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Siempre buscando crecer y dejar huella

Redacción — Sun, 11 Oct 2026 07:58:05 GMT

A pesar de haber perdido casi todos sus ahorros en la estafa de Bernie Madoff, Kevin Bacon y Kyra Sedgwick, quienes han estado juntos durante 38 años, han mantenido su hogar en Nueva York y una granja en Connecticut, donde lidiaron con el confinamiento de la pandemia. Durante ese tiempo, la familia unió esfuerzos para dar vida a “Family Movie”, un proyecto cinematográfico que los involucró a ellos y a sus hijos, Travis y Sosie Bacon.

“Family Movie” se presenta como una comedia de terror que homenajea el amor por el cine y la tenacidad de quienes lo producen sin esperar recompensas económicas. El filme, que busca la esencia de hacer cine por el mero placer de crear, tuvo su estreno europeo en el Festival de Sitges, donde Bacon y Sedgwick fueron recibidos como auténticas estrellas. La historia sigue a un director de películas de serie Z, interpretado por Bacon, quien lucha por financiar su último film, rodado en su propia casa. Su esposa, interpretada por Sedgwick, y sus hijos encarnan a personajes que enfrentan las frustraciones y ambiciones en un entorno familiar cargado de humor oscuro.

Con una carrera cinematográfica que abarca más de tres décadas, Kevin Bacon ha asumido diversos roles, desde protagonista en exitosas películas hasta director. Durante su trayecto, ha buscado proyectos que lo desafíen artísticamente, alejándose de los grandes presupuestos para centrarse en historias que lo inspiren. Como él mismo ha dicho, aún siente la misma pasión que a los 18 años por crecer y superarse en su trabajo.

El actor ha aprendido a lidiar con la fama y ha optado por ignorar las críticas sobre su trabajo, buscando en cambio un proceso creativo que impulse su crecimiento personal y profesional. Su relación con Kyra Sedgwick ha sido un pilar fundamental en su vida, abordando la profesión con autenticidad y sin dejarse llevar por el ruido de la industria.

En ocasiones, comparte con entusiasmo anécdotas sobre su experiencia en salas de cine, defendiendo la importancia de la experiencia colectiva de ver películas en grupo. Asegura que ningún hogar puede replicar el ambiente de una sala oscura donde se comparte el arte del cine. Esta visión resuena igualmente en su nuevo proyecto, donde la familia se convierte en el eje central, reflexionando sobre la conexión y las relaciones en el contexto de la industria cinematográfica.

Con la mirada puesta hacia el futuro, ambos artistas continúan innovando y apoyándose mutuamente, sin dejar de lado el placentero recuerdo de cuando se conocieron, un amor que germinó en el set de “Lemon Sky” en 1988. Un viaje que no solo abarca su vida personal, sino también su complicada y rica trayectoria en la cinematografía.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-11/kevin-bacon-sigo-pensando-al-100-en-mejorar-trascender-y-hacer-algo-impactante.html

Florence Pugh y Finn Cole en alfombra roja

Redacción — Sat, 10 Oct 2026 23:49:19 GMT

En el fascinante mundo de la moda, la reciente aparición de Florence Pugh y Finn Cole en la alfombra roja destacó por su diversidad estilística, reflejando de manera clara dos visiones complementarias sobre cómo abordar el vestuario en eventos de alto perfil.

Florence Pugh ha continuado su exploración hacia una estética más suave y etérea, tema recurrente en su reciente promoción de East of Eden. Su elección de atuendos, que incluyen siluetas diáfanas y bodices escultóricos, ha sido realzada por el toque romántico aportado por diseñadores como Rodarte, Patrick McDowell y Vivienne Westwood. Estos elementos, aunque delicados, se combinan con elecciones de belleza un tanto rebeldes, lo que se ha convertido en una firma personal de la actriz.

Por otro lado, Finn Cole se ha mantenido fiel a un estilo más clásico, centrado en el sutil arte del sastrería oscura. Su atuendo, una elegante chaqueta de doble botonadura en tono marrón chocolate de Brioni, complementada con una camisa de algodón a rayas y una corbata de lana y seda, demuestra un enfoque meticuloso y considerado. Los detalles como un reloj Cartier, un clip de corbata de su propia colección y unos zapatos de borlas Grenson, combinados con calcetines blancos, añaden un aire de sofisticación a su conjunto.

El contraste entre las elecciones de Pugh y Cole no solo ilustra sus distintas aproximaciones a la moda, sino que también crea una asociación visual intrigante en la que la creatividad y la tradición se entrelazan. Mientras Pugh sigue la senda del romance y los adornos, Cole opta por líneas limpias y códigos clásicos del vestuario masculino. Esta colaboración estilística da lugar a un diálogo entre lo audaz y lo atemporal, dejando a los espectadores con expectativas sobre futuras apariciones conjuntas en la alfombra roja.

El análisis de su vestimenta actual, aunque se basa en información de una fecha específica de publicación (10 de octubre de 2026), invita a la reflexión sobre cómo cada uno sigue evolucionando dentro del panorama fashionista actual. La expectativa es que su evolución en el estilo continúe sorprendiendo e inspirando a las audiencias en el futuro.

vogue.com: https://www.vogue.com/article/florence-pugh-and-finn-cole-go-red-carpet-official

Responsabilidad colectiva ante la violencia

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 16:27:44 GMT

Carlota Pereda, cineasta madrileña de 51 años, se ha convertido en una figura pionera en el panorama cinematográfico español. En 2019, hizo historia al ganar el Goya al Mejor Cortometraje de Ficción por su aclamado filme de terror Cerdita. Este cortometraje no solo captó la atención del público, sino que también la catapultó a la escena internacional. Cuando Cerdita se transformó en un largometraje, Pereda se convirtió en la primera mujer nominada al Goya a la Dirección Novel por una película de terror en la edición de 2022.

El reciente primer largo de Pereda en inglés, Found Alive, ha añadido otro hito a su carrera: este filme inauguró el prestigioso Festival de Sitges, el evento más relevante a nivel mundial en los géneros de terror y fantástico. Durante la presentación, Pereda comentó con humor: “Sí, demasiadas veces he sido la primera”.

Found Alive, un thriller basado en la novela The Edge of Normal de Carla Norton, sigue la historia de una joven, interpretada por Chloë Grace Moretz, que fue secuestrada por un psicópata y, tras una década de traumatización, se enfrenta a su pasado. La narrativa se centra en su proactividad, alejándose de la típica representación de víctimas, algo que Pereda aborda con una renovada sensibilidad. “No le van a resolver sus problemas”, enfatiza Pereda sobre la protagonista, a quien desea proyectar como un símbolo de resiliencia.

La elección de Moretz no fue casual; la cineasta la tenía en mente desde el principio, admirando su capacidad actoral demostrada en películas como La (des)educación de Cameron Post. La colaboración creativa entre ambas fue fundamental para dar vida a un personaje complejo y empoderado.

Pereda explora la violencia que permea la sociedad a través de su narrativa, y su enfoque en la empatía como motor de la historia brinda una perspectiva inusual en el género. En su búsqueda de una representación más auténtica, ha optado por un enfoque que resalta no solo el sufrimiento, sino también la luz y la humanidad de las víctimas. “No existe ni la víctima perfecta ni la mujer perfecta”, sostiene, desafiando los estereotipos generalmente impuestos por la industria.

Al rodar en Estados Unidos, Pereda se sintió respaldada por un elenco dispuesto a participar no solo por motivos económicos, sino también por la confianza en su visión. Este ambiente de colaboración creativa recuerda sus inicios y refuerza su compromiso con narrativas que desafían las estructuras convencionales del horror.

La inauguración de su filme en Sitges resalta la necesidad de visibilizar el trabajo de mujeres cineastas en un ámbito que ha sido históricamente dominado por hombres. Pereda expresa su esperanza de que, en el futuro, se mantengan las historias y las voces que son reflejos de una diversidad enriquecedora. "Ojalá logremos no perder esas historias ni esos puntos de vista", concluye, dejando claro que hay un camino por recorrer en la búsqueda de equidad en la industria del cine.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-09/carlota-pereda-directora-de-cine-que-inaugura-sitges-es-muy-facil-echarle-la-culpa-a-una-persona-para-no-ver-que-la-violencia-ha-permeado-la-sociedad.html

Su infierno personal: Refn se pierde

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 06:59:45 GMT

El renombrado director danés Nicolas Winding Refn, conocido por su impactante trabajo en el cine contemporáneo, parece estar enfrentando un momento crítico en su carrera. Desde que alcanzó el reconocimiento mundial con Drive en 2011, una obra maestra del neonoir, ha ido evolucionando hacia una narrativa más centrada en la estética que en el contenido. Sin embargo, su más reciente película, Su propio infierno, que se estrenó fuera de competencia en el Festival de Cannes, ha sido objeto de fuertes críticas que cuestionan tanto su dirección como la narrativa misma.

En su trayectoria cinematográfica, Winding Refn ha oscilado entre momentos de genio y excentricidades que, si bien pueden ser esperables en su estilo, han llevado a algunos críticos a clasificar sus obras más recientes como cada vez más vacías. Solo Dios perdona (2013), por ejemplo, fue visto como una continuación de esta deriva, aunque no todos los críticos coincidieron en su valoración. La llegada de The Neon Demon (2016) marcó un punto bajo, y ahora con Su propio infierno, se intensifican las preocupaciones sobre el enfoque narcisista y la falta de sustancia en su trabajo.

Analizando la obra más reciente, se observa que, a pesar de sus pretensiones de amalgamar diversos géneros como el drama, thriller y terror, la película parece carecer de un enfoque claro. Se mencionan temas complejos, como la relación entre padres e hijas y la crítica a la superficialidad de la cultura influencer, pero estos elementos son manejados de manera tan vaga que resultan confusos. La representación visual, que intenta evocar una estética similar a la de Blade Runner, resulta superficial, con un uso de colores que más que cautivar, desvirtúa el propósito de la narrativa.

El diseño de producción ha sido descrito como ineficaz, y los diálogos, en su intento por ser poéticos, solo logran crear una sensación de pretensión. En este contexto, se pueden encontrar influencias de cineastas como David Lynch, junto con referencias a clásicos de cuentos, pero todas ellas se entrelazan de tal manera que terminan convirtiéndose en un galimatías que pocos pueden seguir.

Con un elenco que incluye a Sophie Thatcher y Charles Melton, Su propio infierno presenta una duración de 107 minutos. La película, que debió estrenarse en cines el 9 de octubre, ha suscitado una serie de reacciones adversas, advirtiendo que, más allá de atraer a los incondicionales del director, podría desinteresar incluso a los más apasionados del cine de autor.

En resumen, mientras Nicolas Winding Refn sigue explorando su visión única, la pregunta que muchos se plantean es si logrará recuperar su capacidad de contar historias que resuenen con el público, o si este nuevo capítulo se convertirá en un hito de desconexión en su carrera. La evolución de su estilo promete ser un tema de interés en los años venideros.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-09/su-propio-infierno-nicolas-winding-refn-derrapa-en-su-ombligo.html

Hormigas a ciegas: la novela olvidada

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 05:10:41 GMT

Las adaptaciones cinematográficas de novelas consideradas míticas suelen enfrentar retos significativos, más aún cuando estas obras trascienden su narrativa para encarnar un tiempo y un lugar concretos. Este es el caso de "Las ciegas hormigas", la obra debut de Ramiro Pinilla, galardonada con el premio Nadal en 1960. Desde su publicación, la novela ha sido comparada con las obras de William Faulkner, especialmente con "Mientras agonizo", debido a su representación del microcosmos de Getxo, en el País Vasco, un lugar que simboliza la esencia de su entorno, de manera similar a lo que hace Yoknapatawpha en la obra de Faulkner, que refleja la decadencia del sur estadounidense.

Las adaptaciones de novelas que han alcanzado la categoría de mitos a menudo no logran capturar la complejidad y el trasfondo emocional que sus escritos originales transmiten. Ejemplos notables incluyen "Cien años de soledad", donde la singularidad del Macondo y su protagonista, José Arcadio Buendía, se ven diluidos en intentos de representación en pantalla. El cineasta Igor Legarreta, en su reciente adaptación de "Las ciegas hormigas", enfrenta un desafío similar. Aunque su película se filmó casi en su totalidad en euskera, muchos críticos han argumentado que la interpretación de la novela es superficial y carece de la profundidad que caracteriza la obra de Pinilla.

La novela, aunque no establece un tiempo específico para su narrativa, frecuentemente se relaciona con la posguerra civil española y el contexto del franquismo. Sin embargo, Pinilla se inspiró en un evento de 1929, cuando un barco inglés encalló en las costas de Getxo, lo que lo llevó a imaginar un contexto de pobrezas y desafíos ante la represión de las autoridades. Legarreta, en su adaptación, elige situar la historia en 1930, marcando el final de la dictadura de Miguel Primo de Rivera.

Uno de los obstáculos en la adaptación es la perspectiva narrativa que Pinilla emplea en su novela. Esta presenta múltiples voces, destacando principalmente la de un hijo que observa el pasado desde un futuro incierto, mientras los otros personajes expresan sus pensamientos a través de monólogos internos. Lamentablemente, esta complejidad se pierde en la película, que adopta un enfoque más lineal y simplificado.

A pesar de la notoria dirección artística, la película sufre de un aura académica que le resta dinamismo. La iluminación, aunque estéticamente cuidada, provoca que los escenarios interiores se sientan uniformes, limitando la diversidad visual que las complejidades de la narrativa original podrían ofrecer. Además, el actor Urko Olazabal, encargado de interpretar a Sabas, no logra transmitir la magnitud del carácter heroico y trágico del personaje, como lo establece la novela.

La secuencia que retrata el encallamiento del barco es uno de los elementos que se resuelven con mayor acierto, a pesar de las limitaciones de presupuesto. Sin embargo, la trama central, que abarca la lucha por la supervivencia a través de la recolección de carbón y los traumas familiares, se presenta como insustancial y carente de la intensidad emocional que caracteriza la obra de Pinilla.

El filme de Legarreta, aunque intenta reflejar los eventos de la novela, se queda corto en términos de magnitud y contenido, lo que podría decepcionar tanto a los lectores de Pinilla como a los nuevos espectadores. En última instancia, "Las ciegas hormigas", en su versión cinematográfica, representa un esfuerzo que, a pesar de su potencial, apenas roza la superficie de la rica narrativa original.

La adaptación de "Las ciegas hormigas" fue dirigida por Igor Legarreta y cuenta con la actuación de Urko Olazabal, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea y Carlos Santos. El filme, un drama español de 101 minutos, se estrena el 9 de octubre de 2026.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-09/las-ciegas-hormigas-la-descarnada-novela-de-ramiro-pinilla-no-trasciende-en-imagenes.html

Película musical basada en La Oreja de Van Gogh

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 08:07:34 GMT

Las icónicas melodías de La Oreja de Van Gogh pronto encontrarán un nuevo hogar en la gran pantalla con el ambicioso proyecto cinematográfico titulado Puedes contar conmigo, que actualmente se encuentra en fase de preproducción. Este innovador musical surgirá de un acuerdo entre la célebre banda donostiarra y un equipo de productores compuesto por Beltrán Gortázar, Domingo Corral y Gonzalo Salazar-Simpson.

Fernando González Molina será el encargado de la dirección, contribuyendo también a la escritura del guion junto a Miguel López Martínez. La trama del filme se desarrollará a través del rico repertorio musical de la banda, prometiendo ofrecer una narrativa original que resonará entre los fanáticos de sus canciones. Corral destacó la singularidad de este proyecto al afirmar que “las canciones de la banda son parte de la memoria emocional de España”, lo que añade una capa de significado a la producción.

Los miembros de La Oreja de Van Gogh expresaron su entusiasmo por ver sus composiciones cobrar vida en un formato cinematográfico. “Siempre hemos contado historias a través de nuestra música”, afirmaron, añadiendo que la película representará una hermosa celebración de la conexión con su público. Este 2026 ha sido un año significativo para la banda, que marcó el regreso a sus giras con la voz de su cantante original, Amaia Montero, tras un periodo de cambios.

Con González Molina al timón, conocido por sus exitosas obras como Palmeras en la nieve y Tres metros sobre el cielo, el director se enfrenta al desafío de trasladar la esencia de La Oreja a un formato visual impactante. “Deseo crear un evento cinematográfico que emocione al público como lo han hecho nuestras canciones durante décadas”, comentó. Este proyecto, dirigido con ambición, busca rendir homenaje tanto a la música de la banda como a la experiencia romántica del cine musical.

Los productores también están comprometidos con hacer de esta película un evento significativo, de la misma manera que grandes títulos como La La Land han logrado en el pasado. Aunque aún no se han definido aspectos como el presupuesto, el reparto o el coreógrafo, la expectativa ya empieza a crecer en torno a esta colaboración creativa.

Detrás de este esfuerzo se encuentra Beltrán Gortázar, quien lidera la iniciativa desde su reciente productora, Arce Studios, tras una exitosa trayectoria en plataformas y producciones de alto calibre. Su compañero Gonzalo Salazar-Simpson, conocido por su trabajo en cine, televisión y teatro, también aporta una vasta experiencia a este proyecto.

De esta forma, el mundo de la música y el cine se entrelazan, ofreciendo a los seguidores de La Oreja de Van Gogh una experiencia renovadora que promete dejar huella. El proyecto se perfila como una nueva etapa en la carrera de la banda y un reto emocionante para todos los involucrados. La unión de talento y pasión está destinada a crear algo verdaderamente especial.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-05/las-canciones-de-la-oreja-de-van-gogh-seran-la-base-de-puedes-contar-conmigo-una-pelicula-musical-con-inspiracion-en-la-ambicion-de-la-la-land.html

El amor peculiar que arruinó a Stroheim

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 06:55:43 GMT

Bajo la apariencia de un aristócrata ficticio del decadente Imperio Austrohúngaro, Erich von Stroheim desafió las convenciones de Hollywood en la era del cine mudo, adentrándose en un mundo donde la exquisitez visual y los excesos narrativos eran su sello distintivo. Pocas figuras en la historia del cine se han adentrado tan profundamente en la creación de su legado como Stroheim, que encarnó tanto al genio incomprendido como a la víctima de un sistema implacable. Su película La reina Kelly, cuya nueva versión restaura su legado casi un siglo después de su fallido rodaje, representa un hito en su carrera y un trágico capítulo en la historia del cine.

Nacido en Viena en 1885 y fallecido en Francia en 1957, Stroheim llegó a Hollywood durante la primera década del siglo XX. Con un monóculo colgante y un aura de esnobismo militar prusiano, se convirtió en una figura de fascinación y controversia. Su estilo vanguardista y minucioso en la dirección de películas contrastaba con las crecientes restricciones morales de una industria que se volvía cada vez más conservadora. Sus obras, repletas de lujos y sensualidad, eran tan reales como el champagne que empleaba en sus rodajes.

Su enfrentamiento constante con el productor Irving Thalberg fue la batalla que marcó su carrera. Thalberg, consciente del potencial de Stroheim, mutiló su obra maestra Avaricia (1924), reduciendo un metraje original de casi diez horas a una versión irremediablemente truncada. Este acto de censura no solo significó la pérdida de una obra monumental, sino que simbolizó la victoria del sistema industrial sobre la creatividad individual.

La reina Kelly, filmada entre 1929 y 1932, surgió de la unión entre Stroheim y la emblemática actriz Gloria Swanson, quien la produjo junto a su amante Joseph P. Kennedy, un influyente financiero. La historia gira en torno a Patricia "Kitty" Kelly, una huérfana atrapada en un convento y enamorada de un príncipe libertino, quien la arrastra a un oscuro destino. La producción, marcada por la brillantez y el derroche de Stroheim, finalmente fue interrumpida por la creciente preocupación de Swanson y Kennedy, quienes temían los excesos de la narrativa y el inminente advenimiento del cine sonoro.

Tras la abrupta salida de Stroheim, la película fue completada por Richard Boleslawski y se estrenó en varios países, pero rápidamente se desvaneció en el olvido. Sin embargo, la nueva versión que se presenta ahora en cines y filmotecas de España proviene de los materiales de Stroheim, que ofrecen una experiencia visual nunca antes vista.

Dennis Doros, el restaurador de la película, recuerda cómo, en tiempos analógicos, la restauración era un proceso minucioso y laborioso. La era digital ha transformado este trabajo, facilitando la creación de una versión que honra el legado de Stroheim, mientras elimina los daños de la película original. El acceso a archivos que antes estaban restringidos ha permitido recuperar materiales que enriquecen la historia detrás de La reina Kelly, ofreciendo un vistazo a una época donde el romance y la decadencia se entrelazaban en la pantalla.

Stroheim, en su reclusión, se reinventó como actor en las décadas siguientes. La admiración de Billy Wilder por su trabajo lo llevó a roles memorables, incluyendo su aparición en El crepúsculo de los dioses (1950). Este filme, que refleja la melancolía de una época dorada, revitalizó el interés por su obra perdida y dejó claro que, a pesar de las adversidades, su arte seguía cautivando.

La historia de La reina Kelly, ahora restaurada, es no solo un testimonio del talento de Stroheim, sino también de las luchas que enfrentó un artista en un mundo que, a menudo, priorizaba la conveniencia empresarial sobre la visión creativa. Su legado continúa desafiando y fascinando, recordándonos que el cine mudo fue un campo de batalla donde se forjaron las bases de un arte que sigue evolucionando.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-05/la-reina-kelly-el-excentrico-romanticismo-que-acabo-con-la-carrera-de-erich-von-stroheim-en-el-hollywood-mudo.html

Tom Cruise asombroso y estrenos de octubre

Redacción — Fri, 02 Oct 2026 17:08:20 GMT

Octubre marca el inicio de una emocionante temporada en el mundo del cine, momentos en los que las salas de exhibición se convierten en el epicentro de la cultura y el entretenimiento. Este año, el cine en España está viviendo un fenómeno particular con el estreno de La bola negra, una película que ha captado la atención del público y ha generado altas expectativas tanto en taquilla como en la temporada de premios. Aún le queda un largo camino por recorrer, pero su impacto ya se siente en el ambiente cinéfilo del país.

Mientras la cartelera se va llenando de nuevos títulos, los espectadores pueden esperar una serie de estrenos atractivos y diversos. En este contexto, los amantes del cine tienen mucho que esperar en las próximas semanas. Los estrenos de octubre prometen ofrecer una amplia gama de géneros y estilos, con películas que abarcan desde dramas intensos hasta comedias ligeras.

El cineasta Tom Cruise, conocido por sus transformaciones en pantalla, volverá a sorprender al público con un papel en el que es casi irreconocible, ofreciendo una actuación que seguramente atraerá tanto a seguidores como a críticos. Además, consagrados como José Mota y novatas como Verity aportan frescura a la oferta cinéfila, contribuyendo a una rica diversidad en la experiencia de los espectadores.

Con cada nuevo estreno, las expectativas crecen, y la competencia por la atención del público se intensifica. Así, octubre no solo se presenta como un mes de estrenos, sino como un preludio de la carrera hacia la temporada de premios, donde las producciones españolas, como La bola negra, se perfilan como fuertes contendientes.

A medida que el otoño avanza y las noches se alargan, las salas de cine invitan a todos a dejarse llevar por la magia del séptimo arte. Este mes promete no solo llenar la cartelera, sino también enriquecer la cultura cinematográfica española de formas inesperadas. Adentrándonos en esta temporada, es momento de disfrutar y celebrar el cine en su máxima expresión.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-02/un-tom-cruise-irreconocible-jose-mota-naza-verity-y-otros-estrenos-de-cine-de-octubre.html

Excavador, con Tom Cruise: Sin nada

Redacción — Fri, 02 Oct 2026 10:38:32 GMT

La llegada de la nueva película "Digger", dirigida por Alejandro González Iñárritu, ha generado gran interés en la comunidad cinematográfica. Este filme, que se presenta como una comedia dramática y sátira, se estrenó el 2 de octubre de 2026, cautivando la atención del público con su impresionante elenco, que incluye a figuras como Tom Cruise, Riz Ahmed, John Goodman y Sandra Hüller, entre otros. Con una duración de 128 minutos, la película mezcla géneros para ofrecer una experiencia única en la pantalla grande.

La trayectoria de Iñárritu ha estado marcada por una serie de obras aclamadas, entre ellas "Amores perros", "21 gramos" y "Babel", las cuales coescribió junto a Guillermo Arriaga. Esta colaboración se destacó por su capacidad para tejer narrativas complejas y profundas que resonaban emocionalmente con los espectadores. Sin embargo, tras su separación profesional, la obra de Iñárritu ha pasado por altibajos, siendo "Biutiful" uno de sus trabajos más notables en años recientes.

A pesar del impacto previo de sus películas, algunos críticos han expresado su desconcierto ante la recepción de "Digger". Al parecer, la cinta se aleja de la brillantez que caracterizaba sus obras anteriores. Sin embargo, el director ha logrado mantener su sello visual y narrativo, aunque las reacciones a esta producción parecen indicar que no ha logrado la misma conexión con el público que en sus trabajos pasados.

El filme ha sido descrito como una de las propuestas más audaces del año, pero no ha estado exento de críticas severas. A medida que se incrementa el debate crítico, se hace evidente que "Digger" invita a una reflexión sobre la evolución del director y su legado en la industria cinematográfica.

Con la proyección de "Digger", el director enfrenta el desafío de reconectar con su audiencia. La crítica abrirá un espacio de discusión sobre su adaptación a tiempos contemporáneos y el impacto de su narración en un panorama cinematográfico saturado. Este estreno se convierte así en un punto focal no solo por la anticipación, sino también por las expectativas que genera en el contexto actual del cine.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-02/digger-com-tom-cruise-nada-de-nada.html

Narciso: oscuro drama sobre amor prohibido

Redacción — Fri, 02 Oct 2026 09:26:37 GMT

En el contexto tumultuoso de Paraguay en la década de 1950, donde el rock’n’roll emergía como una revolución musical en muchas partes del mundo, el país se sumía en la oscuridad de una de las dictaduras más prolongadas de América Latina. Esta paradoja histórica es el punto de partida de "Narciso", una nueva película que explora la memoria sociopolítica de Paraguay a través de una narrativa expresionista y sombría.

El filme, dirigido por Marcelo Martinessi, se sumerge en la vida de Bernardo Aranda, un carismático locutor de radio que fue asesinado en 1959. Basada en la novela del escritor e historiador Guido Rodríguez Alcalá, "Narciso" se desarrolla en Radio Capital, una emisora popular que respiraba el folclore nacional mientras enfrentaba el influjo del rock estadounidense. Aranda, interpretado por Diro Romero, se convierte en una figura central en esta emisora, justo cuando la dictadura de Alfredo ‘El Rubio’ Stroessner inicia una ofensiva moral, particularmente contra la comunidad homosexual.

El guion despliega un profundo simbolismo, posicionando el programa de radio como un microcosmos de la sociedad paraguaya. La historia de "Narciso" no solo narra el asesinato de Aranda; más bien, revela cómo los nuevos ritmos y la cultura juvenil se convirtieron en amenazas para un régimen represor. La relación entre la música y el silencio, el deseo y la censura, se explora con maestría en un ambiente lleno de sombras.

Martinessi, conocido por su aclamada película "Las Herederas", vuelve a examinar la historia de Paraguay a través de una lente crítica que invita a la reflexión sobre la lucha por la libertad en tiempos de represión. La película, que se estrena el 2 de octubre de 2026, ofrece un viaje inquietante hacia un periodo histórico que marcaría la memoria colectiva de una nación.

Con una duración de 100 minutos, "Narciso" se presenta no solo como un relato del pasado, sino como una llamada a la conciencia sobre la importancia de recordar y entender la historia para construir un futuro más libre. En medio de un panorama sombrío, la película deja entrever que el verdadero peligro para cualquier poder retrógrado radica en la creatividad, la música y la imaginación —elementos que erigen un espacio de resistencia ante la opresión. Esta exploración del cuerpo y la voz como herramientas de reclamación y libertad resulta esencial en un contexto donde el silencio a menudo es la única respuesta.

"Narciso", con su narrativa rica en simbolismo y su enfoque en los desafíos de una época convulsa, captura la esencia de una lucha por la dignidad y la expresión en un tiempo donde la opresión intentó silenciarla todo.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-02/narciso-un-tenebroso-drama-paraguayo-sobre-represion-homosexual-y-rocknroll.html

La esfera oscura y Lorca en pantalla

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 22:18:18 GMT

Durante la escritura del guion de La bola negra, sus creadores, Javier Ambrossi y Javier Calvo, se enfrentaron a una decisión crucial: ¿debería aparecer Federico García Lorca en la película? A pesar de la incertidumbre inicial, sabían con claridad quién debía interpretarlo: el dramaturgo malagueño Alberto Cortés. Tras contactarlo, le pidieron que realizara una prueba para un personaje que, aunque no lo mencionaron explícitamente, tenía una gran relevancia.

Días más tarde, cuando Cortés llegó al set para rodar su única jornada de trabajo, que coincidía con el último día de Miguel Bernardeau, quien da vida a Rafael Rodríguez Rapún, el hombre que inspiró a Lorca en Sonetos del amor oscuro, vivió una experiencia intensa y emotiva. Esta conexión lo alinea con una breve pero significativa lista de actores que han dado vida al poeta en la pantalla grande y pequeña.

Lorca, quien fue asesinado hace 90 años, ha sido objeto de numerosos documentales. Uno de los más recientes, La voz quebrada, se estrenará el 16 de octubre, ampliando las narrativas en torno a su figura.

A lo largo de los años, diversas producciones han abordado la vida y muerte de Lorca, destacando:

Lorca, muerte de un poeta (1987): Seis episodios dirigidos por Juan Antonio Bardem, basada en la obra de Ian Gibson. Un dato curioso es que el rol principal fue interpretado por el actor inglés Nickolas Grace, cuyas similitudes físicas con Lorca le valieron el papel, aunque su voz fue doblada.
Muerte en Granada (1996): Esta película, dirigida por Marcos Zurinaga, presenta a un periodista (interpretado por Esai Morales) que busca respuestas sobre la desaparición de Lorca durante la dictadura franquista. Andy García toma el rol del poeta en una narración más dramatizada y menos precisa.
Little Ashes (2008): Un filme sobre la juventud de Lorca, Dalí y Buñuel, protagonizado por Javier Beltrán, quien intenta representar la complejidad de su figura.
El Ministerio del Tiempo (2015-2020): Ángel Ruiz encarna a Lorca en varias ocasiones en esta serie, donde el poeta interactúa con personajes que viajan en el tiempo.
Ena, la reina Victoria Eugenia (2024): Ángel Ruiz regresa para interpretar a Lorca en esta nueva serie que explora la vida de la reina consorte de España.
Lorca (2027): La nueva película de Fernando Franco, ya en producción, se centrará en las últimas semanas de vida del poeta, ofreciendo una mirada íntima y humana a su existencia marcada por el miedo y la incertidumbre.

Un aspecto fascinante de la representación de Lorca en el cine es la ausencia de grabaciones de su voz. Sus contemporáneos, como el poeta Luis Rosales, describieron su timbre poderoso y grave. Según testimonios, su acento andaluz, con un ceceo característico, se ha convertido en un objeto de estudio en la búsqueda por comprender su legado.

En una época donde las imágenes y los relatos sobre figuras icónicas son más accesibles que nunca, la exploración de la vida de Lorca sigue enriqueciendo el entendimiento y la apreciación de su obra y su tiempo.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-25/la-bola-negra-y-las-otras-pocas-veces-en-que-federico-garcia-lorca-se-ha-asomado-a-las-pantallas.html

Resident Evil: Renace una saga olvidada

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 07:58:38 GMT

Una sala abarrotada en un lunes madrileño de finales de verano presenció la revelación de “Resident Evil”, la más reciente entrega de la icónica saga inspirada en la popular franquicia de videojuegos de Capcom. Dirigida por Zach Cregger, la película se proyecta como un reinicio total, alejándose de las seis entregas anteriores dominadas por Paul W. S. Anderson, que se enfocaron más en la acción que en el horror. Con una duración de 95 minutos, esta propuesta busca capturar la esencia del terror a través de una mezcla de risas y escalofríos.

En los primeros minutos, la historia ya atrapa al espectador con una combinación eficaz de humor y sustos. Cregger, quien hace un par de años sorprendió con su filme “Weapons”, demuestra un dominio sobresaliente del tiempo y el montaje, logrando que las carcajadas se entrelacen con los sobresaltos. La actuación del joven Austin Abrams, quien interpreta al mensajero médico, se destaca y permite a la audiencia experimentar un carrusel de emociones.

Los efectos especiales, con un costo aproximado de 70 millones de euros, rememoran grandes momentos del terror cinematográfico, evocando el estilo de clásicos como “La cosa” de John Carpenter, que tanto heló la sangre de los espectadores en su estreno en 1982. Sin embargo, “Resident Evil” no se limita a ser un homenaje a los grandes del pasado; se erige como una película de terror actual, para un público adulto que a menudo busca en el cine una forma de conectarse con su niñez, representada aquí por un héroe que lucha contra zombis mientras lidia con sus propias crisis de madurez.

La película, que se estrenó el 18 de septiembre de 2026, ha capturado la atención del público por su habilidad para mezclar el horror y la comedia de manera efectiva, un rasgo que recuerda las obras de Sam Raimi. A pesar de que los últimos veinte minutos pueden resultar menos sorprendentes, la audiencia ya había sido conquistada por la experiencia general que ofrece la película, una propuesta viva y emocionante que se siente fresca y relevante.

“Resident Evil” no solo es una secuela más, sino un intento de revivir y redescubrir lo que la saga puede ofrecer en un nuevo contexto cultural. Al abordar temas contemporáneos, como la lucha por no abandonar la infancia en el contexto de una catástrofe vírica, la película se presenta como un espejo de las tensiones que enfrentan muchos en la actualidad, lo que seguramente resonará con sus espectadores.

Esta mezcla de nostalgia y novedad asegura que "Resident Evil" encuentre su lugar como una obra destacada en el panorama del cine de terror moderno, rindiendo homenaje al legado de su predecesora mientras forja su propio camino.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-25/resident-evil-el-director-de-weapons-resucita-una-saga-muerta.html

Mike Leigh se despide con amor en ‘Tender Loving Care’

Redacción — Tue, 22 Sep 2026 17:55:30 GMT

En el marco del Festival de Cine de San Sebastián, el legendario cineasta Mike Leigh, de 83 años, dejó una profunda huella en los corazones de los cinéfilos al presentar su última película, Tender Loving Care. Durante una rueda de prensa desde Londres, el director reveló que este filme podría marcar su despedida del cine, una decisión impulsada por su condición médica, la miositis, que le impide afrontar el esfuerzo creativo de manera continua.

Leigh, reconocido mundialmente por su enfoque humanista y por retratar la clase media británica, ha acumulado una notable trayectoria en el mundo del cine. Ha sido galardonado con la Palma de Oro en Cannes por Secretos y mentiras en 1996 y el León de Oro en Venecia por El secreto de Vera Drake en 2004. A lo largo de su carrera, ha conseguido 18 nominaciones al Oscar, lo que subraya su impacto y relevancia en la industria.

En su declaración sobre el futuro, Leigh expresó que, aunque la vida presenta incertidumbres, la esperanza persiste, especialmente por el bienestar de sus hijos y nietos. “No existe una respuesta correcta” acerca de qué vendrá después, pero mantiene un deseo optimista a pesar de los tiempos difíciles.

La esencia de Tender Loving Care radica en la exploración de la humanidad y la positividad inherente al ser humano. Leigh inició el proyecto sin un guion completo, permitiendo que sus actores participaran creativamente en el desarrollo de los personajes. En esta obra, dos trabajadoras sociales, amigas que enfrentan crisis sentimentales, viven juntas y reflejan las complejidades de una clase media que lucha por mantener la esperanza y la compasión en medio de un entorno social desafiante.

Leigh evita el melodrama, buscando capturar la ternura de la vida cotidiana y cómo, a pesar de las adversidades, los lazos familiares y la solidaridad pueden prevalecer. Su filme destaca la importancia de los servicios públicos y el apoyo comunitario como pilares fundamentales de la humanidad, una idea que resuena profundamente en la actualidad.

Los actores, muchos de ellos colaboradores habituales de Leigh, aportan una conexión auténtica a sus personajes. La entrega y la experiencia compartida en el rodaje permiten que la narrativa fluya con sinceridad y realismo, envolviendo al espectador en un hervidero de emociones que reflejan la cruda belleza de la vida.

A medida que se cierne el final de su carrera, Mike Leigh nos recuerda que el amor y la compasión son el núcleo de la experiencia humana. En un mundo donde el cinismo puede prevalecer, su invitación a ver la bondad y a luchar por un futuro esperanzador resuena más que nunca.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-22/el-cineasta-mike-leigh-se-despide-con-la-mas-bella-oda-a-la-compasion-en-tender-loving-care.html

¿Es La esperanza de Na Hong-jin la locura del año?

Redacción — Mon, 21 Sep 2026 14:29:36 GMT

Un Análisis Cinematográfico Inmersivo: Una Mirada Profunda a la Captura de Emociones y Conflictos en el Séptimo Arte

En la creación de una impactante escena de persecución vehicular, el diseño sonoro juega un papel crucial. En este contexto, se destaca el uso ingenioso de sonidos de motor y chirridos de neumáticos, contribuyendo a una atmósfera intensa que realza el sentido de urgencia y peligro. Esta escena se convierte en un punto de inflexión narrativo donde, al introducirse la protagonista Sung-ae, el enfoque de la historia cambia de los extraterrestres a la lucha activa de los humanos contra ellos. La elección de sonidos explosivos contrasta bruscamente con la persecución alienígena inicial, subrayando una narrativa de violencia y resistencia.

El arte de dirigir la entrada de Sung-ae fue un proceso deliberado y estratégico. Se buscaba que su aparición fuera lo más dramática y poderosa posible, retrasándola hasta el clímax de la tensión en la narrativa. El momento en el que hace su entrada, equipada con un armamento imponente, genera una sensación de poder y vulnerabilidad. Su destreza en el manejo del arma, a pesar de su apariencia, añade una capa de complejidad a su personaje, que evoluciona a lo largo de la narrativa.

La planificación de las secuencias de conducción fue meticulosa; el entrenamiento intensivo de seis meses para la actriz Hoyeon permitió que las maniobras se ejecutaran con seguridad y precisión, garantizando que la acción se sintiera auténtica y peligrosa. Este nivel de preparación es testimonio del compromiso del equipo por ofrecer una experiencia lo más realista posible, manteniendo el enfoque en la actuación en cámara y evitando el uso de efectos digitales.

Un momento significativo en la historia se centra en la empatía que desarrolla el personaje Bum-seok hacia un extraterrestre, contrastando con el sentimiento inicial de desconfianza hacia los forasteros. El entorno de la pequeña localidad de Hope Harbour, caracterizada por su aislamiento y su comunidad unida, plantea un dilema: el miedo a un posible ataque y la xenofobia que puede surgir de tal vulnerabilidad. A medida que avanza la trama, el público experimenta un giro en su percepción, pasando de ver a los extraterrestres como meros villanos a entender las motivaciones detrás de su comportamiento.

El conflicto entre humanos y extraterrestres se revela como un espejo de las tensiones entre diferentes sociedades. En este escenario, las experiencias humanas reflejan los malos instintos interiores, pero también se presenta con un toque de humor, lo que añade un matiz inesperado a la narrativa. A medida que los personajes humanos y alienígenas navegan por sus respectivos dilemas, el espectador gana una perspectiva omnisciente, resaltando la complejidad de la comprensión mutua y la intersección de culturas.

La obra, por lo tanto, se erige como un comentario sobre la naturaleza del temor al otro y la capacidad de encontrar compasión en medio del conflicto, invitando a la audiencia a reflexionar sobre sus propios prejuicios y la humanidad compartida en todas las formas de vida. Esta combinación de emoción visceral y crítica social garantiza que la obra resuene con el público, marcando un hito en la narrativa del cine contemporáneo.

La información aquí presentendada es de fecha 2026-09-21 08:00:00.

gq.com: https://www.gq.com/story/hope-na-hong-jin

El día que Chiquito se retó al rival

Redacción — Mon, 21 Sep 2026 10:30:59 GMT

Hubo un tiempo en que España se encontraba sumida en un intenso clima político, marcado por la polarización entre un gobierno socialista y la oposición del Partido Popular. Las tensiones eran palpables en el Congreso de los Diputados, y las televisiones privadas competían en creatividad más que en contenido. Sin embargo, en medio de este escenario, surgió una figura que rompió las divisiones y alcanzó a múltiples generaciones: Chiquito de la Calzada, cuyo legado sigue resonando hoy con la proyección de un nuevo documental titulado El otro Chiquito, que se presentará en el festival de San Sebastián.

Este documental, concebido por Diego San José y dirigido por Juan Zavala y Javier Morales, toma un enfoque inusual, fusionando el absurdo humor de Chiquito con elementos de true crime. La visión creativa de los cineastas se basa en la notoriedad inexplicable de su humor, que 30 años después sigue siendo un enigma. Optaron por construir una narrativa donde Chiquito, además de ser un ícono de la comedia española, se convierta en el protagonista de un filme de atracos que explora la suplantación de su identidad en el mundo televisivo.

Aunque hoy muchos no lo recuerden, Chiquito fue un descubrimiento inesperado en la televisión española. Su carrera como cantaor comenzó en su infancia en la malagueña calle de Calzada de la Trinidad, antes de alcanzar la fama en Antena 3. En cuestión de meses, se convirtió en un fenómeno que eclipsó incluso eventos deportivos de gran relevancia. Su capacidad para conectar con el público lo convirtió en un baluarte en un país que necesitaba consuelo y alegría tras los dificiles años previos a los noventa.

El documental no solo brinda una mirada a la figura de Chiquito, sino que también reflexiona sobre la España de los noventa. Los creadores proponen que su éxito fue un antídoto contra la tristeza de la época, un momento en que un hombre de 62 años, con un estilo inconfundible y frases hilarantes pero incomprensibles, iluminó a una nación buscando razones para reír.

Un punto interesante que destaca el filme es la ausencia de un heredero a su legado. Sin una figura que haya logrado conquistar inclinaciones políticas y demográficas tan diversas como Chiquito, su recuerdo podría haber quedado relegado al olvido. Es también un relato sobre el conflicto con la nueva competencia televisiva, donde su estilo fue objeto de disputa, llevando a un juicio con Pepe Navarro por la apropiación de sus personajes y formatos.

El documental, además, ofrece testimonios de quienes compartieron esa etapa con él, desde cómicos hasta ejecutivos de televisión. Su narrativa es abierta, dejando que la audiencia evalúe el veredicto del juicio que, sorprendentemente, no tuvo una conclusión oficial. En un contexto donde los derechos de propiedad intelectual eran aún inciertos, Chiquito se convirtió en un símbolo de la lucha por su identidad artística.

Entre las revelaciones del filme, destaca la amistad entre Chiquito y Mario Conde, el exbanquero, un lazo poco esperado que refleja la interacción de dos mundos muy diferentes. La proyección de este documental no solo recuerda a un ícono del humor español, sino que también invita a los espectadores a cuestionarse sobre la felicidad, el trauma y la capacidad de los cómicos para conectar con sus audiencias.

El análisis de su figura revela un hombre que, a pesar de sus sufrimientos, mantuvo un entusiasmo vital. Chiquito no solo se convirtió en un emblema para la risa, sino que también representa las complejidades del humor en relación al dolor. En un contexto donde muchos cómicos arrastran historias trágicas, su capacidad para ser feliz y contagiar alegría a los demás se convierte en un legado memorable.

Con la llegada del documental El otro Chiquito a Movistar Plus a partir del 1 de octubre, surge una nueva oportunidad para que las nuevas generaciones descubran y valoren la singularidad y relevancia de Chiquito de la Calzada en el paisaje cultural español.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-21/el-dia-en-que-chiquito-de-la-calzada-se-enfrento-al-otro-chiquito.html

La ciencia ficción refleja nuestra sociedad

Redacción — Sun, 20 Sep 2026 07:13:31 GMT

El festival de San Sebastián ha sido escenario de una apuesta audaz con la proyección de una película que combina ciencia ficción y comedia, un estilo que no suele ser el más destacado en este certamen, conocido principalmente por su enfoque en cine de autor crudo y contundente. La película, que se proyecta en sábado, se titula "Cinco minutos más" y plantea desafíos narrativos originales en un contexto de bucles temporales.

Su creador, Berto Romero, se alejó de los encargos y se lanzó a escribir esta historia en 2023 influenciado por una pulsión creativa. La trama sigue a una pareja, él y Belén Cuesta, en un intento por salvar su relación en una casa de campo, solo para encontrar que el tiempo se repite de manera inquietante tras conocer al guardián de la finca, interpretado por Javier Cámara. Este bucle temporal no solo actúa como un recurso narrativo, sino que también refleja una tragedia más profunda que los personajes deben enfrentar.

Javier Ruiz Caldera, director del filme, comentó que el enfoque del guion le sorprendió, destacando su pureza dentro del género fantástico. La narrativa abre una valiosa discusión sobre la percepción contemporánea del tiempo, que hoy se encuentra marcado por la dictadura del estímulo y la reacción. Ambos creadores coinciden en que la presión social actual hace que las respuestas sean más emotivas que reflexivas.

El pesimismo permea la película, donde se explora la autojustificación de los personajes, siendo cada uno la víctima de sus circunstancias, mientras que el resto del mundo se percibe como una amenaza. La relación con la paternidad se convierte en un elemento central, donde las decisiones extremas se justifican en nombre de los hijos. A través de su historia, la película no pretende ser moralizante, sino más bien una exploración cruda de la condición humana.

Romero, durante el desarrollo del guion, sintió la necesidad de infundirle comedia al relato, buscando un equilibrio entre lo oscuro y lo divertido. A diferencia de otras películas de bucles temporales que se centran en la posibilidad de una segunda oportunidad, "Cinco minutos más" se enfoca en la aceptación de los errores y las ramificaciones que estos conllevan.

Ruiz Caldera adaptó su enfoque de trabajo, priorizando esta historia sobre otros proyectos, ya que considera que el genre fantástico puede ofrecer reflexiones profundas sobre la sociedad actual. En este sentido, "Cinco minutos más" se presenta como una obra simbólica que ofrece interpretaciones variadas, desde la lucha en la vida de pareja hasta el choque entre el campo y la ciudad, así como tensiones sociales más amplias.

En un momento en que la impunidad parece reinar, Romero subraya la importancia de que nuestras acciones tengan consecuencias, reclamando la responsabilidad social que parece haberse desvanecido en los últimos años. Así, este filme no solo cautiva con su originalidad, sino que también invita a una profunda reflexión sobre nuestros tiempos.

Actualización: Los datos corresponden a 2026-09-19 21:30:00.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-20/berto-romero-y-javier-ruiz-caldera-en-el-festival-de-san-sebastian-la-mejor-ciencia-ficcion-habla-de-como-funciona-nuestra-sociedad.html

El robador de canes: la soledad del limpiabotas

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 11:49:47 GMT

En el vibrante escenario de La Paz, Bolivia, se despliega una historia conmovedora que captura la lucha por la identidad y la búsqueda de una conexión emocional. "El ladrón de perros", la ópera prima del director chileno Vinko Tomicic, nos presenta a Martín, un adolescente huérfano cuya vida gira en torno al lustrado de zapatos. En su travesía por encontrar un sentido de pertenencia, se encuentra no solo con un perro, sino también con un vacío existencial que resuena a lo largo de la narrativa.

La interpretación del joven actor Franklin Aro Huasco otorga al personaje de Martín una profundidad que permite a los espectadores conectar con su soledad. Desde su intento de superación en la escuela hasta su relación con un sastre, cuya figura evoca la imagen de un padre que nunca tuvo, cada escena invita a reflexionar sobre la complejidad de la vida en la calle.

Las elecciones cinematográficas de Tomicic, aunque chispeantes, a veces se asientan en un terreno conocido por el cine latinoamericano, donde el miserabilismo parece dominar. Sin embargo, es en los momentos en que la historia se libera de esta fórmula convencional donde realmente brilla. A través de la exploración de la vida cotidiana que Martín anhela, ya sea en la casa que colma su deseo de familia o en el taller de sastrería donde se desata un conflicto fundamental, Tomicic crea un viaje íntimo que trasciende lo superficial.

El sastre, interpretado por Alfredo Castro, representa una figura clave en la vida de Martín, aunque su caracterización a menudo queda en la penumbra, privando al público de una comprensión más completa de su influencia en la vida del adolescente. El contraste entre la naturalidad de Huasco y la opacidad del personaje de Castro podría desentonar, lo que limita la profundización en el drama del joven limpiabotas.

Un elemento recurrente en la trama es el perro, que actúa como una metáfora de las contradicciones humanas. Al igual que en "La perra", otra notable producción chilena, el perro representa un anhelo de conexión y refugio emocional. En una de las secuencias más memorables, Martín pasea por las calles de La Paz con su nuevo compañero, vestido con un traje, símbolo de dignidad y amor que refleja lo que desea alcanzar, aunque su realidad esté marcada por la orfandad.

La película, que cuenta con una duración de 90 minutos y tiene programado su estreno para el 8 de septiembre de 2024, promete ser una exploración significativa de las emociones humanas, mientras Tomicic sigue la vida de Martín con un ojo hacia la esperanza, buscando un camino que va más allá de las adversidades. En un contexto donde el cine boliviano se enfrenta a retos y oportunidades, "El ladrón de perros" se alza como una obra que invita a la reflexión y la empatía, proponiendo una mirada fresca sobre la juventud y su lucha por el amor y la pertenencia.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-18/el-ladron-de-perros-la-orfandad-del-limpiabotas.html

El hurto de canes: la soledad del limpiabotas

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 11:49:46 GMT

En el vibrante corazón de La Paz, los limpiabotas llevan pasamontañas para ocultar su edad, una imagen poderosa que revela las dificultades y la resiliencia de quienes habitan las calles. La ópera prima del cineasta chileno Vinko Tomicic nos presenta a Martín, un adolescente huérfano que busca su lugar en el mundo lustrando zapatos. En su búsqueda de un padre, Martín se encuentra con un perro que se convierte en su compañero inseparable.

Martín, interpretado por el actor natural Franklin Aro Huasco, encarna la soledad y el vacío de su orfandad a través de un comportamiento errático. Su trayecto oscila entre la escuela, donde intenta superarse, y los lugares donde se refugia, creando un retrato conmovedor de su vida marginal. Tomicic captura la esencia de la vida callejera, si bien estas imágenes pueden parecer redundantes en un cine latinoamericano que a menudo aborda el miserabilismo.

El filme gana profundidad cuando se aparta de estos clichés, explorando la vida doméstica que se escapa de Martín. El contraste entre los espacios cerrados de las casas, la sastrería y las antiguas calles de La Paz pinta un cuadro de anhelos y secretos. A través de esta exploración, el espectador descubre la búsqueda de conexión del protagonista. Sin embargo, la caracterización del sastre, interpretada por Alfredo Castro, no logra equilibrar el naturalismo de Martín. La falta de contexto sobre su vida limita la comprensión del drama que enfrenta el joven limpiabotas.

La figura del perro en la narrativa actúa como una metáfora de las paradojas humanas. En una secuencia especialmente hermosa, Martín se pasea por las calles con su compañero canino, vestido para la ocasión. Este momento encapsula la dignidad y el amor que el perro representa, un breve respiro a su orfandad y un reflejo de lo que anhela alcanzar.

Con una duración de 90 minutos, el filme está programado para su estreno el 8 de septiembre de 2024. Mientras se ha presentado en festivales y ha sido galardonado en los premios Platino y el festival de Málaga, "El ladrón de perros" promete ser una adición significativa al panorama del cine boliviano y una reflexión conmovedora sobre la soledad y la búsqueda de pertenencia en un mundo desafiante.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-18/el-ladron-de-perros-la-orfandad-del-limpiabotas.html

Talento ahogado por la corriente

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 08:54:02 GMT

En el umbral del siglo XXI, un director británico emergió de la nada y cautivó al público con dos películas que fusionaban un humor singular con un trasfondo de violencia desatada. Con Lock & Stock (1998) y Snatch. Cerdos y diamantes (2000), Guy Ritchie se catapultó a la fama a apenas una década de entrar en la treintena. Su ingenio en el montaje y su giros narrativos sorprendieron, en una línea que claramente recordaba el estilo distintivo de Quentin Tarantino. Esto provocó una oleada de imitadores que adoptaron su particular forma de contar historias.

Sin embargo, la carrera de Ritchie dio un giro abrupto con su tercer largometraje, Barridos por la marea (2002), una adaptación fallida de la satírica obra italiana de Lina Wertmüller. Esta película fue objeto de duras críticas, y muchos atribuyeron su fracaso a la influencia de Madonna, quien en ese momento era su esposa y protagonizaba el filme. La idea era que su presencia quizás había desviado la visión creativa de Ritchie, llevando su trabajo a un terreno menos experimental y más comercial. Con el paso del tiempo, no obstante, muchos críticos se dieron cuenta de que el verdadero responsable del fiasco era el propio director.

Desde ese tropiezo, la filmografía de Ritchie ha estado marcada por un tono a la baja. Su reciente estreno, En la zona gris, llega a las pantallas españolas -con un elenco atractivo que incluye a Jake Gyllenhaal, Eiza González, Henry Cavill y Carlos Bardem- con críticas que podrían equivaler a uno de sus trabajos más débiles, solo superado por su tercer filme.

La película, que mezcla géneros como el espionaje y el drama judicial, no logra sobreponerse a un guion que deja mucho que desear. Durante los primeros 40 minutos, Ritchie se pierde en monólogos redundantes que no aportan nada a la trama y desdibujan la conexión entre los personajes. A pesar de contar con una producción sofisticada, la falta de química entre el elenco y la debilidad de los diálogos convierten el filme en un ejercicio de frustración.

Un aspecto que Ritchie intenta explorar es la relación entre la violencia y el sistema legal, sugiriendo que las mafias no son sostenidas únicamente por la violencia, sino también por un entramado legal. Sin embargo, este enfoque se queda corto, ya que la falta de desarrollo de personajes hace que las muertes en pantalla no tengan el impacto emocional esperado. Así, el título se refiere más a las "zonas grises" de moralidad y legalidad sin adentrarse realmente en sus implicaciones.

El director parece más interesado en la acción superficial que en profundizar en los complejos temas que su propia historia podría haber abordado. La película, que se centra en un mundo lleno de corrupción y maniobras oscuras, no permite que el espectador se conecte con sus personajes o se involucre en su lucha.

Mientras En la zona gris se estrena este 18 de septiembre de 2026, queda la pregunta de si Ritchie recuperará algún día la chispa que lo encumbró en sus inicios como cineasta. La crítica, al parecer, no hace más que reafirmar que la esperanza de un renacer para el director parece, por el momento, bastante desvanecida. En el trayecto del triunfo al desencanto, el director británico ha dejado en claro que el brillo de un talento puede desvanecerse con la misma rapidez con la que se construye.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-18/en-la-zona-gris-el-talento-barrido-por-la-marea-de-guy-ritchie.html

Woody Allen inicia filmación en Madrid

Redacción — Mon, 14 Sep 2026 12:45:27 GMT

Woody Allen, el renombrado director neoyorquino, comenzará a rodar su nueva película el próximo 5 de octubre en diversas localizaciones de Madrid, incluyendo el icónico centro de la ciudad y Aranjuez, al sur de la comunidad. Este nuevo proyecto cinematográfico, que aún no tiene un título definitivo y opera bajo el nombre provisional de "Wasp 2026", cuenta con un elenco que incluye a actores de renombre como Alexi Wasser, Jemima Kirke, Peter Vives, Marton Csokas y Jakob Oftebro.

La película será presentada ante la prensa el 1 de octubre en la Real Academia de Bellas Artes, y se espera que sea exhibida en un festival internacional, además de un estreno mundial en varias ciudades. Este filme marcará la 51ª obra escrita y dirigida por Allen, quien es conocido por su capacidad de capturar la esencia de distintas ciudades del mundo en sus narrativas cinematográficas, habiendo trabajado en lugares como Nueva York, Roma y París.

En un esfuerzo por promover Madrid como un destino turístico de cine, el Gobierno de la Comunidad de Madrid, bajo la dirección de Isabel Díaz Ayuso, ha decidido patrocinar este proyecto con la suma de 1,5 millones de euros. Este acuerdo fue oficializado mediante un contrato publicado en el portal de contratación pública de la CAM el 24 de octubre de 2025, y los pagos se dividirán en tres partes: 150,000 euros este 2025, 600,000 en 2026 y 750,000 en 2027. El contrato estipula un plazo de 26 meses para la realización del filme, que deberá culminar antes del 31 de diciembre de 2027.

El Ayuntamiento de Madrid también apoya esta iniciativa, contribuyendo con fondos que elevan el total a tres millones de euros. Ambas administraciones esperan que esta colaboración ayude a fomentar el turismo cinematográfico, atrayendo a visitantes interesados en recorrer las localizaciones que aparecerán en la película.

Woody Allen, considerado uno de los cineastas más influyentes del panorama cinematográfico contemporáneo, ha dirigido 50 películas aclamadas, con su último trabajo, "Golpe de suerte", estrenado en 2023 en el Festival de Venecia. Su capacidad para retratar la vida urbana y los matices culturales ha dejado una huella indeleble en la historia del cine, y su nueva obra promete seguir esa tradición, esta vez con el telón de fondo de una Madrid en constante transformación.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-14/woody-allen-comienza-a-rodar-su-nueva-pelicula-en-madrid-el-5-de-octubre.html

Pablo Trapero explora la realidad en 'Sus hijos'

Redacción — Mon, 14 Sep 2026 06:53:03 GMT

Pablo Trapero, el reconocido cineasta argentino, ha regresado con su nueva película Sus hijos, que se estrena en España el 18 de septiembre de 2026. Esta obra resulta particularmente significativa, ya que marca su primera incursión en el cine en inglés, aunque el director ha trabajado en producciones de este idioma previamente, como en las series ZeroZeroZero y Echo 3.

La historia de Sus hijos gira en torno a un novelista de renombre mundial, interpretado por Bill Nighy, quien lleva dos décadas sin crear. En una mansión donde convive con su hijo pequeño, el escritor se enfrenta a una revelación inesperada tras la muerte de un amigo. Decide convocar a sus dos hijos mayores de una relación anterior para compartir una información familiar que podría cambiar su dinámica por completo. Esta narrativa se adentra en temas recurrentes de Trapero, como las relaciones familiares y la búsqueda de la verdad, elementos que han estado presentes en su filmografía.

Trapero, de 54 años y originario de San Justo, ha explicado que Sus hijos resuena con sus obsesiones creativas: “La historia encaja en mi carrera”, ha comentado en una entrevista reciente. El guion, originalmente creado por Sarah Polley, fue adaptado para centrar el drama en los personajes, alejándose del bullicio de Nueva York a una campiña inglesa, lo que se manifiesta en un ambiente más introspectivo.

La película también refleja cuestiones contemporáneas, como el egoísmo en el contexto familiar. Trapero destaca la importancia de las decisiones que los padres toman en su afán por proveer lo mejor para sus hijos, a menudo a expensas del tiempo que pasan con ellos. Explica que el título inglés de la película, traducido como E hijos, implica una cadena de conexiones, mientras que el título en español sugiere posesión, lo que proporciona matices a la trama.

El director menciona su admiración por Luis Buñuel, un referente en el uso del surrealismo realista, y habla de la influencia de este estilo en su propia forma de contar historias. Trapero busca encapsular lo extraordinario dentro de lo cotidiano, creando situaciones que, aunque puedan parecer absurdas, resuenan con la verdad de sus personajes.

El cineasta también ha manifestado su deseo de volver a historias más íntimas y contenidas después de un período en el que se sintió desviado hacia producciones más escandalosas. Refleja en Sus hijos la complejidad de las relaciones humanas y cómo cada historia familiar ofrece una ventana hacia las comunidades a las que pertenecemos.

Trapero ha regresado a Argentina tras completar la filmación de la serie Gordon, que se centra en Aníbal Gordon, un personaje real involucrado con la organización político-terrorista de derecha conocida como Triple A en los años setenta. El director ve esto como una declaración de intenciones en el contexto actual del país.

Con Sus hijos, Trapero busca no solo narrar una historia cautivadora, sino también generar reflexión sobre las dinámicas familiares y la verdad que a menudo se oculta entre los lazos de sangre. A medida que la película se acerca a su estreno, las expectativas son altas, esperando que este trabajo continúe la rica tradición del cine argentino en la exploración de la condición humana.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-14/pablo-trapero-el-cineasta-argentino-que-busca-la-verdad-y-el-drama-salta-al-ingles-con-sus-hijos.html

La película danesa 'Mujer Desconocida' recibe León de Oro.

Redacción — Sat, 12 Sep 2026 19:59:10 GMT

El Festival de Venecia ha dado inicio a su 83ª edición con una discusión significativa en torno a la escasa representación de mujeres directoras en su competencia oficial. La actriz y directora estadounidense Maggie Gyllenhaal, quien preside el jurado, ha denunciado el preocupante problema sistémico que margina las historias contadas desde la perspectiva femenina en la industria cinematográfica. La notable respuesta del jurado fue la entrega del León de Oro a Woman Unknown, dirigida por May el-Toukhy, una elección que subraya la importancia de las voces femeninas en el cine.

En esta edición, Woman Unknown se destaca por abordar uno de los episodios más oscuros de la Europa de la posguerra: los humillantes tratos a mujeres acusadas de haber tenido vínculos con soldados alemanes durante la ocupación nazi. La actuación de Mathilde Arcel, quien fue reconocida con la Copa Volpi a la mejor actriz, resalta su capacidad para dar vida a un personaje complejo y atormentado. A sus 30 años, Arcel aporta una profundidad emocional notable, retratando a una niñera marcada por un pasado oscuro, atrapada en un ciclo de miedo y adicción.

El jurado también otorgó el premio al mejor director a Ilya Khrzhanovskiy por su obra DAU, que ofrece un fresco histórico trágico sobre el totalitarismo estalinista a través de la vida del Nobel de física Lev Landau. Otro filme destacado fue Possible Love de Lee Chang-dong, que recibió el Gran Premio del Jurado por su profunda exploración de complejos temas sociales. Esta película narra la vida de dos mujeres cuyas realidades contrastan drásticamente, revelando las tensiones de clase y los efectos de las crisis laborales.

El premio especial del jurado fue concedido a NAZA, un documental que examina las implicaciones de los programas de vigilancia y ataque basados en inteligencia artificial en Gaza, resaltando la necesidad de visibilizar estos temas críticos. En un emotivo discurso, el codirector Yuval Abraham enfatizó las dificultades de presentar este tipo de documental en un contexto de negación en su propio país.

Además, John Malkovich fue galardonado con la Copa Volpi al mejor actor por su papel en Wild Horse Nine, donde se erige como un espía-cómico, un personaje que ofrece una mirada irónica al imperialismo estadounidense y al golpe de Estado en Chile. La gala, marcada por un homenaje a la mítica productora Jeremy Thomas, también recordó la influencia duradera de cineastas como Bernardo Bertolucci.

La edición de 2026 ha puesto en evidencia temas actuales y relevantes en el cine, así como una apertura a narrativas que desafían las normas establecidas. En un contexto donde Hollywood parece centrarse en producciones de grandes estudios, los cineastas independientes han encontrado en Venecia un espacio para dar vida a sus visiones.

El palmarés, que refleja la diversidad y riqueza del cine contemporáneo, incluyó las siguientes distinciones:

León de Oro: Woman Unknown, de May el-Toukhy.
Gran Premio del Jurado: Possible Love, de Lee Chang-dong.
Premio Especial del Jurado: NAZA, de Yuval Abraham y Rachel Szor.
León de Plata a mejor director: Ilya Khrzhanovskiy por DAU.
Mejor Guion: Stéphane Brizé, Coralie Amédéo y Olivier Gorce por Un bon petit soldat.
Copa Volpi al Mejor Actor: John Malkovich, por Wild Horse Nine.
Copa Volpi a la Mejor Actriz: Mathilde Arcel, por Woman Unknown.
Premio Marcello Mastroianni a intérprete emergente: Malou Khebizi, por A Place to Heal.

Esta edición del festival ha marcado un hito en el reconocimiento de la diversidad y la urgencia de permitir que todas las voces sean escuchadas en el mundo del cine.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-12/la-danesa-woman-unknown-de-may-el-toukhy-gana-el-leon-de-oro-en-el-festival-de-venecia.html

Forastera: inquietante desasosiego juvenil

Redacción — Fri, 11 Sep 2026 07:13:53 GMT

El cine contemporáneo enfrenta un dilema en la era de los festivales de segunda fila, donde muchas películas luchan por capturar la atención del espectador, a menudo perdiéndose en un mar de despojo y monotonía. Este fenómeno se traduce en un aburrimiento que puede surgir bien por la falta de interés en la trama, o por una forma narrativa inadecuada que no logra sostener la atención. Sin embargo, los realizadores que abrazan un enfoque más pausado pueden, con talento, ofrecer experiencias cinematográficas extraordinarias.

Un claro ejemplo de esta dinámica es Forastera, la ópera prima de Lucía Aleñar Iglesias. Con una formación académica sólida que incluye estudios en la Escuela de Cine de Nueva York y un máster de guion en Columbia, Aleñar ha adaptado su propio corto homónimo de 2020 en un largometraje que aborda cuestiones de identidad y conexión familiar. Situada en una idílica casa de Mallorca, la historia se centra en una adolescente que, tras la muerte de su abuela, inicia una relación compleja con su abuelo, marcada por un intercambio inquietante de roles familiares.

El filme se sitúa en un contexto de pérdida y duelo, explorando las primeras experiencias sentimentales y sexuales de los jóvenes. Sin embargo, su desarrollo tiene un ritmo lento que puede disuadir a algunos, puesto que tarda aproximadamente 55 minutos en encontrar su ritmo narrativo. A lo largo de este tiempo, se manejan paisajes visuales cautivadores, capturando la luz y el entorno con un gusto notable, pero los silencios pueden resultar vacíos y los diálogos, esporádicos e irrelevantes.

A medida que avanza la trama, la película comienza a transformar su atmósfera. En los últimos 30 minutos, Aleñar introduce una musicalidad envolvente, elementos visuales expresivos a través de angulares dramáticos y simbolismos que añaden mayor profundidad a la narrativa. Este cambio culmina en un final que, aunque mejorado, podría no ser suficiente para recuperar la atención disipándose en el primer acto.

A pesar de haber recibido reconocimientos internacionales y un premio de la Crítica en la sección Discovery del Festival de Toronto, la obra ha inscrito su estreno en septiembre, más de un año después de debutar en el festival Seminci de Valladolid en 2025. Para muchos críticos, incluido este autor, Forastera no se presenta como una película fácil de digerir, y algunos pueden argumentar que no ha cumplido sus expectativas.

La producción, que cuenta con un elenco destacado que incluye a Zoe Stein y Lluís Homar, se articula como un drama notable en un contexto cinematográfico cambiante. Con una duración de 97 minutos y su estreno programado para el 11 de septiembre, la película invita a la reflexión sobre la complejidad de las relaciones humanas y las experiencias de los jóvenes en un marco de pérdida y descubrimiento.

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Conexión perfecta entre amor y trabajo

Redacción — Tue, 08 Sep 2026 16:59:32 GMT

Ante una sala de prensa colmada de periodistas y admiradores, Penélope Cruz y Javier Bardem presentaron su más reciente colaboración cinematográfica, Búnker, en el Festival de Cine de Venecia. Dirigida por el talentoso Florian Zeller, la película explora las complejidades de una relación de pareja atrapada en el dilema entre el éxito profesional y la conexión emocional.

En la historia, Bardem interpreta a un arquitecto español que vive en Londres y se enfrenta al encargo de diseñar un búnker de lujo para un magnate tecnológico. A través de este proyecto, la trama profundiza en cómo las tensiones de este encargo impactan su relación con la editora encarnada por Cruz, quien se siente cada vez más desconectada en su entorno británico. Zeller, en la presentación, reflexionó sobre el guion, señalando que aborda la "paranoia de los ricos" y la creciente desconexión social que se vive en la actualidad.

Junto a Cruz y Bardem, también participaron en la conferencia Stephen Graham, Paul Dano y Patrick Schwarzenegger, quienes aportan matices y profundidades a la historia. Bardem resaltó que decidieron trabajar en este proyecto por la calidad del material que Zeller había desarrollado, mencionando que la historia resuena con temas actuales que afectan a diversas relaciones humanas.

La química entre Bardem y Cruz ha sido un aspecto vital en la construcción de su personaje en la pantalla. Ambos actores expresaron su confianza en Zeller como director y su capacidad para gestionar la intimidad de su relación mientras exploraban los elementos más humanos y emocionales del guion. En palabras de Cruz, la experiencia de trabajar juntos se siente "natural", consolidando un equilibrio saludable entre su vida personal y profesional.

En Búnker, se aprecia un uso innovador del lenguaje, ya que los personajes de Cruz y Bardem interactúan en español entre sí, pero se comunican en inglés con su entorno, algo que Cruz considera un reflejo positivo del avance del cine multicultural. La actriz subrayó que hacía unos años esto habría sido impensable y celebró que hoy en día los proyectos multiculturales obtienen financiamiento y reconocimiento.

El filme también aborda el tema del miedo y la deshumanización en la sociedad contemporánea, un tema que resonó en las declaraciones de Cruz. Explicó que su personaje refleja la manipulación que existe en el mundo actual y la pérdida de la conexión humana. Para ella, era esencial dar voz a estos conceptos a través de su actuación, mientras que Bardem se mostró firme en que los artistas tienen la responsabilidad de ser fieles a su verdad y abordar temáticas relevantes.

Florian Zeller, al hablar sobre la construcción del búnker en la trama, señaló que este simboliza el aislamiento que muchas personas eligen en su día a día, reflexionando sobre una sociedad que a menudo prefiere encerrarse en su propia burbuja en lugar de explorar el mundo.

Sobre la creciente apreciación del cine español en el ámbito internacional, Bardem expresó su optimismo acerca de la calidad de las producciones y la forma en que el cine español ha comenzado a resonar y ser bien recibido en otros países, destacando los beneficios de contar con historias que ahonden en las realidades de su entorno.

La presentación de Búnker no solo subraya el compromiso de Cruz y Bardem con su arte, sino también su deseo de impulsar una reflexión en la audiencia sobre la conexión humana en un mundo cada vez más aislado y veloz.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-08/penelope-cruz-sobre-javier-bardem-en-venecia-tenemos-un-buen-equilibrio-entre-lo-personal-y-lo-profesional.html

Javier Bardem y Penélope Cruz, amor cinematográfico

Redacción — Tue, 08 Sep 2026 06:04:59 GMT

Este martes se llevará a cabo la proyección de Búnker, dirigido por Florian Zeller, en el Festival de Venecia. Este drama explora el conflicto de un matrimonio, en el que el esposo, un arquitecto, toma la decisión controvertida de asumir un proyecto para construir un búnker de supervivencia para un multimillonario tecnológico. Esta elección desencadena serias dudas en la esposa sobre su relación.

Zeller compuso este drama específicamente teniendo en mente a Penélope Cruz y Javier Bardem, quienes, además de ser aclamados actores españoles, son pareja en la vida real. Este filme marca su noveno proyecto conjunto, aunque en varios de ellos no compartieron escenas.

Un recorrido por su trayectoria como pareja en la pantalla revela hitos significativos:

‘Jamón, jamón’ (1992): Su primer trabajo en común, dirigido por Bigas Luna, que catapultó a ambos a la fama. Recuerdan momentos de rodaje destacados, incluyendo escenas memorables que reflejan su química.
‘El amor perjudica seriamente la salud’ (1996): Una comedia donde Cruz es una fanática de The Beatles y Bardem aparece brevemente como camillero, sin coincidir en pantalla.
‘Carne trémula’ (1997): Cruz debuta en el universo de Almodóvar, interpretando a una joven madre, mientras Bardem tiene un rol clave como policía.
‘Sin noticias de Dios’ (2001): Cruz asume un papel protagónico en el que Bardem, aunque aparece, no es visible para el público.
‘Vicky Cristina Barcelona’ (2008): El filme que marcó el inicio de su romance. Durante el rodaje, surgió una conexión especial que culminó en su relación amorosa.
‘El consejero’ (2013): Aunque ambos participaron en esta película de Ridley Scott, sus personajes no se cruzan en pantalla.
‘Loving Pablo’ (2017): Por fin trabajan juntos como pareja en la pantalla, interpretando a Pablo Escobar y a la periodista Virginia Vallejo, respectivamente. Cruz destacó los retos emocionales que enfrentó durante el rodaje.
‘Todos lo saben’ (2018): En este drama dirigido por Asghar Farhadi, interpretan a una expareja con la que aún existe cariño y aprecio. Bardem se mostró preocupado por el estado emocional de Cruz durante la filmación.

Con su nueva colaboración en Búnker, Zeller ha querido explorar la complejidad emocional de una pareja que enfrenta dilemas morales en su relación. El director expresó su admiración por la valentía de Bardem y Cruz al abordar estos temas íntimos y personales en la interpretación.

Según Zeller, la experiencia de rodar en Madrid, su hogar, ha sido intensa y gratificante. La conjugación de su enfoque artístico y el vínculo personal entre los actores promete ofrecer una obra cinematográfica rica en emociones y matices.

Este recorrido cinematográfico de Bardem y Cruz ilustra no solo su evolución como artistas, sino también su capacidad de trabajar en colaboración en proyectos que desnudan las realidades de la vida y el amor.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-08/javier-bardem-y-penelope-cruz-una-historia-de-amor-de-cine.html

Lágrimas italianas: un descuido fatal

Redacción — Fri, 04 Sep 2026 03:49:15 GMT

En la vorágine de la vida moderna, un instante de distracción puede cambiarlo todo. Esta premisa, que se convierte en el eje de una intensa narrativa cinematográfica, nos lleva a reflexionar sobre los efectos devastadores que un descuido puede tener en nuestras vidas. La última obra de un destacado director italiano explora este concepto a través de una trama que entrelaza la enseñanza familiar y la lucha contra la adversidad de una enfermedad.

El filme aborda el tema del tiempo y su influencia en las relaciones militares en el seno familiar. Un hombre maduro enfrenta su propia autodestrucción tras un accidente trágico que altera su existencia y la de quienes lo rodean. Como un eremita que se aísla en su dolor, la historia plantea cuestiones fundamentales sobre cómo lidiar con las adversidades y si el cerrarse al mundo y aferrarse a lo poco que puede ofrecer satisfacción es realmente la mejor respuesta.

La narración, rica en matices, nos adentra en los dilemas que rodean la educación de los hijos y la convivencia con enfermedades degenerativas. ¿Deberíamos abrazar cada pequeño momento de felicidad o asumir una postura más cautelosa para evitar daños mayores? Las decisiones que tomamos, más aún en situaciones límites, se convierten en el hilo conductor del relato.

La construcción de la historia se desarrolla con precisión, especialmente en la primera mitad, donde el director introduce lentamente el trasfondo del protagonista, su exesposa y sus hijos. Esta cadencia narrativa crea una tensión emocional que mantiene al espectador intrigado, deseoso de descubrir las raíces del conflicto.

No obstante, a medida que la trama avanza, el guion se desvíe hacia una narrativa paralela que, aunque aporta un contraste generacional, se percibe como menos relevante en el contexto del drama principal. La interacción entre el protagonista, que se siente ajeno a su entorno cotidiano, y un grupo de jóvenes que desafían las normas convencionales resalta el choque entre generaciones. Sin embargo, muchos consideran que el enfoque principal debería permanecer más centrado en el núcleo familiar.

La película, un dramma que evoca conflictos familiares similares a otros títulos reconocidos de la cinematografía contemporánea, recupera fuerza en su parte final. Se enfoca en un juicio que tiene consecuencias vitales para el protagonista, encapsulando la complicada relación entre responsabilidad y perdón. La actuación del actor principal añade una capa de profundidad, convirtiendo sus gestos sutiles en mensajes cargados de significado.

Como es habitual en el cine italiano, la obra transita entre el dolor y la ternura, sin miedo a evocar emociones intensas. Se abordan los accidentes que alteran la trayectoria de nuestras vidas con un enfoque humanista, recordándonos que, frente a las calamidades, siempre hay espacio para la comprensión y el crecimiento.

Con un estreno programado para el 4 de septiembre y una duración de 100 minutos, este drama promete tanto como su predecesor, un trabajo que ya había explorado temas similares con maestría. El enfoque en las relaciones humanas y los desafíos de la vida cotidiana resultan en una experiencia cinematográfica rica en emociones, reflexión y, sobre todo, humanidad.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-04/cinco-segundos-lagrimas-italianas-con-el-tragico-precio-de-un-descuido.html

Avatar 4 sigue en pie, ¿pero sin Cameron?

Redacción — Wed, 02 Sep 2026 18:39:08 GMT

En un panorama cinematográfico donde se cuestionan constantemente las secuelas y la relevancia cultural de las franquicias, las cifras alrededor de los filmes de Avatar hablan por sí solas. El primer Avatar, considerado una reinterpretación del clásico Dances with Wolves con un elenco alienígena peculiar, no solo capturó la imaginación del público, sino que, tras una reestreno en China en 2021, reclamó su título como la película de mayor recaudación de todos los tiempos, desplazando temporalmente a Avengers: Endgame. La secuela, The Way of Water, lanzó su apogeo económico alcanzando los 2.3 mil millones de dólares, mientras que Fire and Ash, que siguió tres años después, obtuvo 1.49 mil millones. Aunque esta última cifra representa un descenso notable, sigue siendo considerable en el ámbito de los blockbusters.

A pesar de estos éxitos financieros, persiste la incertidumbre sobre el futuro de la saga. Actualmente, están programadas dos secuelas adicionales, Avatar 4 y 5, con fechas de lanzamiento en diciembre de 2029 y diciembre de 2031, respectivamente. Sin embargo, el silencio sobre la producción de estas continuaciones es notable; aunque parte de Avatar 4 ya ha sido grabada, el rodaje completo aún no ha comenzado.

La magnitud técnica de los filmes de Avatar plantea retos significativos en términos de tiempo y recursos. Durante la promoción de Fire and Ash, el director, conocido por su meticulosa atención a los detalles y la innovación en el cine, insinúo que el futuro de la serie dependería del rendimiento económico de esta última entrega. A pesar de que las recaudaciones son impresionantes, los costos asociados con la realización de estas películas son considerablemente altos, lo que plantea preguntas sobre la continuidad de la franquicia en su forma actual.

James Cameron también ha expresado su contemplación sobre si seguirá dirigiendo las próximas secuelas. En entrevistas recientes, ha mencionado la posibilidad de delegar la dirección a alguien en quien confíe, sugiriendo que su enfoque podría cambiar en el futuro. Dado que ha estado sumido en el mundo de Avatar desde su debut en 2009, parece estar considerando nuevas historias para contar y el equilibrio entre la dirección y la producción con otros cineastas.

A pesar de los desafíos, Cameron sigue interesado en nuevas tecnologías para hacer las próximas entregas más eficientes y menos costosas. Ha declarado que se encuentran en la búsqueda de métodos que permitirían realizar las películas en la mitad de tiempo y por un costo significativamente menor. Esta búsqueda de optimización podría marcar un nuevo rumbo para la franquicia, que sigue viva en la mente de muchos, a pesar de su tamaño, y con la esperanza de que continúe deslumbrando con su universo.

Es esencial mantenerse informado sobre el desarrollo de esta saga, que, aunque enfrentando sus propias incertidumbres, sigue siendo un pilar dentro del mundo cinematográfico contemporáneo.

gq.com: https://www.gq.com/story/avatar-4-is-still-happening

Naomi Watts recibe Premio Donostia 2026

Redacción — Mon, 31 Aug 2026 10:25:00 GMT

La reconocida actriz británica Naomi Watts, de 57 años, será galardonada con el Premio Donostia durante la 74ª edición del Festival de San Sebastián, programada del 18 al 26 de septiembre. La entrega del premio tendrá lugar el sábado 19 de septiembre, un evento que resalta su destacada trayectoria en el mundo del cine. Watts se une así a otros grandes del séptimo arte, como el director alemán Werner Herzog, también homenajeado en este certamen.

El Festival de San Sebastián ha resaltado la versatilidad de Watts al alternar entre películas independientes y producciones de gran presupuesto, tanto en cine como en televisión. La actriz es aclamada como “una de las más talentosas y premiadas de su generación”, con un reconocimiento internacional que la catapultó a la fama, especialmente gracias a su interpretación en Mulholland Drive de David Lynch, considerada una de las mejores actuaciones de la cinematografía contemporánea.

A lo largo de su carrera, Watts ha obtenido dos nominaciones al Oscar a la mejor actriz. La primera fue por 21 gramos en 2003, dirigida por Alejandro González Iñárritu, y la segunda por Lo imposible en 2012, una obra del director español Juan Antonio Bayona. Su filmografía incluye colaboraciones con reconocidos cineastas como Peter Jackson, David Cronenberg y Clint Eastwood, entre otros. En 2009, estuvo presente en San Sebastián con Mother & Child, un trabajo que clausuró la sección oficial del festival fuera de concurso.

En el ámbito televisivo, la actriz también ha sido reconocida. Recientemente, recibió su primera nominación al Emmy por su interpretación de Babe Paley en la serie Feud: Capote vs. The Swans, producida por Ryan Murphy. En esta edición del festival, Watts protagonizará una de las proyecciones principales: The Housewife, debut del director canadiense Ben Shirinian. Ambientada en 1964 y basada en hechos reales, la trama sigue a un joven periodista que investiga a un hombre que podría ser un exoficial nazi oculto en Nueva York, y su viaje lo lleva a forjar una amistad inesperada con la esposa del sospechoso.

Aparte de su labor en el cine y la televisión, el festival también ha enfatizado el compromiso de Watts como activista en favor de la salud femenina, un aspecto que complementa su rica trayectoria artística. Con múltiples reconocimientos en su haber, incluyendo el Premio Montecito y el Premio Desert Palm, Naomi Watts sigue siendo una figura emblemática en la industria del entretenimiento y un referente para futuras generaciones de actores.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-08-31/naomi-watts-premio-donostia-en-el-festival-de-san-sebastian-2026.html

Revancha de Coyote contra Acme

Redacción — Sun, 30 Aug 2026 05:26:37 GMT

En 2018, Warner Bros. anunció el inicio de un nuevo proyecto cinematográfico que prometía emocionar a generaciones: una película centrada en los icónicos personajes de Coyote y Correcaminos. Estos eternos antagonistas han formado parte del imaginario colectivo desde que debutaron en los cortometrajes de Looney Tunes, convirtiéndose en sinónimos de perseverancia y humor. El guion, escrito por Samy Burch, se basa en un ingenioso artículo humorístico de The New Yorker, titulado Coyote v. Acme, que imagina al Coyote demandando a la Corporación Acme por los fallos de los productos que han frustrado sus planes de atrapar al veloz Correcaminos.

Dirigida por Dave Green, conocido por su trabajo en Ninja Turtles: fuera de las sombras (2016), la película ha logrado fusionar la esencia de Looney Tunes con la clásica combinación de acción en vivo y animación, reminiscentes de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Sin embargo, a pesar de su potencial, el destino del proyecto ha estado marcado por incertidumbres y retrasos significativos.

En una reciente entrevista, Green identificó el hecho de que la película finalmente vería la luz como un "milagro". A lo largo del proceso, el equipo se comprometió fervientemente a honrar el legado de estos personajes, a pesar de que durante cierto tiempo se dudó de la viabilidad del proyecto. La postproducción estuvo marcada por un meticuloso análisis, donde se decidieron no incluir chistes que pudieran parecer demasiado contemporáneos o triviales, priorizando la fidelidad al canon original de los personajes.

En el fondo de la trama, el Coyote, cansado de sus constantes fracasos, contrata a un abogado, interpretado por Will Forte, para llevar a cabo su demanda. John Cena interpreta al abogado de Acme, creando una ironía en torno a la incompetencia de la corporación que es famosa por producir productos defectuosos. Esta dinámica ha dado lugar a una narrativa que examina no solo el humor, sino también una crítica sobre la avaricia corporativa y la lucha del individuo contra sistemas injustos.

No obstante, el drama detrás de escenas ha sido intenso. A medida que se acercaba la fecha de estreno en noviembre de 2023, Warner decidió retirar la película de su calendario, lo que creó un palpable descontento en el equipo. La decisión parecía estar alineada con un cambio estratégico bajo el liderazgo del nuevo CEO, David Zaslav, quien había cancelado otros proyectos sin una clara justificación.

Transcurrieron casi tres años antes de que la película resurgiera con una nueva productora. En agosto de 2024, Ketchup Entertainment adquirió Coyote vs. Acme y programó su lanzamiento para agosto de 2026, después de que un tráiler fuera recibido con más de 25 millones de visualizaciones en solo 24 horas. Esto demuestra que, a pesar de las adversidades, el interés por la película se mantenía intacto.

Así, Coyote vs. Acme no solo se presenta como una obra de entretenimiento, sino también como una reflexión sobre la naturaleza de la lucha contra las injusticias corporativas, en la que humor e ingenio se entrelazan con una crítica social. Esta narrativa, que resuena con un público contemporáneo, aborda temas que van más allá de la comedia familiar, planteando preguntas relevantes sobre el mundo actual y los desafíos que enfrentamos diariamente. Con el lanzamiento programado, las expectativas son altas, y los fanáticos de toda una vida esperan ansiosamente el regreso de sus personajes favoritos a la pantalla grande.

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Anoche dominé Tebas: el descanso del guerrero

Redacción — Fri, 28 Aug 2026 06:18:10 GMT

Gabriel Azorín ha dado un paso audaz en su carrera cinematográfica con la película que presentó durante el festival de Venecia. Rodada en las termas de Bande, junto al río Limia, que cruza el norte de Portugal y el sur de Orense, la historia se enraíza en un contexto mitológico donde la memoria se pierde. Un grupo de amigos, tras una intensa batalla virtual en un videojuego inspirado en guerras antiguas, se encuentra en un ambiente que transforma su charla casual en algo más profundo.

La película, una obra íntima que explora la amistad masculina, destaca por su singularidad no solo en la narrativa, sino también en su forma. Con una rica mezcla de idiomas —portugués, gallego y latín—, los diálogos fluyen como el agua de las termas, creando una musicalidad que resuena con el ambiente. A medida que los personajes se quitan sus armaduras metafóricas, revelan sus verdaderas vulnerabilidades. La obra es una meditación sobre la camaradería, donde la conversación se torna en un espacio seguro para el desahogo emocional.

En el contexto del festival de Venecia, Azorín compartió el escenario con otra película que también presentaba elementos sobrenaturales vinculados al agua, lo que contribuye a un diálogo más amplio sobre el papel del agua en la narrativa contemporánea. En el caso de "Anoche conquisté Tebas", el vapor de las termas actúa como un elemento que conecta la historia antigua con dinámicas modernas de la amistad y el propio cine.

La elección de Azorín de usar planos fijos y un innovador plano aéreo al inicio contribuye a una atmósfera que es a la vez arriesgada y modesta. A través de conversaciones largas, que en primera instancia pueden parecer banales, la película se convierte en un retrato vívido de la amistad masculina y sus emociones, mostrando una profundización del tema inusual en el cine contemporáneo.

La obra está protagonizada por un elenco compuesto por Santiago Mateus, Antonio Gouveia, Oussama Asfaraah y Pavle Cemerikic, y se presenta como un drama de 112 minutos que invita al espectador a sumergirse en sus sutiles interacciones. Desde su estreno, que tuvo lugar el 28 de agosto, se ha establecido como un espejo de las complejidades de la relación entre hombres, convirtiéndose en un referente para futuras exploraciones en el cine.

La capacidad de Azorín para revitalizar el diálogo y la introspección a través de este entorno acuático revela una sensibilidad hacia las emociones humanas que resonará en el público. Con cada escena, "Anoche conquisté Tebas" se sumerge más en la exploración de lo que significa ser hombre en el mundo moderno, creando un impacto que va más allá de la pantalla.

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