La necesidad de zapatillas de punta es crucial; estas no solo son un accesorio, sino una herramienta fundamental en la carrera de un bailarín. La compañía reconoce que, si un bailarín necesita más pares de este calzado especializado, no pueden permitirse rechazar la solicitud. Como bien señala un representante de la compañía, "es su trabajo estar en el escenario, luciendo hermosos y apoyados adecuadamente". Esta declaración pone de manifiesto la importancia del soporte físico, no solo en términos de rendimiento, sino también en la salud y seguridad de los artistas.

La recaudación de fondos no solo busca financiar la compra de las zapatillas, sino también proporcionar un acceso equitativo a todos los bailarines de la compañía. Este aspecto es vital, ya que permite que todos los integrantes puedan desempeñar su papel en la compañía sin la carga financiera que a menudo conlleva.

Por otro lado, la iniciativa refleja un esfuerzo mayor dentro de la comunidad artística para abordar las barreras económicas que enfrentan los artistas. En un contexto donde el arte y la danza a menudo dependen del apoyo de donaciones y patrocinadores, esta campaña se convierte en un ejemplo de cómo las organizaciones pueden movilizar recursos para apoyar a quienes dedican su vida a la danza.

Con esta recaudación, Ballet Des Moines espera no solo aliviar las tensiones financieras, sino también inspiración y motivación para los bailarines. Al invertir en el bienestar de sus artistas, la compañía fortalece su compromiso con el arte y la cultura, asegurando que sus miembros puedan continuar brindando actuaciones inolvidables al público.

Los esfuerzos de Ballet Des Moines son un recordatorio potente de que tras cada actuación hay un equipo y una historia que valoran la dedicación, la pasión y, por supuesto, el arte del ballet.

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kcci.com: https://www.kcci.com/article/ballet-des-moines-pointe-shoe-fundraiser/73985372

Durante su intervención, Tamara Sosa Alanís, titular de la Secum, enfatizó la importancia de las trayectorias reconocidas, las cuales han enriquecido la vida cultural de Michoacán a través de la creación artística, la enseñanza y la construcción de comunidad. Este año marca una ocasión especial, ya que es la segunda vez en la historia del galardón que se rinde homenaje a una trayectoria en danza, recordando especialmente a la maestra Dalia Próspero Maldonado, una figura emblemática que dejó un legado imborrable en el ámbito de la danza y la educación artística.

Hayde Lachino Mendoza, parte del Consejo Técnico del Premio Eréndira, destacó que este reconocimiento trasciende las trayectorias individuales, visibilizando el papel del arte en la comunidad, promoviendo la paz y la justicia social. Resaltó que la creación artística nunca es un esfuerzo aislado, y el premio simboliza el agradecimiento de la sociedad michoacana hacia quienes transforman la realidad a través de su obra.

Joaquín Bautista Ramírez dedicó su reconocimiento a los músicos y compositores que sostienen la tradición p’urhépecha, especialmente a su padre, Tata Juan Bautista. Al recibir el premio, compartió su esperanza de que este reconocimiento motive a las juventudes a cultivar una música que emocione y conecte.

Por su parte, Ioulia Akhmadeeva compartió que este premio no solo celebra su carrera, sino también su conexión con Michoacán, donde ha formado una familia y desarrollado su labor como artista, investigadora y docente. Reflejó en sus palabras la importancia de temas como la memoria, la migración y el sentido de pertenencia que impregnan su trabajo.

Laura Martínez Ayala y Abdiel Villaseñor Talavera, codirectores de La Serpiente, subrayaron que el galardón representa 25 años de compromiso con la creación independiente y el trabajo colaborativo. Agradecieron a todos los artistas, colaboradores y públicos que han apoyado a la compañía, expresando que este reconocimiento los inspira a seguir adelante con nuevos proyectos. Reivindicaron la danza como una forma de amor, crítica y encuentro comunitario, resaltando su relevancia en el tejido social.

Este acto no solo celebra la excelencia artística en Michoacán, sino que también refuerza el compromiso de la cultura como motor de cambio y cohesión social en la región, permitiendo que el arte continúe siendo una plataforma vital para la expresión y la identidad cultural.

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changoonga.com: https://changoonga.com/2026/10/09/reconocen-con-el-premio-erendira-2026-a-3-trayectorias-de-la-musica-la-danza-y-las-artes-visuales-en-michoacan/

Este hallazgo no solo refleja la actual dinámica de género dentro de la danza, sino que también pone de manifiesto patrones que han sido objeto de discusión durante años. Como ha señalado Elizabeth “Liza” Yntema, fundadora de la iniciativa que recolecta estos datos, este fenómeno “prueba lo que la gente ha sabido durante mucho tiempo”. La falta de representación equilibrada en los equipos creativos plantea interrogantes sobre cómo se pueden fomentar mejores prácticas inclusivas en una industria en la que la creatividad debe florecer sin restricciones de género.

Además, el contexto en el que estas cifras emergen es crucial. A medida que el arte y la cultura buscan adaptarse a una sociedad cada vez más consciente de la igualdad, es fundamental que la danza no se quede atrás. La industria tiene la oportunidad de revisitar sus procesos de selección y sus modelos de colaboración, creando así un entorno donde tanto hombres como mujeres puedan contribuir por igual en la creación.

La información proporcionada es relevante y actualizada hasta el 7 de octubre de 2026. A medida que observamos estos datos, la urgencia de abordar la diversidad en la danza es más clara que nunca. Promover la equidad no solo enriquecerá el arte, sino que también inspirará a futuras generaciones de bailarines y coreógrafos a explorar su creatividad sin las limitaciones de género.

Este llamado a la acción invita tanto a individuos como a organizaciones a reflexionar sobre cómo pueden contribuir a un futuro en el que la diversidad genere un impacto positivo y duradero en la danza. La creatividad no tiene límites, y la representación equitativa es clave para desbloquear todo su potencial.

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dancemagazine.com: https://dancemagazine.com/ddp-pro/

En una reciente reflexión sobre el desarrollo del ballet, Iain Mackay, actual director artístico de la Royal Ballet School, destaca que la técnica de bailarines como Margot Fonteyn, quien se consagró como una de las más celebradas en Gran Bretaña, era considerada inferior en comparación con la de los jóvenes bailarines de la década de 1980. Esta afirmación, hecha por Fonteyn, pone de manifiesto el continuo progreso en la técnica de la danza que ha tenido lugar en las últimas cuatro décadas. Mackay subraya que, en la actualidad, el nivel técnico de los bailarines es significativamente superior al de épocas anteriores, reflejando la evolución de la enseñanza y las expectativas artísticas en el ballet contemporáneo.

La Royal Ballet School ha sabido posicionarse como un referente, no solo en el ámbito británico, sino también en el panorama internacional. Su enfoque integral en la formación, que abarca no solo la técnica de danza, sino también el desarrollo artístico y emocional de sus estudiantes, ha contribuido a la creación de una nueva generación de bailarines que se destacan en escenarios de todo el mundo.

A medida que esta prestigiosa escuela celebra su centenario, se presenta una oportunidad única para reflexionar sobre su legado y su impacto en el ballet mundial. La formación que ofrece se adapta a los tiempos, asegurando que los bailarines no solo dominen las técnicas avanzadas, sino que también se conviertan en intérpretes expresivos que pueden conectar con el público en un nivel profundo.

Este año, en el marco de las celebraciones, se celebrarán eventos que recordarán la rica historia de la institución, resaltando a egresados notables y momentos clave en su trayectoria. La Royal Ballet School no solo ha sido testigo de la evolución de la danza, sino que también ha sido un motor de cambio, proporcionando una base sólida para aquellos que buscan dejar su huella en esta forma de arte tan apreciada y venerada.

Con la mirada puesta en el futuro, la Royal Ballet School sigue comprometida en elevar el estándar del ballet y en moldear la próxima generación de artistas, una labor que, sin duda, marcará el rumbo del ballet durante los próximos cien años.

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thetimes.com: https://www.thetimes.com/culture/theatre-dance/article/100-years-centenary-royal-ballet-school-2b35lqv3v#new_tab

La expectativa crece en torno a esta presentación, ya que Hallberg ha guiado a la Australian Ballet hacia nuevas direcciones artísticas. Este momento no solo es crucial para él, sino también para la compañía, que busca dejar su huella en uno de los epicentros culturales más importantes del mundo.

Las miradas estarán puestas en cómo se ha transformado la compañía bajo su liderazgo y en qué propuesta traerá a un público tan exigente como el neoyorquino. Hallberg está plenamente consciente de esta presión, y su enfoque se centra en ofrecer lo mejor de la danza contemporánea, así como revivir obras clásicas que resuenen con la esencia del arte del ballet.

Este evento en Nueva York no solo marca un hito para Hallberg, sino que también representa una oportunidad para que la Australian Ballet se afirme en el competitivo mundo de la danza en Estados Unidos. La compañía, que ha experimentado un crecimiento notable bajo la dirección de Hallberg, busca capturar la atención no solo de los críticos, sino también de una base de aficionados al arte que han esperado ansiosos su llegada.

El debut en este notable escenario coincide con un resurgimiento del interés en la danza, lo que añade un brillo especial a la actuación. Al mirar hacia adelante, Hallberg y su equipo se preparan para dar no solo una representación, sino una experiencia memorable que conecte con la rica tradición cultural de Nueva York.

A medida que se aproxima la fecha de la actuación, la anticipación entre los críticos y los amantes de la danza se intensifica, creando un clima de expectativa que promete ser electrizante.

Actualización: Este artículo se basa en datos de 2026-10-06 11:04:00.

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nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/10/06/arts/dance/david-hallberg-australian-ballet-oscar-wilde.html#new_tab

Entre los homenajeados se encuentra Germaine Acogny, reconocida como una pionera en la danza contemporánea africana. Su innovador enfoque ha influido en generaciones de bailarines y coreógrafos, abriendo caminos hacia una mayor inclusión y reconocimiento de la danza africana en el ámbito global. Ayodele Casel se une a esta lista, cuyo trabajo no solo celebra sus raíces puertorriqueñas, sino que también aboga por la visibilidad de la danza como una forma poderosa de expresión cultural.

Un aspecto destacado de estos premios es el reconocimiento a “Final Bow for Yellowface”, una iniciativa que aborda la representación y la apropiación cultural en la danza, fomentando un diálogo necesario sobre la diversidad y la inclusión en este arte. De igual manera, Cleo Parker Robinson, conocida por su compromiso con la educación y la comunidad a través de la danza, también será honrada, resaltando la importancia de la danza no solo como una forma de arte, sino como un vehículo para el cambio social.

Por su parte, Alice Sheppard, quien ha trabajado incansablemente para aumentar la visibilidad de los bailarines con discapacidades, continúa inspirando a muchos a reconsiderar las barreras dentro de la danza. Su enfoque interdisciplinario ha abierto nuevas puertas, mostrando que la danza es un espacio para todos, independientemente de sus capacidades físicas.

Además, la ceremonia otorgará el Lydia Joel Award a Alicia Adams, una líder detrás de las cortinas que ha jugado un papel crucial en la promoción de la danza en importantes instituciones culturales, como fue su labor en el Kennedy Center. Su dedicación a la danza y su capacidad para impulsar nuevas iniciativas merecen ser reconocidas.

Estos premios, previstos para un futuro próximo, no solo celebran a los homenajeados, sino que también reflejan un momento significativo en la evolución de la danza contemporánea, donde la inclusión, la diversidad y el arte como herramienta para el cambio se erigen como valores fundamentales. Este evento promete ser una ocasión memorable, alineada con la vitalidad y el dinamismo que caracteriza a la danza en la actualidad.

Con tales logros y contribuciones en el horizonte, el ámbito de la danza se encuentra en una encrucijada de innovación y reconocimiento, invitando a todos a celebrar el poder transformador de este arte.

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dancemagazine.com: https://dancemagazine.com/2026-dance-magazine-award-honorees/#new_tab

Desde su creación, Abraham ha buscado desafiar las normas y expandir los límites de la danza moderna. La transformación del nombre de la compañía a lo largo de los años simboliza su crecimiento y la búsqueda constante de innovaciones en el arte. Cada cambio ha venido acompañado de nuevas obras y colaboraciones que exploran la identidad, la comunidad y la experiencia humana, llevándolo a un lugar de relevancia dentro de la escena artística contemporánea.

La evolución de la compañía también subraya un compromiso con la adaptación y la modernización en tiempos cambiantes. Elegir “Dance Vanguard” no solo destaca un enfoque progresista hacia la danza, sino que también invita a nuevas audiencias a participar en la conversación sobre el arte en la actualidad.

Este renombramiento, efectivo desde finales de septiembre de 2026, se suma a una trayectoria que sigue inspirando a bailarines y coreógrafos por igual, destacando así la importancia de reinventarse en el competitivo mundo de las artes. A medida que Kyle Abraham y su equipo continúan su trabajo, las expectativas son altas para lo que ofrecerán en el futuro cercano. Estaremos atentos a sus próximos proyectos y cómo estos reflejarán su visión artística renovada.

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dancemagazine.com: https://dancemagazine.com/kyle-abraham-dance-vanguard/#new_tab

El jurado ha elogiado la capacidad de Fernández para innovar en la composición coreográfica, destacando su exploración de nuevos lenguajes escénicos y su expresividad única. Su formación en Danza Clásica y Contemporánea se ha visto reflejada en su trayectoria desde su trabajo en la compañía El Bailadero-Mónica Valenciano hasta su carrera independiente. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran Matrioshka, Maya, Shichimi Togarashi, Las Perras, Souvenir, Perrita China y Expografía. Además, su papel como mentora y apoyo a nuevos talentos ha sido reconocido.

Por su parte, Marco Flores ha construido una carrera vinculada al flamenco y la creación contemporánea. El jurado ha resaltado su técnica excepcional y virtuosismo en la danza, elementos que transforman el flamenco con elegancia y versatilidad. Formado con reconocidos maestros como Antonio Canales y Javier Latorre, Flores ha co-dirigido y coproducido sus propios espectáculos desde 2004, destacándose obras como De Flamencas, Tránsito, Laberínticas, Paso a dos, Entrar al juego y Fase alterna.

Los Premios Nacionales de Danza tienen como objetivo reconocer la labor de personas o entidades dentro del ámbito de la danza, ya sea a partir de una obra o actuación presentada el año anterior, así como la trayectoria profesional. Fernández y Flores suceden en este honor a artistas como Guillermo Weickert y Janet Novás, premiados en 2025.

Este año, el galardón reafirma la rica tradición de la danza en España y pone de relieve la labor creativa y educativa de sus artistas, que continúan influyendo en el panorama danzístico contemporáneo. Con estos premios, se sigue celebrando la vitalidad y el impacto de la danza, una expresión artística que aporta profundidad y significado a la cultura.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-30/amalia-fernandez-y-marco-flores-premios-nacionales-de-danza-2026.html

Las dificultades cotidianas se han agudizado aún más con la escasez de transporte, convirtiendo desplazamientos que antes eran rutinarios en una odisea. Productos de primera necesidad, como huevos, pan y aceite de cocina, son cada vez más difíciles de encontrar en los mercados, lo que lleva a muchas familias a replantear sus hábitos y, en algunos casos, a hacer frente a la inseguridad alimentaria.

Sin embargo, a pesar de estas adversidades, la tradición del ballet cubano se esfuerza por mantenerse en pie. La comunidad artística, en particular los bailarines, se enfrenta al desafío de llevar adelante su pasión en un contexto marcado por la escasez y las limitaciones. La perseverancia de estos artistas es notable; ellos no solo buscan conservar una herencia cultural rica que ha puesto a Cuba en el mapa del arte escénico internacional, sino que también sirven de inspiración para muchos.

Esto contrasta fuertemente con la realidad de sus vecinos, que lidian con las penurias del día a día. La resistencia de la comunidad artística resuena no solo en las luces de los escenarios, sino también en el corazón de una nación que, a pesar de la adversidad, se niega a rendirse.

La situación actual, correspondiente a finales de septiembre de 2026, expone la fragilidad de la vida en Cuba y recalca cuán urgentes son las soluciones para restablecer el bienestar de su población. La comunidad artística, en especial el ballet, refleja no solo el espíritu resiliente de los cubanos, sino también la necesidad imperiosa de una transformación social y económica que permita a todos disfrutar de una vida digna.

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apnews.com: https://apnews.com/article/cuba-national-ballet-crisis-dance-blackouts-e1f5ac11d153fb8e201e4a8e4631e81a

Xander Parish, quien hizo historia al convertirse en el primer británico en ser principal del Mariinsky Ballet, dejó Rusia en 2022 en respuesta a la invasión de Ucrania. Su trayectoria incluye dos años de danza en el Norwegian National Ballet y la dirección de varios galas. La Fundación New Generation le propuso crear una actuación basada en el repertorio de los Ballets Russes durante su festival de verano de 2022, y a raíz de la recepción positiva del espectáculo, se decidió desarrollar un nuevo montaje de “Swan Lake” como base para la nueva compañía.

En el elenco principal de esta producción se encuentran reconocidas figuras del ballet como Joy Womack, Anastasia Matvienko, Vsevolod Maievskyi y Boris Zhurilov. Aunque Parish será el coreógrafo, ha expresado su intención de preservar algunas de las célebres coreografías de Marius Petipa y Lev Ivanov, especialmente para los roles principales. Este nuevo enfoque llevará la historia a París durante la Belle Époque, con Parish sugiriendo que el relato "transformará muchas cosas", añadiendo un matiz fresco y emocionante a la clásica narrativa.

Siguiendo el espíritu innovador de la compañía de Diaghilev, la Nouveaux Ballets Russes buscará colaborar con audaces visionarios en campos como el arte, la moda, la música y la tecnología. Para “Swan Lake”, el equipo creativo incluye al diseñador de escenografía Bruno de Lavenère y a Étienne Guiol en la dirección de video, ambos con experiencia en el diseño de ceremonias de alto perfil, como la apertura de los Juegos Olímpicos de París 2024. Además, el reconocido Alain Blanchot ha sido encargado de diseñar los trajes, mientras que Jean-Romain Vesperini, con un sólido historial en la ópera, dirigirá esta producción. La inclusión de tecnologías avanzadas, como proyecciones y paisajes holográficos, promete brindar una experiencia inmersiva y surrealista.

Las audiciones para el cuerpo de baile, bajo la supervisión de Parish, tendrán lugar el 26 de septiembre en Florencia. Aunque el deseo de bailar con la compañía es tentador, Parish subraya que su principal prioridad es asumir este nuevo reto como director artístico, centrado en ayudar a los jóvenes bailarines a desarrollarse en esta hermosa forma de arte.

Estos acontecimientos prometen transformar el panorama del ballet contemporáneo y atraer la atención de audiencias alrededor del mundo al revivir el legado de los Ballets Russes a través de una lente moderna y creativa.

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pointemagazine.com: https://pointemagazine.com/xander-parish-to-lead-new-company-inspired-by-ballets-russes/#new_tab

La decisión de mudar la sede ha causado revuelo en la comunidad artística local. Al anuncio realizado el diciembre pasado, surgieron inquietudes sobre la disponibilidad de un lugar adecuado para la compañía, un pilar fundamental del arte escénico en Hong Kong. Sin embargo, el director artístico de Hong Kong Ballet, Septime Webre, expresó su alivio al poder finalmente compartir la novedad de este ambicioso movimiento, destacando la importancia de un espacio dedicado exclusivamente a la danza.

El traslado a este nuevo recinto no solo representa una nueva etapa para la compañía, sino que también subraya un compromiso hacia el desarrollo cultural en la ciudad. La creación del WKCD, un proyecto emblemático, busca fomentar la vida cultural, convirtiéndose en un núcleo donde se fusionan diversas disciplinas artísticas.

Hong Kong Ballet, reconocido por su excelencia, está dispuesto a aprovechar las capacidades que ofrecerá el “Dancehouse”. Este lugar, diseñado específicamente para la danza, promete ser un entorno propicio para la creatividad y la innovación en las artes.

Con esta transición, el futuro de la danza en Hong Kong parece prometedor, alineándose con los objetivos culturales de la ciudad. A medida que se acerca la fecha de la mudanza, la expectativa crece, y el ballet local se prepara para recibir a su nuevo público en un espacio que respira arte y diversidad.

(Actualización: datos correspondientes al 2026-09-23 13:04:00.)

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scmp.com: https://www.scmp.com/news/hong-kong/hong-kong-economy/article/3368224/hong-kong-ballet-move-citys-first-dedicated-dance-venue-2027#new_tab

La obra no solo celebra la conexión entre el arte del ballet y la rica literatura de Shakespeare, sino que también ofrece una visión fresca sobre la relación entre el dramaturgo y el joven en cuestión, conocido como “el hermoso muchacho”. Este personaje ha suscitado fascinación durante siglos, y Fairchild busca dar vida a esa conexión a través de un lenguaje corporal que combina la gracia del ballet clásico con una interpretación contemporánea.

Al presentar este trabajo, Fairchild no se limita a la coreografía; se suma a una tradición de reinterpretar obras clásicas para explorar nuevas dimensiones y contextos. Este enfoque no solo dignifica el legado de Shakespeare, sino que también invita a los espectadores a reconsiderar la historia desde una perspectiva innovadora y emocionalmente resonante.

Con este estreno, se genera un expectante diálogo entre la danza y el teatro, resaltando la influencia que las palabras de Shakespeare han tenido no solo en su tiempo, sino a lo largo de la historia del arte. La obra promete ser una fusión vibrante de movimiento y poesía, un viaje que invita a los asistentes a perderse en el esplendor de la época isabelina y su complejidad emocional.

Este proyecto se estrenó el 22 de septiembre de 2026, marcando un hito no solo en la carrera de Fairchild, sino también en el panorama artístico contemporáneo, donde la danza se adentra en nuevos territorios narrativos y estéticos. La contribución de Fairchild se convierte así en un puente entre el pasado y el presente, enriqueciendo la conversación sobre las influencias artísticas que han dado forma a nuestras expresiones culturales actuales.

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nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/09/21/arts/dance/dancing-with-shakespeares-lovely-boy.html#new_tab

Al asumir el cargo en 1991, Angelini tomó las riendas de una institución que, si bien era apreciada en el ámbito local, no gozaba del reconocimiento nacional que tiene hoy. Gracias a su visión innovadora, llevó al Tulsa Ballet hacia un nuevo horizonte, incorporando una amplia variedad de coreografías contemporáneas, además de mantener un fuerte enfoque en los clásicos.

Bajo su liderazgo, la compañía ha ampliado su repertorio, presentando obras que van desde las tradicionales hasta las de vanguardia, lo que ha provocado un interés renovado por parte del público. En cada temporada, la calidad de sus producciones se ha visto reflejada en críticas entusiastas y en la creciente asistencia a sus funciones.

Además de su enfoque en la presentación de espectáculos memorables, Angelini también ha sido un ferviente defensor del desarrollo de nuevos talentos. Su compromiso con la formación de bailarines ha permitido que muchos artistas emergentes encuentren su lugar en el competitivo mundo de la danza, solidificando aún más el estatus del Tulsa Ballet como un semillero de nuevas promesas.

El impacto de Angelini no se limita solo a la coreografía y la presentación. Su labor ha sido vital para fomentar la cultura artística en Tulsa, convirtiendo a la ciudad en un punto de referencia dentro del circuito de las artes escénicas. Esto ha contribuido no solo a la economía local, sino también al enriquecimiento cultural de la comunidad.

A medida que se acerca el final de su mandato, el legado de Marcello Angelini en el Tulsa Ballet es evidente. La compañía ha evolucionado significativamente bajo su supervisión, y su pista de baile se ha iluminado con un dinamismo y versatilidad que muchos consideran dignos de aclamación a nivel nacional. La transformación que ha liderado plantea un futuro prometedor para la danza en Tulsa, un futuro que seguramente continuará floreciendo bien después de su partida.

Actualización hasta 1789668472: El interés en el Tulsa Ballet sigue creciendo, y la compañía continúa explorando nuevas fronteras artísticas bajo una nueva dirección.

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tulsaflyer.org: https://tulsaflyer.org/2026/09/11/culture/arts/post/marcello-angelini-remade-tulsa-ballet-over-three-decades/#new_tab

Kyiv, en esta oscura etapa de su historia, se convierte no solo en un escenario de guerra, sino también en un lugar donde la cultura y el arte desafían la violencia y el miedo. La familia Ratmansky, de renombre en el mundo de la danza, enfrenta el reto de crear y desarrollar proyectos artísticos mientras lidian con la inseguridad constante, un esfuerzo que no solo permite la continuidad de su trabajo, sino que también brinda un rayo de esperanza y conexión para los habitantes de la ciudad.

A pesar de las bombas y los bombardeos, el deseo de continuar la vida cultural en Ucrania se mantiene fuerte, subrayando la resiliencia de un pueblo que, a pesar de las dificultades, busca maneras de celebrar y compartir su herencia artística. En este contexto, el papel de figuras como Ratmansky es vital; su ejemplo no solo inspira a otros artistas a seguir creando, sino que sirve como un recordatorio de que la cultura puede florecer, incluso en los tiempos más oscuros.

Esta desafiante realidad emite un mensaje claro: el arte y la creatividad pueden ofrecer luz en la penumbra, sosteniendo un hilo vital para la identidad y la unidad de las personas. La historia de la familia Ratmansky reafirma la importancia de no rendirse ante la adversidad y de continuar luchando por la expresión artística. Cada ensayo, cada actuación, se convierte en un acto de resistencia frente a la opresión, contribuyendo a mantener la cultura viva en un momento en que el mundo observa.

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nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/09/14/arts/dance/alexei-ratmansky-kyiv-ukrainian-national-ballet-balanchine.html

Con sus 9,500 metros cuadrados, el antiguo almacén de Art Deco de 1923 se transformará para albergar una variedad impresionante de instalaciones. Danshuis ofrecerá 14 estudios de danza de última generación, un gimnasio, un espacio de exhibición, una cafetería y un espléndido rooftop conocido como Salle des Fêtes. Este último permitirá realizar programas públicos a gran escala con vistas al emblemático puerto de Rotterdam. La arquitectura planeada incluye un vestíbulo vertical que conecta todos los niveles del edificio, garantizando una experiencia fluida y atractiva para los visitantes.

La importancia de este centro radica en su compromiso con la accesibilidad, ya que estará abierto a personas de todas las edades y niveles de experiencia. Desde bailarines profesionales hasta aficionados, el Danshuis busca ser un espacio inclusivo donde todos puedan participar y disfrutar de la danza.

La iniciativa es impulsada por la Fundación Droom en Daad, una entidad con un historial de desarrollo cultural en Rotterdam, que ya ha transformado otros sectores de la ciudad. Laura Dufour, directora de Danshuis, menciona que el centro se propone ser un lugar de encuentro que fomente el intercambio entre las comunidades locales y los profesionales internacionales del arte del movimiento.

Ma Yansong destaca que su diseño no solo busca albergar la danza, sino integrarla en la identidad cultural del distrito. Las interacciones entre la arquitectura y el arte del movimiento crearán un diálogo continuo con el entorno, y el objetivo es contribuir a la reputación de Rotterdam como un centro cultural dinámico y contemporáneo en Europa.

Danshuis promete ser más que un simple edificio; será un crisol de creatividad y expresión que representa el espíritu vibrante de la danza en la región. Con proyectos como este, Rotterdam continúa cimentando su lugar en el panorama cultural europeo, invitando a una amplia audiencia a compartir y celebrar la alegría de la danza.

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gramilano.com: https://www.gramilano.com/2026/09/danshuis-new-european-centre-for-dance/#new_tab

A primera vista, el alto coste de la vivienda y la singularidad cultural de Barcelona podrían desanimar a quienes piensan en la danza como una forma de expresión universal. Sin embargo, en los últimos años, ha florecido una comunidad de tap dancers, convirtiendo a la ciudad en un bullicioso centro para esta disciplina. Esta transformación comenzó cuando un estudiante universitario, que exploraba el tap dance contemporáneo, se topó con la vibrante escena local durante su investigación.

La danza, que tiene en sus orígenes la influencia de la cultura afroamericana, la colonización británica, y la servidumbre irlandesa, ha sido un espejo de las complejidades sociales de América. No obstante, lo que comenzó como un fenómeno estadounidense ha alcanzado nuevas dimensiones globales, con festivales y encuentros de tap en distintas partes del mundo. Barcelona se ha convertido en un lugar clave en este mundo del tap dance, gracias a iniciativas como la Escola Luthier de Danza, fundada en 2011 por Guillem Alonso y Alícia Alcalay. Este centro educativo no solo imparte clases, sino que también actúa como un vivero de nuevos talentos, inspirando a una nueva generación de bailarines.

El mismo Guillem Alonso, con su formación en Nueva York y en compañías legendarias, ha sido fundamental en el desarrollo de este movimiento. La variedad de estilos y técnicas que se están gestando en Barcelona dan cuenta de la creatividad y adaptabilidad de este arte. Mi experiencia personal al tomar clases en la Escola Luthier reveló un panorama fascinante que desafía todas las expectativas sobre el tap dance. La exigente técnica, junto con la riqueza rítmica del aprendizaje, se contrastaba con cualquier experiencia previa en mis años de práctica en Estados Unidos.

En respuesta a la creciente demanda por el tap, la Escola Luthier ofrece más de 50 clases semanales, y otros centros como el TAP Conservatory, dirigido por Sharon Lavi, también han sumado esfuerzos, extendiendo el alcance educativo. Además, el evento anual Claque Al Carrer, organizado por la asociación local Tot Pel Claque, realza la escena con presentaciones al aire libre que celebran este arte.

La comunidad de tap dance en Barcelona, según Gisela Noguero Gelmà, autora de un estudio sobre su historia local, se destaca por su cohesión y calidez, desafiando la percepción de la ciudad como antiforeigner. A pesar de los problemas de vivienda que enfrenta la metrópoli, esta comunidad ha acogido a bailarines de todo el mundo, fomentando conexiones personales y profesionales.

La cultura del tap se ha revitalizado en Barcelona, demostrando que, aunque el arte en sí pueda parecer un vestigio del pasado, aquí el ritmo nunca se detiene. Con una excepcional oferta educativa y la esencia de su gente, la ciudad sirve como un recordatorio de que el tap dance continúa evolucionando, celebrando no solo su rica historia, sino también su futuro en espacios de encuentro, creatividad y pertenencia.

Barcelona se perfila, por tanto, como un faro de innovación en el mundo del tap dance, donde la tradición y la modernidad coexistirán en armonía, ofreciendo un espacio donde tanto locales como forasteros pueden expresarse a través del arte del movimiento.

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Jenna Dewan, a sus 45 años, no es ajena a la danza. Comenzó su carrera como bailarina de respaldo en la gira de Janet Jackson en 2001 y ha trabajado en numerosos videoclips de artistas reconocidos, como Christina Aguilera y NSYNC. Además, ha sido presentadora del programa World of Dance y juez en Come Dance With Me, exhibiendo su experiencia en el campo. Por otro lado, Julia Stiles, también de 45 años, es conocida por su icónica actuación en el filme 10 Things I Hate About You y su interpretación como aspirante a bailarina en Save the Last Dance de 2001. Harry Shum Jr., a sus 44 años, ganó notoriedad por su papel en Glee, donde interpretó a Mike Chang y, similar a Dewan, comenzó como bailarín de respaldo para Jennifer Lopez, Beyoncé y Mariah Carey.

Los comentarios en redes sociales no se hicieron esperar. Varios fanáticos han cuestionado la inclusión de estos tres en el elenco, argumentando que su previa formación como bailarines les otorga una ventaja injusta frente a otros concursantes. Uno de ellos expresó la frustración de que Jenna Dewan, al ser una bailarina profesional, tenga una ventaja competitiva, mientras que otro sugirió que se debería votar por aquellos con menos experiencia en danza. Del mismo modo, opiniones similares en Threads reflejaron el sentimiento de que con participantes como Dewan y Stiles, el show podría perder su esencia de competencia entre celebridades no entrenadas.

Sin embargo, no todos los comentarios fueron de desaprobación. Algunos fans señalaron que la mezcla de concursantes, que incluye tanto a profesionales como a amateurs, podría dar lugar a un espectáculo variado e interesante. Frases de entusiasmo sobre la participación de estas figuras recordarían a muchos momentos nostálgicos de su infancia, destacando filmes como Save the Last Dance, Step Up y Glee.

La nueva temporada de Dancing With the Stars, que se estrena el 15 de septiembre, también verá el regreso de los jueces Carrie Ann Inaba, Derek Hough y Bruno Tonioli, además de los coanfitriones Alfonso Ribeiro y Julianne Hough. El programa, considerado el equivalente americano de Strictly Come Dancing del Reino Unido, seguirá presentando celebridades emparejadas con bailarines profesionales en su camino hacia la competencia en el ballroom.

Con un elenco tan cargado de experiencia y la atmósfera de expectación que se respira, esta temporada promete ser emocionante y dará mucho de qué hablar.

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the-independent.com: https://www.the-independent.com/arts-entertainment/tv/news/dancing-with-the-stars-jenna-dewan-harry-shum-dwts-b3043845.html#new_tab

“Estuve un año y medio peleando con el Sindicato de Inquilinas e Inquilinos, buscando soluciones, pero al final, la salud mental me llevó a marcharme”, relata la bailarina. El desalojo fue tan abrupto que, al momento de entregar las llaves, la cerradura fue cambiada de inmediato ante sus ojos, dejándola con una sensación de pérdida indescriptible.

Esta experiencia inspiró su nueva obra de danza, Estoy enfadada, estoy rabiosa, que se estrenará el 8 y 9 de septiembre en los Teatros del Canal. La creación de la pieza es una respuesta artística a la tristeza y la injusticia que enfrentan muchas personas en situaciones similares. Mientras su estancia en el piso se acercaba a su fin, Díaz comenzó a bailar en cada rincón de su hogar, convirtiendo esos momentos de despedida en una carta visual de lo que significó vivir allí.

La colaboración con su pareja, el actor Antonio Estrada, ha sido fundamental en este proceso creativo. A través de imágenes grabadas en su antigua casa, Díaz logra dar forma a una expresión de pena y rabia que resuena con muchos que sufren la misma angustia por el actual mercado inmobiliario. “El mercado decide por nosotras y nos están robando las ciudades”, enfatiza.

La búsqueda de un nuevo hogar fue igualmente complicada; encontraron un piso más pequeño y costoso en Carabanchel, una situación que refleja las dificultades del mercado inmobiliario en Madrid, donde el precio por metro cuadrado alcanza cifras alarmantes, como 23,2 euros, convirtiendo la situación en algo insostenible.

Paloma Díaz, quien ganó el Certamen Coreográfico de Madrid en 1998 y fundó su compañía, La Permanente, ha llevado desde el inicio de su carrera un discurso que integra experiencias personales con la danza. Su obra actual no solo encarna su historia, sino que también hace un llamado a la reflexión acerca de la memoria y la resistencia en tiempos difíciles, destacando un fenómeno común entre muchos artistas que enfrentan el desarraigo.

La representación de Estoy enfadada, estoy rabiosa formará parte del ciclo Canal Baila, en la Sala Negra de los Teatros del Canal, un espacio que acoge diversas propuestas de danza contemporánea. La producción tendrá también una proyección documental, ampliando su alcance y visibilidad.

Díaz ha encontrado una forma de seguir adelante a pesar del proceso traumático que ha vivido. La transformación de su experiencia en arte se presenta como una manera de superar el dolor, refiriéndose a lo que muchos han sentido a lo largo de estas crisis residenciales. La obra es, en definitiva, un símbolo de la lucha de muchos frente a un sistema que parece despojarles de sus hogares y su identidad.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-08/coreografia-de-un-desahucio-cuando-se-acercaba-el-desalojo-empece-a-bailar-por-todos-los-rincones-de-la-casa.html

La temporada 2026 presenta un nuevo desafío. Con la experiencia de Sirico aún fresca en la memoria, el festival se prepara para recibir a multitudes ansiosas por disfrutar de una programación que promete ser más completa que nunca. Sin embargo, la ausencia de una figura central como Sirico no solo ha dejado un vacío emocional, sino que también ha puesto de relieve la presión inherente que acompaña la producción de eventos de esta magnitud.

A medida que los organizadores se enfrentan a un gran número de presentaciones y actividades, se hace evidente que el manejo de la carga laboral es fundamental para asegurar que el festival no solo sobreviva, sino que también prospere. Los festivales de danza son intrínsecamente intensivos, desde la coordinación de coreografías hasta la gestión de espacios y recursos. Esta realidad ha llevado a los líderes del evento a replantear cómo distribuyen responsabilidades entre su equipo.

El recuerdo de Sirico trasciende su rol como productora. La comunidad artística la recuerda no solo por su habilidad profesional, sino también por el compromiso humanitario y la empatía que aportó a su trabajo, creando un ambiente donde cada miembro del equipo se sentía valorado. Por lo tanto, la pregunta sobre cómo los staffs y pasantes manejarán esta intensa carga de trabajo durante la nueva temporada se hace más pertinente que nunca.

A medida que el festival avanza, los organizadores están trabajando en estrategias para apoyar a su equipo, buscando un equilibrio entre la entrega artística y el bienestar personal. El impacto de la tragedia no solo sirve como recordatorio del valor del trabajo en equipo, sino también como un llamado a replantear las dinámicas laborales dentro de la industria artística.

Así, la historia de Jacob's Pillow se entrelaza con una narrativa de resiliencia. La comunidad se apoya mutuamente en el camino hacia la recuperación y la celebración del arte, asegurando que la memoria de quienes han pasado sirva no solo como un recordatorio de su legado, sino también como un impulso para continuar creando. Al iniciar esta nueva temporada, la esperanza es que se honre la memoria de Kat Sirico mientras se da la bienvenida a un futuro lleno de posibilidades y creatividad.

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nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/09/06/arts/dance/jacobs-pillow-kat-sirico-accident.html

Ese sueño se ha materializado en agosto de 2026, cuando Helimets asumió la dirección del Sacramento Ballet, sucediendo a Anthony Krutzkamp. Después de un proceso selectivo en el que compitió con tres otras compañías, la noticia de su nombramiento fue recibida con entusiasmo. “Es un logro que ha estado más de una década en gestación”, expresó Helimets.

A lo largo de sus 18 años en el San Francisco Ballet, Helimets se formó no solo como bailarín, sino también como observador del trabajo de coreógrafos renombrados como Christopher Wheeldon y Annabelle Lopez Ochoa. Su retiro en 2023 no marcó el final de su carrera; al contrario, se ha dedicado a ampliar su red de contactos, colaborando con destacados directores y perfeccionando sus habilidades en recaudación de fondos, un aspecto donde ha gestionado relaciones desde su puesto de gerente de relaciones con donantes para el San Francisco Dance Film Festival.

El 31 de marzo de 2026, la directora ejecutiva del Sacramento Ballet, Kiera Anderson, resaltó la capacidad de Helimets para aportar ideas frescas y esa valiosa red que ha cultivado en el mundo de la danza. “Él llega con una gran perspectiva y un respeto genuino por las tradiciones de nuestra compañía”, comentó.

Desde su fundación en 1954 por Barbara y Deane Crockett, el Sacramento Ballet ha tenido un legado significativo, creado en gran parte por el co-director Ron Cunningham. Su repertorio incluye obras icónicas y colaboraciones con destacados coreógrafos contemporáneos. Aunque Helimets no tenía una relación previa con la compañía, su energía positiva y el compromiso de los bailarines lo han impresionado.

Helimets contempla su futuro mando con la intención de explorar un repertorio que valorice tanto lo contemporáneo como lo clásico. “Deseo que Sacramento Ballet sea reconocido como un bastión de rigor técnico y disciplina en la danza”, afirmó. En la planificación de la próxima temporada, se propone introducir coreógrafos que aprecien las raíces técnicas del ballet, creando un balance entre la tradición y la innovación.

Reconociendo que su papel trasciende ser solo un líder en el estudio, Helimets se mantiene abierto a enfrentar los desafíos que vendrán, incluyendo la recaudación de fondos y la creación de oportunidades para los jóvenes bailarines. Con un enfoque visionario, se muestra entusiasta por choreografiar y llevar nuevas propuestas a la compañía, compartiendo su propia visión sobre el futuro del ballet.

Así, Tiit Helimets comienza una nueva era en Sacramento Ballet, cargado de tradición pero mirando hacia el futuro con una renovada perspectiva.

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pointemagazine.com: https://pointemagazine.com/tiit-helimets-sacramento-ballet/#new_tab

Las competencias de Aura Farming son, por naturaleza, impredecibles. Los participantes, en su mayoría adolescentes y jóvenes adultos, se lanzan a mostrar versiones exageradas de los populares movimientos de baile de TikTok. Sin criterios específicos o jueces, el objetivo principal es cautivar al público con actuaciones audaces y creativas. Este formato competitivo, lejos de buscar precisión técnica, se enfoca en la reacción del público, convirtiendo cada batalla en un espectáculo visual diseñado para maximizar la atención y la interacción.

La esencia de Aura Farming radica en su naturaleza caótica y su flexibilidad. Los concursantes no tienen una guía rígida; la falta de reglas permite que la espontaneidad florezca. Esto ha llevado a que los eventos sean cada vez más extravagantes, donde lo curioso y lo llamativo son la norma. Con cada presentación, los competidores buscan navegar hacia la viralidad, haciendo que estos encuentros no solo sean un ejercicio de destreza, sino también un estudio de lo que genera éxito en las redes sociales.

Este fenómeno ha encontrado su terreno fértil en plataformas digitales, donde los videos de las competiciones rápidamente alcanzan miles, si no millones, de visualizaciones. La capacidad de estos jóvenes para interpretar y reinventar elementos que van desde coreografías virales hasta desafíos absurdos ha generado una cultura de celebración por lo inesperado y lo exagerado.

Además de eludir las estructuras de competencia tradicionales, Aura Farming también ha permitido a los jóvenes expresar su identidad cultural y conectarse entre sí. Este acto de bailar y competir se convierte en una forma de socialización, permitiendo a los participantes crear lazos y compartir risas en un contexto que desafía las normas establecidas.

Con la llegada de nuevas tecnologías y plataformas, es posible que Aura Farming siga evolucionando y transformándose, llevando esta fascinante forma de arte y competencia a nuevas alturas. El desafío ahora es observar cómo este movimiento se expandirá y si logrará establecerse como una tradición viva en la cultura juvenil a medida que avanza la década.

A medida que este fenómeno continúa desarrollándose, queda claro que lo que empezó como un simple meme ha florecido en un evento cultural vibrante, reflejando la creatividad y la audacia de la juventud en un mundo cada vez más conectado.

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msn.com: https://www.msn.com/en-ca/news/us/aura-farming-began-as-a-meme-latin-american-youth-have-turned-it-into-a-competitive-sport/ar-AA2aNGa2#new_tab

A lo largo de su vida, Striggles se dedicó a ayudar a los bailarines, desde aquellos que luchaban por encontrar su lugar hasta los ya consagrados. Su influencia se extendió por décadas, siendo especialmente notable su publicación de 1976, “Poor Dancer’s Almanac”, una guía que se convirtió en un recurso indispensable para muchos en el medio, proporcionando consejos prácticos y estrategias de sobrevivencia.

Nacido en un entorno donde la pasión por el arte y la sofisticación legal se entrelazaron, Striggles logró crear un puente entre estos dos mundos aparentemente dispares. Su trabajo fue fundamental para empoderar a artistas, brindándoles no solo apoyo emocional, sino también una comprensión del marco legal que rige la danza y el arte en general. Esta dualidad de roles lo convirtió en un referente en el campo, abogando por cambios que beneficiaran a la comunidad artística.

El fallecimiento de Striggles deja un vacío en el sector cultural, pero su impacto perdurará entre aquellos que se beneficiaron de su sabiduría y su generosidad. En tiempos de incertidumbre, su voz resonará como un faro de apoyo, un recordatorio de que la danza no solo es una forma de expresión sino también un camino que puede ser recorrido con conocimiento y respaldo.

La memoria de Ted Striggles será celebrada por generaciones futuras, quienes continuarán encontrando inspiración en su obra y en su dedicación inquebrantable a los artistas. Su legado es un claro testamento de la importancia de combinar pasión con estrategia en el mundo del arte.

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nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/08/20/arts/dance/ted-striggles-dead.html

“¿Sabes cómo se siente tener buena música y bailar, mientras otros se suman y sienten esa conexión cercana? La gente ha olvidado lo que es eso”, señala una de las promotoras de este movimiento, quien se ríe al mencionar que, curiosamente, los críticos de la danza alguna vez señalaron su influencia corruptora en la sociedad. Sin embargo, el único “corrupción” que parece lograr este arte es la magia de unir a las personas en momentos de alegría y celebración.

A medida que los amantes del sean-nós educan al público sobre sus orígenes y la técnica que lo acompaña, florece un interés renovado. Talleres y sesiones de baile están surgiendo en diversas localidades, donde los participantes no solo aprenden pasos, sino que también conectan con la esencia de una tradición que ha resistido la prueba del tiempo.

La acogida ha sido impresionante, mostrando que el deseo de bailar no se limita a un solo grupo demográfico. Desde jóvenes que buscan nuevas formas de expresión hasta adultos que anhelan reconectar con sus raíces, todos encuentran en el sean-nós una plataforma para la autoexpresión y el sentido de comunidad.

Los organizadores destacan la importancia de este resurgimiento, no solo como un fenómeno artístico, sino como un vehículo para fortalecer la identidad cultural en un mundo cada vez más globalizado. La danza se convierte así en un recordatorio de quiénes somos como sociedad y de la importancia de mantener vivas nuestras tradiciones.

A medida que avanza este movimiento en 2026, se espera que el sean-nós se convierta en un símbolo de resistencia cultural, recordándonos que, a pesar de los desafíos, siempre hay espacio para la celebración y la conexión a través del arte. La danza, después de todo, no es solo un pasatiempo; es una forma de vida que invita a todos a unirse en la pista, disfrutando de la música y del momento compartido.

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artsjournal.com: https://www.artsjournal.com/2026/08/the-irish-dancer-trying-to-revive-dancing-for-pleasure.html

Después de ese episodio tumultuoso, el director responsable de esos despidos ha dejado el cargo, y los bailarines que sobrevivieron a la controversia han continuado adelante en sus carreras. En un desarrollo alentador, los nuevos integrantes de la compañía han optado por unirse a la American Guild of Musical Artists (AGMA), logrando así un avance significativo en la búsqueda de un acuerdo colectivo que garantice sus derechos y mejore sus condiciones laborales.

Este acuerdo sindical es un hito para la Dallas Black Dance Theatre, que no solo se enfrenta a los retos comunes de muchas entidades culturales, sino también a la necesidad de adaptarse en un entorno que exige innovación y cambios estructurales. La evolución de la compañía en el transcurso de estos dos difíciles años subraya la resiliencia de sus miembros y su compromiso con un futuro más justo.

A medida que la Dallas Black Dance Theatre se dirige a un nuevo capítulo de su historia, la incorporación de un sindicato no solo promete ofrecer una protección esencial a sus artistas, sino que también refuerza la importancia del arte en la lucha por la equidad y los derechos laborales en el sector cultural. La acción colectiva ha demostrado ser un motor de cambio significativo que, con el tiempo, puede beneficiar a toda la comunidad artística.

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La apreciación por estas formas de arte no se limita únicamente a su estética; más bien, se ha transformado en un símbolo de estatus y sofisticación. Los jóvenes consumidores, cada vez más interesados en experiencias significativas, encuentran en la danza una forma de expresión artística que resuena con sus valores y aspiraciones. Este movimiento no solo apela a su sentido estético, sino que también les ofrece una conexión emocional y cultural genuina.

A medida que el sector del lujo evoluciona, las marcas están comenzando a incorporar elementos de la danza y el ballet en sus estrategias de marketing y eventos. Las colaboraciones con compañías de danza, así como la inclusión de coreografías en desfiles de moda y presentaciones, están generando un nuevo lenguaje visual que combina arte, sofisticación y experiencia del cliente.

Es relevante señalar que esta tendencia no es solo una moda pasajera, sino que refleja una transformación más profunda en la forma en que los consumidores valoran el lujo. La experiencia se vuelve tan crucial como el producto en sí; la conexión cultural resulta ser un poderoso atractivo. Así, ballet y danza no son simplemente artísticas, sino un medio eficaz para atraer a una audiencia sofisticada y en busca de autenticidad en sus elecciones.

Mientras que el panorama continúa cambiando, lo que está claro es que la danza y el ballet están preparados para desempeñar un papel central en las futuras dinámicas del lujo. Este enfoque no solo abre nuevas oportunidades para las marcas, sino que también resalta la importancia de entender y satisfacer las expectativas culturales de un público cada vez más exigente.

La información presentada corresponde a la fecha de publicación original (2026-08-11 22:30:00) y refleja el estado entonces conocido.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/fashions-betting-on-the-ballet-whats-the-pointe

Para esta celebración de su retorno, que tendrá lugar del 5 al 9 de agosto en el interior del Ted Shawn Theatre y del 5 al 8 en el exterior, en el escenario Henry J. Leir, la compañía presentará programas distintos. La visión artística de la directora Tamara Rojo se refleja en la selección de obras, las cuales rinden homenaje a las tradiciones clásicas mientras desafían los límites del arte contemporáneo. “Estas dos prioridades no están en tensión para mí; son dos caras de la misma moneda”, declara Rojo en una reciente entrevista.

El programa en el Ted Shawn Theatre incluirá obras como Grosse Fuge de Hans van Manen, Dust Duet de Akram Khan, y las contribuciones de William Forsythe con Prologue y The Barre Project. Para algunas de estas presentaciones, contarán con el acompañamiento en vivo de la Albany Symphony, ganadora de dos premios Grammy, lo que enriquecerá la experiencia auditiva y visual para los asistentes.

Por su parte, las actuaciones al aire libre en el Henry J. Leir Stage se centrarán en la técnica clásica, destacando obras de Ben Stevenson, Hans van Manen y Liam Scarlett, entre otros. Este programa también integrará influencias de otras tradiciones dancísticas, como el tango argentino de van Manen y los matices modernos de Isadora Duncan, evidenciando la capacidad expresiva que se puede encontrar en las danzas tanto clásicas como contemporáneas.

Rojo comparte su emoción por ver a los bailarines en un entorno natural, destacando que las oportunidades para realizar presentaciones al aire libre no son comunes. “Estamos encantados de reaparecer ante la comunidad de danza en los Berkshires y celebrar nuestra historia compartida con uno de los más influyentes presentadores de danza internacional”, concluye.

El regreso del San Francisco Ballet a Jacob’s Pillow no solo resalta su legado histórico, sino que también marca un emocionante capítulo en su trayectoria, reafirmando su compromiso tanto con la tradición como con la innovación en el arte de la danza.

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En esta obra, Carrasco encarna a Soledad Montoya, un personaje emblemático del Romance de la pena negra, que simboliza la profundidad y la tragedia típicas de las mujeres descritas por Lorca. La bailaora expresa su deseo de preservar la esencia más genuina del flamenco, entrelazándola con la poesía del reconocido autor andaluz. En sus propias palabras, su intención es "coger sus letras y pasarlas al flamenco".

El espectáculo presenta un enfoque dinámico, donde cada función se convierte en una experiencia distinta gracias a la combinación de coreografía y la improvisación de talentosas artistas que llevan en su interior la tradición flamenca. "Vamos con ilusión y con ganas de que se forme", afirma Carrasco, destacando la pureza del flamenco que será el eje central de la representación.

A la bailaora la acompañan figuras destacadas como Pastora Galván, en calidad de bailaora invitada, y la actriz Coco Reyes, quien recitará las obras antes de que las voces de Esperanza Fernández y Aurora Vargas, alternándose en las funciones, llenen el escenario con su canto, con la colaboración de Juana Salazar, La Tobala, y Samara Carrasco. Este elenco será dirigido por Carrasco mismo, rodeada por el cuerpo de baile compuesto por Saray de los Reyes e Inés Rubio, mientras que la dirección musical está a cargo del guitarrista Pedro Sierra, quien contará con el apoyo especial de Enrique El Extremeño y Samuel Cortés en el violín.

El director musical también compartió que la estructura del espectáculo está diseñada para que Coco Reyes introduzca cada pieza recitada, creando un diálogo con el público que se culmina con la interpretación cantada. Esta fusion de poesía y danza no solo rinde homenaje a Lorca, sino que también resalta la influencia del pueblo gitano en la cultura española, especialmente en esta conmemoración que marca el 90 aniversario del asesinato del poeta.

Después de más de cincuenta años en el escenario y una trayectoria reconocida con distinciones como el Premio Nacional de Danza y la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes, Carrasco revela la carga emocional que siente antes de cada actuación. Para prepararse, necesita momentos de soledad y concentración, asegurando que, a pesar de los cambios con el tiempo, su energía y fuerza se mantienen intactas.

El evento se convierte, por tanto, en una celebración viva de la tradición flamenca, una conexión profunda entre las mujeres que aportan su voz a la obra de Lorca y el legado del poeta que sigue resonando con vigor en la actualidad.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-07-31/manuela-carrasco-baila-los-poemas-de-lorca-en-granada.html