar por esta atmósfera de consumo desenfrenado, potencialmente perjudicial para sus vidas sociales y mentales.

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slate.com: https://slate.com/technology/2026/09/tiktok-vertical-video-dramas.html

Este año, sus trabajos en “Amarga Navidad”, su segundo proyecto dirigido por Pedro Almodóvar, y “El ser querido” de Rodrigo Sorogoyen, han definido su creciente carrera, tras haber sido catapultada a la fama con la serie “Antidisturbios”. Su reciente participación incluye la presentación del filme “Sants” de Mikel Gurrea en el Festival de San Sebastián, demostrando su versatilidad y compromiso con la actuación.

En sus declaraciones, Luengo critica la saturación mediática, expresando su inquietud sobre cómo su constante exposición podría agotar la paciencia del público. A pesar de sus preocupaciones, está disfrutando plenamente del momento profesional que atraviesa. Recuerda su trayectoria desde el inicio, conectando los hilos entre sus sueños de infancia y su éxito actual.

El equilibrio entre la promoción y el rodaje es un tema recurrente en su vida; enfatiza que, aunque el trabajo de promoción puede ser agotador, el valor que encuentra en cada uno de los proyectos que lleva a cabo compensa el esfuerzo. Aún así, Luengo ha señalado la importancia de encontrar tiempo para sí misma y su familia, especialmente dado el delicado estado de salud de su madre. Ha decidido hacer una pausa en los rodajes hasta mayo para centrarse en una obra de teatro que se estrenará en 2027, resaltando el aspecto íntimo y seguro del teatro como un espacio esencial para su desarrollo artístico.

En lo que respecta a su futuro en el ámbito de las series, Luengo admite que no planea comprometerse a largo plazo con un proyecto, destacando el desgaste emocional que conlleva. “La vida en estos últimos dos o tres años me ha dado tantas vueltas”, expresa, evidenciando una madurez desarrollada a raíz de su experiencia.

La relación familiar también ocupa un lugar relevante en su discurso. Luengo menciona cómo su familia no siente la necesidad de seguir su carrera de manera constante, reflejando una comprensión del viaje profesional que ha emprendido. Su rol como actriz le ha permitido abordar temas personales a través de sus personajes, lo cual considera un gran regalo de la vida.

Consciente de su creciente influencia en la industria del entretenimiento, Victoria Luengo se siente responsable de su impacto y utiliza su voz para expresar sus necesidades y preocupaciones en el set. La edad y la experiencia la han llevado a un lugar donde puede comunicar lo que siente sin temor.

En resumen, Victoria Luengo continúa dejando su huella en el panorama cinematográfico español mientras navega las complejidades de la fama, la familia, y su compromiso con el arte. Su trabajo en proyectos diversos destaca no solo su talento, sino también su profunda conexión con el mensaje que busca transmitir a través de cada uno de sus personajes.

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Días más tarde, cuando Cortés llegó al set para rodar su única jornada de trabajo, que coincidía con el último día de Miguel Bernardeau, quien da vida a Rafael Rodríguez Rapún, el hombre que inspiró a Lorca en Sonetos del amor oscuro, vivió una experiencia intensa y emotiva. Esta conexión lo alinea con una breve pero significativa lista de actores que han dado vida al poeta en la pantalla grande y pequeña.

Lorca, quien fue asesinado hace 90 años, ha sido objeto de numerosos documentales. Uno de los más recientes, La voz quebrada, se estrenará el 16 de octubre, ampliando las narrativas en torno a su figura.

A lo largo de los años, diversas producciones han abordado la vida y muerte de Lorca, destacando:

1. Lorca, muerte de un poeta (1987): Seis episodios dirigidos por Juan Antonio Bardem, basada en la obra de Ian Gibson. Un dato curioso es que el rol principal fue interpretado por el actor inglés Nickolas Grace, cuyas similitudes físicas con Lorca le valieron el papel, aunque su voz fue doblada.
2. Muerte en Granada (1996): Esta película, dirigida por Marcos Zurinaga, presenta a un periodista (interpretado por Esai Morales) que busca respuestas sobre la desaparición de Lorca durante la dictadura franquista. Andy García toma el rol del poeta en una narración más dramatizada y menos precisa.
3. Little Ashes (2008): Un filme sobre la juventud de Lorca, Dalí y Buñuel, protagonizado por Javier Beltrán, quien intenta representar la complejidad de su figura.
4. El Ministerio del Tiempo (2015-2020): Ángel Ruiz encarna a Lorca en varias ocasiones en esta serie, donde el poeta interactúa con personajes que viajan en el tiempo.
5. Ena, la reina Victoria Eugenia (2024): Ángel Ruiz regresa para interpretar a Lorca en esta nueva serie que explora la vida de la reina consorte de España.
6. Lorca (2027): La nueva película de Fernando Franco, ya en producción, se centrará en las últimas semanas de vida del poeta, ofreciendo una mirada íntima y humana a su existencia marcada por el miedo y la incertidumbre.

Un aspecto fascinante de la representación de Lorca en el cine es la ausencia de grabaciones de su voz. Sus contemporáneos, como el poeta Luis Rosales, describieron su timbre poderoso y grave. Según testimonios, su acento andaluz, con un ceceo característico, se ha convertido en un objeto de estudio en la búsqueda por comprender su legado.

En una época donde las imágenes y los relatos sobre figuras icónicas son más accesibles que nunca, la exploración de la vida de Lorca sigue enriqueciendo el entendimiento y la apreciación de su obra y su tiempo.

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La controversia despertó interés en los medios, años más tarde, cuando la película se proyectó nuevamente en el festival de San Sebastián tras ser restaurada en 6K. Esta reestrena fue gestionada por su hijo, Jonás Trueba, a través de su empresa Los Ilusos. La historia detrás del cubo de agua, que algunos interpretan como un acto de venganza, sigue generando distintas narrativas según quién la cuente. Mientras Trueba habla de un momento impulsivo y surrealista, las crónicas de la época sugieren un trasfondo más conflictivo.

Este año, el festival también presentó Bajañí, otra de las obras de Trueba, un documental que explora la vida del guitarrista Niño Josele. A través de un diálogo artístico, Trueba ha reunido a varias leyendas de la música, como Caetano Veloso y Rubén Blades. Desde su perspectiva, la conexión entre ambas películas reside en la libertad creativa que las caracteriza, sin restricciones narrativas ni guiones preestablecidos.

El cineasta rememoró el rodaje de Chicho o mientras el cuerpo aguante, que decidió hacer sin un guion, junto a Chicho Sánchez Ferlosio, un cantautor cuya vida se regía por un espíritu libre y despreocupado. “Quería rodar sin un plan, adoptando una libertad total cada día”, manifestó Trueba, quien contrastó el enfoque de dicha producción con su anterior trabajo, Ópera prima, que había sido rigidamente estructurado.

El regreso de la película de 1982 también provocó la creación de Diario iluso, un periódico que recopila artículos sobre el escándalo del cubo, así como escritos y fotografías de aquel rodaje. Este resurgimiento del interés por el pasado de Trueba no solo destaca su legado cinematográfico, sino que también arroja luz sobre su enfoque artístico: crear películas que puedan acercar al público a la música y a la vida de sus protagonistas.

Además, se anticipa un nuevo proyecto: Las abdicaciones (una comedia histórica), una colaboración con su hijo Jonas, quien ha manifestado su deseo de trabajar junto a él, resultando en un filme que se estrenará en primavera. Estableciendo así un puente generacional en el mundo del cine, Trueba continúa su labor, siempre en busca de la autenticidad y la emoción en su arte.

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En los primeros minutos, la historia ya atrapa al espectador con una combinación eficaz de humor y sustos. Cregger, quien hace un par de años sorprendió con su filme “Weapons”, demuestra un dominio sobresaliente del tiempo y el montaje, logrando que las carcajadas se entrelacen con los sobresaltos. La actuación del joven Austin Abrams, quien interpreta al mensajero médico, se destaca y permite a la audiencia experimentar un carrusel de emociones.

Los efectos especiales, con un costo aproximado de 70 millones de euros, rememoran grandes momentos del terror cinematográfico, evocando el estilo de clásicos como “La cosa” de John Carpenter, que tanto heló la sangre de los espectadores en su estreno en 1982. Sin embargo, “Resident Evil” no se limita a ser un homenaje a los grandes del pasado; se erige como una película de terror actual, para un público adulto que a menudo busca en el cine una forma de conectarse con su niñez, representada aquí por un héroe que lucha contra zombis mientras lidia con sus propias crisis de madurez.

La película, que se estrenó el 18 de septiembre de 2026, ha capturado la atención del público por su habilidad para mezclar el horror y la comedia de manera efectiva, un rasgo que recuerda las obras de Sam Raimi. A pesar de que los últimos veinte minutos pueden resultar menos sorprendentes, la audiencia ya había sido conquistada por la experiencia general que ofrece la película, una propuesta viva y emocionante que se siente fresca y relevante.

“Resident Evil” no solo es una secuela más, sino un intento de revivir y redescubrir lo que la saga puede ofrecer en un nuevo contexto cultural. Al abordar temas contemporáneos, como la lucha por no abandonar la infancia en el contexto de una catástrofe vírica, la película se presenta como un espejo de las tensiones que enfrentan muchos en la actualidad, lo que seguramente resonará con sus espectadores.

Esta mezcla de nostalgia y novedad asegura que "Resident Evil" encuentre su lugar como una obra destacada en el panorama del cine de terror moderno, rindiendo homenaje al legado de su predecesora mientras forja su propio camino.

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A pesar de que Yamal reconoce que la decisión final sobre el galardón no está en sus manos, se muestra satisfecho con su rendimiento y la temporada que ha tenido. "Las posibilidades están ahí. El juego ha estado, todo ha estado… pero no depende de mí. Estoy tranquilo con lo que he hecho", comentó, reiterando su enfoque en el trabajo en el campo.

El extremo barcelonista también defendió su estilo de juego, argumentando que su forma de jugar tiene que ser un factor significativo en la elección del ganador del Balón de Oro. "En el fútbol europeo hay pocos jugadores que jueguen como yo lo hago y que hagan disfrutar a la gente de esta manera", afirmó, añadiendo que su inspiración siempre ha sido Neymar. Esta filosofía, según Yamal, debería influir en el criterio para premiar a los futbolistas, enfatizando que "el Balón de Oro tiene que ver con eso, con jugadores que están un poco por encima".

Sin embargo, sus declaraciones han suscitado reacciones encontradas. Aunque Yamal es consciente de que sus opiniones generan debate, sostiene que no cambiará su forma de expresarse: "Piden que los futbolistas sean sinceros, luego digo lo que pienso… y dicen ‘pero cómo va a decir eso’. La gente pide cosas que luego no quiere. No voy a cambiar mi forma de ser hasta que me retire ni voy a decir algo que no pienso".

Además de centrarse en su propia candidatura, Yamal se tomó un momento para reconocer a un compañero, declarando: “Le daría a Cubarsí el Balón de Oro joven”, destacando así su aprecio hacia el potencial de sus compañeros en el equipo.

Con la Copa Mundial a la vista, las palabras de Lamine Yamal resuenan en un contexto donde la emoción del fútbol español está en su punto más alto, y su deseo de alcanzar el Balón de Oro no solo refleja sus ambiciones personales, sino también la creciente expectativa en torno a su futuro como futbolista destacado.

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La película, un drama que narra la historia de un oficial de las Fuerzas Especiales, James Belmont, y su perro de combate, Odín, aborda temas profundos como el estrés postraumático. La trama, que se desarrolla tras un accidente aéreo en Alaska, saldrá en cines españoles el 25 de septiembre, después de su presentación en la sección Oficial del festival. La rueda de prensa de Pitt fue notablemente breve, con solo 24 minutos, contrastando con la duración promedio de estos encuentros que ronda los 40 minutos.

La expectación generada por su presencia fue tal, que incluso el photocall se trasladó a la parte interior del Kursaal, debido a la multitud que se aglomeraba en el exterior. Durante el evento, Pitt, vestía casualmente con chaqueta, jeans y una corbata rosa, se mostró educado y optó por la ambigüedad en sus respuestas, gesticulando con una sonrisa. A pesar de su ajetreada agenda de promoción, Pitt ha disfrutado del arte y la gastronomía de San Sebastián, visitando puntos emblemáticos como el Peine de los Vientos y el Chillida Leku, donde compartió recuerdos de su anterior visita hace 17 años.

Sobre los desafíos de la filmación, Pitt destacó la necesidad de realismo, mencionando el frío y las dificultades durante las grabaciones en Nueva Zelanda, donde se recreó Alaska. También hizo hincapié en la importancia de la conexión con su compañero de reparto, el perro que interpreta a Odín, señalando que cada día se esforzaron por convertir el rodaje en una experiencia lúdica para el animal.

El actor describió su personaje como alguien que ha enfrentado tanto heridas físicas como mentales, enfatizando que la película aborda el tema del cuidado entre las personas. Exhortó a los presentes a buscar las similitudes y a unirse ante las divisiones actuales, proponiendo un mensaje de unidad y respeto.

A punto de cumplir 63 años, Pitt atraviesa un periodo intenso de promoción, no solo de En el corazón de la bestia, sino también de Las nuevas desventuras de Cliff Booth, la precuela de Érase una vez en... Hollywood. A lo largo de su carrera ha acumulado un notable número de trabajos como intérprete y productor, destacándose en producciones de cine independiente. En su intervención, hizo hincapié en cómo la llegada de las plataformas digitales ha transformado la industria cinematográfica, brindando oportunidades a nuevos talentos, especialmente a aquellos que emergen de espacios como YouTube.

Finalmente, se supo que, a pesar de su popularidad, el festival no le otorgará un premio Donostia a Pitt, quien ha dejado claro su desinterés por recibir reconocimientos a lo largo de su carrera. Con mucho más por delante, el actor continúa contribuyendo al cine y a la cultura, dejando claro que su legado está lejos de concluir.

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Leigh, reconocido mundialmente por su enfoque humanista y por retratar la clase media británica, ha acumulado una notable trayectoria en el mundo del cine. Ha sido galardonado con la Palma de Oro en Cannes por Secretos y mentiras en 1996 y el León de Oro en Venecia por El secreto de Vera Drake en 2004. A lo largo de su carrera, ha conseguido 18 nominaciones al Oscar, lo que subraya su impacto y relevancia en la industria.

En su declaración sobre el futuro, Leigh expresó que, aunque la vida presenta incertidumbres, la esperanza persiste, especialmente por el bienestar de sus hijos y nietos. “No existe una respuesta correcta” acerca de qué vendrá después, pero mantiene un deseo optimista a pesar de los tiempos difíciles.

La esencia de Tender Loving Care radica en la exploración de la humanidad y la positividad inherente al ser humano. Leigh inició el proyecto sin un guion completo, permitiendo que sus actores participaran creativamente en el desarrollo de los personajes. En esta obra, dos trabajadoras sociales, amigas que enfrentan crisis sentimentales, viven juntas y reflejan las complejidades de una clase media que lucha por mantener la esperanza y la compasión en medio de un entorno social desafiante.

Leigh evita el melodrama, buscando capturar la ternura de la vida cotidiana y cómo, a pesar de las adversidades, los lazos familiares y la solidaridad pueden prevalecer. Su filme destaca la importancia de los servicios públicos y el apoyo comunitario como pilares fundamentales de la humanidad, una idea que resuena profundamente en la actualidad.

Los actores, muchos de ellos colaboradores habituales de Leigh, aportan una conexión auténtica a sus personajes. La entrega y la experiencia compartida en el rodaje permiten que la narrativa fluya con sinceridad y realismo, envolviendo al espectador en un hervidero de emociones que reflejan la cruda belleza de la vida.

A medida que se cierne el final de su carrera, Mike Leigh nos recuerda que el amor y la compasión son el núcleo de la experiencia humana. En un mundo donde el cinismo puede prevalecer, su invitación a ver la bondad y a luchar por un futuro esperanzador resuena más que nunca.

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Este documental, concebido por Diego San José y dirigido por Juan Zavala y Javier Morales, toma un enfoque inusual, fusionando el absurdo humor de Chiquito con elementos de true crime. La visión creativa de los cineastas se basa en la notoriedad inexplicable de su humor, que 30 años después sigue siendo un enigma. Optaron por construir una narrativa donde Chiquito, además de ser un ícono de la comedia española, se convierta en el protagonista de un filme de atracos que explora la suplantación de su identidad en el mundo televisivo.

Aunque hoy muchos no lo recuerden, Chiquito fue un descubrimiento inesperado en la televisión española. Su carrera como cantaor comenzó en su infancia en la malagueña calle de Calzada de la Trinidad, antes de alcanzar la fama en Antena 3. En cuestión de meses, se convirtió en un fenómeno que eclipsó incluso eventos deportivos de gran relevancia. Su capacidad para conectar con el público lo convirtió en un baluarte en un país que necesitaba consuelo y alegría tras los dificiles años previos a los noventa.

El documental no solo brinda una mirada a la figura de Chiquito, sino que también reflexiona sobre la España de los noventa. Los creadores proponen que su éxito fue un antídoto contra la tristeza de la época, un momento en que un hombre de 62 años, con un estilo inconfundible y frases hilarantes pero incomprensibles, iluminó a una nación buscando razones para reír.

Un punto interesante que destaca el filme es la ausencia de un heredero a su legado. Sin una figura que haya logrado conquistar inclinaciones políticas y demográficas tan diversas como Chiquito, su recuerdo podría haber quedado relegado al olvido. Es también un relato sobre el conflicto con la nueva competencia televisiva, donde su estilo fue objeto de disputa, llevando a un juicio con Pepe Navarro por la apropiación de sus personajes y formatos.

El documental, además, ofrece testimonios de quienes compartieron esa etapa con él, desde cómicos hasta ejecutivos de televisión. Su narrativa es abierta, dejando que la audiencia evalúe el veredicto del juicio que, sorprendentemente, no tuvo una conclusión oficial. En un contexto donde los derechos de propiedad intelectual eran aún inciertos, Chiquito se convirtió en un símbolo de la lucha por su identidad artística.

Entre las revelaciones del filme, destaca la amistad entre Chiquito y Mario Conde, el exbanquero, un lazo poco esperado que refleja la interacción de dos mundos muy diferentes. La proyección de este documental no solo recuerda a un ícono del humor español, sino que también invita a los espectadores a cuestionarse sobre la felicidad, el trauma y la capacidad de los cómicos para conectar con sus audiencias.

El análisis de su figura revela un hombre que, a pesar de sus sufrimientos, mantuvo un entusiasmo vital. Chiquito no solo se convirtió en un emblema para la risa, sino que también representa las complejidades del humor en relación al dolor. En un contexto donde muchos cómicos arrastran historias trágicas, su capacidad para ser feliz y contagiar alegría a los demás se convierte en un legado memorable.

Con la llegada del documental El otro Chiquito a Movistar Plus a partir del 1 de octubre, surge una nueva oportunidad para que las nuevas generaciones descubran y valoren la singularidad y relevancia de Chiquito de la Calzada en el paisaje cultural español.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-21/el-dia-en-que-chiquito-de-la-calzada-se-enfrento-al-otro-chiquito.html

En un ambiente político cada vez más tenso, Haces defendió su derecho a interactuar con diferentes sectores, resaltando la importancia de establecer puentes y diálogos construidos sobre bases de respeto y colaboración. "La política no debe ser un terreno exclusivo de unos pocos", sostuvo Haces, enfatizando su compromiso con un enfoque inclusivo ante diversos actores políticos, independientemente de sus afiliaciones.

Por su parte, la gobernadora Libia Dennise ha sido reconocida por su trabajo en Guanajuato y su enfoque hacia el desarrollo regional, un escenario que ha llevado a Haces a valorar su liderazgo en un momento en que la cohesión entre diferentes corrientes políticas parece más necesaria que nunca.

Este evento no solo subraya las tensiones políticas que prevalecen en México, sino que también abre la puerta a un debate más amplio sobre la colaboración y el diálogo necesario en el contexto político actual. Mientras diversos líderes buscan posicionarse ante un electorado que cada vez exige más transparencia y cooperación, la figura de Haces como puente entre diferentes ideologías podría ser un elemento esencial de análisis en los meses venideros.

A medida que nos acercamos a un periodo político clave, la respuesta del público y la repercusión de estas declaraciones seguirán siendo objeto de seguimiento. Sin duda, el manejo de este tipo de relaciones será crucial para las dinámicas políticas en el país.

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reforma.com: https://www.reforma.com/elogia-haces-a-libia-dennise-tras-criticas-de-sheinbaum/ar3279382

Ante estas críticas, Haces decidió contrarrestar las acusaciones elogiar públicamente a la gobernadora panista de Guanajuato, Libia Dennise García. Haces, quien es además líder nacional de la Confederación Autónoma de Trabajadores y Empleados de México (CATEM), subrayó la importancia del diálogo y la colaboración en el ámbito político, incluso en medio de diferencias ideológicas.

Este intercambio de declaraciones pone en relieve la complejidad del actual escenario político en México, donde las alianzas y las rivalidades juegan un papel crucial en la dinámica del poder. La gobernadora García, en particular, se encuentra en una posición estratégica, ya que su manejo de la situación y su capacidad para navegar entre las distintas corrientes políticas pueden influir en futuras elecciones y en la cohesión de su partido.

El contexto es aún más relevante considerando que este tipo de interacciones no solo afectan a los involucrados, sino que también pueden tener un impacto en las decisiones políticas que afectan a los ciudadanos. La habilidad de los líderes políticos para enfrentar la oposición y colaborar en proyectos comunes es fundamental en un país que busca avanzar y resolver sus problemas sociales y económicos.

Mientras tanto, la confrontación entre Sheinbaum y Haces resuena en las esferas políticas y sociales, haciendo que el seguimiento de estos acontecimientos sea crucial para entender las futuras decisiones que se tomen en el Congreso y sus repercusiones a nivel nacional. La dinámica entre los políticos choca con las realidades cotidianas de la población, lo que acentúa la importancia del debate público y la transparencia en el ejercicio del poder.

Este 20 de septiembre será recordado como un momento clave en la política mexicana, donde las palabras y actos de los líderes pueden definir el rumbo del país, un recordatorio de que el diálogo y la cooperación son esenciales en una democracia funcional. En un momento donde la polarización es evidente, la interacción entre Haces y García podría abrir nuevas puertas a la reconciliación política, beneficiando a una sociedad que anhela cambios positivos.

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Desde su anuncio el pasado 4 de agosto, la iniciativa ha suscitado un intenso debate en redes sociales. Los críticos de la propuesta se han manifestado principalmente sobre las implicaciones que tendría esta forma de publicidad en la imagen de la bahía y la experiencia de quienes disfrutan del paisaje costero. Muchos consideran que los anuncios pueden romper la armonía visual que caracteriza a este atractivo turístico.

Entre los comentarios más destacados, uno expresa la preocupación de que la publicidad interrumpa la contemplación de un atardecer que ya es un fenómeno natural apreciado por todos. Las voces discordantes cuestionan si realmente es conveniente incluir anuncios en un espacio destinado a la apreciación del entorno.

La propuesta de Oceanic Marketing no solo abre la puerta a nuevas oportunidades publicitarias, sino que también genera una reflexión sobre la saturación visual en espacios públicos. La pregunta crucial que surge es: ¿qué organismos son responsables de regular este tipo de publicidad en el mar de Puerto Vallarta? Esta incertidumbre añade una capa más de complejidad al debate.

Mientras algunos defienden esta nueva forma de marketing como una evolución necesaria, otros ven en ella una posible contaminación visual que podría afectar la esencia del destino. Los vallartenses ya han comenzado a discutir abiertamente si el horizonte debe o no transformarse en un escaparate publicitario.

Por ahora, esta propuesta de publicidad marítima ha logrado estimular una conversación importante en la comunidad, poniendo en la agenda la pregunta de hasta dónde debería extenderse la publicidad en paisajes que son esenciales para la identidad de Puerto Vallarta. Sin duda, este es un tema que seguirá generando interés y debate en los próximos días.

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changoonga.com: https://changoonga.com/2026/09/20/publicidad-en-el-mar-pantalla-gigante-desata-criticas-en-puerto-vallarta/

Su creador, Berto Romero, se alejó de los encargos y se lanzó a escribir esta historia en 2023 influenciado por una pulsión creativa. La trama sigue a una pareja, él y Belén Cuesta, en un intento por salvar su relación en una casa de campo, solo para encontrar que el tiempo se repite de manera inquietante tras conocer al guardián de la finca, interpretado por Javier Cámara. Este bucle temporal no solo actúa como un recurso narrativo, sino que también refleja una tragedia más profunda que los personajes deben enfrentar.

Javier Ruiz Caldera, director del filme, comentó que el enfoque del guion le sorprendió, destacando su pureza dentro del género fantástico. La narrativa abre una valiosa discusión sobre la percepción contemporánea del tiempo, que hoy se encuentra marcado por la dictadura del estímulo y la reacción. Ambos creadores coinciden en que la presión social actual hace que las respuestas sean más emotivas que reflexivas.

El pesimismo permea la película, donde se explora la autojustificación de los personajes, siendo cada uno la víctima de sus circunstancias, mientras que el resto del mundo se percibe como una amenaza. La relación con la paternidad se convierte en un elemento central, donde las decisiones extremas se justifican en nombre de los hijos. A través de su historia, la película no pretende ser moralizante, sino más bien una exploración cruda de la condición humana.

Romero, durante el desarrollo del guion, sintió la necesidad de infundirle comedia al relato, buscando un equilibrio entre lo oscuro y lo divertido. A diferencia de otras películas de bucles temporales que se centran en la posibilidad de una segunda oportunidad, "Cinco minutos más" se enfoca en la aceptación de los errores y las ramificaciones que estos conllevan.

Ruiz Caldera adaptó su enfoque de trabajo, priorizando esta historia sobre otros proyectos, ya que considera que el genre fantástico puede ofrecer reflexiones profundas sobre la sociedad actual. En este sentido, "Cinco minutos más" se presenta como una obra simbólica que ofrece interpretaciones variadas, desde la lucha en la vida de pareja hasta el choque entre el campo y la ciudad, así como tensiones sociales más amplias.

En un momento en que la impunidad parece reinar, Romero subraya la importancia de que nuestras acciones tengan consecuencias, reclamando la responsabilidad social que parece haberse desvanecido en los últimos años. Así, este filme no solo cautiva con su originalidad, sino que también invita a una profunda reflexión sobre nuestros tiempos.

Actualización: Los datos corresponden a 2026-09-19 21:30:00.

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Recientemente, un documental titulado "Lorca, las horas perdidas", emitido el 18 de septiembre, ha reavivado el debate. Esta producción ha sido objeto de críticas fuertes, especialmente de la Asociación Recuperación de la Memoria Histórica (ARMH), que la ha calificado de "vergonzosa". La ARMH argumenta que el documental intenta absolver a los golpistas de 1936 por su implicación en el inicio de la guerra, culpabilizando en cambio a la Segunda República. En sus declaraciones, la asociación señala que el reportaje pone palabras en boca de Lorca que jamás pronunció, insinuando un revisionismo histórico.

El formato del documental se enmarca dentro del género true crime, explorando los últimos días de Lorca desde su detención hasta su asesinato. A través de dramatizaciones y testimonios de historiadores e investigadores reconocidos, la obra busca ofrecer una nueva perspectiva sobre uno de los crímenes más emblemáticos de la historia española contemporánea. Este enfoque promete desentrañar no solo las causas y los ejecutores de su muerte, sino también la cronología exacta de los eventos que llevaron a su final trágico en Granada.

La aparición de este documental resalta la complejidad del legado de Lorca, así como las dificultades que aún enfrenta la historia oficial de España. La figura del poeta sigue polarizando opiniones y estimulando el interés por una época marcada por la violencia y la represión. A medida que se celebran los 90 años de su muerte, se abre un nuevo capítulo en la narrativa en torno a García Lorca, que invita a la reflexión y al debate sobre su vida y obra, así como sobre la memoria colectiva de un país que continúa lidiando con su pasado.

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Durante una reciente intervención, Ávila González enfatizó que esta infraestructura deportiva no solo busca hacer frente a las críticas, sino también generar espacios que beneficien la salud física y mental de la comunidad nicolaita. En sus palabras, este tipo de iniciativas debería ser celebrado como un acto de responsabilidad social. “Cualquier obra relacionada con estos elementos es de responsabilidad social; no puede ser criticada, al contrario, tiene que ser aplaudida”, afirmó.

La rectora también destacó que UMSNH mantiene un compromiso firme con la transparencia y la rendición de cuentas. Esto se traduce en un claro compromiso para que todos los procesos relacionados con la construcción de la alberca sean públicos. “Estamos abiertos a la transparencia; cada uno de los procesos fue licitado y transparentado”, aseguró Ávila González.

Un hito significativo para la universidad fue el establecimiento de un equipo de natación en 2024, un desarrollo que ella considera esencial, especialmente tras la obtención de 15 medallas en la última Olimpiada. Estos logros, argumentó, representan un avance para el deporte en la universidad y se verán fortalecidos por la nueva alberca.

Además, la rectoría está trabajando en la recuperación de diversas áreas de Ciudad Universitaria. Proyectos como la revitalización del estadio universitario, el lago artificial y el teatro al aire libre tienen como plazo de culminación noviembre de este año. La importancia del lago va más allá de lo ornamental; se trata de un proyecto vinculado a la sostenibilidad ambiental.

Aunque algunos proyectos dentro de la Ciudad Deportiva quedaron pendientes, Ávila González considera que ha logrado significativos avances durante su gestión. “Me da mucho gusto saber que queda un legado de mi administración, un esfuerzo conjunto que se debe reconocer entre todos los directores y directoras, y que la Universidad Michoacana hoy es diferente”, concluyó.

Con estos esfuerzos, la UMSNH busca no solo mejorar sus instalaciones, sino también dejar una huella positiva en la comunidad académica y deportiva, reafirmando su compromiso con la transparencia y el progreso social.

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La interpretación del joven actor Franklin Aro Huasco otorga al personaje de Martín una profundidad que permite a los espectadores conectar con su soledad. Desde su intento de superación en la escuela hasta su relación con un sastre, cuya figura evoca la imagen de un padre que nunca tuvo, cada escena invita a reflexionar sobre la complejidad de la vida en la calle.

Las elecciones cinematográficas de Tomicic, aunque chispeantes, a veces se asientan en un terreno conocido por el cine latinoamericano, donde el miserabilismo parece dominar. Sin embargo, es en los momentos en que la historia se libera de esta fórmula convencional donde realmente brilla. A través de la exploración de la vida cotidiana que Martín anhela, ya sea en la casa que colma su deseo de familia o en el taller de sastrería donde se desata un conflicto fundamental, Tomicic crea un viaje íntimo que trasciende lo superficial.

El sastre, interpretado por Alfredo Castro, representa una figura clave en la vida de Martín, aunque su caracterización a menudo queda en la penumbra, privando al público de una comprensión más completa de su influencia en la vida del adolescente. El contraste entre la naturalidad de Huasco y la opacidad del personaje de Castro podría desentonar, lo que limita la profundización en el drama del joven limpiabotas.

Un elemento recurrente en la trama es el perro, que actúa como una metáfora de las contradicciones humanas. Al igual que en "La perra", otra notable producción chilena, el perro representa un anhelo de conexión y refugio emocional. En una de las secuencias más memorables, Martín pasea por las calles de La Paz con su nuevo compañero, vestido con un traje, símbolo de dignidad y amor que refleja lo que desea alcanzar, aunque su realidad esté marcada por la orfandad.

La película, que cuenta con una duración de 90 minutos y tiene programado su estreno para el 8 de septiembre de 2024, promete ser una exploración significativa de las emociones humanas, mientras Tomicic sigue la vida de Martín con un ojo hacia la esperanza, buscando un camino que va más allá de las adversidades. En un contexto donde el cine boliviano se enfrenta a retos y oportunidades, "El ladrón de perros" se alza como una obra que invita a la reflexión y la empatía, proponiendo una mirada fresca sobre la juventud y su lucha por el amor y la pertenencia.

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Martín, interpretado por el actor natural Franklin Aro Huasco, encarna la soledad y el vacío de su orfandad a través de un comportamiento errático. Su trayecto oscila entre la escuela, donde intenta superarse, y los lugares donde se refugia, creando un retrato conmovedor de su vida marginal. Tomicic captura la esencia de la vida callejera, si bien estas imágenes pueden parecer redundantes en un cine latinoamericano que a menudo aborda el miserabilismo.

El filme gana profundidad cuando se aparta de estos clichés, explorando la vida doméstica que se escapa de Martín. El contraste entre los espacios cerrados de las casas, la sastrería y las antiguas calles de La Paz pinta un cuadro de anhelos y secretos. A través de esta exploración, el espectador descubre la búsqueda de conexión del protagonista. Sin embargo, la caracterización del sastre, interpretada por Alfredo Castro, no logra equilibrar el naturalismo de Martín. La falta de contexto sobre su vida limita la comprensión del drama que enfrenta el joven limpiabotas.

La figura del perro en la narrativa actúa como una metáfora de las paradojas humanas. En una secuencia especialmente hermosa, Martín se pasea por las calles con su compañero canino, vestido para la ocasión. Este momento encapsula la dignidad y el amor que el perro representa, un breve respiro a su orfandad y un reflejo de lo que anhela alcanzar.

Con una duración de 90 minutos, el filme está programado para su estreno el 8 de septiembre de 2024. Mientras se ha presentado en festivales y ha sido galardonado en los premios Platino y el festival de Málaga, "El ladrón de perros" promete ser una adición significativa al panorama del cine boliviano y una reflexión conmovedora sobre la soledad y la búsqueda de pertenencia en un mundo desafiante.

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Sin embargo, la carrera de Ritchie dio un giro abrupto con su tercer largometraje, Barridos por la marea (2002), una adaptación fallida de la satírica obra italiana de Lina Wertmüller. Esta película fue objeto de duras críticas, y muchos atribuyeron su fracaso a la influencia de Madonna, quien en ese momento era su esposa y protagonizaba el filme. La idea era que su presencia quizás había desviado la visión creativa de Ritchie, llevando su trabajo a un terreno menos experimental y más comercial. Con el paso del tiempo, no obstante, muchos críticos se dieron cuenta de que el verdadero responsable del fiasco era el propio director.

Desde ese tropiezo, la filmografía de Ritchie ha estado marcada por un tono a la baja. Su reciente estreno, En la zona gris, llega a las pantallas españolas -con un elenco atractivo que incluye a Jake Gyllenhaal, Eiza González, Henry Cavill y Carlos Bardem- con críticas que podrían equivaler a uno de sus trabajos más débiles, solo superado por su tercer filme.

La película, que mezcla géneros como el espionaje y el drama judicial, no logra sobreponerse a un guion que deja mucho que desear. Durante los primeros 40 minutos, Ritchie se pierde en monólogos redundantes que no aportan nada a la trama y desdibujan la conexión entre los personajes. A pesar de contar con una producción sofisticada, la falta de química entre el elenco y la debilidad de los diálogos convierten el filme en un ejercicio de frustración.

Un aspecto que Ritchie intenta explorar es la relación entre la violencia y el sistema legal, sugiriendo que las mafias no son sostenidas únicamente por la violencia, sino también por un entramado legal. Sin embargo, este enfoque se queda corto, ya que la falta de desarrollo de personajes hace que las muertes en pantalla no tengan el impacto emocional esperado. Así, el título se refiere más a las "zonas grises" de moralidad y legalidad sin adentrarse realmente en sus implicaciones.

El director parece más interesado en la acción superficial que en profundizar en los complejos temas que su propia historia podría haber abordado. La película, que se centra en un mundo lleno de corrupción y maniobras oscuras, no permite que el espectador se conecte con sus personajes o se involucre en su lucha.

Mientras En la zona gris se estrena este 18 de septiembre de 2026, queda la pregunta de si Ritchie recuperará algún día la chispa que lo encumbró en sus inicios como cineasta. La crítica, al parecer, no hace más que reafirmar que la esperanza de un renacer para el director parece, por el momento, bastante desvanecida. En el trayecto del triunfo al desencanto, el director británico ha dejado en claro que el brillo de un talento puede desvanecerse con la misma rapidez con la que se construye.

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Baltazar Gaona García, presidente de la Mesa Directiva, dedicó una parte significativa de su intervención a resaltar el trabajo del gobernador. Sin embargo, con una clara postura, afirmó que su papel como representante de todas las fuerzas políticas no debía limitarse a palabras protocolarias. “No estoy aquí para darle gusto a nadie”, enfatizó, antes de exaltar los logros de Ramírez Bedolla.

Entre las voces críticas, destacó la intervención de Antonio Carreño Sosa, diputado de Movimiento Ciudadano, quien puso en duda la rentabilidad del teleférico estatal. Su crítica fue contundente: el costo de esta obra alcanzó cifras diez veces superiores a las de otros proyectos, como el tren interoceánico. “¿Es correcto que una sola obra cueste lo mismo que el presupuesto anual de municipios como La Piedad o Apatzingán?”, cuestionó, desatando un debate sobre la gestión de recursos públicos.

A su vez, Guillermo Valencia Reyes, dirigente estatal del PRI, planteó dudas sobre la transparencia en las cifras relacionadas con los homicidios en Michoacán, señalando que el estado lidera las estadísticas a nivel nacional en homicidios de menores de edad. “En 2026, hemos acumulado cifras preocupantes, estamos hablando de 152 homicidios en este año en comparación con 219 en todo el año civil anterior”, alertó.

Desde el Partido Acción Nacional (PAN), Alfonso Chávez Andrade también intervino, instando a que la obra pública no se convierta en herramienta de propaganda electoral. Estas intervenciones críticas contrastaron con la mayoría de las fracciones, que en su mayoría se dedicaron a elogiar los esfuerzos del gobernador.

La sesión, prolongada por cerca de cuatro horas, se desarrolló en un ambiente de seguridad reforzada, lo que limitó el libre tránsito de los ciudadanos en los alrededores del recinto. Una vez más, el diputado independiente Carlos Alejandro Bautista Tafolla no tuvo oportunidad de participar en el debate.

Los ecos de este informe resuenan en un contexto donde la gestión gubernamental y la transparencia son más relevantes que nunca. Con la finalización del mandato en el horizonte, la evaluación de logros y desafíos es crucial para la ciudadanía que espera respuestas y soluciones.

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