Fotografía | Columna Digital

Cómo Elizaveta Porodina Captura la Vida

Redacción — Thu, 08 Oct 2026 22:57:53 GMT

En el fascinante mundo de la creación artística, la trayectoria personal de un creador puede marcar el inicio y el final de distintas fases en su carrera. Un ejemplo ilustrativo es la experiencia de una fotógrafa contemporánea que decidió plasmar su evolución en un libro, una obra que simboliza tanto el cierre de un capítulo como el comienzo de otro. En su reflexión sobre este proceso, la artista menciona que aunque al inicio no se planteaba el proyecto como un final, ha llegado a reconocerse en esta transición.

Su trabajo no se limita a capturar imágenes; se convierte en un viaje narrativo donde la fotografía actúa como un vehículo de emociones y relatos. La artista comparte que su enfoque ha estado marcado por una narrativa específica, un hilo conductor que ha guiado sus proyectos editoriales y comisiones. Al escribir su libro, ha buscado celebrar esta travesía y otorgarle una conclusión.

A través de su trabajo, esta creadora busca expresar lo que es único en su experiencia, un concepto que resuena con la idea de que, aunque muchas historias han sido contadas, la perspectiva de cada individuo tiene un valor intrínseco. En sus propias palabras, la sinceridad y autenticidad son la clave de su arte. Ella se esfuerza por traducir sus vivencias en metáforas visuales que, siendo profundamente personales, logran conectar con el público de manera universal.

Cada sesión fotográfica es una colaboración; la artista se prepara creando una narrativa que, aunque tiene partes definidas, también deja espacio para la flexibilidad. Reconoce que la experiencia emocional de su sujeto puede diferir de la suya, lo que añade una capa de profundidad y autenticidad a la obra final.

Este enfoque meticuloso pero adaptable no solo enriquece su trabajo, sino que también invita al espectador a formar parte de una historia en la que cada uno puede encontrar ecos de sus propias vivencias. En una era donde la autenticidad es cada vez más valorada, la perspectiva de esta artista se alza como un recordatorio de la importancia de compartir nuestras verdades y emociones con el mundo.

La información presentada se basa en las reflexiones de una creadora de 2026, donde la búsqueda de conexión y verdad en el arte sigue siendo una prioridad fundamental. El proceso de transformación personal y artística es constante, sugiriendo que en cada obra se pueden encontrar no solo historias individuales, sino también un sentido compartido que une la experiencia humana.

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gq.com: https://www.gq.com/story/elizaveta-porodina-paul-mescal

Europa comienza la temporada de ferias de arte

Redacción — Thu, 08 Oct 2026 02:45:52 GMT

En los últimos años, el mercado del arte ha vivido cambios significativos, especialmente en las ciudades de Londres y París, donde la dinámica de las ferias y subastas se ha vuelto un tema candente. Tras revisar los resultados mixtos de subastas en 2022 y 2023, Thaddaeus Ropac, un destacado galerista, expresó sus dudas sobre la salud del mercado londinense, señalando que París, con su atrayente estreno en Art Basel, ha empezado a eclipsar a la capital británica. Sin embargo, con la reciente renovación de su contrato de arrendamiento en Londres por diez años, Ropac no pierde la fe en la ciudad. Este optimismo se refleja también en Hauser & Wirth, que está construyendo un nuevo espacio de 15,000 pies cuadrados en Mayfair, un claro indicador de su compromiso con el mercado londinense.

A medida que Europa se prepara para una doble ronda de ferias de arte, comenzando con Frieze en Londres del 14 al 18 de octubre y continuando con Art Basel París del 21 al 25, el panorama se torna cada vez más interesante. Ropac, quien participará en ambas ferias, señala que la fuerza de París radica en sus exposiciones de museos que atraen a coleccionistas internacionales, a la vez que resalta el atractivo que Londres sigue ejerciendo para los artistas contemporáneos.

Hauser & Wirth también destaca en este contexto, manifestando que su lista de artistas refleja un fuerte deseo de exhibir en Londres. Zoe Sperling, socia de la galería, subraya que entre los 15 artistas que representan, muchos quieren ser parte del vibrante escenario cultural londinense. Ropac reafirma que Frieze es un espejo de lo que se está creando actualmente en el ámbito artístico, en contraste con su enfoque en obras históricas en París.

Desde el otro lado del Atlántico, los galeristas estadounidenses encuentran un equilibrio entre las dos ferias. Kenta Murakami, del Ortuzar gallery en Nueva York, opina que aunque París ha cobrado protagonismo, Londres todavía se mantiene relevante. La estrategia de Ortuzar consiste en presentar obras históricas en Frieze Masters y obras de mercado primario en Art Basel París, creando una continuidad conversacional entre ambas ciudades.

Las cifras de ventas reflejan este panorama cambiante. En la última edición de Art Basel París, se registraron ventas que superaron a las de Frieze, con obras destacadas vendidas por cifras considerables. Hauser & Wirth, por ejemplo, vendió un Gerhard Richter por 23 millones de dólares, mientras que el precio más alto en Frieze fue considerablemente menor. Sin embargo, algunos expertos sugieren que estos precios más accesibles en Londres podrían permitir que Frieze recupere su esencia de descubrimiento de artistas emergentes.

Las diferencias en los costos de participación en ferias también impactan la decisión de los galeristas. En Londres, los costos por metro cuadrado son significativos, y la creciente carga de impuestos y regulaciones pos-Brexit está cambiando la dinámica del mercado. En contraste, Art Basel París ofrece descuentos a expositores primerizos, lo que podría estar influyendo en la creciente participación de galerías.

Al mirar el futuro, tanto Londres como París están en una competencia constante. Mientras que esta última parece ir ganando terreno rápidamente, la capital británica sigue teniendo la ventaja de una mayor concentración de galerías y una afluencia significativa de exhibidores. Con Christie’s reportando récords de ventas en Londres, los analistas sugieren que ambos mercados continuarán evolucionando y adaptándose a medida que los coleccionistas buscan nuevas oportunidades de inversión.

Esta rivalidad no solo beneficia a los compradores; también fortalece la oferta cultural y artística en ambas ciudades. La competencia podría dar lugar a nuevas y emocionantes presentaciones, manteniendo ambos espacios vibrantes y en constante innovación. A medida que los amantes del arte se preparan para las ferias de otoño, el desenlace de esta disputa por la supremacía del mercado será un espectáculo digno de observar.

(Actualización a los datos: 2026-10-07 15:45:00)

artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/market/frieze-london-art-basel-paris-preview-market-temperature-1234801579/

La Barraca en conflicto tras Lorca: hallada la mayor colección de fotos inéditas de una función

Redacción — Sun, 04 Oct 2026 07:01:45 GMT

La noche del 29 de agosto de 1937, en medio de un verano marcado por la brutalidad de la Guerra Civil Española, Valencia se transformó en un escenario no solo de resistencia, sino de celebración cultural. En un contexto desgarrado por bombardeos fascistas, la compañía de teatro La Barraca, en su segunda etapa, se subió a las tablas de los jardines de Viveros para representar tres entremeses de Cervantes. Era un acto de resistencia cultural, un reto a la opresión que parecía amenazar la esencia misma del espíritu republicano.

La función se llevó a cabo casi dos años después del fusilamiento del reconocido poeta Federico García Lorca, y la revivificación del proyecto teatral que él había impulsado ofrecía un rayo de esperanza a una nación desangrada. La Barraca, compuesta por actores universitarios, buscaba no solo entretener, sino también educar a un público que, a pesar del horror que les rodeaba, se congregó en gran número para participar en esta experiencia artística. La fotografía del alemán Walter Reuter, que capturó el evento, ahora recuperada, ofrece un vistazo inédito a esa tarde en que más de un millar de personas se dejó llevar por el arte en medio del caos.

Los asistentes, de diferentes edades y condiciones, se reunieron en un ambiente de celebración entrelazado con la realidad de la guerra. Farolas iluminaban el espacio donde los actores, con su juventud y entusiasmo, daban vida a obras como La cueva de Salamanca, El retablo de las maravillas y Los dos habladores. Cada actuación era un llamado a la reflexión sobre las apariencias y el engaño, justo en un momento en que las propagandas bélicas dominaban la narrativa.

Las imágenes capturadas por Reuter son testigos de la diversidad del público: desde niños de rostro serio a mujeres que, a pesar de la tragedia, se dejaban llevar por el espectáculo. Era un retrato de resistencia y alegría frente a la adversidad. Un mes después de esa función, el escritor Juan Gil-Albert evocaría en una crónica la figura de Lorca y la fragilidad de la compañía, dejando entrever la impotencia y tristeza que tales momentos de arte podían inspirar en tiempos de guerra.

El contexto de la actuación era particularmente sombrío. Bombas caían del cielo, civiles se acercaban a refugios ya colapsados y los ecos de alarmas antiaéreas eran constantes. Sin embargo, la música de la Banda Municipal de Valencia entrelazaba los entremeses, evocando las grandes fiestas del pasado barroco español, lo que seguramente atrajo a la multitud en busca de un respiro en medio de tanta angustia.

Menos de un año después de esta emblemática actuación, Reuter se vería obligado a escapar a Francia. Durante décadas, sus fotografías de esta época permanecieron ocultas, guardadas en una lata de película, hasta que finalmente salieron a la luz a través de un proceso de catalogación. Hoy, esas 45 imágenes se consideran el reportaje fotográfico más extenso de un evento de La Barraca durante la guerra.

Con el tiempo, la historia de La Barraca y la figura de Federico García Lorca serían recordadas no solo como símbolos del arte en tiempos de guerra, sino como ejemplos de una lucha más amplia por preservar la cultura en medio del desasosiego. La tarde de aquel 29 de agosto de 1937 se convirtió, por tanto, en un hito de resistencia, donde el arte siempre encontrará una forma de florecer incluso en las circunstancias más adversas.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-04/la-barraca-en-guerra-despues-de-lorca-descubierta-la-mayor-coleccion-de-fotografias-ineditas-de-una-funcion.html

Tyler Mitchell gana premio Don Tyson de 250,000 dólares

Redacción — Wed, 23 Sep 2026 07:33:59 GMT

El reconocido fotógrafo Tyler Mitchell ha sido anunciado como el sexto ganador del prestigioso Don Tyson Prize, un galardón que le otorgará $250,000 en fondos sin restricciones. Este importante premio, lanzado en 2016 como parte del programa Tyson Scholars of America, se concede por las contribuciones significativas al arte estadounidense y es administrado por el Crystal Bridges Museum, ubicado en Bentonville, Arkansas. A partir de este año, el premio, que anteriormente era bianual y de $200,000, se otorgará anualmente.

Mitchell, originario de Atlanta y actualmente residenciado en Nueva York, es conocido por capturar momentos de alegría cotidiana en sus imágenes, a menudo presentando sujetos afroamericanos. Su trabajo ha ganado notoriedad mundial, siendo el fotógrafo que inmortalizó a Beyoncé en la portada de la revista Vogue en septiembre de 2018; una fotografía que, posteriormente, fue adquirida por la National Portrait Gallery del Smithsonian. Además, en 2021, su retrato de la vicepresidenta Kamala Harris también adornó la portada de la misma revista.

En 2019, su primera exposición individual, titulada “I Can Make You Feel Good”, se presentó en el museo de fotografía FOAM en Ámsterdam y luego se trasladó al International Center of Photography en Nueva York en 2020. En el ámbito profesional, Mitchell se unió a Jack Shainman Gallery en ese mismo año, antes de hacer el cambio a Gagosian en 2024, donde tuvo exposiciones individuales en Nueva York y Londres en 2025.

Olivia Tyson, nieta del fundador del premio y presidenta de la Tyson Family Foundation, destaca que Mitchell personifica el espíritu del Don Tyson Prize, describiendo su trabajo como "audaz, generoso, progresista y culturalmente relevante". Según Tyson, la obra del fotógrafo ofrece una visión poderosa de la vida, la belleza, el ocio y el sentido de pertenencia.

Desde su creación, el Don Tyson Prize ha premiado a dos organizaciones sin fines de lucro, como los Archivos de Arte Americano del Smithsonian en 2016 y Project Row Houses en 2020, además de reconocer a tres artistas: Nicholas Galanin en 2024, Deborah Willis en 2022 y vanessa german en 2018.

Willis, quien es también una ganadora del Don Tyson Prize y mentora de Mitchell, ha escrito sobre su trabajo, resaltando su habilidad para capturar la diversidad y las experiencias compartidas de una comunidad al evocar recuerdos de infancia, familia y ocio que son fundamentales en la vida social y cultural.

La elección de Mitchell como ganador añade una nueva dimensión al legado del Don Tyson Prize, consolidando su compromiso con el apoyo a los artistas que reflejan y enriquecen la narrativa del arte estadounidense contemporáneo.

artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/tyler-mitchell-wins-don-tyson-prize-crystal-bridges-museum-1234799079/

Museo Británico Prohíbe Fotos Tapestry

Redacción — Tue, 22 Sep 2026 16:45:59 GMT

El British Museum ha tomado una decisión que ha generado múltiples reacciones: ha prohibido la fotografía en la exposición del famoso Tapiz de Bayeux. Este anuncio se asemeja al que han implementado instituciones como la Capilla Sixtina, y ha dejado a muchos en un estado de descontento, especialmente considerando la era actual de las redes sociales donde compartir imágenes en Instagram se ha vuelto casi obligatorio.

El tapiz, que representa una pieza central de la historia medieval europea, atrae a miles de visitantes cada año. La decisión del museo, efectiva desde el 22 de septiembre de 2026, se presenta como un intento de preservar la integridad de la obra, disminuyendo el uso de luces artificiales y la posibilidad de que el público se distraiga con las cámaras en lugar de concentrarse en la experiencia inmersiva que brinda el tapiz. Mientras que algunos celebran esta medida como una forma de devolver el respeto que las obras de arte merecen, otros la ven como una restricción irremediable en un mundo donde las imágenes son omnipresentes.

El Tapiz de Bayeux, que narra la conquista normanda de Inglaterra en 1066, ha fascinado a historiadores y turistas por igual, y su representación visual a menudo ha sido fuente de interacciones en redes sociales. La prohibición de la fotografía es un recordatorio de que, a pesar de la tecnología contemporánea, hay un deseo creciente de que los visitantes experimenten el arte tal como fue concebido.

A medida que avanza la discusión en torno a la medida, se plantean cuestiones más amplias sobre la experiencia del espectador en museos y la relación entre la tecnología y la apreciación del arte. La decisión del British Museum sirve como catalizador para que otros espacios culturales examinen sus políticas, mientras los visitantes deben adaptarse a la nueva norma.

Esta acción, aunque polémica, ha abierto un diálogo que va más allá del mero acto de fotografiar. Al final, se trata de encontrar un equilibrio entre el aprecio por la historia y la preservación de la experiencia artística en su forma más pura. La comunidad del arte y sus visitantes parecen estar en un camino de exploración sobre cómo interactuar con el pasado en un mundo cada vez más visual y digital.

nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/09/21/arts/design/bayeux-tapestry-photo-ban-british-museum.html

La fotografía como refugio de la homosexualidad

Redacción — Tue, 22 Sep 2026 10:14:53 GMT

¿Se pueden capturar las tormentas de las emociones a través de la fotografía? Esta es la premisa central de la obra de Minor White, un fotógrafo estadounidense cuya vida y trabajo transitan por las complejidades de la homosexualidad en un periodo en el que el ser uno mismo conllevaba riesgos significativos. Nacido en Minneapolis en 1908 y fallecido en Boston en 1976, White encontró en la fotografía una vía para expresar las tensiones y frustraciones que anidaban en su interior. Carlos Gollonet, comisario de la retrospectiva que la Fundación Mapfre dedica a White en Madrid, subraya la dualidad de su arte: un medio para manifestar el dolor de no poder vivir su verdad en una época de restricciones.

La exposición, que se presenta del 24 de septiembre de 2026 al 10 de enero de 2027, incluye más de 250 copias de época organizadas cronológicamente desde 1938 a 1973. Esta es la primera gran muestra sobre Minor White en Europa, coincidiendo con el 50 aniversario de su fallecimiento. Las tensiones amorosas y la lucha por ser auténtico se manifiestan en sus paisajes y retratos, donde se pueden encontrar elementos simbólicos que evocan su orientación sexual, una realidad que no podía ser expresada abiertamente sin temor a represalias.

White comenzó su andadura fotográfica gracias a su abuelo, pero su interés fue más allá, logrando una licenciatura en Botánica, antes de acabar en Artes con un enfoque hacia la fotografía. Su vida tomó un giro inesperado cuando sus padres descubrieron su homosexualidad a través de su diario. Este acontecimiento lo marcó, llevándolo a una existencia solitaria que le obligó a lidiar con su identidad de manera introspectiva. “Debo vivir con esta carga”, reflexionó White, un sentimiento que impregnó todo su trabajo.

Durante su etapa en Portland, White fue comisionado para documentar edificios que estaban a punto de ser demolidos, eligiendo capturarlos de noche, en un juego de sombras que proyectaba su inquietud interna. Su primera exposición individual en 1942 también incluyó bodegones y paisajes del Oregón, reflejando tanto la belleza de la naturaleza como su estado emocional. A lo largo de su carrera, White desarrolló series fotográficas que, como él mismo las describía, eran “cine de imágenes fijas”. Este formato se asemejaba a un libro de poemas, donde cada imagen contaba una historia, conectando distintas facetas de su experiencia.

Aunque fue influenciado por grandes como Alfred Stieglitz y Edward Weston, su trabajo trasciende el formalismo, buscando en cada imagen una metáfora que refleje su dolor y deseo de sanación. La serie “Las tentaciones de San Antonio son los espejos”, que incluye 32 poderosas fotografías de desnudos masculinos simbólicamente cargadas, destaca especialmente por su audacia en un contexto que podía haber llevado a un escándalo público.

Con una rica colección de 20,000 fotografías y 19,000 negativos en el archivo de la Universidad de Princeton, la exposición de Mapfre presenta no solo imágenes, sino también un catálogo exhaustivo y seleccionadas hojas de contacto y publicaciones que dan cuenta de su impacto en la fotografía moderna. La serie “Presagios de desastre”, que captura la soledad en las calles de San Francisco, es un testimonio de su habilidad narrativa, mostrando a las personas en un contexto urbano hostil.

White, además de fotógrafo, fue un educador comprometido, participando activamente en la docencia y la curaduría, dejando un legado en la enseñanza artística estadounidense. Fundador de la revista Aperture en 1952, White se destacó por su enfoque colaborativo, creando un espacio para la fotografía que abarcaba diversas tendencias y estilos después de la Segunda Guerra Mundial.

La obra de Minor White representa no solo un recorrido personal a través de la fotografía, sino también una exploración de la lucha por la aceptación y el reconocimiento de uno mismo. Al capturar sus experiencias a través del lente, White ofreció al mundo no solo su dolor, sino también su búsqueda de comprensión, convirtiendo cada imagen en un autorretrato emocional que resuena con la búsqueda universal de autenticidad.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-22/minor-white-la-fotografia-como-balsamo-de-la-homosexualidad-reprimida.html

Fotógrafos Captan a Trump Leyendo Noticias sobre el Centro Kennedy

Redacción — Thu, 17 Sep 2026 21:07:21 GMT

La noche del miércoles, una serie de impactantes fotografías revelaron escenas inusuales desde el interior de Air Force One. Captadas por destacados photojournalistas, las imágenes muestran al expresidente Donald Trump concentrado en un gran cartel que parece representar un anuncio importante: la demolición del Centro Kennedy, un emblemático lugar cultural ubicado en Washington D.C. Bajo la prominente frase “Kennedy Center DEMOLISHED”, la representación visual generó una ola de especulaciones y reacciones tanto en círculos políticos como en la opinión pública.

Este desarrollo no solo señala un giro dramático en la narrativa en torno a la infraestructura cultural del país, sino que también refleja el estilo audaz y provocador que ha caracterizado la retórica de Trump a lo largo de su carrera. La idea de derribar un hito como el Centro Kennedy, un símbolo de la cultura y el arte estadounidense, invita a cuestionar las prioridades y los planes del exmandatario para el futuro.

Establecido en 1971, el Centro Kennedy ha sido un epicentro para las artes escénicas, albergando actuaciones y eventos de renombre mundial. Su posible demolición plantea inquietudes sobre el futuro de las instituciones culturales en Estados Unidos y genera un debate sobre cómo los líderes políticos perciben el valor del arte en la sociedad. Además, la controversia puede revelar tensiones más profundas sobre el legado y la preservación del patrimonio cultural del país.

Este evento, captado a través de la lente de la cámara, se produce en un contexto en el que la política estadounidense atraviesa una etapa de cambios significativos, y la reconstrucción o demolición de iconos culturales podría convertirse en un tema clave para el diálogo nacional. A medida que se desarrollan los acontecimientos, la opinión pública observa atentamente lo que este ambicioso proyecto podría significar no solo para Washington D.C., sino para toda la nación.

Los recientes eventos están generando más preguntas que respuestas: ¿Qué futuro le espera al Centro Kennedy? ¿Y cuáles son las verdaderas intenciones detrás de esta propuesta? Mientras la discusión continúa, la imagen de Trump estudiando el cartel permanece en la mente de muchos, simbolizando una posible redefinición de la cultura estadounidense bajo un nuevo paradigma.

Es un recordatorio de que, en el trasfondo de la política, las decisiones sobre el arte y la cultura nunca están exentas de controversia y deben ser consideradas detenidamente. El tiempo dirá si esta propuesta se materializa y cuál será su impacto duradero en la historia cultural de Estados Unidos.

nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/09/17/us/politics/trump-kennedy-center-photos.html

La Odisea se rodó en celuloide

Redacción — Mon, 14 Sep 2026 21:02:01 GMT

La comunidad cinematográfica ha sido testigo de un resurgimiento notable del uso de película física en la era digital, un fenómeno que ha despertado tanto curiosidad como nostalgia. A medida que la tecnología digital ha transformado la producción de contenido visual, el regreso a la película ha ganado impulso, reafirmando su relevancia en un mundo donde los formatos digitales parecían haberla relegado a un segundo plano.

En un momento en que solo un fabricante, Kodak, sigue produciendo película fotográfica, el interés por este medio ha florecido, especialmente en proyectos emblemáticos como "The Odyssey". Esta obra, que ha capturado la atención de críticos y aficionados por igual, se ha rodado exclusivamente en película, marcando un hito significativo en la cinematografía contemporánea.

Directores y cineastas de renombre están redescubriendo las cualidades únicas que ofrece la película: su textura, la profundidad del color y la forma en que captura la luz. A menudo se menciona que trabajar con película añade una dimensión artística que a menudo se pierde en la inmediatez del proceso digital. Este desplazamiento hacia lo físico no solo refleja un deseo de autenticidad, sino también una resistencia contra la creciente homogeneización del contenido digital.

Mientras tanto, la industria cinematográfica explora los desafíos que presenta esta transición. La producción en película no solo implica un compromiso con el proceso, sino también una considerable inversión en tiempo y recursos. Sin embargo, los cineastas están dispuestos a asumir estos costos en busca de una experiencia visual que resuene profundamente con los espectadores. La calidad visual y estética se convierten en un refugio en un mar de imágenes generadas digitalmente.

Este retorno a la película es, en muchos sentidos, una respuesta a la saturación del mercado. A medida que más creadores buscan formas de destacarse en un panorama abarrotado, el uso de película ha emergido como una declaración creativa. Además, se crea una conversación sobre el futuro de la cinematografía y el lugar de la película en un mundo cada vez más digitalizado.

En conclusión, el renacer de la película en la creación cinematográfica representa un momento fascinante en la historia del cine. A medida que los cineastas continúan explorando las posibilidades que ofrece este medio, el interés en la filmografía física traerá consigo un renovado aprecio por la artesanía involucrada en la narración visual. Este redescubrimiento promete enriquecer no solo la experiencia del espectador, sino también la evolución misma del arte cinematográfico.

nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/09/12/arts/kodak-film-the-odyssey.html

Fallece Jay Maisel, fotógrafo de leyenda

Redacción — Sun, 13 Sep 2026 13:42:34 GMT

En un mundo donde la fotografía captura la esencia de momentos que perduran en el tiempo, se ha confirmado la muerte de uno de sus grandes exponentes. Jay Maisel, un fotógrafo renombrado, falleció a la edad de 95 años, dejando tras de sí un legado impresionante que abarca no solo lugares icónicos, sino también personalidades memorables, como el emblemático Miles Davis.

Nacido en la vibrante ciudad de Nueva York, Maisel tenía un ojo agudo para el detalle y una habilidad única para encapsular la vida urbana. A lo largo de su carrera, él exploró cada rincón de la Gran Manzana, desde sus bulliciosas calles hasta los momentos más íntimos de sus habitantes. Su trabajo no solo exhibió su destreza técnica, sino que además ofreció una profunda reflexión sobre la condición humana.

Una de sus fotografías más conocidas, aunque no considerada la mejor por el propio Maisel debido a un desenfoque menor, presenta al legendario músico Miles Davis. Esta imagen, a pesar de sus imperfecciones, se ha integrado en un portafolio que destaca la profundidad de su visión artística. La complejidad de esta obra refleja no solo el dominio del arte fotográfico, sino también la conexión entre el fotógrafo y su sujeto.

Maisel, cuya carrera abarcó varias décadas, se destacó por su enfoque humanista, mostrando a las personas en su entorno natural, en momentos de felicidad, tristeza y todo lo que hay en medio. Su habilidad para contar historias a través de la lente ha dejado una huella indeleble en la comunidad artística y en generaciones de fotógrafos que lo consideran una gran inspiración.

Mientras el mundo de la fotografía llora su pérdida, sus imágenes seguirán hablando por él, contando historias que resonarán en la memoria colectiva. En un tiempo como el actual, donde la inmediatez de las redes sociales puede eclipsar la narrativa visual más profunda, el estilo contemplativo de Maisel será recordado como un faro de autenticidad.

Así, en este momento de reflexión, se invita a todos a redescubrir su obra y apreciar la belleza que captura lo cotidiano en su máximo esplendor. Jay Maisel no solo dejó un legado visual, sino también una invitación a mirar el mundo con una nueva perspectiva. Su enfoque singular y su dedicación al arte de la fotografía garantizarán que su nombre perdure en la historia del arte.

Actualización: Se confirma que los datos relativos al fallecimiento de Jay Maisel corresponden a la fecha de 2026-09-13.

nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/09/11/arts/jay-maisel-dead.html

Maragall presenta imágenes de su lucha

Redacción — Wed, 09 Sep 2026 15:36:10 GMT

Hay fotografías que parecen intentar capturar el tiempo, mientras que otras, conscientes de su imposibilidad, se convierten en una forma singular de contemplarlo. Esta dualidad es el eje central de la exposición que ha inaugurado la temporada cultural de la Delegación del Govern de la Generalitat de Catalunya en Madrid, que enfrenta la obra fotográfica del expresidente catalán Pasqual Maragall y del renombrado fotógrafo Toni Catany.

La muestra reúne más de un centenar de imágenes tomadas por Maragall con su teléfono móvil entre 2007 y 2010, durante los años en que fue diagnosticado con alzhéimer. Estas instantáneas, compartidas junto a las obras de Catany, ilustran no sólo un diálogo entre un experimentado profesional y un aficionado, sino también un encuentro profundo entre dos maneras de abordar la memoria. La práctica fotográfica de Maragall surgió de un deseo espontáneo por conservar momentos significativos, como señala su hija, Cristina Maragall. “Su objetivo no era crear arte, sino preservar su conexión con el presente”, apunta.

El contexto de estas imágenes añade una carga emocional adicional. Mientras enfrentaba problemas de visión por cataratas, los retratos se convirtieron en un medio para conservar su perspectiva del mundo. Su hija explica que cada fotografía captura no solo lo que él veía, sino también cómo se recordará su mirada. Algunas de estas imágenes fueron rescatadas por Carles Bosch, quien se interesó en su valor documental en el curso de un documental sobre la vida de Maragall y su lucha contra la enfermedad.

El vínculo emocional que Cristina destaca ilustra un intento de Maragall por permanecer presente a pesar de los desafíos de su estado de salud. Las fotografías reflejan una visión crítica y entrañable de la vida familiar, cotidianidades y una crítica sutil de su entorno, mientras comparte vivencias íntimas de sus nietos y su esposa.

Por otro lado, las fotografías de Toni Catany aportan una visión más contemplativa sobre el paso del tiempo y las huellas que dejamos. La elección de Catany como contrapunto a Maragall no es casual; su amistad se forjó en un intercambio de conocimientos sobre la verdadera vida de la comunidad, llevando incluso a Maragall a pernoctar en su hogar. Este vínculo permite establecer un diálogo visual en la exposición, como menciona uno de los comisarios, Toni Grau, al subrayar que “el origen de todo es la memoria”.

La exhibición, organizada por la Fundació Pasqual Maragall y la Fundació Toni Catany, incluye elementos personales del expresidente, como el antiguo teléfono Nokia con el que capturó sus imágenes. Asimismo, se reconoce en Maragall un pionero en la práctica del "selfie", término que utilizaba en su tiempo como “autofotos”, creando un vínculo inesperado con la cultura visual contemporánea.

Más allá de ser simplemente una exposición artística, “La captura del tiempo” se erige como un estudio sobre lo que elegimos retenir cuando fotografiamos y cómo, a pesar de los estragos del alzhéimer, estas imágenes pueden ser un refugio de recuerdos, incluso para quienes están perdiendo sus propios recuerdos. Cristina Maragall destaca que, a pesar de su creciente dependencia y los efectos del tiempo, su padre continúa viviendo con tranquilidad y disfrutando de la música, mientras su legado visual ofrece fragmentos de su historia personal.

La exposición permanecerá abierta hasta el 28 de noviembre en el Centre Cultural-Llibreria Blanquerna de Madrid, invitando a los visitantes a reflexionar sobre la memoria y la relación íntima que todos mantenemos con el tiempo a través de nuestras imágenes.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-09/pasqual-maragall-y-la-fotografia-para-mantener-la-memoria.html

El "Robert Capa suizo": el fotógrafo de la infancia en la Guerra Civil

Redacción — Sat, 05 Sep 2026 07:03:01 GMT

En el contexto de la Guerra Civil Española, surge la figura de Paul Senn, un fotógrafo suizo cuya obra ha comenzado a resplandecer recientemente. Conocido como "el Robert Capa suizo", Senn capturó imágenes conmovedoras de los horrores y sufrimientos padecidos por los civiles en el bando republicano durante estos turbulentos años. Su trabajo, ahora recopilado en un libro, ofrece una mirada profunda a la evacuación de niños desde un Madrid asediado por las tropas franquistas, así como a hospitales militares y refugios organizados por el Gobierno republicano, hasta los dramáticos momentos de exilio por la frontera francesa.

Senn, nacido en 1901 en Rothrist, Suiza, mostró desde joven un claro interés en las artes. A los 16 años, se trasladó a Berna para trabajar en un taller de litografía y, posteriormente, se convirtió en un reconocido fotógrafo, colaborando con diversas revistas ilustradas. Su llegada a España en 1937 estuvo marcada por su participación en la organización humanitaria Ayuda Suiza a los Niños de España, un programa que enviaba alimentos y asistencia a la población afectada por el conflicto. Durante el esfuerzo, Senn documentó el viaje de los convoyes, capturando imágenes de niños que, con su mirada inocente, reflejaban la desolación y el sufrimiento a causa de la guerra.

Sus imágenes se centran en lo humano, evitando el sensacionalismo y enfocándose en los aspectos conmovedores y desgarradores de la vida en tiempos de conflicto. En sus fotografías se pueden ver escenas de niños evacuados, familias compartiendo sus pocas pertenencias, y el paso de cientos de personas huyendo hacia refugios, todo ello fotografiado con una sensibilidad que palpita en cada captura.

En 1939, Senn registró el dramático éxodo por la frontera francesa, donde hombres, mujeres y niños luchaban contra el frío invernal, llevando consigo lo que podían de sus antiguas vidas. Es un testimonio irrefutable del impacto devastador de la guerra, un relato visual de la lucha de seres humanos por sobrevivir en circunstancias extremas.

A medida que avanzaba la Segunda Guerra Mundial, Senn continuó su labor en Francia, documentando la vida en campos de internamiento donde se encontraban españoles y otros grupos perseguidos por el régimen de Vichy. Su legado no se limita a una serie de imágenes; representa un compromiso con la verdad y la humanidad, una mirada profunda a la situación de los más vulnerables.

Lamentablemente, la carrera de Senn fue interrumpida por su muerte en 1953, pero su trabajo perdura, conservado en el Museo de Bellas Artes de Berna, donde su memoria y trayectoria están siendo redescubiertas. A través de la exposición reciente de su obra, se han puesto de relieve no solo los horrores de la guerra, sino también el valor de un fotógrafo que dedicó su vida a capturar la esencia de la humanidad en medio de la tragedia.

La historia de Paul Senn es un recordatorio potente de la capacidad del arte para documentar la experiencia humana en su forma más pura, invitándonos a reflexionar sobre el pasado y a recordar a aquellos cuyas luchas quedaron ocultas tras el velo del tiempo.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-05/el-robert-capa-suizo-el-fotografo-que-tomo-desconocidas-imagenes-de-ninos-en-la-guerra-civil.html

Por qué Andy Warhol no captó a Dolly

Redacción — Sat, 29 Aug 2026 00:32:12 GMT

La intersección entre el arte y la cultura popular siempre ha sido un terreno fértil para el análisis, y la reciente revelación sobre la obra de Andy Warhol en relación con la icónica figura de la música country, Dolly Parton, no es la excepción. En un momento donde el arte contemporáneo sigue siendo objeto de debate y discusión, surge la pregunta: ¿qué significa realmente una obra cuando el sujeto mismo se siente insatisfecho con la representación?

El retrato de Parton por Warhol, que data de una época donde ambos eran íconos en sus respectivos campos, ha traído a la luz la complejidad de las relaciones entre el artista y el retratado. La decepción de Parton con su imagen capturada por el célebre artista puede servir como un reflejo de las expectativas en el arte contemporáneo. ¿Cómo puede un artista, conocido por sus técnicas innovadoras, fallar en representar adecuadamente a un ícono que tiene una visión clara de sí misma?

Dolly Parton, cuya carrera ha florecido desde sus inicios en los años 60, ha sabido navegar en el cambiante panorama del entretenimiento. Pero lo que parece ser una simple insatisfacción con un retrato podría ir mucho más allá. La percepción, la identidad y la traducción visual son temas densos que abren un sinfín de posibilidades para el análisis crítico.

El hecho de que un artista de la talla de Warhol, conocido por captar la esencia de sus sujetos a través del uso del color y la repetición, no haya logrado conectar con la realidad de Parton, nos plantea preguntas sobre la esencia de la representación misma. En la era de la imagen digital, donde cada uno tiene la posibilidad de articular su propia narrativa visual, la historia detrás de este retrato resuena de manera especial.

Desentrañar esta narrativa invita a los aficionados al arte y la música a reflexionar sobre cómo percibimos a los íconos de nuestra cultura y cómo estos mismos íconos perciben su lugar en el mundo. Así, lo que pudo haber parecido un simple desencanto puede ser interpretado como una crítica a las limitaciones de la representación artística.

A medida que continuamos explorando las relaciones entre arte y celebridad, la historia de Dolly Parton y su retrato por Warhol no solo es relevante, sino que sirve como un recordatorio de que detrás de cada obra existe una complejidad emocional que requiere reflexión.

La fecha de esta revelación, el 28 de agosto de 2026, invita a los amantes del arte a mantenerse atentos a la evolución de las narrativas en torno a las figuras que han moldeado la cultura popular. En este contexto, el diálogo sobre la autenticidad y la representación sigue siendo un tema crucial en la era moderna.

nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/08/27/arts/design/warhol-dolly-parton-portrait.html

Fotógrafo demanda a pintora Elizabeth Peyton por plagio

Redacción — Wed, 26 Aug 2026 01:03:21 GMT

La batalla legal entre el fotógrafo de rock Justin Thomas y la renombrada artista Elizabeth Peyton ha captado la atención del mundo del arte y la música. La semana pasada, Thomas presentó una demanda en el Distrito Sur de Nueva York contra Peyton, la galería David Zwirner y Sotheby’s, acusándolos de infracción de derechos de autor. Este conflicto gira en torno a una fotografía icónica que Thomas tomó en un after-party de Londes en 1995, donde los hermanos Liam y Noel Gallagher de la banda Oasis se abrazaban, un momento inusual dado su reconocida enemistad.

La obra en disputa de Peyton, titulada Earl’s Court (Liam + Noel), fue subastada en Sotheby’s en mayo por la asombrosa suma de $1,920,000. En la demanda, Thomas argumenta que la pintura es “una copia servil” de su trabajo original. Se afirma que Peyton replicó el momento capturado –la esencia de las celebridades del rock mostrándose tiernas–, transformando únicamente el medio y aplicando un ligero recorte y cambios de color.

Además, el documento legal menciona que la galería de Zwirner se benefició de la publicación y distribución de imágenes de la obra de Peyton, refiriéndose a ella como "la obra infractora". Sotheby’s, por su parte, fue nombrada en la demanda por haber vendido la pintura, que inicialmente se estimó en un rango de $1,500,000 a $2,000,000.

Justin Thomas, quien lleva más de 35 años documentando a íconos del punk, rock y Britpop como The Clash y Prince, ha posicionado la imagen de los hermanos Gallagher como el elemento central de su libro de fotografías, How Does It Feel? – Oasis 1995-2002. Según su denuncia, un representante de Sotheby’s se puso en contacto en abril para solicitar el permiso de usar su fotografía en un catálogo digital, por el cual recibieron un pago de $2,000. Sin embargo, tras cambios en la negociación, el fotógrafo se enteró de que su imagen había sido la base de la pintura subastada.

Peyton, reconocida por sus retratos figurativos, ha enfrentado antes acusaciones similares. En 2014 y 2016, el fotógrafo Dennis Morris la acusó de infracción de derechos de autor por reproducir imágenes de la banda Sex Pistols. Aunque la primera se resolvió fuera de los tribunales, el segundo caso resultó en la retirada de una obra de Sotheby’s.

A medida que este nuevo litigio se desarrolla, el interés tanto en el arte como en la fotografía se intensifica, revelando la compleja intersección entre la creación artística, el reconocimiento y los derechos de propiedad intelectual. Mientras tanto, ni la galería Zwirner ni Sotheby’s han ofrecido comentarios al respecto.

En un contexto donde la cultura visual se sitúa en el centro del debate sobre la originalidad y la autoría, este caso podría establecer un precedente definitivo en la forma en que se entiende y gestiona la relación entre fotografía y pintura en la contemporaneidad.

artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/photographer-sues-elizabeth-peyton-over-painting-using-his-photo-of-oasis-band-members-1234795728/

En su 31 cumpleaños, revive 31 estilos de Dua Lipa

Redacción — Sat, 22 Aug 2026 21:12:11 GMT

La evolución del estilo de Dua Lipa es, sin duda, un fenómeno a seguir. Desde que firmó su contrato discográfico en 2014, la artista británica ha trascendido en el ámbito musical con su segundo álbum, Future Nostalgia. Este trabajo discográfico, que ha generado una serie de éxitos consecutivos, también le abrió las puertas hacia el mundo del cine, donde fue elegida para interpretar a Mermaid Barbie en la película Barbie.

A lo largo de los años, Dua Lipa se ha consolidado como una figura destacada en las alfombras rojas y eventos de premiación, donde sus elegantes elecciones de vestuario captan la atención del público. Con icónicas apariciones en vestidos de Courrèges y looks vibrantes de Prada, su estilo se ha convertido en un referente de moda. Uno de sus momentos más memorables fue en el Met Gala de 2023, donde co-anfitrionó el evento vestida como una novia de Chanel de la colección de alta costura de otoño de 1992.

Su aclamada gira Radical Optimism también se destacó no sólo por su música, sino por ser un despliegue impresionante de moda, con grandes casas como Balenciaga, Valentino y Loewe compitiendo por vestirla. Dua Lipa se ha convertido en un ícono del estilo en la alfombra roja y una presence constante en redes sociales, donde impresiona con sesiones de fotos en la playa con piezas que recién salen de la pasarela y otras personalizadas.

Desde el uso de un vestido exclusivo de Bottega Veneta durante su fin de semana de bodas hasta su emblemático bolso de Chanel en el aeropuerto, sus elecciones de vestimenta no pasan desapercibidas. Con cada aparición, Dua Lipa capta la atención de una audiencia global, y, al celebrar su 31 cumpleaños, es un excelente momento para destacar algunos de sus looks más memorables. Este artículo se basa en información de 2026, con cifras y contextos que pueden haber evolucionado considerablemente hasta el año 1787433062.

vogue.com: https://www.vogue.com/slideshow/dua-lipa-best-fashion-moments

Partió de Ushuaia a los 24 años, recorrió 30.608 kilómetros y arribó a Alaska en 2.426 días: una gesta que estableció un récord

Redacción — Sat, 22 Aug 2026 07:04:43 GMT

George Meegan realizó un viaje épico sin precedentes, convirtiéndose en el primer hombre en completar la travesía a pie por las tres Américas, uniendo Ushuaia, en Argentina, con Prudhoe Bay, en Alaska. Comenzando su aventura el 26 de enero de 1977, Meegan recorrió aproximadamente 30.608 kilómetros en un desafiante lapso de 2.426 días, y su hazaña fue reconocida oficialmente por Guinness World Records.

Esta impresionante travesía abarcó un periodo de más de seis años, en los cuales el británico enfrentó una variedad de terrenos: montañas, desiertos y selvas, cruzando 14 países. Meegan, que inició su camino a los 24 años, describió su viaje como una "celebración de la libertad". Al llegar al océano Ártico el 18 de septiembre de 1983, se arrodilló en la playa y lloró, reconociendo la magnitud de su logro tras haber dado alrededor de 31 millones de pasos.

El recorrido de Meegan lo llevó a través de diversas regiones, desde el altiplano boliviano hasta las desérticas tierras de Perú, y a través de la complicada selva del Darién, considerada una de las áreas más difíciles entre Sudamérica y Centroamérica. A lo largo del viaje, su único transporte de equipaje fue un pequeño carro de dos ruedas. Sin patrocinadores estables, dependió de la ayuda generosa de las personas que conoció en su camino.

Los retos del viaje fueron mucho más allá de los físicos. Meegan experimentó un notable desgaste mental, que describió como una "prueba mental extrema". En una entrevista posterior, compartió su experiencia de desvanecerse cerca del colapso emocional en San Pedro Sula, Honduras, y recordó momentos de peligro extremo, incluyendo disparos durante el cruce del tapón del Darién.

Además de la adversidad física, Meegan vivió moments significativos emocionales. Al encuentro con su compañera Yoshiko en Panamá, donde conoció a su hija Ayumi, significó un hito en su travesía. Con la familia, se reunió durante la etapa norteamericana de su viaje, resaltando los lazos que, a pesar de la distancia y del tiempo, fueron fundamentales en su camino.

Al terminar su travesía, Meegan reflexionó sobre cómo la experiencia alteró de manera profunda su percepción del mundo y de la vida cotidiana. Su anhelo de riesgo físico lo llevó, años más tarde, a intentar revivir esa sensación en los Sanfermines de Pamplona. Esta odisea, que comenzó con la simple idea de que "el mundo en realidad no es tan grande", marcó su vida de una manera irreversible.

El registro de Guinness toco un punto de inflexión en la historia de las exploraciones modernas, al certificar la travesía de Meegan como la primera de su tipo en el continente americano. Este tipo de hazañas no solo fascinan por sus cifras impresionantes, sino también por la resistencia y la determinación humanas que representan.

infobae.com: https://www.infobae.com/america/mundo/2026/08/22/salio-desde-ushuaia-a-los-24-anos-camino-30608-kilometros-y-llego-a-alaska-tras-2426-dias-la-hazana-que-batio-un-record/

Cadena vitalicia sin posibilidad de salida

Redacción — Sun, 16 Aug 2026 15:38:28 GMT

El sistema penal británico enfrenta un momento crucial con la reciente condena a cadena perpetua de Simon Levy, quien ha sido clasificado entre los delincuentes más notorios del Reino Unido. A sus 40 años, Levy fue hallado culpable del asesinato de dos mujeres, Carmenza Valencia-Trujillo, de 53 años, y Sheryl Wilkins, de 39, así como de la violación de una tercera. Estos crímenes, que tuvieron lugar en marzo y agosto de 2025, ponen de relieve un preocupante patrón de escalada en la conducta del agresor, que había comenzado con ataques sexuales en el metro de Londres.

El jurado emitió su veredicto la semana pasada, y la condena de Levy a cadena perpetua sin opción a libertad condicional se alinea con las decisiones severas de un sistema diseñado para proteger a la sociedad. Este tipo de sentencia es la más dura en el Reino Unido, y actualmente alrededor de 70 condenados cumplen una pena de este tipo. La liberación es una opción solo en circunstancias humanitarias excepcionales.

La calidad y gravedad de los delitos de Levy le han asegurado un lugar en una lista que incluye a otros criminales infames como Lucy Letby, quien fue condenada por el homicidio de siete bebés; Wayne Couzens, responsable de la muerte de Sarah Everard; y David Fuller, sentenciado por crímenes que incluyeron el abuso sexual de más de 100 cadáveres femeninos. Esta lista destaca una tendencia inquietante en la criminalidad británica, donde los crímenes más atroces suelen estar vinculados a perpetradores que previamente habían sido liberados.

El artículo resalta que solo cuatro mujeres han sido condenadas a cadena perpetua en el Reino Unido. Entre ellas figuran Letby, Rose West, Joanna Dennehy y Myra Hindley, esta última fallecida en 2002. La ley británica ha evolucionado para permitir la imposición de sentencias más severas, incluidas reglas que extienden la posibilidad de cadena perpetua a aquellos que cometan asesinatos premeditados de menores o en circunstancias extraordinarias.

Las reformas introducidas por la Ley de Policía, Delincuencia, Condenas y Tribunales de 2023 han ampliado la capacidad de los jueces para aplicar esta pena máxima, incluso a individuos de entre 18 y 20 años en casos excepcionales, como actos terroristas de gran impacto. Sin embargo, la ley aún impone restricciones según la edad del autor, lo que significa que algunos, a pesar de sus crímenes, podrían evadir la cadena perpetua.

Uno de esos casos es el de Hashem Abedi, quien conspiró en el atentado de Manchester Arena en 2017. Aunque su crimen fue devastador, su edad al momento de los delitos le permitió evitar una sanción de por vida, algo que resalta las contradicciones dentro del sistema de justicia penal. Por otro lado, el caso de Axel Rudakubana, condenado por el asesinato de tres niñas justo antes de cumplir 18 años, señala una vulnerabilidad jurídica en la imposición de penas.

A medida que avanza el tiempo, el sistema penal británico continúa lidiando con la complejidad de la justicia, tratando de equilibrar la severidad de las penas con los derechos de los individuos, dejando a la sociedad preguntándose cuán efectivas son estas medidas en el verdadero objetivo de proteger a los ciudadanos de futuros delitos violentos. La historia de Simon Levy es un recordatorio sombrío de que detrás de cada número de condena hay vidas afectadas por el crimen, y la lucha por la justicia sigue siendo un camino complicado y desafiante.

infobae.com: https://www.infobae.com/america/mundo/2026/08/16/cadena-perpetua-sin-libertad-condicional-en-reino-unido-el-caso-de-simon-levy-que-reavivo-una-lista-temida/

SF Camerawork cesa tras 50 años

Redacción — Wed, 12 Aug 2026 02:36:29 GMT

Después de más de cinco décadas de influencia en la escena fotográfica de la Bahía de San Francisco, SF Camerawork ha anunciado su cierre definitivo. Esta lamentable decisión, comunicada en su sitio web, marca el final de una era para un espacio que ha sido un bastión de la creatividad y la innovación artística desde su fundación en 1974 por un grupo de artistas visionarios, entre los que se encontraban Hal Fischer, Donna-Lee Phillips y Lew Thomas.

A lo largo de sus 52 años de operación, SF Camerawork ha sido pionero en la exhibición de obras de fotográfos provocativos y contemporáneos, como Sally Mann y Robert Mapplethorpe. Su última exposición, centrada en el fotógrafo de la Bahía, John Chiara, culminará el 16 de agosto. Recientes muestras también incluyeron destacados artistas como Nasim Moghadam y Tricia Rainwater, reflejando la riqueza y diversidad del medio fotográfico.

La institución atribuyó su cierre a una serie de desafíos que atormentan a muchas organizaciones artísticas en el país, incluyendo el aumento de los costos operativos, la disminución de financiamiento público y una cambiante panorama filantrópico. A pesar de los esfuerzos concertados de su personal, junta directiva, artistas y donantes para asegurar un futuro sostenible, llegó a la dolorosa conclusión de que no podrían continuar.

Este cierre se inscribe en un contexto más amplio en San Francisco, donde las tensiones económicas han dado pie a un agotamiento inquietante en el ámbito artístico. La ciudad ha enfrentado un alto índice de vacantes en edificios de oficina y el cierre de comercios minoristas, todo esto junto a una crisis de homeless y problemas de salud pública. Aunque algunos líderes locales, como Ralph Remington, director de la Comisión de Artes de San Francisco, han defendido una narrativa alternativa sobre el estado vibrante de la escena artística, la realidad de la situación es innegable.

La comunidad artística ha visto su número de espacios reducidos. Kadist, otro actor significativo del arte en San Francisco, cerró su galería en 2025 después de 14 años de operaciones. A su vez, el Museo Judío Contemporáneo de San Francisco anunció el cierre temporal de sus puertas, citando dificultades financieras. En una notable inversión en el futuro, la California College of the Arts se prepara para cerrar en 2027, mientras que la Universidad de Vanderbilt de Nashville se ha hecho cargo de su campus tras recibir una generosa donación.

El mercado del arte también se ha visto afectado. Galerías de renombre, como Altman Siegel, han cerrado debido a la creciente dificultad del mercado, y reconocidos marchantes como Larry Gagosian han expresado sus frustraciones ante los retos presentados en la ciudad.

En un contexto donde la economía de San Francisco ha sido objeto de intensa discusión en varias esferas, la despedida de SF Camerawork resuena como un eco de los desafíos persistentes que enfrenta la comunidad artística en la región. A medida que algunas voces claman por una narrativa positiva sobre el arte en la ciudad, el cierre de esta venerada institución es un recordatorio de que los retos son tan reales como las oportunidades.

artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/sf-camerawork-close-rising-costs-dwindling-public-funding-1234794668/

Mirar para dudar: fotografía y ficción

Redacción — Mon, 10 Aug 2026 08:03:19 GMT

En una sorprendente fusión entre la fotografía y el cine, el director surcoreano Park Chan-wook presenta por primera vez en Europa su trabajo como fotógrafo. La exhibición, que despliega su visión única del mundo, reúne imágenes que transitan entre lo cotidiano y lo ominoso, un sello distintivo del cineasta reconocido por obras como "Oldboy" y "Decision to Leave". En una escena que evoca un mercado coreano, una ballena yace sobre una lona azul, rodeada por un camión cargado de hielo. La mancha de sangre sobre su cuerpo blanquecino añade una capa de violencia silenciosa, invitando a reflexionar sobre la realidad detrás de la imagen.

Park, quien explora lo grotesco en su trabajo, logra captar la inquietud intrínseca que reside en lo banal. En sus fotografías, un ramo de flores asfixiado dentro de un envoltorio plástico sugiere una lucha entre la vida y la muerte, mientras que la mano de un maniquí emergiendo de un radiador suscita preguntas sobre la identidad y la desesperación. Otras composiciones, como una hilera de parasoles cerrados, se metamorfosean en una inquietante procesión de fantasmas, creando un diálogo visual profundo.

El éxito de Park Chan-wook no es casualidad; su habilidad para combinar lo disonante con lo hermoso se manifiesta en cada toma. Su trabajo fotográfico, aunque menos conocido que su filmografía, promete captar la atención de los amantes del arte contemporáneo y de sus seguidores en todo el mundo. Es un recordatorio de que el medio fotográfico puede trascender su función documental para convertirse en una forma de ficción cargada de significado.

En esta era donde la línea entre realidad y ficción se difumina, las obras de Park surgen como una invitación a explorar este territorio incierto. Sus imágenes no solo son un vistazo a lo que es, sino también a lo que podría ser, provocando en el espectador una reflexión más profunda sobre la naturaleza de la percepción. Esta exhibición no solo desafía al espectador a ver, sino también a cuestionar lo que realmente observa. La fusión de lo cotidiano y lo inquietante en su trabajo visual establece un nuevo estándar en la fotografía contemporánea.

Actualización: La exhibición se mantiene relevante hasta el 9 de agosto de 2026, ofreciendo un espacio para la reflexión crítica en un mundo visual en constante cambio.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-08-10/ver-para-no-creer-cuando-la-fotografia-deja-de-ser-una-prueba-y-se-convierte-en-ficcion.html

El vacío de Lange envuelve la Costa Brava

Redacción — Tue, 04 Aug 2026 10:43:14 GMT

Palafrugell, la vibrante localidad del Baix Empordà, se destaca no solo como el lugar natal del célebre escritor Josep Pla, sino también como el municipio más poblado de la comarca, ofreciendo una vida cultural rica y dinámica. Este año, Palafrugell se convierte en el epicentro de la fotografía contemporánea al albergar la Bienal de Fotografía Xavier Miserachs, un evento que se celebra cada dos años y que, en esta edición, promete ser memorable.

Hasta el 8 de octubre, los visitantes tienen la oportunidad de explorar hasta 11 exposiciones a lo largo de esta encantadora villa, que todavía posee un ritmo tranquilo. Este año, se destacan las obras de grandes maestros de la fotografía documental como Dorothea Lange, conocida por su retrato impactante de la experiencia humana, y Sergio Larrain, cuyas imágenes evocan la belleza fugaz de la vida. Además, se muestran las fotografías de Gabriel Cualladó, un artista amateur que ha recibido el Premio Nacional de Fotografía, junto con retratos de la comunidad local realizados por el estudio L. Casanovas.

El evento no se limita a las grandes figuras del pasado; también se da espacio a las voces emergentes en el mundo de la fotografía. Txema Salvans, conocido por su enfoque antropológico del ocio, comparte su perspectiva, mientras que los jóvenes talentos como Wayra Ficapal y Carles Palacio son presentados, prometiendo un futuro brillante para la fotografía en la región. Adicionalmente, la librería No llegiu introduce un nuevo espacio dedicado a fotolibros, enriqueciendo aún más la oferta cultural de la bienal.

La convergencia de la tradición y la modernidad en Palafrugell está atrayendo no solo a los amantes de la fotografía, sino a quienes buscan una experiencia cultural integral. Este evento subraya la importancia de la localidad no solo como un punto de referencia en el ámbito cultural catalán, sino también como un espacio donde los relatos visuales narran la historia y cotidianidad de la vida en la Costa Brava. La Bienal de Fotografía Xavier Miserachs se reafirma así como una cita ineludible en el calendario cultural del año, invitando a todos a explorar, apreciar y reflexionar sobre el arte visual en sus múltiples formas.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-08-04/la-desolacion-de-la-fotografia-de-dorothea-lange-ilumina-la-costa-brava.html