Directores cine | Columna Digital

Su infierno personal: Refn se pierde

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 06:59:45 GMT

El renombrado director danés Nicolas Winding Refn, conocido por su impactante trabajo en el cine contemporáneo, parece estar enfrentando un momento crítico en su carrera. Desde que alcanzó el reconocimiento mundial con Drive en 2011, una obra maestra del neonoir, ha ido evolucionando hacia una narrativa más centrada en la estética que en el contenido. Sin embargo, su más reciente película, Su propio infierno, que se estrenó fuera de competencia en el Festival de Cannes, ha sido objeto de fuertes críticas que cuestionan tanto su dirección como la narrativa misma.

En su trayectoria cinematográfica, Winding Refn ha oscilado entre momentos de genio y excentricidades que, si bien pueden ser esperables en su estilo, han llevado a algunos críticos a clasificar sus obras más recientes como cada vez más vacías. Solo Dios perdona (2013), por ejemplo, fue visto como una continuación de esta deriva, aunque no todos los críticos coincidieron en su valoración. La llegada de The Neon Demon (2016) marcó un punto bajo, y ahora con Su propio infierno, se intensifican las preocupaciones sobre el enfoque narcisista y la falta de sustancia en su trabajo.

Analizando la obra más reciente, se observa que, a pesar de sus pretensiones de amalgamar diversos géneros como el drama, thriller y terror, la película parece carecer de un enfoque claro. Se mencionan temas complejos, como la relación entre padres e hijas y la crítica a la superficialidad de la cultura influencer, pero estos elementos son manejados de manera tan vaga que resultan confusos. La representación visual, que intenta evocar una estética similar a la de Blade Runner, resulta superficial, con un uso de colores que más que cautivar, desvirtúa el propósito de la narrativa.

El diseño de producción ha sido descrito como ineficaz, y los diálogos, en su intento por ser poéticos, solo logran crear una sensación de pretensión. En este contexto, se pueden encontrar influencias de cineastas como David Lynch, junto con referencias a clásicos de cuentos, pero todas ellas se entrelazan de tal manera que terminan convirtiéndose en un galimatías que pocos pueden seguir.

Con un elenco que incluye a Sophie Thatcher y Charles Melton, Su propio infierno presenta una duración de 107 minutos. La película, que debió estrenarse en cines el 9 de octubre, ha suscitado una serie de reacciones adversas, advirtiendo que, más allá de atraer a los incondicionales del director, podría desinteresar incluso a los más apasionados del cine de autor.

En resumen, mientras Nicolas Winding Refn sigue explorando su visión única, la pregunta que muchos se plantean es si logrará recuperar su capacidad de contar historias que resuenen con el público, o si este nuevo capítulo se convertirá en un hito de desconexión en su carrera. La evolución de su estilo promete ser un tema de interés en los años venideros.

Gracias por leer Columna Digital, puedes seguirnos en Facebook, Twitter, Instagram o visitar nuestra página oficial. No olvides comentar sobre este articulo directamente en la parte inferior de esta página, tu comentario es muy importante para nuestra área de redacción y nuestros lectores.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-09/su-propio-infierno-nicolas-winding-refn-derrapa-en-su-ombligo.html

Película musical basada en La Oreja de Van Gogh

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 08:07:34 GMT

Las icónicas melodías de La Oreja de Van Gogh pronto encontrarán un nuevo hogar en la gran pantalla con el ambicioso proyecto cinematográfico titulado Puedes contar conmigo, que actualmente se encuentra en fase de preproducción. Este innovador musical surgirá de un acuerdo entre la célebre banda donostiarra y un equipo de productores compuesto por Beltrán Gortázar, Domingo Corral y Gonzalo Salazar-Simpson.

Fernando González Molina será el encargado de la dirección, contribuyendo también a la escritura del guion junto a Miguel López Martínez. La trama del filme se desarrollará a través del rico repertorio musical de la banda, prometiendo ofrecer una narrativa original que resonará entre los fanáticos de sus canciones. Corral destacó la singularidad de este proyecto al afirmar que “las canciones de la banda son parte de la memoria emocional de España”, lo que añade una capa de significado a la producción.

Los miembros de La Oreja de Van Gogh expresaron su entusiasmo por ver sus composiciones cobrar vida en un formato cinematográfico. “Siempre hemos contado historias a través de nuestra música”, afirmaron, añadiendo que la película representará una hermosa celebración de la conexión con su público. Este 2026 ha sido un año significativo para la banda, que marcó el regreso a sus giras con la voz de su cantante original, Amaia Montero, tras un periodo de cambios.

Con González Molina al timón, conocido por sus exitosas obras como Palmeras en la nieve y Tres metros sobre el cielo, el director se enfrenta al desafío de trasladar la esencia de La Oreja a un formato visual impactante. “Deseo crear un evento cinematográfico que emocione al público como lo han hecho nuestras canciones durante décadas”, comentó. Este proyecto, dirigido con ambición, busca rendir homenaje tanto a la música de la banda como a la experiencia romántica del cine musical.

Los productores también están comprometidos con hacer de esta película un evento significativo, de la misma manera que grandes títulos como La La Land han logrado en el pasado. Aunque aún no se han definido aspectos como el presupuesto, el reparto o el coreógrafo, la expectativa ya empieza a crecer en torno a esta colaboración creativa.

Detrás de este esfuerzo se encuentra Beltrán Gortázar, quien lidera la iniciativa desde su reciente productora, Arce Studios, tras una exitosa trayectoria en plataformas y producciones de alto calibre. Su compañero Gonzalo Salazar-Simpson, conocido por su trabajo en cine, televisión y teatro, también aporta una vasta experiencia a este proyecto.

De esta forma, el mundo de la música y el cine se entrelazan, ofreciendo a los seguidores de La Oreja de Van Gogh una experiencia renovadora que promete dejar huella. El proyecto se perfila como una nueva etapa en la carrera de la banda y un reto emocionante para todos los involucrados. La unión de talento y pasión está destinada a crear algo verdaderamente especial.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-05/las-canciones-de-la-oreja-de-van-gogh-seran-la-base-de-puedes-contar-conmigo-una-pelicula-musical-con-inspiracion-en-la-ambicion-de-la-la-land.html

Narciso: oscuro drama sobre amor prohibido

Redacción — Fri, 02 Oct 2026 09:26:37 GMT

En el contexto tumultuoso de Paraguay en la década de 1950, donde el rock’n’roll emergía como una revolución musical en muchas partes del mundo, el país se sumía en la oscuridad de una de las dictaduras más prolongadas de América Latina. Esta paradoja histórica es el punto de partida de "Narciso", una nueva película que explora la memoria sociopolítica de Paraguay a través de una narrativa expresionista y sombría.

El filme, dirigido por Marcelo Martinessi, se sumerge en la vida de Bernardo Aranda, un carismático locutor de radio que fue asesinado en 1959. Basada en la novela del escritor e historiador Guido Rodríguez Alcalá, "Narciso" se desarrolla en Radio Capital, una emisora popular que respiraba el folclore nacional mientras enfrentaba el influjo del rock estadounidense. Aranda, interpretado por Diro Romero, se convierte en una figura central en esta emisora, justo cuando la dictadura de Alfredo ‘El Rubio’ Stroessner inicia una ofensiva moral, particularmente contra la comunidad homosexual.

El guion despliega un profundo simbolismo, posicionando el programa de radio como un microcosmos de la sociedad paraguaya. La historia de "Narciso" no solo narra el asesinato de Aranda; más bien, revela cómo los nuevos ritmos y la cultura juvenil se convirtieron en amenazas para un régimen represor. La relación entre la música y el silencio, el deseo y la censura, se explora con maestría en un ambiente lleno de sombras.

Martinessi, conocido por su aclamada película "Las Herederas", vuelve a examinar la historia de Paraguay a través de una lente crítica que invita a la reflexión sobre la lucha por la libertad en tiempos de represión. La película, que se estrena el 2 de octubre de 2026, ofrece un viaje inquietante hacia un periodo histórico que marcaría la memoria colectiva de una nación.

Con una duración de 100 minutos, "Narciso" se presenta no solo como un relato del pasado, sino como una llamada a la conciencia sobre la importancia de recordar y entender la historia para construir un futuro más libre. En medio de un panorama sombrío, la película deja entrever que el verdadero peligro para cualquier poder retrógrado radica en la creatividad, la música y la imaginación —elementos que erigen un espacio de resistencia ante la opresión. Esta exploración del cuerpo y la voz como herramientas de reclamación y libertad resulta esencial en un contexto donde el silencio a menudo es la única respuesta.

"Narciso", con su narrativa rica en simbolismo y su enfoque en los desafíos de una época convulsa, captura la esencia de una lucha por la dignidad y la expresión en un tiempo donde la opresión intentó silenciarla todo.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-02/narciso-un-tenebroso-drama-paraguayo-sobre-represion-homosexual-y-rocknroll.html

Martín Girard y su pasión futbolera

Redacción — Tue, 29 Sep 2026 17:14:48 GMT

El camino de la vida de Gonzalo Suárez, quien falleció a los 92 años, se caracterizó por su buscada evasión del tiempo y de lo mundano. Merece recordarse su peculiar estilo de vida, marcado por una pasión insaciable por el arte, el cine y, en sus inicios, el fútbol. Su afición por la velocidad y lo efímero quedó plasmada en su aprecio por "Con la muerte en los talones", su película favorita, que refleja ese mismo ímpetu de huir de lo que le rodeaba.

Nacido en un entorno de talante deportivo, Suárez tuvo vínculos familiares con el ámbito futbolístico a través de su padrastro, Helenio Herrera, icónico entrenador del FC Barcelona. Aunque su carrera como cronista deportivo lo llevó a crear una figura literaria bajo el seudónimo de Martín Girard, la vida de Gonzalo se enfocó en dos pilares: el cine y la literatura.

Su intrigante relación con el fútbol se inició en su niñez, cuando su madre lo llevó a ver al Atlético de Madrid, un momento que dejó una huella imborrable en su memoria. Años más tarde, ese amor por el fútbol, aunque en retirada, nunca desapareció del todo, y su vínculo con el cine se intensificó, convirtiéndose en uno de los referentes artísticos del país.

A medida que su vida transcurría, Suárez se adentró en el mundo del cine y la escritura, creando obras que examinan la condición humana. "La literatura es el boxeador con su sombra", solía decir, contrastando la acción de escribir entrevistas con la soledad de la creación literaria. En los últimos años, Gonzalo continuó siendo una figura relevante en el panorama cultural español, con premios que celebran su trayectoria y la influencia que ha tenido en múltiples artes.

Su conversación final sobre la naturaleza fugaz de la vida se convierte en un recordatorio para todos nosotros. La rapidez con que avanza el tiempo puede ser abrumadora, pero es a través del amor y la conexión con nuestros seres queridos que se encuentra sentido. Así, Gonzalo Suárez, siempre huyendo y buscando, se despide como un artista que ha dejado una huella inigualable en la cultura española, recordándonos que, en última instancia, lo que realmente importa es el legado que dejamos atrás.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-29/martin-girard-el-yo-futbolero-de-gonzalo-suarez.html

Resident Evil: Renace una saga olvidada

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 07:58:38 GMT

Una sala abarrotada en un lunes madrileño de finales de verano presenció la revelación de “Resident Evil”, la más reciente entrega de la icónica saga inspirada en la popular franquicia de videojuegos de Capcom. Dirigida por Zach Cregger, la película se proyecta como un reinicio total, alejándose de las seis entregas anteriores dominadas por Paul W. S. Anderson, que se enfocaron más en la acción que en el horror. Con una duración de 95 minutos, esta propuesta busca capturar la esencia del terror a través de una mezcla de risas y escalofríos.

En los primeros minutos, la historia ya atrapa al espectador con una combinación eficaz de humor y sustos. Cregger, quien hace un par de años sorprendió con su filme “Weapons”, demuestra un dominio sobresaliente del tiempo y el montaje, logrando que las carcajadas se entrelacen con los sobresaltos. La actuación del joven Austin Abrams, quien interpreta al mensajero médico, se destaca y permite a la audiencia experimentar un carrusel de emociones.

Los efectos especiales, con un costo aproximado de 70 millones de euros, rememoran grandes momentos del terror cinematográfico, evocando el estilo de clásicos como “La cosa” de John Carpenter, que tanto heló la sangre de los espectadores en su estreno en 1982. Sin embargo, “Resident Evil” no se limita a ser un homenaje a los grandes del pasado; se erige como una película de terror actual, para un público adulto que a menudo busca en el cine una forma de conectarse con su niñez, representada aquí por un héroe que lucha contra zombis mientras lidia con sus propias crisis de madurez.

La película, que se estrenó el 18 de septiembre de 2026, ha capturado la atención del público por su habilidad para mezclar el horror y la comedia de manera efectiva, un rasgo que recuerda las obras de Sam Raimi. A pesar de que los últimos veinte minutos pueden resultar menos sorprendentes, la audiencia ya había sido conquistada por la experiencia general que ofrece la película, una propuesta viva y emocionante que se siente fresca y relevante.

“Resident Evil” no solo es una secuela más, sino un intento de revivir y redescubrir lo que la saga puede ofrecer en un nuevo contexto cultural. Al abordar temas contemporáneos, como la lucha por no abandonar la infancia en el contexto de una catástrofe vírica, la película se presenta como un espejo de las tensiones que enfrentan muchos en la actualidad, lo que seguramente resonará con sus espectadores.

Esta mezcla de nostalgia y novedad asegura que "Resident Evil" encuentre su lugar como una obra destacada en el panorama del cine de terror moderno, rindiendo homenaje al legado de su predecesora mientras forja su propio camino.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-25/resident-evil-el-director-de-weapons-resucita-una-saga-muerta.html

El robador de canes: la soledad del limpiabotas

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 11:49:47 GMT

En el vibrante escenario de La Paz, Bolivia, se despliega una historia conmovedora que captura la lucha por la identidad y la búsqueda de una conexión emocional. "El ladrón de perros", la ópera prima del director chileno Vinko Tomicic, nos presenta a Martín, un adolescente huérfano cuya vida gira en torno al lustrado de zapatos. En su travesía por encontrar un sentido de pertenencia, se encuentra no solo con un perro, sino también con un vacío existencial que resuena a lo largo de la narrativa.

La interpretación del joven actor Franklin Aro Huasco otorga al personaje de Martín una profundidad que permite a los espectadores conectar con su soledad. Desde su intento de superación en la escuela hasta su relación con un sastre, cuya figura evoca la imagen de un padre que nunca tuvo, cada escena invita a reflexionar sobre la complejidad de la vida en la calle.

Las elecciones cinematográficas de Tomicic, aunque chispeantes, a veces se asientan en un terreno conocido por el cine latinoamericano, donde el miserabilismo parece dominar. Sin embargo, es en los momentos en que la historia se libera de esta fórmula convencional donde realmente brilla. A través de la exploración de la vida cotidiana que Martín anhela, ya sea en la casa que colma su deseo de familia o en el taller de sastrería donde se desata un conflicto fundamental, Tomicic crea un viaje íntimo que trasciende lo superficial.

El sastre, interpretado por Alfredo Castro, representa una figura clave en la vida de Martín, aunque su caracterización a menudo queda en la penumbra, privando al público de una comprensión más completa de su influencia en la vida del adolescente. El contraste entre la naturalidad de Huasco y la opacidad del personaje de Castro podría desentonar, lo que limita la profundización en el drama del joven limpiabotas.

Un elemento recurrente en la trama es el perro, que actúa como una metáfora de las contradicciones humanas. Al igual que en "La perra", otra notable producción chilena, el perro representa un anhelo de conexión y refugio emocional. En una de las secuencias más memorables, Martín pasea por las calles de La Paz con su nuevo compañero, vestido con un traje, símbolo de dignidad y amor que refleja lo que desea alcanzar, aunque su realidad esté marcada por la orfandad.

La película, que cuenta con una duración de 90 minutos y tiene programado su estreno para el 8 de septiembre de 2024, promete ser una exploración significativa de las emociones humanas, mientras Tomicic sigue la vida de Martín con un ojo hacia la esperanza, buscando un camino que va más allá de las adversidades. En un contexto donde el cine boliviano se enfrenta a retos y oportunidades, "El ladrón de perros" se alza como una obra que invita a la reflexión y la empatía, proponiendo una mirada fresca sobre la juventud y su lucha por el amor y la pertenencia.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-18/el-ladron-de-perros-la-orfandad-del-limpiabotas.html

El hurto de canes: la soledad del limpiabotas

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 11:49:46 GMT

En el vibrante corazón de La Paz, los limpiabotas llevan pasamontañas para ocultar su edad, una imagen poderosa que revela las dificultades y la resiliencia de quienes habitan las calles. La ópera prima del cineasta chileno Vinko Tomicic nos presenta a Martín, un adolescente huérfano que busca su lugar en el mundo lustrando zapatos. En su búsqueda de un padre, Martín se encuentra con un perro que se convierte en su compañero inseparable.

Martín, interpretado por el actor natural Franklin Aro Huasco, encarna la soledad y el vacío de su orfandad a través de un comportamiento errático. Su trayecto oscila entre la escuela, donde intenta superarse, y los lugares donde se refugia, creando un retrato conmovedor de su vida marginal. Tomicic captura la esencia de la vida callejera, si bien estas imágenes pueden parecer redundantes en un cine latinoamericano que a menudo aborda el miserabilismo.

El filme gana profundidad cuando se aparta de estos clichés, explorando la vida doméstica que se escapa de Martín. El contraste entre los espacios cerrados de las casas, la sastrería y las antiguas calles de La Paz pinta un cuadro de anhelos y secretos. A través de esta exploración, el espectador descubre la búsqueda de conexión del protagonista. Sin embargo, la caracterización del sastre, interpretada por Alfredo Castro, no logra equilibrar el naturalismo de Martín. La falta de contexto sobre su vida limita la comprensión del drama que enfrenta el joven limpiabotas.

La figura del perro en la narrativa actúa como una metáfora de las paradojas humanas. En una secuencia especialmente hermosa, Martín se pasea por las calles con su compañero canino, vestido para la ocasión. Este momento encapsula la dignidad y el amor que el perro representa, un breve respiro a su orfandad y un reflejo de lo que anhela alcanzar.

Con una duración de 90 minutos, el filme está programado para su estreno el 8 de septiembre de 2024. Mientras se ha presentado en festivales y ha sido galardonado en los premios Platino y el festival de Málaga, "El ladrón de perros" promete ser una adición significativa al panorama del cine boliviano y una reflexión conmovedora sobre la soledad y la búsqueda de pertenencia en un mundo desafiante.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-18/el-ladron-de-perros-la-orfandad-del-limpiabotas.html

Woody Allen inicia filmación en Madrid

Redacción — Mon, 14 Sep 2026 12:45:27 GMT

Woody Allen, el renombrado director neoyorquino, comenzará a rodar su nueva película el próximo 5 de octubre en diversas localizaciones de Madrid, incluyendo el icónico centro de la ciudad y Aranjuez, al sur de la comunidad. Este nuevo proyecto cinematográfico, que aún no tiene un título definitivo y opera bajo el nombre provisional de "Wasp 2026", cuenta con un elenco que incluye a actores de renombre como Alexi Wasser, Jemima Kirke, Peter Vives, Marton Csokas y Jakob Oftebro.

La película será presentada ante la prensa el 1 de octubre en la Real Academia de Bellas Artes, y se espera que sea exhibida en un festival internacional, además de un estreno mundial en varias ciudades. Este filme marcará la 51ª obra escrita y dirigida por Allen, quien es conocido por su capacidad de capturar la esencia de distintas ciudades del mundo en sus narrativas cinematográficas, habiendo trabajado en lugares como Nueva York, Roma y París.

En un esfuerzo por promover Madrid como un destino turístico de cine, el Gobierno de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Isabel Díaz Ayuso, ha decidido patrocinar este proyecto con la suma de 1,5 millones de euros. Este acuerdo fue oficializado mediante un contrato publicado en el portal de contratación pública de la CAM el 24 de octubre de 2025, y los pagos se dividirán en tres partes: 150,000 euros este 2025, 600,000 en 2026 y 750,000 en 2027. El contrato estipula un plazo de 26 meses para la realización del filme, que deberá culminar antes del 31 de diciembre de 2027.

El Ayuntamiento de Madrid también apoya esta iniciativa, contribuyendo con fondos que elevan el total a tres millones de euros. Ambas administraciones esperan que esta colaboración ayude a fomentar el turismo cinematográfico, atrayendo a visitantes interesados en recorrer las localizaciones que aparecerán en la película.

Woody Allen, considerado uno de los cineastas más influyentes del panorama cinematográfico contemporáneo, ha dirigido 50 películas aclamadas, con su último trabajo, "Golpe de suerte", estrenado en 2023 en el Festival de Venecia. Su capacidad para retratar la vida urbana y los matices culturales ha dejado una huella indeleble en la historia del cine, y su nueva obra promete seguir esa tradición, esta vez con el telón de fondo de una Madrid en constante transformación.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-14/woody-allen-comienza-a-rodar-su-nueva-pelicula-en-madrid-el-5-de-octubre.html

Rob Reiner recibe Emmy póstumo por 'The Bear'

Redacción — Mon, 07 Sep 2026 10:02:11 GMT

El cineasta Rob Reiner, reconocido por su destacado trabajo en el cine y la televisión, ha sido galardonado póstumamente con un premio Emmy por su brillante actuación como estrella invitada en la serie The Bear. Este premio, que honra lo mejor de la televisión estadounidense, fue entregado el 6 de septiembre de 2026, casi nueve meses después del trágico fallecimiento de Reiner y su esposa, Michele Singer, quienes fueron encontrados muertos en su hogar en Los Ángeles el 14 de diciembre de 2025.

La noticia del Emmy llega en un contexto sombrío, ya que Nick Reiner, uno de los hijos del cineasta, ha sido acusado de asesinar a sus padres, enfrentando dos cargos de homicidio, de los cuales se ha declarado no culpable. Hasta la fecha, permanece a la espera del avance de su juicio.

Rob Reiner, quien nació en 1947 y falleció en 2025, tuvo una carrera prolífica en Hollywood, con una filmografía que incluye 23 largometrajes y más de 100 producciones como actor. Su actuación en la serie All in the Family le valió dos premios Emmy entre 1975 y 1978, y su trabajo en The Bear le otorgó su tercer Emmy, el cual será recordado como un ícono en su trayectoria.

Entre sus obras más queridas se encuentra la célebre comedia romántica Cuando Harry encontró a Sally, que sigue siendo un referente en el género. Además, su colaboración con el joven River Phoenix en Cuenta conmigo (1986) lo consolidó como un director de talento, destacando su capacidad para adaptar las historias de Stephen King al cine con obras memorables como Misery (1990) y Algunos hombres buenos (1992), este último un drama militar que reunió a figuras como Jack Nicholson y Tom Cruise.

Los premios Emmy son organizados anualmente por la Academia de Televisión de Estados Unidos, y la edición número 78 está programada para celebrarse el 14 de septiembre de 2026, en el Teatro Peacock de Los Ángeles. En The Bear, Reiner tuvo la oportunidad de brillar en tres episodios de la cuarta temporada, donde interpretó a un consultor encargado de ayudar a expandir un negocio de emparedados.

Este Emmy no solo reconoce su talento, sino también el impacto duradero que su trabajo ha tenido en la industria del entretenimiento. Su legado como artista y director continuará siendo recordado por generaciones futuras, subrayando la importancia de su contribución al cine y la televisión en América.

elpais.com: https://elpais.com/television/series/2026-09-07/el-cineasta-rob-reiner-recibe-un-emmy-postumo-por-la-serie-the-bear.html

Tadeo Jones y la lámpara mágica

Redacción — Wed, 26 Aug 2026 11:04:05 GMT

Desde su primer cortometraje nominado a un Goya en 2004, Enrique Gato ha recorrido un exitoso camino en el mundo de la animación, siendo el creador de Tadeo Jones. Con más de dos décadas contando historias a través de dibujos animados, Gato ha dirigido hasta la fecha cuatro películas que han consolidado a este personaje en el imaginario de numerosas generaciones de niños. La taquilla respalda esta popularidad, con cifras destacadas como los 2,7 millones de espectadores de Las aventuras de Tadeo Jones (2012), los 3,2 millones de Tadeo Jones 2: el secreto del rey Midas (2017) y cerca de dos millones con Tadeo Jones 3: la tabla esmeralda (2022).

A pesar de ciertas críticas a lo largo de los años, que apuntan a un uso excesivo de referencias culturales o humor en el guión, el avance en la calidad técnica y artística de estas producciones ha sido notable. La animación española ha dado un salto cualitativo, y Gato continúa en su búsqueda de un nuevo éxito con Tadeo Jones y la lámpara maravillosa, prevista para estrenarse el 26 de agosto de 2026.

Los guionistas Manuel Matji, José Ángel Esteban y Carlos López fueron fundamentales en la creación de este personaje, aunque con el tiempo otros nombres como Jordi Gasull, Josep Gatell y Manuel Burque asumieron roles destacados en el desarrollo del guión. En particular, en la última entrega, se ha notado un esfuerzo por equilibrar la comedia familiar y la aventura clásica.

La evolución de la animación se ha visto reflejada en el diseño de personajes, la iluminación y el uso del color. La reciente película, que se ambienta en lugares como Londres y Atenas, promete un ritmo dinámico y una dirección lograda, ofreciendo un viaje que mezcla cultura, arte e historia de la humanidad.

Sin embargo, a pesar de su atractivo visual, algunos guionistas no lograron equilibrar del todo el humor. En ciertas escenas, la acumulación de chistes puede resultar sobrecargada y restar efectividad al guion. Esto es evidenciado por el personaje de Momia, que, intentando ser cómico, podría caer en la saturación y descontrol, restándole fuerza a su papel.

Por otra parte, el diseño atractivo de la hija de los protagonistas y elementos del guion, como las onomatopeyas al estilo de minions, añaden un toque encantador. El desenlace de esta nueva aventura de Tadeo promete ser emocionalmente satisfactorio, dejando a los espectadores con un buen sabor de boca. En definitiva, Tadeo Jones sigue en su camino hacia nuevas aventuras, manteniendo su relevancia en la comunidad infantil.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-08-26/tadeo-jones-y-la-lampara-maravillosa-buenas-aventuras-culturales-con-un-desequilibrio-comico.html

Ridley Scott, cineastas brillantes a los 88

Redacción — Wed, 26 Aug 2026 09:53:56 GMT

Ridley Scott ha dejado una huella indeleble en el mundo del cine, con un inicio de carrera marcado por películas icónicas como Los duelistas (1977), Alien, el octavo pasajero (1979) y Blade Runner (1982). Desde entonces, han pasado casi 50 años, y a sus 88 años, el cineasta británico sigue activo, habiendo lanzado cinco producciones en los últimos seis años, demostrando que, aunque no todas han sido aclamadas, cada una tiene su relevancia.

Su más reciente trabajo, titulado La constelación del perro, adapta la novela homónima de Peter Heller. Esta historia, ambientada en una distopía posapocalíptica cercana en el tiempo, nos transporta a una sombría realidad alrededor de la década de 2030. A pesar de la recurrencia de temas similares en el cine y la televisión, la película ofrece un enfoque de narración que, aunque no necesariamente innovador, proporciona momentos de contemplación y conexión emocional en un mundo devastado por una pandemía.

El filme se centra en los conceptos de hogar y comunidad, valores que parecen estar cada vez más en desuso. Esta narrativa se enriquece con una selección de canciones country, que refuerzan sus temas conservadores mientras presenta un ambiente de soledad y escasez de supervivientes. La película se siente cercana a otros clásicos como El último hombre vivo y su remake, Soy leyenda, pero pronto evoluciona hacia una épica narrativa, reminiscentes de las antiguas leyendas griegas, donde el protagonista emprende un viaje lleno de pruebas y encuentros significativos, en este caso, a bordo de una avioneta.

Scott mantiene un estilo de dirección sólido, aunque a menudo evita recursos clásicos que podrían elevar su obra. Sin embargo, su habilidad para contar historias persiste; emplea elipsis mínimas y flashbacks que aportan una profundidad interesante al relato. Esto, combinado con un reparto carismático liderado por Jacob Elordi, ayuda a dar vida a la historia en un contexto de revitalización personal y comunitaria tras una catástrofe viral.

A la luz de su trayectoria y la esencia de la novela de Heller, la película ofrece un análisis crítico sobre un planeta en el que los que sobreviven son aquellos conectados con habilidades manuales, mientras que el valor del dinero ha perdido todo sentido. La narrativa explora la división entre distintos grupos de sobrevivientes, desde salvajes de las carreteras hasta comunidades religiosas, brindando una reflexión sobre la naturaleza humana en tiempos de crisis.

Con la expectativa de que Scott continúe produciendo películas, poco se espera ya que alcance las cotas de excelencia de sus primeros años. Sin embargo, su contribución al cine, incluso a un ritmo de rodaje que genera debate, merece ser reconocida y apreciada. A pesar de que La constelación del perro puede no alcanzar la grandeza de su obra maestra, su capacidad de entretener y conectar con el público es un testamento a su legado, recordándonos que no siempre es necesario que una película sea extraordinaria para ser valiosa.

La constelación del perro

Dirección: Ridley Scott.

Intérpretes: Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Guy Pearce.

Género: Ciencia ficción. EE. UU., 2026.

Duración: 118 minutos.

Estreno: 26 de agosto.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-08-26/la-constelacion-del-perro-ridley-scott-sigue-haciendo-buenas-peliculas-con-88-anos.html

Brad Pitt vuelve al festival de San Sebastián con 'Heart of the Beast'

Redacción — Mon, 24 Aug 2026 14:00:03 GMT

Brad Pitt regresará al festival de San Sebastián, uno de los eventos cinematográficos más emblemáticos de España, para la proyección de Heart of the Beast (En el corazón de la bestia), dirigida por David Ayer. Esta película, que no competirá por los premios, se presentará como parte de la 74ª edición del festival, que se llevará a cabo del 18 al 26 de septiembre. Con la adición de este título a la programación, el festival contará con un total de 17 películas en competición, tres fuera de concurso y cinco proyecciones especiales, según informaron los organizadores.

La última ocasión en que Pitt asistió a este prestigioso festival fue en 2009, cuando presentó Inglourious Basterds (Malditos bastardos) acompañado por su director, Quentin Tarantino, en la sección Perlak.

En Heart of the Beast, Brad Pitt, de 62 años y originario de Oklahoma, interpreta a un oficial retirado de las Fuerzas Especiales del Ejército. La trama sigue su lucha y la de su perro de combate por sobrevivir en la inhóspita naturaleza de Alaska tras un trágico accidente aéreo. La película explora temas como la lealtad, el coraje y el vínculo indestructible entre un soldado y su compañero más fiel en su enfrentamiento con la adversidad.

David Ayer, conocido por su trabajo en el género de thriller, firma la dirección de este filme. Ha construido su carrera con una serie de producciones aclamadas, como Sin Tregua (2012) y Corazones de acero (2014), donde también colaboró con Pitt. Ayer, que comenzó su carrera como director en 2005, ha sido responsable de narrativas electrizantes y con un enfoque realista, consolidándose como una figura clave en el cine contemporáneo.

Es importante mencionar que este drama de aventuras cuenta también con un sólido elenco que incluye a J. K. Simmons y Anna Lambe, y está producida por Pitt junto a Olivia Hamilton, Marty Bowen y el propio Ayer. Además, el reconocido Damien Chazelle figura como productor ejecutivo, destacándose por ser el ganador más joven del Oscar a la mejor dirección por La La Land (2016).

Con el regreso de Brad Pitt al festival de San Sebastián, los aficionados al cine pueden anticipar una experiencia cinematográfica única que explorará profundas temáticas humanas, mientras celebran el esperado encuentro entre el actor y su audiencia tras varios años de ausencia.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-08-24/brad-pitt-regresa-al-festival-de-san-sebastian-para-la-proyeccion-fuera-de-concurso-de-heart-of-the-beast.html

Medio siglo de '¿Quién puede matar a un niño?': el renacer del horror en España

Redacción — Mon, 17 Aug 2026 07:34:54 GMT

Vivimos un notable auge en el cine de terror, un fenómeno que parece ofrecer una válvula de escape ante la ansiedad general del mundo actual. Este resurgimiento recuerda tiempos pasados en España, específicamente en los años que rodearon la muerte de Francisco Franco en 1975. Durante este período, obras como ¿Quién puede matar a un niño?, dirigida por Narciso Ibáñez Serrador, emergieron como reflejos inquietantes de la realidad política y social. Este año, la película celebra su 50 aniversario.

Ubicada entre el final del tardofranquismo y el inicio de la Transición, el film aborda temáticas profundamente arraigadas en la tradición española y el clima asfixiante de la época. Guillermo González Hernández, autor de un estudio reciente sobre la obra, la describe como una alegoría del terror franquista. "Ibáñez Serrador al abordar el miedo lo hace de una forma que resulta sorprendente: lo lleva a un entorno doméstico", destaca González. Rodada en ubicaciones reconocibles de España —como Ciruelos, Sitges, y Menorca—, la película subraya la inquietante dualidad de la vida cotidiana y el terror. Un espectador recuerda cómo su padre, al verla, expresó: “¡Ese puede ser mi pueblo!”.

Estrenada en 1976, la trama sigue a Tom y su esposa Evelyn, quienes, en busca de tranquilidad durante sus vacaciones en la costa española, descubren una serie de sucesos perturbadores en una isla cercana. La música de Waldo de los Ríos acompaña la narrativa, desde el ambiente idílico de un pueblo costero hasta la escalofriante transformación de ese mismo entorno. Aunque la película tuvo críticas mixtas en España, su éxito en Italia fue notable, superando incluso a Tiburón de Steven Spielberg en taquilla. Esta contrastante recepción refleja las tensiones entre la imagen idealizada de la España turística y la dura realidad social del país.

El film es considerado parte de un mayor movimiento en el cine español durante aquellos años, un periodo denotado por un aumento en las películas de terror que se atrevían a explorar temas más oscuros. Según Desirée de Fez, crítica de cine, este período vio la explosión de un subgénero que abordaba la violencia y el sexo, representando la frustración y deseo de liberación de una sociedad que había estado bajo la represión franquista. La década de 1970 fue clave, con cerca de 200 películas de terror producidas en España, muchas de ellas bajo la firma de Profilmes, conocida como la "Hammer española". Este estudio y producción marcó un hito en el cine de terror, donde la vulnerabilidad y la violencia se entrelazaban de manera provocativa.

Intérpretes icónicos como Paul Naschy, Carmen Sevilla o Klaus Kinski aparecieron en estas producciones, contribuyendo a crear un cóctel de horror y seducción que resonó con el público. Se dio nacimiento al fenómeno del "fantaterror", una mezcla audaz de horror y comedia que exploraba las entornos sociales y políticas de la época. Algunos críticos ven obras como La noche de Walpurgis y Una vela para el diablo como reflejos del autoritarismo y el miedo intrínseco a la libertad, mientras que el papel de las mujeres en estas narrativas se ve moldeado por una cultura machista en crisis.

El trabajo de cineastas como Eloy de la Iglesia y su exploración de temas de represión y moralidad en títulos como Nadie oyó gritar también revelan la complejidad de la sociedad española tardofranquista, mostrando el miedo y la violencia que bullían bajo la superficie.

Así, el cine de terror en España no solo ha sido un entretenimiento, sino un espejo crítico de una sociedad en transformación. A medida que nuestros miedos y ansiedades evolucionan, el cine continúa jugando un papel vital en el procesamiento de estos sentimientos, haciendo que la experiencia del terror sea a la vez aterradora y cathártica en tiempos de cambio. La conexión entre el pasado y el presente resuena a través de las pantallas, invitando al espectador a profundizar en la historia que forma nuestro imaginario colectivo.

(Actualización: Esto corresponde a datos hasta 2026-08-16).

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-08-17/50-anos-de-quien-puede-matar-a-un-nino-el-otro-bum-del-cine-de-terror-en-espana.html

Amor eterno: desamor y absurdo isleño

Redacción — Fri, 07 Aug 2026 06:50:56 GMT

En el panorama del cine contemporáneo, pocos directores han logrado captar la esencia de la vida con tanta profundidad como Hlynur Pálmason. Este talentoso cineasta islandés ha vuelto a cautivar al público español con su último filme, El amor que permanece, presentado en la sección Cannes Première y estrenado el 7 de agosto de 2025. Esta obra surge como una pieza más en su trayectoria marcada por obras destacadas como Un blanco, blanco día (2019) y Godland (2022).

Pálmason es conocido por su habilidad para desafiar las convenciones del cine, manifestando en su filmografía una conexión íntima con los paisajes de Islandia, a la vez que se aventuran en narrativas surrealistas. En Godland, estrenada en agosto de 2023, los espectadores se embarcaron en una odisea religiosa que explora la relación entre el ser humano y la Tierra, todo ello enmarcado en la inhóspita belleza de paisajes islandeses del siglo XIX. Con un enfoque visual distintivo, Pálmason presenta sus historias a través de un formato cuadrado 1.33:1, que encierra a los personajes en un espacio limitado, amplificado por el vasto entorno natural que los rodea.

En contraste, El amor que permanece aborda de manera contemporánea temas de deseo, especialmente desde una perspectiva femenina. La protagonista, una artista que lucha por cerrar un capítulo en su vida, navega a través de las complejidades de una separación. Esta película refleja no solo el desafío cotidiano de la vida en pareja, sino que también explora el impacto del contexto social y genético sobre las relaciones. Pálmason, fiel a su estilo, entrelaza elementos de la naturaleza y del arte; la artista del filme utiliza materiales como hierro oxidado, fusionando su obra con la esencia del entorno.

Los temas recurrentes en su cine, como el combate entre la naturaleza y el ser humano, emergen tanto en lo físico como en lo metafórico. Elementos visuales, como la inquietante presencia de un gallo simbolizando el hombre que se resiste a aceptar la pérdida, encuentran su lugar dentro de la narrativa. Sin embargo, lo que distingue a El amor que permanece es su enfoque en el humor negro y el surrealismo, características que hacen que el relato se torne a la vez atractivo y provocador.

La película deslumbra con imágenes impactantes, como la contemplativa escena de un hombre observando a una mujer, que combina una paz melancólica con una pulsión sexual, evocando una amplia gama de emociones. La obra se acompaña de una inusual banda sonora de piano con matices jazzísticos que complementa la exploración de la desesperanza en el amor.

A través de los interludios de la vida cotidiana, la creación artística y la interacción humana, Hlynur Pálmason continúa estableciendo su singularidad en el mundo del cine. El amor que permanece no solo es un reflejo sobre la separación y el deseo, sino una invitación a reflexionar sobre la vida misma, logrando un equilibrio entre la tragedia y la comedia. Con una duración de 109 minutos, esta película se perfila como una experiencia cinematográfica que, aunque se enmarca en el desamor, ofrece también un resquicio de frescura y originalidad en cada fotograma.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-08-07/el-amor-que-permanece-etnografia-desamor-y-brillante-absurdo-en-la-islandia-de-palmason.html