En los últimos años, el turismo ha evolucionado, marcando un cambio significativo en la manera en que se perciben las vacaciones. Hoy en día, no solo se trata de viajar, sino de empoderar a las mujeres que están a la vanguardia de la industria. Desde guías de turismo hasta empresarias en el ámbito de la hospitalidad, su influencia es innegable. Cada vez más mujeres asumen roles clave, contribuyendo a una visión más inclusiva y diversa del turismo, donde las experiencias auténticas ocupan un lugar central. El fenómeno "ellas deciden" va más allá de las simples preferencias de viaje; refleja un deseo de conexión profunda con las culturas locales y una búsqueda de crecimiento personal.

La biodiversidad que caracteriza a Costa Rica proporciona un sinfín de oportunidades para aquellos que buscan una conexión genuina con la naturaleza. Actividades como retiros de yoga en las playas y excursiones de avistamiento de aves son lideradas por mujeres decididas a fomentar la paz interior y el bienestar emocional. Además, estas iniciativas no solo benefician a los participantes individualmente; también generan ingresos que ayudan a las comunidades locales y promueven la conservación del medio ambiente.

En el ámbito gastronómico, las chef costarricenses están capturando la atención con su innovador uso de ingredientes locales. Talleres culinarios y tours gastronómicos guiados por mujeres han ganado popularidad entre aquellos que desean explorar la cocina costarricense en un ambiente auténtico y acogedor.

Otro aspecto fundamental del turismo contemporáneo es la sostenibilidad. Las mujeres en Costa Rica están liderando iniciativas que promueven prácticas responsables y respetuosas con el medio ambiente. Desde el fomento de alojamientos ecológicos hasta proyectos de reforestación, estos esfuerzos no solo benefician al entorno natural sino que también ofrecen a los visitantes la oportunidad de participar activamente en iniciativas que generan un impacto positivo.

A medida que el turismo continúa evolucionando, el movimiento "ellas deciden" se convierte en un testimonio del potencial transformador que poseen las mujeres en esta industria. Con cada paso que dan, están dando forma a un futuro donde sus voces son escuchadas y su liderazgo es reconocido. Empoderar a más mujeres para que asuman roles de liderazgo en el turismo no solo fortalecerá la industria, sino que también beneficiará a las comunidades locales y las experiencias de los viajeros.

Viajar a Costa Rica hoy en día es más que una simple escapada; es una invitación a ser parte de un movimiento inclusivo, sostenible y significativo. Conectar con mujeres inspiradoras y aprender de sus historias y valores es una experiencia invaluable. Al planificar su próxima aventura, los viajeros deberían considerar la riqueza cultural y las contribuciones de estas mujeres que están transformando el rostro del turismo en Costa Rica, donde cada viaje puede ser una historia esperando ser descubierta.

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dimensionturistica.com: https://dimensionturistica.com/es/ellas-eligen-asi-se-determinan-los-viajes-y-vacaciones-en-costa-rica/

En su ensayo reciente, Gastañaga explora la compleja relación entre la adopción y la identidad. En "La genealogía del abandono", coloca en el centro de su narrativa el deseo intrínseco de los adoptados de descubrir sus orígenes. Según él, “El abandono es nuestra primera piel, nos delimita”. Esta frase encapsula el sentimiento de búsqueda que caracteriza a muchos adoptados: el anhelo de saber de dónde vienen y quiénes son realmente.

A lo largo de su vida, la inquietud por conocer a su madre biológica y su historia lo llevó a explorar múltiples instituciones y documentos. Era un tiempo en el que las herramientas actuales, como las bases de datos en línea o las pruebas de ADN, no existían. Aun así, su perseverancia y habilidades investigativas le permitieron construir una red de contactos y desentrañar parte de su pasado, incluso enfrentándose a fraudes que eran comunes en este tipo de búsqueda.

No fue hasta 2014, poco antes de viajar a Moscú para reunirse con su madre biológica, que decidió compartir sus planes con sus padres adoptivos. Recordando ese momento, confesó que podría haber manejado la situación de una mejor manera, sugiriendo la importancia del apoyo profesional en estos casos, ya que las reuniones con familiares biológicos pueden resultar emocionalmente complejas.

Su viaje también incluyó la búsqueda de su padre, que estaba cumpliendo condena en prisión. Aunque no tuvo la oportunidad de conocerlo en persona, consiguió establecer contacto con su familia en Rusia, lo que le permitió tejer un vínculo que sigue presente en su vida.

La investigación de Gastañaga fue también una travesía a través de países y culturas, examinando la historia de la Unión Soviética, Armenia y su nuevo hogar, España. Cada paso en su búsqueda llegó acompañado de nuevas revelaciones y desafíos emocionales. Si bien las primeras reuniones con su madre biológica estaban cargadas de expectativa, también estaban envueltas en decepciones inesperadas, desafiando su idea romántica sobre el reencuentro.

La relación con su familia adoptiva, sin embargo, siempre fue de apoyo. Aunque al principio había preocupaciones sobre los riesgos de viajar solo a un país desconocido, finalmente se mostró comprensión y respaldo hacia su viaje.

Ahora, tras 20 años de búsqueda, Gastañaga comienza una nueva etapa en su vida, siendo padre por primera vez. Reflexionando sobre su experiencia, expresa que la paternidad le ha brindado un sentido de paz emocional. A medida que avanza en su vida personal y profesional, también mantiene un firme propósito de ayudar a otros adoptados, canalizando su propia historia de abandono y búsqueda hacia el apoyo de quienes se encuentran en una situación similar.

En conclusión, la historia de Iván Gastañaga nos invita a mirar más allá de la superficie de las adopciones y a confrontar la complejidad de las identidades que se forjan entre la esperanza y la búsqueda de pertenencia. Su relato sigue resonando con muchos que, al igual que él, buscan respuestas en sus propias narrativas de vida. La lucha por la identidad y el deseo de reconexión trascienden fronteras y nos recuerdan que, para muchos, el camino hacia la comprensión de uno mismo es, en última instancia, un viaje hacia el hogar.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-12/deconstruccion-en-primera-persona-de-la-idea-romantica-de-la-adopcion-el-abandono-es-nuestra-primera-piel.html

Nik Cohn, un notable periodista y escritor, es un ejemplo de este fenómeno. Hijo del historiador Norman Cohn y con raíces judías y norirlandesas, Cohn se destacó en el periodismo londinense a mediados de los años sesenta. En español, hemos podido disfrutar de obras como Awopbopaloobop Alopbamboom: Una historia de la música pop, que celebra los inicios del pop, y que ha sabido adaptarse a lo largo de las ediciones, incluso cambiando de título a lo largo de su trayectoria.

El autor argumenta a favor de los placeres simples del pop, prefiriendo los singles por encima de los álbumes completos, y mostrando desdén hacia las pretensiones de los artistas idolatrados de su era. Cohn, instalado en Nueva York tras su paso por Londres, publicó en 1976 un artículo titulado Tribal Rites of the New Saturday Night, que serviría de base para la película Fiebre del sábado noche en 1977; un fenómeno cultural en muchos aspectos. Sin embargo, años más tarde se reveló que su relato era en gran parte ficticio, basado en sus recuerdos de la cultura mod londinense.

En el contexto de sus experiencias, Cohn vivió varias situaciones arriesgadas. En 1983, fue arrestado por el FBI debido a su implicación en una red de tráfico de drogas, pero logró una condena benévola gracias a la colaboración con la fiscalía. Su vida siguió marcada por la audacia: atraído por la cultura de Nueva Orleans y figuras como Jelly Roll Morton, Cohn se sumergió en la escena musical local.

Su conexión con el rap lo llevó a convertirse en mánager y promotor, aunque sin mucho éxito comercial. Sin embargo, su obra Triksta da cuenta de su experiencia y pone de relieve el peso del racismo en el entorno musical. A notable modo, regresó a Nueva Orleans tras el huracán Katrina para documentar cómo sus amistades habían enfrentado la devastación, incorporando sus historias en la reedición de su libro.

Este recorrido por la vida y obra de Nik Cohn no solo refleja su habilidad para narrar y atraer a su público, sino que también destaca su impacto perdurable en la cultura contemporánea. Su legado sigue vivo, invitando a reflexionar sobre el complejo entramado de la música, la identidad y las experiencias humanas.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-12/nik-cohn-el-hombre-a-la-contra.html

En un fin de semana que promete ser notable, el nuevo filme de Aaron Sorkin se dirige a una apertura de tan solo $5.5 millones en el mercado doméstico, muy por debajo de las estimaciones iniciales de $7 a $8 millones. Este desempeño sugiere que "The Social Reckoning" no alcanzará el impacto de su predecesor, "The Social Network", que comenzó con $22 millones en su fin de semana de estreno y acumuló un impresionante total de $97 millones en taquilla en su momento.

Este bajo rendimiento no solo alimenta preocupaciones sobre el futuro de este proyecto cinematográfico en particular, sino que también refleja la creciente apatía del público hacia las narrativas de la cultura tecnológica. Este fin de semana, además, se estrena una serie de documentales sobre figuras controvertidas de Silicon Valley, incluyendo el esperado "Musk", que tras sus $69,000 en cuatro cines, espera una distribución más amplia a través de HBO Max. Se avecinan otros filmes, como un documental sobre Elizabeth Holmes, prometiendo una variedad de enfoques sobre los desafíos y controversias del sector.

A diferencia de la primera entrega, que capturó la emoción de los inicios de Facebook, la secuela aborda temas más sombrios, centrándose en la denuncia realizada por Frances Haugen sobre las prácticas de la red social. Un cambio drástico en el tono podría explicar por qué esta película no resuena con el público joven, al que se dirigió el filme original.

Un factor crucial a considerar es la recepción crítica de "The Social Reckoning", que ha sido menos favorable en comparación con su predecesor. Aunque algunos espectadores han disfrutado de la obra, ha sido señalada por la sobreabundancia de los diálogos característicos de Sorkin. Esto, y la naturaleza densa del tema, podrían haber contribuido a su menos entusiasmo entre la audiencia, en especial en un clima donde la atención se centra en la inteligencia artificial y otras preocupaciones contemporáneas.

A medida que el otoño avanza, el futuro del cine sobre tecnología no parece despejarse, con un público que se adapta a las nuevas narrativas y plataformas de consumo. El interés por las historias de figuras empresariales es evidente, pero la manera de contar esas historias parece ser más crucial que nunca.

Nota: La información presentada refleja las condiciones del mercado cinematográfico y las percepciones del público a partir del 11 de octubre de 2026.

Este artículo busca presentar los hechos de forma clara y atractiva, manteniendo el contexto y la información relevante del texto original.

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techcrunch.com: https://techcrunch.com/2026/10/11/aaron-sorkins-social-reckoning-is-off-to-a-weak-start/

En 2026, es ampliamente reconocido que el uso de smartphones y la creciente popularidad de los videos cortos han contribuido a un deterioro en la alfabetización, especialmente entre los jóvenes. Recientes análisis advierten que el uso excesivo de estas tecnologías lleva a una lectura superficial, desdibujando la capacidad de seguir argumentos complejos y de evaluar su validez. De hecho, estudios recientes muestran que cada vez más estudiantes universitarios se enfrentan a la dificultad de leer libros enteros, limitándose a fragmentos y citas aisladas.

El crítico James Marriott argumenta que esta falta de dedicación a la lectura no es meramente anecdótica, sino que tiene profundas implicaciones para la democracia. La alfabetización, sostiene, es esencial para formar un electorado informado capaz de sostener una sociedad democrática. Sin embargo, al confrontar las ideas expresadas en 1985 por Neil Postman, quien advertía sobre el impacto negativo de la televisión en la cultura occidental, surge una inquietante similitud en la forma en que los nuevos medios, incluidos los smartphones, están transformando nuestra capacidad de absorción de conocimiento.

Marriott destaca que la predominancia del video en nuestra comunicación está erosionando habilidades críticas; estos medios se basan más en emociones superficiales que en argumentos bien estructurados. Esta dependencia de lo visual recuerda la tradición oral en la que el contenido contextualmente significativo a menudo se perdía. Históricamente, la llegada de la imprenta había democratizado el acceso a la información, permitiendo que voces de diversos orígenes emergieran. Sin embargo, en la actualidad, la revolución digital parece estar llevándonos de regreso a formas primarias de comunicación que, según algunos historiadores como Walter Ong, podrían fomentar supersticiones y tribalismos.

Además, Marriott destaca que las afirmaciones sobre el impacto destructivo de las tecnologías actuales no son novedosas, sino parte de un discurso recurrente desde la llegada de internet. Muchos temen que una generación criados en esta cultura digital se vea abocada a satisfacer necesidades superficiales, similar a cómo la comida rápida ha simplificado la nutrición. La alarmante conclusión es que, si bien todos reconocen los problemas de la distracción digital, pocos ofrecen soluciones a esta adicción cultural.

Ante esta problemática, es esencial plantear preguntas sobre cómo podemos navegar en esta marea de información y qué estrategias podemos emplear para fomentar el pensamiento crítico y la lectura profunda. Mientras que el análisis acerca de la disminución de la lectura y la creciente dependencia de formatos visuales es válido y necesario, la búsqueda de soluciones efectivas es lo que, en última instancia, determinará el futuro de nuestra sociedad en esta era digital.

La reflexión sobre el estado actual de la lectura y la alfabetización en 2026 subraya la urgencia de reimaginar cómo interactuamos con la información, asegurándonos de no perder de vista la importancia de la lectura profunda y el pensamiento crítico en un mundo que parece moverse cada vez más hacia la superficialidad.

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slate.com: https://slate.com/culture/2026/10/literacy-ai-books-reading-tiktok-smartphones-dark-ages.html

Organizado por la Secretaría de Turismo de Michoacán, bajo la dirección de Roberto Monroy García, el festival ha consolidado su papel como plataforma de proyección para la rica herencia gastronómica de la región. Con este encuentro, se da inicio a una temporada de celebraciones que, durante los meses siguientes, llenarán los rincones del estado con cultura, identidad y, por supuesto, sabor.

Durante el festival, chefs, sommeliers, cocineras y cocineros tradicionales, junto con productores y especialistas, se han reunido en espacios emblemáticos como el Centro Cultural Clavijero y el Conservatorio de las Rosas. Las actividades han incluido propuestas innovadoras como "Cocina Central" y "Cocina de Humo", así como catas, talleres de mixología y proyecciones documentales. Desde el mediodía hasta la tarde, se ha promovido un intercambio invaluable de conocimientos y técnicas gastronómicas.

Este año, el festival homenajeó a dos figuras clave en el desarrollo gastronómico: Jair Téllez y Natalia Badán, cuyas contribuciones han dejado una huella en el ámbito culinario. Entre los rostros reconocibles de las cocineras tradicionales de Michoacán presentes se encontraron a destacadas figuras como Benedicta Alejo Vargas y Rosalba Morales Bartolo, quienes representan la riqueza de esta tradición.

Con un ambiente vibrante y un enfoque en la preservación de la cocina autóctona, "Morelia en Boca" no solo se ha constituido como un evento significativo en el calendario cultural del estado, sino que también ha reforzado la importancia de la gastronomía como elemento esencial de la identidad mexicana. La edición de 2026 promete ser un hito en la historia del festival, involucrando a la comunidad y a los visitantes en la celebración de la cocina a través del tiempo y el espacio.

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changoonga.com: https://changoonga.com/2026/10/11/este-domingo-concluye-la-edicion-16-de-morelia-en-boca-con-lo-mejor-de-la-gastronomia-y-el-vino/

Un factor a considerar es la percepción de que la literatura de ficción no presenta personajes en los que estos hombres puedan verse reflejados. Algunos críticos argumentan que la falta de protagonistas masculinos que resuenen con sus experiencias está vinculada a esta disminución en la lectura. Sin embargo, otros señalan que existen numerosas obras protagonizadas por hombres, pero muchas veces retratadas en condiciones desfavorables, como en el bestseller Rejection de Tony Tulathimutte. Esto pone de relieve la dificultad que enfrentan los editores para que se repliquen éxitos literarios, lo que a su vez complica el panorama de publicación.

La incertidumbre actual acerca de los intereses de la nueva generación de hombres heterosexuales ha llevado a la exploración de posibilidades más amplias. Preguntas sobre si buscan "adrenalina" o "nuevas estrategias de cortejo" son comunes, sugiriendo que puede haber un espacio para un tipo de literatura que combine estos elementos.

Un desarrollo reciente ha revelado que un número creciente de hombres se ha sentido atraído por las novelas románticas, un género que tradicionalmente ha sido visto como dominado por mujeres y lectores queer. Un estudio de The Guardian muestra que muchos de estos hombres aprovechan canales como Discord para compartir sus gustos literarios sin el temor a ser juzgados. Se agrupan en comunidades que les permiten explorar su interés por la literatura romántica de forma anónima, reflejando una lucha interna para salir del clóset literario.

Este fenómeno sugiere que existe un deseo subyacente entre estos lectores de experimentar emociones profundas y de liberarse de las restricciones impuestas por la masculinidad convencional. Romper con el estigma que rodea la lectura de romance podría representar una nueva posibilidad para estos hombres, permitiéndoles aceptar aspectos de sí mismos que quizás consideren vulnerables.

Durante este proceso, se ha puesto de manifiesto que los lectores de romance a menudo eligen títulos no para identificarse, sino para escapar de realidades inmediatas. Novelas que ofrecen narrativas de amor y deseo han sido propuestas como vehículos de liberación, proporcionando no solo entretenimiento, sino un espacio para la reflexión emocional y la aceptación personal.

Además, intelectuales y escritores también abogan por una cultura literaria más inclusiva que reconozca que el camino hacia una mayor lectura masculina puede estar en descartar prejuicios. Alentar a los hombres a explorar ficción de diversas voces, incluyendo la de autores románticos como Sally Rooney y Elena Ferrante, podría ser un paso importante para revitalizar su interés por la lectura.

En conclusión, la búsqueda de la literatura que invite a los hombres a sentirse libres, energizados y conectados con sus emociones puede ser clave para abordar la crisis de lectura que enfrentan. El futuro de la literatura masculina podría residir en rompecabezas como el que ofrece la novela romántica, donde el objetivo no es solo identificarse, sino también descubrir nuevas formas de sentir y de ser.

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lithub.com: https://lithub.com/can-romance-novels-solve-the-straight-man-reading-crisis/

Del 31 de octubre al 2 de noviembre, las festividades cobrarán vida en varios destinos. Michoacán, reconocido como uno de los epicentros de esta tradición, especialmente en la región del lago de Pátzcuaro, se convierte en un lugar de peregrinación. Durante las noches del 1 y 2 de noviembre, las familias purépechas honran a sus seres queridos al colocar ofrendas, flores de cempasúchil y veladoras. Entre los puntos más destacados se encuentran Janitzio, conocido por su panteón iluminado; Tzintzuntzan, donde las tumbas se adornan con flores, y Pátzcuaro, que ofrece una ventana a la gastronomía y artesanías locales. Las autoridades enfatizan la importancia de respetar las ceremonias y tradiciones de los habitantes.

En Nuevo León, Monterrey será sede del concurso “Dioses ancestrales, catrines inmortales”, que se llevará a cabo el 1 de noviembre en el Museo de Historia Mexicana, donde se premiará a los mejores participantes en las categorías infantil, juvenil y adulta. Además, del 22 de octubre al 4 de noviembre, se realizará el Festival Internacional de Santa Lucía, que ofrecerá 183 eventos de música, danza, cine y artes visuales en diferentes sedes.

Jalisco también se suma a la conmemoración a través del Festival de las Almas 2026, que incluirá decoraciones en Guadalajara, Zapopan y otras localidades, aunque los detalles específicos de las actividades seguirán confirmándose. Esta región es conocida por sus embarcaciones iluminadas en la laguna de Cajititlán y el lago de Chapala, entre otros eventos culturales.

Aguascalientes, cuna de José Guadalupe Posada, rinde homenaje con el Festival Cultural de Calaveras. Este evento, que se extiende durante los últimos días de octubre y principios de noviembre, incluye desfiles de catrinas, exposiciones de altares y espectáculos culturales, ofreciendo más de 600 actividades en 2025, de las cuales el 90% fueron gratuitas. La programación definitiva para 2026 se podrá consultar en el sitio oficial del festival.

Por último, Chiapas presenta celebraciones singulares, especialmente en San Juan Chamula, donde las comunidades indígenas rinden tributo a sus difuntos. Con ceremonias que incorporan la tradición local, las familias visitan los cementerios el 1 y 2 de noviembre para colocar ofrendas, flores y alimentos, todo mientras se implementan medidas de prevención para los visitantes.

Las fechas del Día de Muertos siguen siendo consistentes en el calendario: el 31 de octubre marca el comienzo de las actividades culturales, el 1 de noviembre se dedica a los niños fallecidos, y el 2 de noviembre se centra en los adultos. Se aconseja a quienes planeen asistir a estas festividades consultar los canales oficiales de Turismo y Cultura antes de viajar, ya que algunos programas aún no cuentan con horarios definitivos.

La riqueza de las tradiciones del Día de Muertos en México invita a la reflexión y el respeto, ofreciendo a los visitantes la oportunidad de conectarse con la cultura y espiritualidad del país durante una de sus celebraciones más emblemáticas.

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eleconomista.com.mx: https://www.eleconomista.com.mx/arteseideas/celebrar-dia-muertos-fuera-cdmx-actividades-cinco-destinos-mexico-20261011-837632.html

La creatividad se nota en la vestimenta de los aficionados; muchos eligen corbatas, un accesorio que Styles ha adoptado en su gira, en diseños que van desde lo simple y rayado hasta estampadas con letras de sus canciones. Otros se decantan por cómodos pantalones cortos deportivos, homenajeando a las carreras matutinas de Styles desde Brooklyn hasta el recinto, combinándolos con divertidas camisetas que dicen "I Love Harry".

Sin embargo, la atención no se dirige solo a los fervientes admiradores de Styles. Al día siguiente, el Madison Square Garden se preparó para recibir a los Knicks en su partido contra los Washington Wizards, atrayendo a una nueva ola de entusiastas en las típicas tonalidades del equipo: azul, naranja y blanco. Con el reciente triunfo del equipo en una emocionante temporada, la energía palpable en la arena era innegable. Algunos aficionados emergían de las estaciones de metro con atuendos sobrios de oficina para rápidamente transformarse, vistiéndose con camisetas brillantes o capas de los Knicks al llegar.

Acercándose a la entrada, vendores informales ofrecían una variedad de indumentaria: “¡Camisetas de los Knicks! ¡Camisetas de las Liberty!” se escuchaba entre la multitud, prometiendo opciones para todos los tamaños y gustos antes de que comenzara el juego.

Este contraste entre la cultura pop contemporánea y la pasión deportiva clásica demuestra la energía vibrante de la ciudad, donde la moda y el fervor por el entretenimiento se entrelazan en un tapiz dinámico. Todo esto, capturado en una sola semana en un lugar que nunca duerme.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/harry-styles-knicks-fans-madison-square-garden

“Family Movie” se presenta como una comedia de terror que homenajea el amor por el cine y la tenacidad de quienes lo producen sin esperar recompensas económicas. El filme, que busca la esencia de hacer cine por el mero placer de crear, tuvo su estreno europeo en el Festival de Sitges, donde Bacon y Sedgwick fueron recibidos como auténticas estrellas. La historia sigue a un director de películas de serie Z, interpretado por Bacon, quien lucha por financiar su último film, rodado en su propia casa. Su esposa, interpretada por Sedgwick, y sus hijos encarnan a personajes que enfrentan las frustraciones y ambiciones en un entorno familiar cargado de humor oscuro.

Con una carrera cinematográfica que abarca más de tres décadas, Kevin Bacon ha asumido diversos roles, desde protagonista en exitosas películas hasta director. Durante su trayecto, ha buscado proyectos que lo desafíen artísticamente, alejándose de los grandes presupuestos para centrarse en historias que lo inspiren. Como él mismo ha dicho, aún siente la misma pasión que a los 18 años por crecer y superarse en su trabajo.

El actor ha aprendido a lidiar con la fama y ha optado por ignorar las críticas sobre su trabajo, buscando en cambio un proceso creativo que impulse su crecimiento personal y profesional. Su relación con Kyra Sedgwick ha sido un pilar fundamental en su vida, abordando la profesión con autenticidad y sin dejarse llevar por el ruido de la industria.

En ocasiones, comparte con entusiasmo anécdotas sobre su experiencia en salas de cine, defendiendo la importancia de la experiencia colectiva de ver películas en grupo. Asegura que ningún hogar puede replicar el ambiente de una sala oscura donde se comparte el arte del cine. Esta visión resuena igualmente en su nuevo proyecto, donde la familia se convierte en el eje central, reflexionando sobre la conexión y las relaciones en el contexto de la industria cinematográfica.

Con la mirada puesta hacia el futuro, ambos artistas continúan innovando y apoyándose mutuamente, sin dejar de lado el placentero recuerdo de cuando se conocieron, un amor que germinó en el set de “Lemon Sky” en 1988. Un viaje que no solo abarca su vida personal, sino también su complicada y rica trayectoria en la cinematografía.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-11/kevin-bacon-sigo-pensando-al-100-en-mejorar-trascender-y-hacer-algo-impactante.html

El festival, que se lleva a cabo el 10 y 11 de octubre, rinde homenaje a los cocineros y cocineras que con sus manos han dado vida a la identidad culinaria moreliana. Guadalupe Pérez Gutiérrez, responsable de la Dirección de Mercados y Plazas, expresó su gratitud a los presentes y reafirmó el compromiso del gobierno municipal en continuar fomentando eventos que reafirman el carácter de Morelia.

Una de las voces importantes durante la inauguración fue la de María Cadelaria Ochoa, representante de los locatarios de la Plaza de San Agustín, quien también agradeció al Gobierno Municipal por su respaldo e invitó a la ciudadanía a disfrutar de las delicias que este festival ofrece. La lluvia no fue un obstáculo; al contrario, el aroma de especialidades como enchiladas, corundas, pozole, pambazos y dulces tradicionales llenaron el aire, creando un ambiente festivo que atrajo tanto a morelianos como a visitantes.

Este año, el festival cuenta con la participación de 22 locatarios, todos listos para compartir sus creaciones culinarias en un evento que busca no solo celebrar la gastronomía regional, sino también impulsar la labor de un espacio icónico en el centro de la ciudad. Los sabores vibrantes y la calidez del lugar son un recordatorio del talento local y de la pasión que se encuentra detrás de cada platillo.

Así, la Plaza de San Agustín se convierte en un punto de encuentro, donde vendedores y comensales comparten momentos y sabores. El Festival de la Enchilada y la Corunda no solo es un festín para el paladar, sino también una celebración de la vida comunitaria, el trabajo artesanal y el legado culinario que define a Morelia. Las puertas están abiertas, y la invitación está hecha: disfrutar y celebrar con una buena taza de atole o unas tradicionales gorditas este fin de semana.

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changoonga.com: https://changoonga.com/2026/10/10/morelia-alfonso-inaugura-el-17-festival-de-la-enchilada-y-la-cordunda/

Durante la ceremonia de apertura, Guadalupe Pérez Gutiérrez, director de Mercados y Plazas, expresó su agradecimiento a los presentes y reafirmó el compromiso del gobierno local de apoyar iniciativas que refuercen la identidad cultural de la capital michoacana. Las palabras de Pérez Gutiérrez resonaron con fuerza, destacando la importancia de eventos como este para fortalecer la comunidad y promover el comercio local.

La Plaza de San Agustín, escenario del festival, se transformó en un festín de aromas y sabores que atrajo tanto a morelianos como a visitantes. María Cadelaria Ochoa, representante de los locatarios de la plaza, subrayó la relevancia de este evento y extendió una cordial invitación a todos para disfrutar de los platillos típicos que caracterizan la gastronomía local.

A pesar de la lluvia, el festival se llenó de vida. Una variedad impresionante de platillos como enchiladas, corundas, tostadas, pozole, pambazos, tacos, sopes, gorditas, buñuelos, atoles y aguas frescas fueron ofrecidos a los primeros comensales que se acercaron a probar estas delicias.

Este evento tiene como propósito no solo celebrar la diversidad culinaria de Morelia, sino también impulsar la labor de 22 locatarios dedicados a ofrecer sus creaciones. Abierto al público durante el 10 y 11 de octubre, el festival promete ser un verdadero homenaje a la salsa y el sabor.

Los habitantes y visitantes de Morelia están llamados a disfrutar de este encuentro gastronómico que celebra la riqueza cultural y la tradición culinaria de la región, todo en un ambiente festivo que busca fortalecer los lazos dentro de la comunidad local.

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Los trabajadores del derecho se enfrentan a un panorama complejo, donde lidiar diariamente con historias de violencia, abuso y tragedias humanas puede llevar al agotamiento profesional y a trastornos emocionales severos. Los efectos del burnout y la fatiga por compasión son sólo algunos de los variados problemas psicológicos que pueden surgir. El estrés laboral a menudo se transforma en un problema de salud mental, dejando secuelas que afectan no solo a los profesionales, sino también a sus familias y a la sociedad en general.

A pesar de la seriedad de la situación, el debate sobre la salud mental en el ámbito jurídico en México es significativamente limitado. Muchas veces, los profesionales sienten que no hay espacios para hablar de su agotamiento emocional o para buscar ayuda, lo que puede llevar a un ciclo destructivo de abuso de sustancias y conflictos interpersonales. La normalización de estos problemas es una señal alarmante de un sistema en crisis, donde el estrés se convierte en parte de la cotidianidad laboral.

El impacto de la salud mental no solo se mide en términos personales. La calidad de las decisiones judiciales y la atención a los clientes se ven afectadas por el deterioro emocional de quienes trabajan en este entorno. Un abogado emocionalmente exhausto tiene más probabilidades de cometer errores y de experimentar dificultades en la concentración, lo que repercute en la calidad de la justicia que se imparte.

¿Y qué decir del trauma vicario, ese fenómeno donde las historias de sufrimiento escuchadas por años comienzan a alterar la percepción del mundo de quienes las manejan? Esta carga emocional no se queda en la oficina; a menudo se lleva a casa, afectando a las familias de estos profesionales.

Para abordar esta crisis, es esencial que se establezcan programas de salud mental en el ámbito jurídico que vayan más allá de la simple evaluación laboral. Se requiere crear un espacio seguro para que los operadores jurídicos puedan expresar sus preocupaciones y recibir el apoyo necesario. La construcción de puentes entre la psicología y el derecho es vital, y organizaciones profesionales deben asumir un rol proactivo en la implementación de medidas que promuevan el bienestar emocional.

En un entorno donde la exigencia y la presión son constantes, es fundamental reconocer que nadie es invulnerable a las consecuencias de un trabajo tan estresante. La salud mental no solo es crucial para la calidad de vida de los profesionales del derecho, sino también para la eficacia y la justicia del sistema en su conjunto. La atención oportuna a estos problemas puede mejorar no solo la vida de quienes trabajan en el campo, sino también la salud de la sociedad en general.

Se concluye que el diálogo sobre la salud mental debe abrirse de manera urgente, dejando atrás una cultura del silencio que sólo perpetúa el sufrimiento. La transformación de estos aspectos no solo beneficiará a los abogados y jueces, sino también a todas las personas que dependen del sistema de justicia, resaltando que cuidar de la salud emocional es cuidar del bienestar colectivo.

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Poco después de un inicio espectacular, donde su elegante destreza con el capote prometía una actuación memorable, el tercer novillo embistió ferozmente a Serrano, dejándolo inmóvil en la arena y requiriendo la asistencia de los paramédicos. El parte médico revela una herida profunda en la parte interna de su muslo derecho, comprometiendo la arteria femoral y causando destrozos musculares significativos, lo que exigió intervención quirúrgica inmediata en la enfermería de la plaza antes de su traslado al hospital de la Fraternidad, donde su pronóstico se considera grave.

La tarde, que empezó con gran expectación y entusiasmo del público, se tornó sombría tras el incidente. Previo a su accidente, Serrano había lidiado con un primer novillo de la ganadería Domingo Hernández, caracterizado por su nobleza, aunque su faena fue considerada aceptable pero sin la entrega esperada. El segundo novillo, de Fuente Ymbro, resultó en una presentación menos favorable, marcada por enganchamientos y una decisión apresurada de Serrano para concluir la actuación.

Con la salida de Serrano del ruedo, el evento fue legado a dos sobresalientes, Héctor Roberto y Aitor Fernández, quienes, aunque con poca experiencia, mostraron determinación al enfrentar a otros novillos. Roberto manejó el tercero con eficacia y se encontró con el bravo quinto novillo de Montealto, cuya fuerza y nobleza prometían un gran espectáculo, pero que no pudo ser completamente aprovechado por su lidiador. Aitor Fernández, por su parte, realizó algunos muletazos estimables, tratando de justificarse ante su inexperiencia frente al complicado sexto novillo.

En total, se lidiaron novillos de seis ganaderías distintas, con un entusiasmo palpable en el ambiente. Sin embargo, la herida de Serrano ha dejado a todos reflexionando sobre los riesgos inherentes de este arte. Mientras el tiempo dará cuenta del impacto de esta arriesgada apuesta en su carrera, la afición espera con ansias su pronta recuperación y un regreso triunfal al ruedo. En el contexto actual del toreo, donde la valentía y el talento se entrelazan en cada actuación, la jornada del 10 de octubre en Las Ventas permanecerá en la memoria, no solo por la audacia del joven novillero, sino también por la fragilidad de la vida en el artístico pero peligroso mundo de la tauromaquia.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-10/alvaro-serrano-herido-grave-en-su-arriesgada-y-deslucida-encerrona.html

Doré, con más de una década de experiencia trabajando al lado de Josep Roca en El Celler de Can Roca, pasó a dirigir el bar de vinos Vii en Girona en 2024. Su trayectoria le valió el Premio Nacional de Gastronomía a la Mejor Sumiller en 2025. En esta cata de Andorra, su enfoque no se limitó a presentar vinos elaborados en grandes alturas; se centró en cuestionar la noción misma de altitud y su significancia en distintos contextos geográficos.

Aunque muchas veces se hace referencia a los 500 metros como una cota mínima para considerar un vino de altura, la cata demostró las limitaciones de esta referencia. En un territorio, 400 metros pueden ser considerados altos, mientras que en otro, 800 podrían no tener el mismo impacto. La altitud, si bien puede favorecer temperaturas más frescas y conservar la acidez, debe ser considerada en conjunto con otros factores como la latitud, la exposición solar, la composición del suelo y las variedades de uva.

La cata presentó seis vinos que ilustraron estas variables. La primera copiosa fue Ekam 2024 de Castell d’Encus, ubicado a 800 metros en la D.O. Costers del Segre. Elaborado principalmente con riesling y albariño, este vino abrió el diálogo sobre cómo estas altitudes afectan el perfil del vino. Aquí, Doré instauró la idea de que, aunque la altitud es indiscutible, el contexto determina su relevancia.

El siguiente vino, La Réserve d’O 2024, de Marie y Frédéric Chauffray, proveniente de Arboras en Languedoc a 400 metros, reforzó que esa cifra puede ser significativa en su correspondiente entorno, con un clima, una exposición y un paisaje distintos. Esta noción de que cada cifra necesita su contexto se convirtió en un argumento recurrente.

Con Consciència Còsmica 2025, de Còsmic Vinyaters y situado en el Alt Empordà a 500 metros, Doré destacó que la altura no siempre garantiza vinos ligeros. Aunque este vino, elaborado con cariñena gris, presentaba una presencia alcohólica alta, su acidez aportaba un carácter interesante al paladar.

La cata continuó con El Hombre Bala 2023 de la Sierra de Gredos, un tinto de garnacha que descompuso el mito de que la altitud está asociada únicamente a vinos ligeros. En este caso, el equilibrio entre frescura y maduración se tradujo en un resultado atractivo y complejo.

A continuación, se degustó Casa Auvinyà Evolució Syrah, a 1.200 metros en Andorra, donde la montaña juega un papel crucial en el cultivo de la uva. Este vino no solo ilustró un esfuerzo exitoso por cultivar uva en un entorno desafiante, sino que también resaltó la diversidad que puede encontrarse en las elevaciones más altas.

Finalmente, Els Escurçons 2009 de Mas Martinet, a 600 metros en Priorat, demostró que el tiempo potencia la calidad de un vino. A pesar de ser de una cosecha más antigua, mantenía una notable frescura que cerró la cata de manera impresionante.

Al finalizar esta experiencia, la reflexión que quedó fue clara: No hay una cifra universal que defina un vino de altura; cada metro implica un mundo de diferencias. Los retos del cambio climático han llevado a muchos viticultores a buscar altitudes más elevadas para mantener la frescura y prolongar los ciclos de maduración. Sin embargo, las condiciones adversas de la montaña no son simples de manejar y requieren una comprensión profunda del entorno.

De esta cata de vinos de altura, el mayor aprendizaje es que lo esencial no es cuánto se ha elevado una viña, sino qué significan esos metros en el contexto específico donde están ubicados. La búsqueda de la respuesta va más allá de una cifra y se adentra en la esencia misma de la viticultura.

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gastronomiaycia.com: https://www.gastronomiaycia.com/audrey-dore-y-la-pregunta-que-cambia-la-forma-de-entender-los-vinos-de-altura/

Maravilla, conocido por sus obras que fusionan arte y sanación, conceptualiza esta instalación como un espacio de santuario, destinado a la reunión, la reflexión y el alivio durante una época que, a menudo, es tanto festiva como vulnerable. “A través de su enfoque en el arte y su manera de transitar en el mundo, Guadalupe Maravilla encarna un compromiso con el cuidado y crea condiciones para la sanación como una ofrenda para todos”, declaró Jean Cooney, directora de Creative Time.

La propuesta de Maravilla incluirá casi 100 esculturas y obras textiles, además de su autobús escolar transformado en obra de arte, Mariposa Relámpago, que ha recorrido diversas localidades desde México hasta Boston. Durante la duración de la exhibición, el artista llevará a cabo “baños de sonido” semanales, integrando este elemento esencial de su práctica artística, que aborda las intersecciones entre el arte y la sanación.

Maravilla, quien llegó a los Estados Unidos como un menor no acompañado durante la guerra civil de El Salvador en los años 80, y que ha enfrentado su propio viaje de sanación tras haber sido diagnosticado con cáncer, destaca que este proyecto proporcionará un lugar seguro donde las personas puedan encontrar consuelo en épocas de ausencias, ya sea por duelo, enfermedad o separación familiar debido a la inmigración u otras circunstancias.

Además de servir como una obra artística, la Catedral de San Juan el Divino será un sitio de asistencia mutua, donde se reunirán donaciones de alimentos, ropa y juguetes para ser redistribuidas en colaboración con organizaciones comunitarias locales. Laura Bosley, directora ejecutiva de programación de la catedral, enfatiza la misión de la catedral como un refugio y un centro de luz intelectual para todos, afirmando que Consejos de las Estrellas refuerza ese compromiso, creando un espacio para la conversación significativa, la reflexión y la unidad en un momento cada vez más tumultuoso para el país.

Este proyecto se presenta como una intersección vibrante de arte, comunidad y sanación, invitando a todos a unirse en un viaje de conexión y apoyo mutuo durante la temporada festiva.

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artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/guadalupe-maravilla-cathedral-of-st-john-the-divine-creative-time-1234801851/

Mollà, conocido por su participación en películas como La buena estrella y Los años bárbaros, aceptó la oferta, agradeciendo el honor de unirse al proyecto. En su respuesta publicada en Instagram, expresó: “Querido Sr. Allen: Muchas gracias por su preciosa carta para brindarme el honor de participar en su próxima película que tendrá lugar en Madrid, España. Sinceramente suyo, Jordi Mollà”. Con esto, se suma a un elenco que incluye a figuras como Peter Vives, Alexi Wasser, Jemima Kirke, Marton Csokas y Jakob Oftebro.

Desde el 5 de octubre, Allen ha estado rodando su película número 51 en la capital española. Durante una reciente rueda de prensa, el director destacó que la historia requiere una “atmósfera diplomática”, lo que convierte a Madrid, ciudad que ya le es familiar, en el escenario ideal. Allen describió la ciudad como “bonita, elegante, y parecía un lugar lógico para la historia”. La obra, que mezcla comedia, romance e intriga, promete ser intrigante, aunque se deberán esperar los resultados finales para comprobar si cumple con las expectativas del director.

Aunque el título de la película aún se desconoce, se ha revelado que el Ayuntamiento y la Comunidad Autónoma de Madrid han contribuido con 1,5 millones de euros cada uno para su financiación, representando alrededor del 20% de un presupuesto total estimado en 14 millones de dólares (12 millones de euros). Este apoyo económico ha sido decisivo, especialmente dado que Madrid ofrece menos incentivos fiscales para producciones cinematográficas.

La producción se centrará principalmente en Madrid, con muchas secuencias realizadas en el corazón de la ciudad, y también se incluirá la localización de Aranjuez. Además, el equipo técnico será casi completamente español e incluirá a profesionales de renombre internacional, como la diseñadora de vestuario Sonia Grande, quien ha colaborado en proyectos anteriores de Allen, y el célebre director de fotografía José Luis Alcaine.

Los seguidores del cine de Woody Allen están ansiosos por ver el resultado de este nuevo proyecto, que promete capturar la esencia de Madrid mientras ofrece una historia que, según el director, estará repleta de todos los ingredientes necesarios para una narración cautivadora. La expectativa crece en torno a esta película, que marcará otro hito en la extensa carrera del cineasta estadounidense.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-10/la-carta-de-woody-allen-a-jordi-molla-para-que-participara-en-su-pelicula-si-no-aceptas-tal-vez-en-el-futuro-solo-tengo-90-anos.html

Para esta muestra, Arden ha confeccionado cientos de simulacros de pertenencias personales de Winehouse, recreando, por ejemplo, un par de zapatillas de ballet firmadas por fans que fueron dejadas frente a su hogar tras su fallecimiento y una tarjeta de cumpleaños del productor musical Mark Ronson y Adele que nunca llegó a manos de la artista. Además, la exposición incluye copias exactas de los libros de la biblioteca de Winehouse, así como el maquillaje y los perfumes que utilizaba, junto a juegos de mesa y objetos decorativos que le pertenecían. Estos elementos ofrecen una experiencia que, a veces, puede parecer una visita furtiva a los rincones más íntimos de su hogar.

Desde 2021, Arden ha estado desmenuzando meticulosamente imágenes pixeladas de Winehouse que ha encontrado en línea, catálogos, periódicos y revistas, con la finalidad de identificar los objetos que necesitaba localizar. Esta meticulosa tarea se evidencia en el componente más destacado de la exposición, la pieza titulada “Library” (2026), donde se presentan docenas de libros, que abarcan desde clásicos literarios hasta recetarios, todos en una disposición que sugiere una atmósfera íntima y valiosa. La artista postula que esta colección, en su totalidad, ofrece una visión más rica de la vida de Winehouse que si se exhibieran únicamente uno o dos objetos auténticos de su patrimonio.

La atención al detalle en este proyecto es notable. En un momento de su búsqueda, Arden reunió 20 versiones del mismo libro para poder comparar cada lomo y cubierta, asegurando que poseía el correcto. En la sala contigua, presenta “Same Otherwise” (2026), una recreación de la chimenea de la casa de Winehouse, ubicada en 2 Jeffrey’s Place, donde escribió su álbum galardonado “Back to Black”. Con elementos tan específicos como ediciones enmarcadas de British Vogue y páginas de cómics de Betty y Veronica, la artista ha dejado espacios vacíos donde estaban las fotos familiares de la cantante, creando una narrativa de presencia y ausencia.

El olfato juega también un papel crucial en la exposición. Un artefacto titulado “Perfume said to have belonged to Amy Winehouse ” (2024-2026) emite el aroma de Chanel No.5 desde un dispensador personalizado, destacando la conexión tangible que su presencia genera en el espacio. A lo largo de la exposición, el perfume cambiará por otras fragancias que se dice que Winehouse usaba, un saludo a su esencia y a la diversidad de su vida.

Además de las grandes instalaciones, se presentan obras más íntimas como “Jigsaw” (2026), un conjunto de rompecabezas que muestran escenas de Los Beatles, Los Simpson y Casablanca. Esta obra invita a la contemplación y presenta un retrato de Winehouse que contrasta con la imagen de chica fiestera que los tabloides ayudaron a perpetuar. Asimismo, la pieza “Sent Otherwise” (2026) recrea la mencionada tarjeta de cumpleaños, un recordatorio del continuo descubrimiento de su vida incluso años después de su muerte.

Arden también incorpora chispas de su propia identidad en “Display Identification Cubes” (2026), una representación de mil cubos acrílicos que evocan las etiquetas que típicamente se utilizan en vitrinas de museos. En esta exposición, estos números no solo marcan el lugar de objetos que aún no se han descubierto, sino que también enfatizan vacíos que representan lo que fue.

“A través de esta colección, ofrecemos una visión valiosa”, señala Arden, sugiriendo que cada objeto, elegido con tal cuidado, contribuye a una comprensión más profunda de quién fue realmente Winehouse. “Nothing Personal” estará disponible para el público hasta el 23 de enero de 2024, proporcionando así una oportunidad única para explorar la vida y legado de una de las artistas más notables de su generación.

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La profesora de Historia del Arte, María José Martínez Ruiz, resalta que este no es un caso aislado. Desde el siglo XIX, muchos palacios y casas blasonadas han caído en el abandono tras ser deshabitados o vendidos con destinos inadecuados. Esta triste realidad, marcada por un deterioro que se ha replicado en el siglo XX, encuentra sus raíces en la deslocalización de la nobleza y la centralización de la corte en Madrid, lo que llevó al abandono de numerosas residencias históricas.

Los edificios que antaño eran símbolos de poder y estatus han llegado a ser utilizados para propósitos insospechados: desde carboneras hasta almacenes. Este proceso ha sido alimentado por los marchantes de antigüedades, quienes han despojado a estos inmuebles de sus obras de arte y elementos constructivos, contribuyendo a la desaparición de su valor patrimonial. El palacio de Torrijos, en Toledo, es un ejemplo trágico de cómo la venta indiscriminada de materiales destruyó su legado.

Cada vez más, la despoblación y la falta de recursos han intensificado este ciclo de abandono. En Castilla y León, las antiguas casas de la nobleza, que sobrevivieron durante siglos, se enfrentan a un futuro incierto. Por ejemplo, en Villagómez la Nueva, un pequeño pueblo con apenas 50 habitantes, el palacio del siglo XV se deteriora día a día, a pesar de los esfuerzos de la alcaldesa, Laura Fernández, por preservarlo.

El caso del Palacio de los Condestables, en La Rioja, refleja este dilema moderno. Semiruinoso y cargado de historia, el edificio enfrenta retos similares, con sus autoridades locales deseando recuperarlo pero temerosas de hipotecar el futuro del municipio. Las palabras del alcalde, Félix Caperos, son un reflejo de la lucha constante entre la preservación y la realidad económica.

La situación en España se complica aún más debido a la falta de reconocimiento de la arquitectura civil. A diferencia de lo que ocurre en el Reino Unido, donde la nobleza valora su patrimonio, en España se ha visto una deslocalización alarmante de estas estructuras históricas. Sin embargo, aún quedan oportunidades de salvar esta herencia cultural a través de la restauración y el rediseño de usos.

Pese a que el paisaje patrimonial español se enfrenta a un deterioro alarmante, existen alternativas para frenar esta caída. La consolidación y el desarrollo de nuevos usos para estos edificios podrían convertirse en un motor económico para zonas rurales desatendidas. La tarea de proteger lo que representa nuestra historia es fundamental, y aunque algunas estructuras ya no puedan ser salvadas, es crucial recordar y honrar su existencia. La realidad nos exige un compromiso firme hacia la conservación de nuestro patrimonio.

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Conocida por su erudición en el universo grecolatino, Carson ha cautivado a una amplia legión de lectores en todo el mundo. Su trayectoria literaria es un compendio de emociones e historias complejas, donde la belleza y el dolor a menudo se entrelazan. Por ejemplo, su obra La belleza del marido (2001), surgió de la angustia provocada por el fin de su matrimonio, mientras que Nox (2010) es una elegía en forma de libro-objeto dedicada a la muerte de su hermano Michael.

Su trabajo ha recibido elogios tanto de críticos como de colegas, quienes la ven como una "historiadora del corazón roto". Tedi López Mills, poeta y traductora, la describe como alguien cuyas historias de amor y decepción resuenan profundamente en su poesía, revelando una sensibilidad única.

La alegría por el Nobel se reflejó en redes sociales, donde se viralizaron imágenes de Carson al enterarse de la noticia en su hogar en Islandia. En años anteriores, el galardón había sido visto con escepticismo al premiar a autores poco conocidos. Sin embargo, este año la elección fue ampliamente celebrada, destacando a una figura ya consagrada en el mundo literario anglosajón.

Su escritura, rica en referencias a la literatura clásica y con un enfoque a menudo irreverente, ha sido fuente de inspiración para muchos autores contemporáneos. Carson transforma mitos antiguos en narrativas modernas, como en Autobiografía de Rojo, donde reimagina la historia de Hércules y Gerión en una historia de amor. Esta capacidad para entrelazar el pasado y el presente, además de su enfoque creativo hacia sus influencias, resuena con sus lectores, quienes encuentran en su obra una profunda conexión con temas universales.

A lo largo de su carrera, Carson ha sido reconocida con múltiples premios, entre ellos el T.S. Eliot Prize, el Premio Internacional Manuel Acuña de Poesía, y el Premio Princesa de Asturias de las Letras en 2020. Con su reciente Nobel, se suma a la lista de autores canadienses reconocidos internacionalmente, junto a figuras como Saul Bellow y Alice Munro.

La autora, quien ha expresado su deseo de utilizar la dotación del premio para ayudar a un amigo en necesidad, también ha reflexionado sobre la vida y la literatura desde una perspectiva íntima. En su tiempo libre, disfruta caminar por el bosque, donde encuentra un refugio del bullicio cotidianamente, en un entorno que ha influido en su prolífica creatividad.

El reconocimiento a Carson no solo resalta su talento individual, sino que también subraya el poder vital de la poesía en el panorama literario actual, una forma de arte que continúa evolucionando y resonando en la experiencia humana.

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reforma.com: https://www.reforma.com/aplauden-nobel-a-carson-poeta-de-los-corazones-rotos/ar3291346

La experiencia sonora se desarrolla en una sala oscura, iluminada tenuemente, donde el canto penetrante de Simone es replicado por Bowie en un bucle de aproximadamente 11 minutos. Al finalizar esta interpretación, McQueen invita a las guías a formular preguntas y reflexiones, abordando temas como la distancia, el aire, el ritmo y el silencio, explicando que su obra es "invisible, pero está presente". Definió la pieza casi como un "réquiem de amor", encapsulando un sentido de anhelo.

A sus 57 años, McQueen, vestido completamente de negro y ataviado con gafas de pasta transparente, se presentó sin concesiones, mostrando un enfoque riguroso y perfeccionista hacia su trabajo. Durante la conversación, detalló sus intenciones de conectar las grabaciones de Simone del año 1966 y de Bowie de 1976 con la contemporaneidad de 2026. "Es una obra muy emotiva que trata sobre el amor y la vulnerabilidad", subrayó, añadiendo que "el amor implica la posibilidad de acabar herido".

La instalación no solo invita a reflexionar sobre el amor, sino que también conecta con el contexto social de la década de 1960, época en la que Simone grabó su versión de la canción en medio de un fervoroso movimiento por los derechos civiles. Con un enfoque en el racismo, el colonialismo y la resistencia, McQueen ha abordado estas problemáticas en sus obras anteriores, incluyendo su reciente film "Blitz" y la aclamada antología "Small Axe".

McQueen destacó cómo, a través de su obra, busca explorar la fluidez de las identidades de género, resaltando las características esenciales de dos artistas que, en su época, se mostraron tanto ultra femeninos como ultra masculinos. Esto añade una capa de profundidad a la interpretación de "66 76 26", sugiriendo un paralelismo intrigante entre las voces de dos figuras icónicas.

Un aspecto fascinante de esta instalación es su naturaleza puramente sonora, lo que contrasta con la producción habitual de McQueen, que se caracteriza por su fuerte componente visual. Al respecto, el artista comentó sobre la intención de "quitar la instrumentación para hacer algo nuevo", generando una experiencia sensorial única.

Con un enfoque contemporáneo, McQueen reflexiona sobre los tiempos actuales marcados por el miedo y la incertidumbre, especialmente ante el resurgimiento del fascismo en Occidente. Siguiendo su visión, el tema del amor se convierte en fundamental, convirtiéndose en la esencia de lo que vale la pena vivir y morir.

Steve McQueen sigue desafiando las convenciones del arte contemporáneo y el cine, invitándonos a experimentar y reflexionar sobre las capas de significado que se encuentran en su trabajo, donde la historia, la memoria y la emoción se entrelazan en un diálogo perpetuo. La instalación "66 76 26", con su conmovedora exploración del amor y el anhelo, se perfila como una experiencia imperdible para los visitantes del Guggenheim Bilbao.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-10/steve-mcqueen-artista-vivimos-en-una-epoca-dominada-por-el-miedo-a-mi-me-interesa-el-amor.html

En una sala oscura, iluminada tenuemente, el espectador es envuelto en la atmósfera creada por el canto a capela de Simone y Bowie. La obra presenta un diálogo entre ambos, hilando un eco que se convierte en metáfora de la conexión humana. McQueen describe esta pieza como "casi un réquiem de amor", sugiriendo que encapsula anhelos y vulnerabilidad en un contexto emocional profundo.

El artista, quien ha logrado combinar sus carreras en el cine y las artes visuales, también compartió detalles sobre su trayectoria. McQueen, conocido por su dedicación meticulosa en cada proyecto, reveló que actualmente está trabajando en varias películas y obras de arte, afirmando que está siempre en actividad creativa. Su enfoque contemporáneo acerca del amor y del tiempo se entrelaza en su obra, añadiendo capas de significado que van más allá de lo meramente estético.

La instalación no solo busca transmitir un mensaje de amor, sino que también se sitúa en un contexto social específico. Recordemos que la versión de Simone de Wild Is The Wind fue grabada en una década de agitación social en Estados Unidos, marcada por el movimiento de derechos civiles, el racismo y la resistencia. McQueen invita a la reflexión sobre el impacto de sus voces en la identidad y las luchas sociopolíticas actuales, planteando la pregunta sobre el deseo y la vulnerabilidad en un mundo contemporáneo aun marcado por el miedo.

El artista también mencionó la relevancia del tiempo, subrayando cómo las grabaciones de los años 60 y 70 resuenan en nuestra era, donde el miedo a menudo domina el discurso público. "Es esencial hablar de amor en tiempos de incertidumbre", comentó. La obra, lejos de ser simplemente una revisión de voces históricas, se presenta como un recordatorio de que las emociones son fundamentales en cualquier época; es la esencia que nos conecta y nos impulsa.

Con un estilo que desafía las convenciones, McQueen comentó que su obra es la "alquimia de transformar lo preexistente en algo nuevo", haciendo una referencia a Duchamp sin someterse a las limitaciones del debate sobre la inteligencia artificial. La idea de reinventar lo que ya ha sido inventado se mantiene en el centro de su filosofía artística.

En suma, 66 76 26 no es solo una instalación sonora, sino una evocación emocional, donde la historia y la contemporaneidad se entrelazan a través de las voces de Simone y Bowie, rescatando el mensaje de que, a pesar de las adversidades, el amor sigue siendo la fuerza más valiosa.

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Durante su intervención, Tamara Sosa Alanís, titular de la Secum, enfatizó la importancia de las trayectorias reconocidas, las cuales han enriquecido la vida cultural de Michoacán a través de la creación artística, la enseñanza y la construcción de comunidad. Este año marca una ocasión especial, ya que es la segunda vez en la historia del galardón que se rinde homenaje a una trayectoria en danza, recordando especialmente a la maestra Dalia Próspero Maldonado, una figura emblemática que dejó un legado imborrable en el ámbito de la danza y la educación artística.

Hayde Lachino Mendoza, parte del Consejo Técnico del Premio Eréndira, destacó que este reconocimiento trasciende las trayectorias individuales, visibilizando el papel del arte en la comunidad, promoviendo la paz y la justicia social. Resaltó que la creación artística nunca es un esfuerzo aislado, y el premio simboliza el agradecimiento de la sociedad michoacana hacia quienes transforman la realidad a través de su obra.

Joaquín Bautista Ramírez dedicó su reconocimiento a los músicos y compositores que sostienen la tradición p’urhépecha, especialmente a su padre, Tata Juan Bautista. Al recibir el premio, compartió su esperanza de que este reconocimiento motive a las juventudes a cultivar una música que emocione y conecte.

Por su parte, Ioulia Akhmadeeva compartió que este premio no solo celebra su carrera, sino también su conexión con Michoacán, donde ha formado una familia y desarrollado su labor como artista, investigadora y docente. Reflejó en sus palabras la importancia de temas como la memoria, la migración y el sentido de pertenencia que impregnan su trabajo.

Laura Martínez Ayala y Abdiel Villaseñor Talavera, codirectores de La Serpiente, subrayaron que el galardón representa 25 años de compromiso con la creación independiente y el trabajo colaborativo. Agradecieron a todos los artistas, colaboradores y públicos que han apoyado a la compañía, expresando que este reconocimiento los inspira a seguir adelante con nuevos proyectos. Reivindicaron la danza como una forma de amor, crítica y encuentro comunitario, resaltando su relevancia en el tejido social.

Este acto no solo celebra la excelencia artística en Michoacán, sino que también refuerza el compromiso de la cultura como motor de cambio y cohesión social en la región, permitiendo que el arte continúe siendo una plataforma vital para la expresión y la identidad cultural.

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En esta edición, exploramos un fascinante punto de vista sobre la intersección entre el arte antiguo y la moderna cultura de los relojes. El reciente interés en la conservación cultural y artística nos lleva a meditar sobre el impacto del tiempo en los objetos de valor, así como su apreciación a lo largo de la historia.

Comenzamos con el concepto que resuena en muchas mentes: “El dorado matiz del tiempo”. Esta frase evoca reflexiones sobre la reciente exposición de la espectacular Bayeux Tapestry en el British Museum. Esta obra, que data de hace 900 años y se extiende por 220 pies, narra detalladamente la invasión de Inglaterra por Guillermo el Conquistador en 1066. Está llena de escenas vívidas, desde cabezas que se desprenden de cuerpos hasta flechas que penetran en ojos, lo que le confiere un carácter visceral e impactante.

Un aspecto crucial que destaca en esta obra es cómo ha evolucionado la percepción sobre el arte y su preservación. Durante el siglo XIX, se consolidó la profesión de conservación, donde muchos creían que era su deber restaurar el arte antiguo a su aspecto original. Sin embargo, esta práctica a menudo llevó a la inserción de elementos nuevos, lo que plantea interrogantes sobre la autenticidad de esas obras.

Una figura notable en este ámbito fue el crítico inglés John Ruskin, quien defendía que las obras de arte deberían dejarse en su proceso natural de envejecimiento, permitiendo así que adquieran ese preciado “matiz dorado” del tiempo.

Ahora, ¿qué importancia tienen estas reflexiones al considerar el mundo de los relojes? En el ámbito de la relojería vintage, este matiz dorado ha ganado un valor significativo. Los "diales tropicales", que son carátulas de ciertos relojes antiguos que han pasado de un negro profundo a un suave tono marrón debido a la oxidación o la exposición solar, se han convertido en objetos de deseo para los coleccionistas. Estos relojes pueden llegar a alcanzar precios elevados, lo que ha llevado a casas de subastas y distribuidores a tener cuidado con las piezas que han sido alteradas artificialmente para aumentar su valor.

A medida que el mundo evolucionaba, los amantes de los relojes han empezado a valorar cada vez más el “matiz dorado” de estos ejemplares, un giro similar al que se observó en las tendencias de conservación del pasado.

En resumen, el diálogo continuo entre el arte, su conservación y su influencia en otras áreas, como la relojería, resalta la importancia de comprender cómo los valores estéticos y de conservación han cambiado a lo largo del tiempo, alentando una apreciación más matizada sobre los objetos que veneramos. Aunque esta exploración se basa en observaciones del pasado, la relevancia de estas reflexiones es eterna.

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Los movimientos de los bailarines, que incluyen saltos que comienzan y terminan en las rodillas, así como giros que hacen que los cuerpos parezcan impulsados por motores, destacan por su extraordinaria energía y atletismo. Esta elección artística no solo realza la intensidad del drama shakespeariano, sino que también invita a la audiencia a redescubrir la obra a través de una lente contemporánea y vibrante.

La integración de la danza georgiana en una producción de Verdi representa un desafío y una innovación en el ámbito operístico. Los coreógrafos y directores han logrado crear la ilusión de una lucha que, aunque clásica en su origen, cobra nuevas dimensiones gracias a la física casi deslumbrante de los bailarines. La experiencia promete ser más que un simple espectáculo: es un choque de culturas y estilos que desafía las expectativas y enriquece el legado de ambos autores.

Este enfoque innovador ha capturado la atención no solo de los amantes de la ópera, sino también de aquellos que pueden estar menos familiarizados con el arte lírico. La audiencia se ve invitada a sumergirse en una experiencia que combina la música grandiosa de Verdi con la visceralidad y la agilidad de la danza georgiana, creando un ambiente que es tanto cautivador como sorprendente.

La producción se produce en un momento de gran transformación dentro de las artes, donde la colaboración entre diversas disciplinas y la búsqueda de nuevas formas de expresión creativa son más relevantes que nunca. Con la danza georgiana enriqueciendo la narrativa dramática de "Macbeth", esta obra se posiciona como un ejemplo notable de cómo la tradición y lo contemporáneo pueden entrelazarse para ofrecer algo verdaderamente excepcional.

A medida que la temporada avanza, los espectadores pueden esperar no solo asistir a una actuación, sino también participar en un diálogo cultural que trasciende fronteras y épocas, reafirmando el poder de la creatividad artística. Este evento, programado para ser un hito en 2026, confirma que la ópera está más viva que nunca, lista para explorarse desde ángulos inesperados y emocionantes.

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Durante la ceremonia inaugural, Zepeda Villaseñor enfatizó la relevancia de promover actividades que no solo fomenten el turismo, sino que también contribuyan al desarrollo integral de Morelia y de la entidad en su totalidad. Así, la gastronomía se erige como un pilar clave, capaz de fortalecer los lazos entre las comunidades y resaltar la identidad de los pueblos.

El tema de este año, “Celebrar comunidad”, busca incentivar la reflexión sobre cómo la cocina, el territorio y las tradiciones se entrelazan, con especial énfasis en la notable participación de los habitantes de Santa Fe de la Laguna. Este enfoque invita a los asistentes a apreciar el patrimonio gastronómico que se ha mantenido vivo a lo largo de generaciones.

Zepeda Villaseñor también destacó el papel del Gobierno de Michoacán como promotor del festival. La administración ha abogado por un evento que, además de exhibir la riqueza cultural y culinaria del estado, brinda espacios para el intercambio entre cocineros, productores y representantes del sector gastronómico, apuntalando así el turismo regional.

Entre las actividades que se desarrollan durante el festival, se realizaron reconocimientos a personalidades destacadas en el ámbito gastronómico, como Jair Téllez y Natalia Badán, quienes han hecho contribuciones notables que enriquecen la oferta culinaria del estado.

Este festival no solo celebra la comida, sino que también actúa como un marco propicio para la reflexión sobre la comunidad y sus tradiciones, dejando un legado de unidad y aprecio por la cultura local. Así, Morelia en Boca se posiciona como un evento imperdible en el calendario cultural del estado, fomentando el orgullo por la rica herencia gastronómica de Michoacán.

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Con una versatilidad que le permite desempeñar múltiples funciones—incluyendo la de centro de convenciones, casa de ópera y recinto de exposiciones—el Corum cuenta con tres salas de gran capacidad: una de 2000, otra de 745 y una más de 318 asientos. Este espacio había sido el corazón de la vida cultural de Montpellier, donde convergían eventos de diversa índole.

Ante esta adversidad, la organización ha decidido trasladar los eventos programados a la sala Zénith, que tiene capacidad para 6000 personas, así como a otros lugares en la ciudad. Esta reubicación es una respuesta rápida a la crisis, asegurando que la cultura y el intercambio artístico continúen en la comunidad.

Christian Assaf, presidente administrativo del Corum, ha compartido en una intervención radial que están trabajando en colaboración con el cuerpo de bomberos y la prefectura para una posible reapertura parcial del edificio. "Esperamos que las primeras salas puedan abrirse dentro de un mes. A corto plazo, planeamos la reapertura de una segunda sección, y a largo plazo, la tercera", expresó Assaf, destacando su compromiso con la restauración del espacio.

Sin embargo, la sala más afectada por los daños, la de 2000 asientos, requerirá un tiempo considerable para sus reparaciones, lo que impactará en la programación de conciertos sinfónicos y producciones de ópera, pilares fundamentales de la oferta cultural del Corum.

La situación sigue desarrollándose, y los esfuerzos para restaurar este icónico centro cultural nos recuerdan la resiliencia de la comunidad artística de Montpellier. La esperanza es que, con el tiempo y la dedicación, el Corum pueda volver a ser un lugar seguro y acogedor para todos los amantes de la cultura.

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Jordan Brand ha presentado un conjunto impresionante que acompaña a la Air Jordan 11 ‘Space Jam’. Este modelo destaca por su diseño clásico, que incluye una parte superior de malla balística negra, un guardabarros de charol negro, suela blanca y el emblemático logo Jumpman en azul. Pero esto no es todo; el lanzamiento también incluirá dos nuevas versiones de este atractivo clásico.

La primera de estas novedades es la Air Jordan 11 ‘Mirror Ball’, un modelo exclusivo para mujeres que incorpora un cuero reflectante. Este material cambia de tonalidad según la luz, rindiendo tributo al mágico balón que los Monstars utilizan para robar las habilidades en la cancha de leyendas de la NBA como Charles Barkley y Patrick Ewing.

La segunda versión es la Air Jordan 11 ‘Green Screen’. Este modelo de ante en un vibrante verde se inspira en las fotografías detrás de cámaras de Michael Jordan durante la filmación de la película, añadiendo acentos en color naranja zanahoria para rendir homenaje a Bugs Bunny, uno de los personajes más carismáticos del filme.

Con estos lanzamientos, Jordan Brand no solo celebra un hito en la cultura pop, sino que también reafirma su influencia en el mundo del calzado deportivo. Esta combinación de nostalgia y modernidad seguramente capturará la atención tanto de coleccionistas como de nuevos entusiastas, creando un fenómeno que trasciende la moda y se convierte en una representación de la historia del baloncesto y el cine.

Los amantes del calzado y del legado de Space Jam deben estar atentos a esta colección trascendental, que no solo representa una estética única, sino que también narra una historia rica en tradición y cultura.

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Desde sus inicios en la década de 1970, Abramović ha desafiado las convenciones del arte. Su enfoque singular la ha llevado a elaborar piezas que no solo cautivan, sino que también confrontan al espectador con su propia psique y emociones. Cada obra se convierte en un espejo que refleja no solo su vida, sino también las realidades de aquellos que se atreven a enfrentarse a su arte. La vida de Abramović no es mero trasfondo; cada detalle íntimo que ha compartido públicamente enriquece su trabajo, convirtiendo sus performances en experiencias profundamente personales y a menudo incómodas.

En su trayectoria, ha llevado a cabo acciones que rozan lo extremo, invitando a la audiencia a considerar sus percepciones del dolor, la resistencia y la intimidad. Desde su famoso "Rhythm 0", en el que permitió al público manipular su cuerpo de manera total, hasta su más reciente trabajo, cada performance es un testimonio de su búsqueda inagotable de conexión y comprensión.

Abramović no solo ha cambiado nuestra forma de percibir el arte; ha transformado la relación entre el artista y el público. Su obra plantea preguntas fundamentales sobre la autenticidad, la interacción y el sacrificio en la creación artística. En cada actuación, los espectadores no son meros observadores; se convierten en participantes activos, obligados a lidiar con sus propias reacciones y emociones.

Al acercarse a esta importante efeméride en su vida, Abramović sigue siendo una figura de referencia. Su capacidad para revelar la vulnerabilidad humana y, al mismo tiempo, afirmar la fortaleza del espíritu artístico, la mantiene relevante en la conversación contemporánea sobre el arte y su función en la sociedad.

La historia de humanidad, sufrimiento y resistencia que ha tejido a lo largo de su carrera continúa inspirando a nuevas generaciones de artistas y amantes del arte. Con una trayectoria que desafía las normas y provoca la reflexión, Marina Abramović se consagra como un verdadero ícono del arte vivo, cuya influencia perdurará más allá de su tiempo.

Esta visión profunda de su vida y trabajo se manifiesta claramente a medida que se desenvuelven los tiempos y las tendencias en el mundo del arte, ofreciendo un legado que sigue resonando y generando debate. La fecha de este análisis, 2026-10-09, coincide con un período en el que la obra de Abramović se revisita con renovado interés, reflejando su impacto duradero en la cultura global.

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Un punto destacar es la preocupación compartida por varios críticos y editores sobre la falta de artículos de revisión extensos y analíticos en estas revistas. Rosemarie Ho, por ejemplo, acota que la elaboración de ensayos críticos bien fundamentados es un proceso arduo y costoso. Sin embargo, este enfoque exhaustivo no debe considerarse el único camino hacia una buena crítica.

Es esencial diferenciar entre dos tipos de crítica: la crítica densa y analítica presente en revistas de trimestrales, y las reseñas más breves que ofrecen una primera mirada a nuevas obras. La cantidad de espacio que se otorga a las reseñas de libros nuevos ha disminuido significativamente en los últimos años. Las secciones literarias de muchos periódicos han sido severamente recortadas, dejando a un lado trabajos destacados que merecen ser reconocidos.

La demanda de nuevos espacios críticos se intensifica, especialmente en plataformas como Substack, que ha surgido como una alternativa viable. En este contexto, se hace necesario que las revistas literarias reconsideren su papel en la recopilación y evaluación de la literatura contemporánea. Cada publicación podría, al menos, comprometerse a reseñar varios títulos nuevos en cada número.

Un enfoque que ha demostrado ser efectivo es el modelo de reseñas en cápsula, como el que utiliza la Whitney Review of New Writing, donde se examinan libros con breves reflexiones. Esto proporciona una vía para que crítica y novedad se encuentren sin requerir trabajos exhaustivos que pueden no estar al alcance de todos los críticos.

Para recuperar un ecosistema literario vibrante, es crítico que las revistas pequeñas reflexionen sobre las obras contemporáneas que están siendo publicadas actualmente. Como ha indicado el análisis, esto no solo realza la importancia de los autores vivos, sino que también asegura que la cultura literaria mantenida en nuestras manos evolucione vigorizada por nuevas voces y perspectivas.

De acuerdo con la tecla que han tocado otros críticos, el aprecio por lo viejo nunca debe eclipsar lo nuevo. Manteniendo un equilibrio entre la revisión de obras del pasado y el compromiso con las novedades, se puede avanzar hacia un canon literario inclusivo y en constante renovación.

Actualización de datos: 2026-10-09 12:20:00. La necesidad de crítica literaria clara y accesible continúa creciendo, y las plataformas emergentes han comenzado a llenar un vacío crítico que ha llegado a definirse en ausencia de revisiones sustanciales en medios más tradicionales.

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