El jurado ha elogiado la capacidad de Fernández para innovar en la composición coreográfica, destacando su exploración de nuevos lenguajes escénicos y su expresividad única. Su formación en Danza Clásica y Contemporánea se ha visto reflejada en su trayectoria desde su trabajo en la compañía El Bailadero-Mónica Valenciano hasta su carrera independiente. Entre sus creaciones más destacadas se encuentran Matrioshka, Maya, Shichimi Togarashi, Las Perras, Souvenir, Perrita China y Expografía. Además, su papel como mentora y apoyo a nuevos talentos ha sido reconocido.

Por su parte, Marco Flores ha construido una carrera vinculada al flamenco y la creación contemporánea. El jurado ha resaltado su técnica excepcional y virtuosismo en la danza, elementos que transforman el flamenco con elegancia y versatilidad. Formado con reconocidos maestros como Antonio Canales y Javier Latorre, Flores ha co-dirigido y coproducido sus propios espectáculos desde 2004, destacándose obras como De Flamencas, Tránsito, Laberínticas, Paso a dos, Entrar al juego y Fase alterna.

Los Premios Nacionales de Danza tienen como objetivo reconocer la labor de personas o entidades dentro del ámbito de la danza, ya sea a partir de una obra o actuación presentada el año anterior, así como la trayectoria profesional. Fernández y Flores suceden en este honor a artistas como Guillermo Weickert y Janet Novás, premiados en 2025.

Este año, el galardón reafirma la rica tradición de la danza en España y pone de relieve la labor creativa y educativa de sus artistas, que continúan influyendo en el panorama danzístico contemporáneo. Con estos premios, se sigue celebrando la vitalidad y el impacto de la danza, una expresión artística que aporta profundidad y significado a la cultura.

Gracias por leer Columna Digital, puedes seguirnos en Facebook, Twitter, Instagram o visitar nuestra página oficial. No olvides comentar sobre este articulo directamente en la parte inferior de esta página, tu comentario es muy importante para nuestra área de redacción y nuestros lectores.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-30/amalia-fernandez-y-marco-flores-premios-nacionales-de-danza-2026.html

La ceremonia, conducida por Joaquín Hurtado y La Húngara, promete ser un espectáculo inolvidable, donde no solo se otorgarán premios sino que también se contará con un variado elenco de actuaciones en vivo. Artistas como Andy, Montoya, El Tren de los Sueños, Carmen Lemos, y Shakira Martinez estarán presentes, asegurando una noche vibrante y llena de música.

Un momento destacado de la gala será la entrega del Premio de Honor a Niña Pastori, en reconocimiento a sus 30 años de trayectoria artística. Además, Reyes Carrasco recibirá el galardón Temple y Pureza, reafirmando el compromiso del evento con la celebración de la música en todas sus formas.

Joaquín Hurtado, subdirector de Radiolé y Cadena Dial, expresó su entusiasmo por el evento, señalando que “los Premios Radiolé siempre nos hacen vivir una experiencia inolvidable que nos hace viajar al pasado, disfrutar del presente e ilusionarnos por el futuro con artistas increíbles.” El evento no solo celebra a los ganadores, sino también a la comunidad de oyentes y fans que hacen posible este encuentro.

En la pasada edición, nombres destacados como José Mercé, India Martínez, y Pastora Soler se llevaron los premios, con LaChispa y María Vidal destacándose por sus logros. La gala de este año, por tanto, promete ser un viaje musical que une nostalgia, celebración y el futuro de la música española.

La expectativa crece, y con ella, la promesa de una noche mágica que recordará a todos los presentes la riqueza del talento musical español.

Gracias por leer Columna Digital, puedes seguirnos en Facebook, Twitter, Instagram o visitar nuestra página oficial. No olvides comentar sobre este articulo directamente en la parte inferior de esta página, tu comentario es muy importante para nuestra área de redacción y nuestros lectores.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-14/nina-pastori-los-delinquentes-y-maria-jose-llergo-llenaran-sevilla-de-flemanco-en-los-premios-radiole-2026.html

El evento se destaca por su combinación singular de respeto y celebración. Los asistentes se sumergen en una dinámica que descansa en el silencio reverente, seguido de festividades que celebran lo vivido. Este sentido de comunidad y disfrute colectivo es motivo de orgullo para los aficionados locales, que valoran la experiencia en la plaza.

La actuación de Pedro El Granaíno en el balcón del ayuntamiento fue uno de los puntos culminantes del festival. Con una plaza colmada, su arte combinó tangos y bulerías, intercalando cantes tradicionales con estilos contemporáneos. El día anterior, había deleitado a la audiencia en el tablao del Hotel Tres Reyes, que permitía disfrutar de los artistas, ya sea a través de entradas o en eventos gratuitos.

Otro gran artista, Manuel Moreno Maya, conocido como El Pele, tuvo su turno el sábado, comenzando su actuación con la zamba "Alfonsina y el mar", para luego rendir homenaje a las raíces flamencas con su interpretación de la seguiriya. El viernes fue el turno de José Mercé, quien ofreció un repertorio de alegrías gaditanas, fandangos y bulerías, recibiendo aclamos entusiastas que exigían bises. Mercé presentó su proyecto basado en las composiciones del célebre Manuel Alejandro, además de recordar a su querido primo Enrique Soto Sordera, fallecido esa misma tarde.

Destacando en el programa también estuvo la Compañía de Manuel Liñán, que trajo su aclamado espectáculo "Muerta de amor", una mezcla de danza y cante que impresionó a la multitud. La guitarra flamenca también ocupó un lugar central en el festival, con un ciclo destacado en el Civivox Condestable. Felipe Maya, un referente de la guitarra flamenca, compartió el escenario con su hijo, asegurando la continuidad de su legado.

El ciclo culminó el sábado con la actuación del joven virtuoso Alejandro Hurtado, quien mezcló estilos clásicos y contemporáneos en su interpretación. La jornada finalizó con un emotivo recital de Yerai Cortés, que se presentó en un formato solista, acompañado por seis voces femeninas. Su actuación, aunque familiar en su lenguaje musical, logró cautivar al público con su dominio del ritmo y los silencios musicales.

Flamenco On Fire se reafirma así como un baluarte del arte flamenco, honrando su herencia mientras ofrece un espacio para la innovación y el disfrute comunitario. El festival, ligado a la figura del legendario Sabicas, sigue siendo un reducto vital para la preservación y promoción del flamenco en un contexto urbano contemporáneo.

Gracias por leer Columna Digital, puedes seguirnos en Facebook, Twitter, Instagram o visitar nuestra página oficial. No olvides comentar sobre este articulo directamente en la parte inferior de esta página, tu comentario es muy importante para nuestra área de redacción y nuestros lectores.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-08-30/flamenco-on-fire-se-cierra-retomando-su-pulso-de-calle-con-los-recitales-desde-los-balcones.html

Nacido como Ricardo Pachón Capitán, en honor a un tío que perdió la vida a manos de fuerzas golpistas en 1936, Pachón creció en un entorno acomodado que lo llevó a estudiar Derecho. Sin embargo, su verdadera pasión era la música. Durante su etapa universitaria, construyó un equipo de alta fidelidad de contrabando, que le permitió escuchar una amplia variedad de géneros, desde música clásica hasta flamenco. Este aprendizaje metódico le proporcionó un oído excepcional que aplicaría más tarde en su carrera como productor.

Su incursión en el mundo de la producción musical fue accidental, iniciando con la grabación de un disco flamenco que había quedado inconcluso. Esta experiencia lo introdujo a la emergente escena rockera sevillana, donde forjó lazos con músicos como Manuel Molina y otros miembros del grupo Smash. A través de conexiones, Pachón logró reunir a destacados artistas en un primer intento de fusionar rock y flamenco, aunque en ese momento no tuvo el éxito esperado.

De regreso a Sevilla, después de pasar por unas oposiciones al funcionariado, Pachón se convirtió en un pilar de la comunidad flamenca. Sus constantes interacciones con músicos locales le facilitaron la colaboración con la extraordinaria Lole Montoya, lo que culminó en el álbum Nuevo día en 1975, incentivando así una cadena de producciones que marcarían su carrera.

Pachón se destacó como un "George Martin" del flamenco andaluz al producir una variedad de trabajos, incluyendo el controvertido La leyenda del tiempo de Camarón, lanzado en 1979. A pesar de ser inicialmente incomprendido, este álbum ha conseguido el reconocimiento como uno de los más significativos de las últimas décadas en la música española.

A lo largo de su carrera, Pachón produjo más de un centenar de álbumes, incluyendo algunas de las obras más vendidas en la historia del flamenco, como Soy gitano (1989). Su capacidad de registrar y preservar actuaciones le confirió un valor en la conservación de la música gitana, y muchos de sus trabajos fueron reconocidos por su calidad artística.

Ricardo Pachón también incursionó en la producción audiovisual, siendo premiado por la realización de documentales que reflejan su compromiso con la comunidad gitana. A través de su historia y legado, Pachón no solo definió una época en la música andaluza, sino que también se conectó profundamente con la esencia cultural de una región rica en tradiciones. Su partida deja un vacío en el panorama musical, pero su influencia perdurará en las generaciones venideras.

Gracias por leer Columna Digital, puedes seguirnos en Facebook, Twitter, Instagram o visitar nuestra página oficial. No olvides comentar sobre este articulo directamente en la parte inferior de esta página, tu comentario es muy importante para nuestra área de redacción y nuestros lectores.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-08-19/muere-a-los-89-anos-ricardo-pachon-el-productor-musical-de-la-leyenda-del-tiempo-que-revoluciono-el-flamenco.html

Carlos Martín Ballester, un apasionado de la recuperación del sonido histórico, ha dedicado su vida a rescatar los primeros formatos de grabación, como los cilindros de cera de Thomas Edison y los discos de pizarra de Emile Berliner, que a menudo giraban a 78 revoluciones por minuto. Pocos en la industria musical actual parecen tener conocimiento de estos tesoros. Martín Ballester destaca que estas grabaciones son cápsulas sonoras que capturan momentos irrepetibles, no solo de músicos, sino también de literatos como Valle Inclán y Unamuno, reflejando la modernidad tecnológica de su tiempo.

Su curiosidad lo llevó a las peñas flamencas, queriendo escuchar a los cantaores históricos de los que tanto había oído hablar. Se encontró con interpretaciones más animadas que las contemporáneas, sugiriendo que la influencia de artistas como Antonio Mairena había ralentizado el flamenco, al buscar una mayor solemnidad. Considera que los intentos de digitalización de material antiguo a menudo sacrifican la esencia sonora, eliminando frecuencias que resultan en un sonido insípido.

El contexto de las primeras grabaciones revela un negocio marcado por la improvisación. En tiempos en que la grabación era costosa, se realizaban tomas únicas, lo que se evidencia en la imperfecta dicción de algunos intérpretes. En el flamenco, se pueden escuchar incluso las palabras directas de los cantantes y las reacciones del público, lo que añade una dimensión emocional inigualable.

A lo largo de la última década, con apoyo de la Junta de Andalucía y la colaboración de flamencólogos, Martín Ballester ha publicado obras que recuperan grabaciones de maestros del flamenco como Tomás Pavón y Manuel Torres. Sin embargo, la contracción del mercado discográfico ha puesto en riesgo estas iniciativas valiosas, llevándolo a operar dentro de redes informales de entusiastas.

Autodenominándose no como coleccionista, sino como arqueólogo sonoro, Martín Ballester busca no solo los discos raros, sino también los catálogos de discográficas, que sirven como mapas de un pasado musical que no debe ser olvidado. Su hogar no solo alberga grabaciones, sino también una rica colección de artes gráficas que celebran la grandeza de esta música, subrayando el talento que finalmente fue reconocido.

La labor de Martín Ballester es crucial en una época en la que muchos aspectos de nuestra historia musical corren el riesgo de caer en el olvido. Su trabajo representa una contradicción a la desidia de las discográficas modernas, al tiempo que nos recuerda que nuestras raíces sonoras están a salvo en manos de quienes se niegan a dejar que se desvanezcan. La historia de la música flamenca, así como de otras tradiciones, necesita ser conmemorada y preservada. Esta visión es esencial para comprender no solo el arte en sí, sino también el legado cultural que representa en nuestra sociedad.

(Actualización: los datos corresponden a 2026-08-09 21:30:00.)

Gracias por leer Columna Digital, puedes seguirnos en Facebook, Twitter, Instagram o visitar nuestra página oficial. No olvides comentar sobre este articulo directamente en la parte inferior de esta página, tu comentario es muy importante para nuestra área de redacción y nuestros lectores.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-08-10/contra-la-desidia-de-las-discograficas.html

Pepe Habichuela, cuyo nombre real era José Antonio Carmona Carmona, nació en Granada en 1944, formando parte de una familia con una profunda tradición guitarrística que se remonta a su abuelo. Su vida artística se forjó desde sus primeros pasos en las Cuevas del Sacromonte, donde aprendió a desarrollar un rasgueo potente, necesario para destacar entre el vibrante ambiente del cante y el baile. En 1964, se trasladó a Madrid, llamado por su hermano Juan, y rápidamente se estableció en los tablaos, aportando su talento a las grabaciones de figuras icónicas del flamenco como Juanito Valderrama y Fosforito.

Un momento trascendental en su carrera fue su colaboración con el cantaor Enrique Morente, que marcó un punto de inflexión en la historia del flamenco contemporáneo. Juntos publicaron dos innovadores álbumes en 1977, que rompieron con las tendencias dominantes y fusionaron estilos, sentando las bases de un nuevo camino para el flamenco.

El despegue de su carrera en solitario llegó en 1983, bajo el sello Nuevos Medios, cuando lanzó "A Mandeli", un trabajo que no solo conservó su esencia, sino que además introdujo nuevas innovaciones en su estilo. Su segundo disco, "Habichuela en rama" (1997), producido por su hijo Josemi, continuó esta línea de exploración musical, incorporando elementos de diversas culturas, como el trabajo con la banda Bollywood Strings de India.

A lo largo de su vida, Habichuela mantuvo un equilibrio notable entre la innovación y la tradición flamenca. Su habilidad para experimentar con su música mientras permanecía fiel a sus raíces fue el sello distintivo de su arte. En sus propias palabras, él afirmaba: “Toco como quiero, pero lo importante es que suene a lo que estás tocando”. Este compromiso con la autenticidad resonó en toda su obra, llevándolo a colaborar con figuras de otras disciplinas musicales, incluidos jazzistas de renombre.

Su legado no solo se encuentra en sus álbumes y colaboraciones, sino también en el impacto que tuvo en generaciones de músicos. Su familia, incluyendo su señora y su hijo, estuvo a su lado a lo largo de su carrera, enriqueciendo la narrativa de su vida artística y asegurando que su influencia perdure en el tiempo.

A medida que el flamenco sigue evolucionando, la figura de Pepe Habichuela permanecerá como un pilar fundamental de su historia, recordándonos la riqueza y la complejidad de este arte. Su partida nos hace reconsiderar no solo su contribución individual, sino también el camino que trazó para nuevos artistas en el universo flamenco. Su esencia vive en cada nota que toca quien se inspira en su legado.

Gracias por leer Columna Digital, puedes seguirnos en Facebook, Twitter, Instagram o visitar nuestra página oficial. No olvides comentar sobre este articulo directamente en la parte inferior de esta página, tu comentario es muy importante para nuestra área de redacción y nuestros lectores.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-08-04/muere-pepe-habichuela-titan-de-la-guitarra-flamenca.html

En esta obra, Carrasco encarna a Soledad Montoya, un personaje emblemático del Romance de la pena negra, que simboliza la profundidad y la tragedia típicas de las mujeres descritas por Lorca. La bailaora expresa su deseo de preservar la esencia más genuina del flamenco, entrelazándola con la poesía del reconocido autor andaluz. En sus propias palabras, su intención es "coger sus letras y pasarlas al flamenco".

El espectáculo presenta un enfoque dinámico, donde cada función se convierte en una experiencia distinta gracias a la combinación de coreografía y la improvisación de talentosas artistas que llevan en su interior la tradición flamenca. "Vamos con ilusión y con ganas de que se forme", afirma Carrasco, destacando la pureza del flamenco que será el eje central de la representación.

A la bailaora la acompañan figuras destacadas como Pastora Galván, en calidad de bailaora invitada, y la actriz Coco Reyes, quien recitará las obras antes de que las voces de Esperanza Fernández y Aurora Vargas, alternándose en las funciones, llenen el escenario con su canto, con la colaboración de Juana Salazar, La Tobala, y Samara Carrasco. Este elenco será dirigido por Carrasco mismo, rodeada por el cuerpo de baile compuesto por Saray de los Reyes e Inés Rubio, mientras que la dirección musical está a cargo del guitarrista Pedro Sierra, quien contará con el apoyo especial de Enrique El Extremeño y Samuel Cortés en el violín.

El director musical también compartió que la estructura del espectáculo está diseñada para que Coco Reyes introduzca cada pieza recitada, creando un diálogo con el público que se culmina con la interpretación cantada. Esta fusion de poesía y danza no solo rinde homenaje a Lorca, sino que también resalta la influencia del pueblo gitano en la cultura española, especialmente en esta conmemoración que marca el 90 aniversario del asesinato del poeta.

Después de más de cincuenta años en el escenario y una trayectoria reconocida con distinciones como el Premio Nacional de Danza y la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes, Carrasco revela la carga emocional que siente antes de cada actuación. Para prepararse, necesita momentos de soledad y concentración, asegurando que, a pesar de los cambios con el tiempo, su energía y fuerza se mantienen intactas.

El evento se convierte, por tanto, en una celebración viva de la tradición flamenca, una conexión profunda entre las mujeres que aportan su voz a la obra de Lorca y el legado del poeta que sigue resonando con vigor en la actualidad.

Gracias por leer Columna Digital, puedes seguirnos en Facebook, Twitter, Instagram o visitar nuestra página oficial. No olvides comentar sobre este articulo directamente en la parte inferior de esta página, tu comentario es muy importante para nuestra área de redacción y nuestros lectores.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-07-31/manuela-carrasco-baila-los-poemas-de-lorca-en-granada.html