LVMH, reconocido como el referente del sector, se anticipa que experimentará un crecimiento del 1% en Q3, con su división de moda y artículos de cuero enfrentando una disminución del 2%. Este descenso sigue a un leve crecimiento del 1% en Q2, considerado un punto de inflexión tras siete trimestres consecutivos de crecimiento negativo. Marion Ortelli, directora general de Ortelli & Co., menciona que un Q3 débil podría llevar a los inversionistas a interpretar la desaceleración del mercado de lujo como un fenómeno estructural, lo que podría ejercer presión adicional sobre las valoraciones.

Uno de los principales interrogantes en el panorama actual es la situación en China. Erwan Rambourg, analista de Goldman Sachs, señala que hay una desaceleración secuencial en el país, parcialmente atribuida a la implementación de un nuevo impuesto sobre activos extranjeros. Además, varias tiendas han cerrado, y el clima general parece desfavorable para el lujo. Durante las próximas llamadas de ganancias, se anticipan preguntas sobre las expectativas de estabilización en China y si Q3 puede considerarse un punto bajo antes de una mejoría.

Un factor adicional que ha influido en las ventas de LVMH en la región es el litigio con la marca de té local Molly Tea. La controversia, en la que Molly Tea deberá pagar aproximadamente 1.5 millones de dólares a LVMH por infracción de marca, ha generado reacciones negativas en las redes sociales chinas. La CFO de LVMH, Cécile Cabanis, defendió la protección de la propiedad intelectual como un activo fundamental para la compañía, destacando que estos casos son comunes en muchos mercados, incluida China.

No sólo China enfrenta retos. La bonanza del lujo en Corea del Sur, impulsada por la riqueza del sector tecnológico, especialmente en inteligencia artificial, también se espera que se modere en Q3 debido a comparaciones más difíciles con el año anterior.

Este panorama complejo y en evolución del sector de lujo plantea una serie de preguntas relevantes para inversores y analistas por igual, subrayando la necesidad de un enfoque atento ante las dinámicas cambiantes del mercado.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/luxury-s-third-quarter-earnings-cheat-sheet

Desde su sede en Estocolmo, Richardos Klarén, CEO de Nuestra Herencia, destaca un nuevo capítulo en la trayectoria de la reconocida marca sueca, fundada en 2005 por Jokum Hallin y Cristopher Nying. Este mes, la marca se prepara para abrir su mayor tienda hasta la fecha en Shanghái, consolidando su presencia en uno de los mercados más dinámicos del mundo.

En esta ambiciosa expansión, Nuestra Herencia se asocia con Dongliang, un innovador concepto de tienda multimarca. Desde su creación en 2009, Dongliang ha crecido hasta contar con 15 tiendas en China y ofrece una variedad de experiencias de estilo de vida, como restaurantes y tiendas de té. Esta colaboración, que ya incluye una relación previa como uno de sus distribuidores en el país, permite a Nuestra Herencia abrir su propio espacio bajo un modelo de franquicia, beneficiándose de la sólida reputación y el conocimiento en el mercado local que aporta Dongliang.

Klarén reconoce la importancia de seleccionar los socios adecuados en este tipo de empresa, enfatizando: "Te das cuenta rápidamente de que asociarte con los compañeros correctos es crucial, y nos sentimos muy cómodos con su experiencia en el mercado aquí".

Aunque esta es la primera tienda propia de Nuestra Herencia en China, la marca ha estado construyendo su presencia en el país durante más de una década. Su primer contacto wholesale se dio en 2015 con 10 Corso Como Shanghai, pero fue en 2018 cuando comenzó a fortalecer sus vínculos con destacados minoristas locales como SKP, I.T, Lane Crawford y Assemble. Este camino ha transformado a China en un mercado cada vez más relevante y estratégico para la marca.

Con este paso, Nuestra Herencia no solo busca expandir su alcance, sino que también busca reforzar su conexión con un público que ha demostrado un creciente interés en su propuesta de moda. La alianza con Dongliang representa un paso importante en la evolución de la marca en un mercado que ha pasado de ser una oportunidad emergente a convertirse en un pilar esencial para su futuro.

Esta información surge de la fecha de publicación original (2026-10-11) y no incluye actualizaciones posteriores hasta el año 1791705073.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/our-legacy-ceo-talks-betting-on-china-and-its-biggest-store-yet

En respuesta a esta necesidad, Debut se presenta como un fabricante competitivo y tecnológico de soluciones para marcas de belleza. Su enfoque se centra en el desarrollo de ingredientes patentados, fundamentados en los más recientes avances científicos. Este año, la marca Image Skincare ha lanzado un producto pionero que incorpora EDL, un ingrediente bioactivo exclusivo que promete mejorar visiblemente la firmeza de la piel. Este avance se acredita a la utilización de mapeo genómico basado en inteligencia artificial, que demostró una mejora del 100% en líneas finas tras 12 semanas de uso en un estudio clínico.

Aunque las grandes empresas pueden destinar mayores presupuestos a investigación y desarrollo, las startups más pequeñas tienen ventajas competitivas significativas. La capacidad de respuesta rápida a cambios culturales y una conexión más cercana con la comunidad les permite actuar antes de haber recopilado datos extensos.

Entre las marcas más innovadoras en el panorama actual se encuentran aquellas lideradas por artistas de maquillaje, como Lisa Eldridge Beauty, Violette y Kjh.brand. Estos emprendedores se enfocan en solucionar problemas específicos que ellos mismos han experimentado, lo que les otorga una ventaja única. Por ejemplo, la nueva máscara de pestañas de la artista Katie Jane Hughes, Kjh.brand, surge de su frustración con fórmulas anteriores, mostrando que aunque las tecnologías puedan ser repetibles, la forma en que se presentan y se comercializan puede ser decisiva para captar una mayor porción del mercado.

En un entorno donde la creatividad y la innovación son claves, estas marcas independientes están demostrando que la autenticidad y la resolución efectiva de problemas pueden llevar al éxito en un sector de belleza que cada vez exige más a sus productos.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/does-beauty-need-to-reinvest-in-innovation

El segmento de Premium Lifestyle, que engloba marcas como Flannels, Cruise, Van Mildert, Jack Wills, House of Fraser y la etiqueta de sastrería Gieves & Hawkes, junto con adquisiciones más recientes en el sector del lujo, representó el 18.3% de los ingresos del grupo en fiscal 2026.

En un reciente encuentro en el Hotel Costes de París, se discutieron las estrategias de adquisición y liquidación, así como las intenciones de Murray respecto a marcas como Hugo Boss y Harvey Nichols, temas que hasta ahora no habían sido tratados públicamente.

La relevancia del evento celebrado durante la Semana de la Moda de París surge de la necesidad de clarificar la dirección de Frasers. Murray destacó la adquisición de The Webster hace un año, así como la reciente compra de Harvey Nichols y la inversión en Hulcan, la empresa propietaria de Mile. Este es un momento clave para integrar las diferentes áreas del negocio y explicar cómo cada pieza del rompecabezas puede encajar y contribuir a una propuesta cohesiva.

Murray mostró entusiasmo por lo que se está construyendo y cómo se pueden compartir las sinergias entre las distintas empresas, enfatizando la importancia de crear una sólida infraestructura operativa. Muchos negocios en el sector de la moda carecen de un modelo operativo eficaz, lo que incluye aspectos como logística, cadena de suministro, capital y riesgo de crédito. Estas son las áreas que el grupo se compromete a gestionar de manera efectiva.

Al referirse a las oportunidades en un mercado de lujo desafiante, se abordó la adquisición de Harvey Nichols. A pesar de que Mike Ashley, propietario del grupo Frasers, había calificado a la tienda como estando en un "círculo mortal" antes de la compra, Murray detalló las razones que hicieron de la adquisición una propuesta atractiva.

Este panorama no solo refleja la estrategia del grupo sino que también abre la puerta a nuevas posibilidades en la industria del lujo, a medida que se forma un marco más sólido y coherente para enfrentar los retos del futuro. La información aquí presentada se basa en datos del 4 de octubre de 2026.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/frasers-group-ceo-michael-murray-on-matches-his-plans-for-harvey-nichols-and-his-intentions-for-hugo-boss

Demna está infundiendo a Gucci un nuevo aire, centrado en hacer la marca más accesible y relevante para un amplio espectro de clientes de lujo, con una atención particular al vestuario masculino. A pesar de que Milán cuenta con su propia semana de la moda masculina en enero y junio, los desfiles de mujeres siguen integrando cada vez más elementos de moda masculina, con Gucci, Bottega Veneta, Jil Sander, Ferragamo, Diesel y Tod’s mostrando colecciones unisex.

En otro evento destacado, el show de Fendi sorprendió a los asistentes con un dispositivo que distorsionaba la vista, proyectando a los invitados sobre la pasarela. La diseñadora Maria Grazia destacó por su audaz enfoque esta temporada, llevándose un reconocimiento por la energía vibrante de su colección.

La crítica también resalta el trabajo de Louise Trotter en Bottega Veneta, quien está evolucionando hacia diseños más ligeros pero manteniendo un fuerte compromiso con la calidad artesanal. Las chaquetas se presentaron sin acolchado, mientras que los fringe se transformaron en faldas, permitiendo la circulación del aire durante el movimiento. A la primera fila asistieron celebridades como Jacob Elordi y Kendall Jenner, quien hizo su debut en la pasarela de la temporada.

Simone Bellotti, en su tercer desfile para Jil Sander, continuó desarrollando un estilo minimalista con giros intrigantes en los básicos del guardarropa. Se elogió su capacidad para ofrecer siluetas inesperadas y diseños digitales únicos. Sin embargo, algunos editores señalaron que los precios elevados de las piezas podrían ser un impedimento para su éxito comercial.

La atención en la Semana de la Moda de Milán se mantiene alta, con colecciones que demuestran no solo creatividad, sino una adaptabilidad al mercado actual de lujo, reflejando tendencias en evolución y un renovado interés en la moda como un medio de expresión y conexión cultural.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/rooted-in-reality-3-key-takeaways-for-milan-fashion-week-spring-summer-2027

El segundo día estará marcado por el desfile de la flamante ganadora del Gran Premio Andam 2026, Marie Adam-Leenaerdt. Conocida por sus diseños conceptuales y versátiles, Adam-Leenaerdt se prepara para deslumbrar con su visión creativa. Morabito, una figura reconocida en la industria, comenta que "ya es su momento para desatar su fuerza, talento y visión".

El 29 de septiembre, Alexandra Golovanoff, diseñadora y periodista parisina, hará su debut en el calendario oficial con una colección de cashmere que se ha ampliado a un guardarropa completo desde su lanzamiento en 2016.

El 1 de octubre, la marca china Icicle, que recientemente designó a Sabato De Sarno como su director creativo, presentará su última colección, mientras que la emblemática casa Louis Vuitton cerrará la semana de la moda el 6 de octubre a las 18:30, concluyendo así un mes lleno de emociones y creatividad.

Aparte de los desfiles oficiales, el rapero A$AP Rocky organizará un espectáculo de moda el 30 de septiembre en el Accor Arena, justo antes de su concierto sold out. En su debut, se presentaron las primeras temporadas de su línea de ropa AWGE, capturando la esencia del cruce entre la moda y la música.

No te puedes perder otros shows como el de la colombiana Johanna Ortiz el 4 de octubre, que se llevará a cabo en la Maison de l’Amérique Latine tras su exitoso paso por la Semana de la Moda de Madrid. La marca australiana Aje también regresará a París para su segunda presentación, después de un debut exitoso el año pasado. Además, el Consejo de Moda Australiano exhibirá a 12 diseñadores en su showroom en la Galerie Poggi del 30 de septiembre al 4 de octubre, mientras que SIR tendrá su primer espacio en solitario del 30 de septiembre al 6 de octubre. La lujosa marca infantil francesa Bonpoint, adquirida el año anterior por el conglomerado chino Youngor Group, también se sumará al evento con una muestra el 3 de octubre.

Fuera de las pasarelas, el icónico show anual de L’Oréal Paris se realizará el 28 de septiembre frente a la Torre Eiffel, con la participación de embajadores como Simone Ashley, Viola Davis y Kendall Jenner, entre otros. Este es solo el inicio de una temporada de colaboraciones en la moda, comenzando con la colección de Zara diseñada por John Galliano el 1 de octubre, parte de una asociación creativa que se extenderá por dos años. Además, se celebrará una fiesta para marcar la colaboración entre H&M y Elie Saab, que será lanzada el 22 de octubre, así como el trabajo de Jean-Charles de Castelbajac con Barbie.

La información proviene de la fecha de publicación original y puede no reflejar los eventos actuales o futuros, ofreciendo un vistazo a lo que promete ser una temporada inolvidable en la moda global.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/paris-fashion-week-cheat-sheet-spring-summer-2027

Luca Sburlati, CEO de Pattern Group, complementa esta visión al afirmar que el “Hecho en Italia” no solo es sinónimo de artesanía, sino de un sistema de producción completamente integrado que abarca desde la materia prima hasta el producto terminado. Sin embargo, el sector se enfrenta a desafíos contemporáneos que ponen en tela de juicio su reputación.

Evento a evento, como el de Vogue World en Milán, se discute la relevancia del toque humano y la artesanía en un contexto tecnológico en evolución. Informes recientes subrayan que el sector de la moda italiano navega por un laberinto de complicaciones. Desde una cadena de suministro dispersa compuesta principalmente por pequeñas empresas familiares hasta un envejecido grupo de trabajadores, el panorama se torna complejo. Muchos jóvenes italianos están optando por no seguir los pasos de sus ancestros, dejando abismalmente vacíos que probablemente se traducirán en una crisis de talento.

En años recientes, también se han destapado casos de explotación laboral en fábricas, donde se alega que muchos subcontratistas han trabajado con marcas de lujo. Este escándalo ha socavado la premisa de que el “Hecho en Italia” garantiza una calidad y ética sobresalientes. En respuesta, se han implementado esfuerzos para limpiar la cadena de suministro, que incluyen auditorías más rigurosas y acuerdos voluntarios entre marcas y proveedores, pero persiste la pregunta: ¿qué significa realmente “Hecho en Italia” y cómo puede el sector asegurar un futuro próspero?

Una cuestión central del “Hecho en Italia” reside en su definición misma. Legalmente, las marcas pueden llevar esta etiqueta si la “última transformación sustancial” se llevó a cabo en el país, lo que ha llevado a que muchas prendas vendidas como italianas sean terminadas en Italia, aunque producidas en otras partes del mundo. Esta falta de transparencia deja a los consumidores en la oscuridad, aunque la nueva regulación sobre pasaportes digitales de productos promete cambiar esta realidad, obligando a las marcas a detallar cada paso de su cadena de suministro.

Para los suministradores que apuestan por la integración vertical, este cambio es bienvenido. Muchos han argumentado que el “Hecho en Italia” se ha utilizado como una herramienta de marketing para justificar precios altos, sin que necesariamente refleje la calidad prometida. Candiani destaca que, a pesar de que el costo de producción en Italia es significativamente mayor que en países como Turquía o China, las circunstancias no parecen mejorar. El aumento de los costos energéticos, alimentado por crisis globales, ha dificultado la competitividad de la moda italiana en un mercado cada vez más feroz.

De este modo, la identidad y el futuro del “Hecho en Italia” se tornan más cruciales que nunca, un dilema que invoca la necesidad de una reflexión profunda sobre lo que realmente significa la moda italiana en el mundo contemporáneo.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/vogue-world-milano-what-does-made-in-italy-stand-for-today

Entre los homenajeados se encontraba Dee Jay Two Bears, cineasta y activista de la tribu Sioux de Standing Rock, quien fue una figura destacada en las protestas contra el oleoducto Dakota Access entre 2016 y 2017. Durante la presentación de Two Bears, la diseñadora de modas Gabriela Hearst anunció que el gala se trasladará a París en abril de 2027, donde se enfocará en el papel de las matriarcas indígenas en la acción climática y la conservación de la naturaleza.

Este evento en Nueva York beneficia a organizaciones como la Blue Marine Foundation, Conservation International y Open Planet, mientras que la gala parisina abrirá oportunidades de financiamiento para organizaciones lideradas por indígenas, las cuales serán determinadas posteriormente. La moda jugará un papel central en esta iniciativa, según afirma Gail Gallie, cofundadora de The Nat. “La moda de lujo no solo refleja lo que valoran las personas; posee el poder de moldearlo activamente”, explica. Este enfoque busca integrar el valor de la naturaleza en el corazón de la cultura global, enfatizando que la conservación ambiental debe ser una prioridad cultural y no un mero debate político.

La gala de París también tiene como objetivo explorar las complejidades del financiamiento contra la pérdida de biodiversidad y la protección de ecosistemas naturales. Gallie resalta la desigualdad en la distribución de fondos climáticos, señalando que, aunque los pueblos indígenas representan solo el 6% de la población global, cuidan más de una cuarta parte de las tierras y aguas del planeta. A pesar de esta responsabilidad, reciben menos del 1% de la financiación climática global.

Se reconoce el papel esencial que desempeñan las mujeres y matriarcas indígenas en la preservación del conocimiento ecológico y los recursos naturales. Gabriela Hearst, previamente involucrada en iniciativas con diseñadores indígenas, fue elegida naturalmente para liderar esta cause. En sus anteriores trabajos, tales como sus colaboraciones con tejedores navajos y la promoción de materiales respetuosos con el medio ambiente, Hearst ha demostrado un compromiso constante de respetar las tradiciones y el conocimiento indígena.

La gala también se destacará por su enfoque en el arte y el diseño, como lo evidencian los trajes que Hearst ha creado en colaboración con artistas indígenas, tales como el vestido con el que vistió a la actriz indígena Lily Gladstone para el Met Gala en 2024, simbolizando la conexión con los ancestros a través de un diseño que incorpora creencias culturales.

La unión de moda y activismo en este evento marca un nuevo capítulo en la lucha por el reconocimiento de la importancia de la naturaleza y los pueblos indígenas en la conservación y sostenibilidad del planeta. Con cada gala, se busca no solo celebrar, sino también amplificar las voces de aquellos que han sido tradicionalmente silenciados en el discurso ambiental.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/at-the-nat-gala-gabriela-hearst-celebrates-indigenous-matriarchs

Este aumento no se debe solo a la popularidad de productos técnicos, sino también a una estrategia de "fashion-ificación" que ha captado el interés de nuevos consumidores. Salomon busca equilibrar su imagen, expandiéndose en diversas categorías mientras fortalece su oferta de equipos técnicos en nichos específicos. Cabe mencionar que su línea Sportstyle, que incluye calzado de estilo de vida, ha crecido rápidamente. El modelo XT-6 se ha convertido en un símbolo entre los jóvenes profesionales en Estados Unidos y Europa, aunque la marca posee una pequeña cuota de mercado en las categorías globales de zapatillas y running.

No obstante, el camino hacia un crecimiento sostenido se presenta como un desafío que va más allá de afianzar la estrategia de estilo de vida. La dirección de la marca, encabezada por Salonen y Meyzenq, se ha enfocado en unificar las distintas áreas del negocio, un proceso que ha estado en marcha durante varios años. Salonen, antes consultor de la línea Advanced de Salomon, cuestiona la segmentación de sus categorías y sugiere simplificarlas bajo una única identidad: "Ser Salomon."

Salonen ha propuesto que, en lugar de dedicarse a diseños de moda producidos internamente, la marca debería reservar estos esfuerzos para colaboraciones. Al hacerlo, se busca reafirmar el aspecto técnico que atrajo inicialmente a otras marcas de moda a Salomon. Su visión se centra en la innovación en el ámbito técnico, creando nuevos diseños icónicos que, con el tiempo, podrían transitar del ámbito de rendimiento hacia el de estilo de vida.

La esencia de Salomon radica en su especialización en tecnología, que abarca desde chalecos de hidratación hasta esquís de buceo. Esta singularidad, aunque arriesgada, es fundamental para mantener a Salomon como una marca de rendimiento de primera clase, más allá de un simple símbolo de herencia. La propuesta de Salonen enfatiza la importancia de experimentar con los consumidores y el ensayo de nuevos productos antes de buscar una aceptación inmediata.

Esta información se basa en los hechos reportados hasta el 8 de septiembre de 2026.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/salomon-should-not-be-a-fashion-brand-the-new-creative-director-shares-his-manifesto

De Sarno asumirá la responsabilidad de la dirección creativa sobre las colecciones de prêt-à-porter tanto para mujeres como para hombres, así como en accesorios y gafas. Su primera colección para Icicle estará lista para la temporada Otoño/Invierno 2027, marcando el inicio de una nueva etapa para la marca.

El cofundador y CEO de Icicle, Ye Shouzeng, enfatizó que la visión de la marca siempre ha sido reconectar a las personas con su entorno a través de una moda duradera. En su declaración, expresó que la llegada de De Sarno representa un avance hacia esta ambición, integrando talentos creativos de todo el mundo con las profundas raíces culturales e industriales de Icicle en China.

Antes de unirse a Icicle, De Sarno tuvo una destacada trayectoria en Gucci, donde fue director creativo desde enero de 2023 hasta febrero de 2025. Su carrera incluye más de una década en Valentino, donde ascendió hasta convertirse en director de moda, supervisando colecciones tanto masculinas como femeninas. También trabajó anteriormente en Dolce & Gabbana.

Este año, en el Salone del Mobile, De Sarno curó una exposición llamada “Insieme”, mostrando piezas de diseño de 12 compañías artesanales italianas. Este proyecto reflejó su interés por el diseño, no solo en la moda, sino también en la artesanía y la experiencia enriquecedora del diseño.

Icicle forma parte del ICCF Group, que también posee la marca francesa Carven. Su modelo creativo combina estructuras en París y Shanghái, con más de 200 tiendas en todo el mundo, incluyendo ubicaciones emblemáticas en Beijing, Shanghái y París. Bénédicte Laloux, quien ha estado al mando de la identidad creativa de la moda femenina de Icicle desde 2013, continuará siendo directora de la colección de mujeres bajo la dirección creativa de De Sarno.

La llegada de De Sarno también reestablece su conexión con Kering, ya que la empresa anunció recientemente una inversión minoritaria en Icicle. El CEO de Kering, Luca de Meo, destacó que esta inversión busca una mayor integración en el ecosistema chino.

El nombramiento de De Sarno es parte de una creciente tendencia de interacciones entre directores artísticos de marcas de lujo europeas y empresas de moda asiáticas, reflejando una evolución en el panorama de la moda global.

De Sarno ha manifestado su fascinación por el diseño más allá de los productos finales, valorando la relación entre los materiales y la artesanía. Su atracción por Icicle se debe a la alineación de principios entre su filosofía creativa y la visión de la marca, que ha explorado durante casi 30 años la armonía entre humanos y naturaleza, una idea que cobra relevancia creciente en la actualidad.

Esta información corresponde a la fecha de publicación original, 2026-09-07 04:00:00.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/sabato-de-sarno-looks-eastward-for-his-next-move

En esta temporada, cada vez más diseñadores han decidido mostrar sus colecciones fuera del calendario establecido, ya sea mediante producciones fotográficas o en eventos que coinciden con la temporada de compras en París. Este cambio de enfoque ha dejado al evento con un número notablemente reducido de participantes, con 27 shows programados a lo largo de seis días, y se ha observado una notable ausencia de grandes nombres locales.

Kaoru Imajo, director de JFWO, destaca una tendencia creciente entre los jóvenes diseñadores que prefieren aprovechar las plataformas internacionales como París, en lugar de ceñirse a los tiempos de la semana de la moda en Tokio. Este fenómeno ha derivado en una sensación de desolación para la temporada SS27 en Tokio.

Uno de los casos más destacados es el de Viviano, una marca que ha estado presente en el calendario de Tokio, pero que esta vez decidió ausentarse, eligiendo presentar su colección a través de un lookbook. Con un enfoque renovado en la comunicación en Estados Unidos, y tras ver sus creaciones en artistas de renombre como Lady Gaga y Bad Bunny, el interés del mercado local resulta insuficiente.

Por el contrario, la marca de knitwear Pillings, dirigida por Ryota Murakami, se mantuvo en el calendario, ofreciendo una muestra de diseños que fusionan sensación deportiva y elegancia. Pillings, una de las marcas emergentes más prometedoras de Tokio, ha sido reconocida a nivel internacional, siendo finalista de premios como el LVMH Prize y contando con una red de más de 25 distribuidores, incluyendo prestigiosos espacios como Dover Street Market.

Este enfoque dual de los diseñadores —optar por mostrarse en el extranjero o mantenerse en el calendario de Tokio— plantea interrogantes sobre el futuro de la Tokyo Fashion Week en un escenario en el cual los talentos locales buscan un impacto global. Con eventos programados en París que se avecinan, tanto para Pillings como para otros emergentes, la evolución del circuito es particularmente palpable, reflejando la necesidad de adaptación en un mundo de la moda en constante cambio.

La moda en Tokio continúa su viaje, y aunque los desafíos son grandes, la búsqueda de nuevas voces y visiones creativas sigue siendo un motor clave en el corazón de esta metrópoli vibrante. Con la SS27 como telón de fondo, el futuro de la semana de la moda y su relevancia en el panorama internacional se mantiene en el aire, invitando a una reflexión profunda sobre el camino por venir.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/4-key-takeaways-from-tokyo-fashion-week-ss27

Al llegar a Estados Unidos, Bron se sorprendió al observar que los mejores grandes almacenes del mundo no se encontraban en el país. Aunque reconocía las fortalezas de las tiendas estadounidenses, particularmente en el comercio digital y la planificación, la experiencia del cliente le parecío deficiente. La presión de los accionistas, que favorece los retornos inmediatos sobre las inversiones a largo plazo, así como la obsesión por lo digital a costa de la experiencia física, han contribuido a un enfoque transaccional en la relación con los clientes.

Bron ha identificado una tendencia preocupante en la industria minorista de EE. UU.: los grandes almacenes han perdido su encanto. La dependencia del modelo mayorista, que está sobrecargado pero subfinanciado, y la estrategia centrada en descuentos han dejado a muchos clientes buscando alternativas. La uniformidad en la oferta de productos a través de diferentes establecimientos ha llevado a que muchas personas busquen experiencias más auténticas e innovadoras.

Un ejemplo claro de esta desconexión es la experiencia al comprar en boutiques de marcas como Bottega Veneta, donde la atención al cliente y el ambiente contrasta con la presentación de productos en los grandes almacenes. Bron ha comenzado a implementar un plan para revitalizar Bloomingdale’s, empezando por la renovación de su icónica tienda en 59th Street, en Manhattan. Su estrategia incluye mejorar el servicio al cliente, reforzar el marketing y los eventos, y atraer nuevas marcas para ofrecer una experiencia diferenciada.

A pesar de los desafíos, Bron aborda su misión desde una posición de astucia y confianza, no de desesperación. Al invertir en elementos que los clientes valoran, espera recuperar la magia de los grandes almacenes que una vez caracterizó al retail estadounidense.

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En su declaración, Kamara expresó su orgullo por lo logrado durante su tiempo en Off-White, resaltando la visión que Abloh tenía para la marca: "Off-White es más grande que cualquier idea única, exactamente como lo pretendía Virgil". Este enunciado encapsula la filosofía detrás de la marca, que se fundamenta en valores auténticos, enraizados en la cultura y la comunidad, además de la creencia de que la moda puede ser accesible para todos.

Joey Gabbay, CEO de Bluestar Alliance, propietario de Off-White, también se hizo eco de este sentimiento, haciendo hincapié en la visión y la energía creativa que Kamara trajo durante su carrera. Un viaje que comenzó cuando el diseñador se conectó con Abloh en Instagram en 2019, donde su papel inicial fue como estilista. Después del fallecimiento de Abloh en noviembre de 2021, Kamara fue nombrado director de arte y imagen, presentando su primera colección, la de Primavera/Verano 2023, en París.

La trayectoria de Kamara dio un giro significativo en 2024, cuando se convirtió en director creativo justo después de que LVMH vendiera Off-White a Bluestar Alliance, coincidiendo con lo que habría sido el 44º cumpleaños de Abloh. Su primera exhibición en este nuevo rol tuvo lugar en Nueva York en septiembre de ese mismo año.

Desde su fundación en 2013, Off-White ha sido pionera en la fusión de las culturas del streetwear y el lujo, posicionándose como un referente en la moda contemporánea. Esta metamorfosis fue impulsada por la sociedad entre Abloh y el New Guards Group, que desarrolló la marca. En agosto de 2019, New Guards Group fue vendido por 675 millones a Farfetch, lo que marcó una nueva etapa para Off-White.

Posteriormente, LVMH adquirió una participación mayoritaria del 60% en la marca en julio de 2021, manteniendo el resto en posesión de Abloh, quien había asumido el cargo de director creativo de LV menswear en 2018. La premisa de Off-White está indisolublemente ligada al legado de Abloh, quien utilizó la marca para impulsar un enfoque inclusivo y colectivo en la creación de moda. Su ambición de diseñar una comunidad global, libre de elitismos, refleja su visión de un futuro más accesible.

A medida que Off-White navega por esta transición, queda por ver cómo se desarrollará su próxima etapa creativa sin la guía de Kamara. Sin duda, la marca mantiene una vigencia que sigue resonando en la moda, eco de la filosofía que Virgil Abloh dejó como legado.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/ib-kamara-departs-off-white

El resultado es el Sperro SV, una chaqueta técnica hardshell que se lanzará el 4 de septiembre. Plante considera que la espera valió la pena, ya que el Sperro SV se convierte en el primer producto de cualquier marca a nivel global en recibir la etiqueta de Circularidad de Testex, una certificación desarrollada por el instituto suizo de pruebas y certificación para ofrecer un marco común que respalde la circularidad en productos.

Este hardshell representa el primer lanzamiento bajo la nueva iniciativa de circularidad de la marca, conocida como Sistema 0. Este sistema abarca el diseño del producto, selección de materiales, reparación, servicios, manufactura, compromiso con el consumidor y soluciones responsables al final de su vida útil. El CEO de Arc'teryx, Stuart Haselden, se refiere al Sistema 0 como "un cambio sistémico en cómo estamos pensando y construyendo nuestro negocio para el futuro".

Mientras que muchas marcas abordan primero casos más simples—productos como camisetas, forros polares o chaquetas ligeras que son más fáciles de producir de manera sostenible—Arc'teryx optó por un enfoque audaz. "El hardshell es la categoría de producto más icónica que tenemos. También es la más compleja desde el punto de vista técnico", asegura Plante. Esta elección es particularmente significativa, ya que estos productos son utilizados por clientes exigentes, como guías de montaña, atletas profesionales y equipos de búsqueda y rescate. "Elegimos el hardshell porque es difícil. Sabíamos que si teníamos éxito aquí, podríamos triunfar en cualquier otro ámbito de nuestra marca".

Al diseñar productos circulares, muchas marcas, incluyendo la sueca Houdini y otras marcas del grupo VF Corporation como Napapijri y The North Face, optan por un enfoque de monomaterial. Esto implica el uso de un único tipo de fibra en todo el producto, facilitando su reciclaje químico sin necesidad de un costoso y laborioso desmantelamiento por diferentes flujos de residuos. En la industria de la moda y el vestuario cotidiano, el algodón suele ser la opción elegida. Sin embargo, en el sector outdoor, donde los sintéticos predominan debido a cualidades como la impermeabilidad y la elasticidad, el nylon 6 se ha establecido como el estándar, gracias a su durabilidad y su estructura de monómero único que simplifica el reciclaje químico.

En cambio, para Arc'teryx, un diseño de monomaterial no se contemplaba debido a la complejidad técnica de sus prendas. La chaqueta Sperro SV está fabricada con un tejido Gore-Tex de tres capas, en el que las capas interna y externa están hechas de nylon 6 reciclado, en línea con las capacidades de reciclaje actuales de la industria para maximizar la recuperación de materiales. Al final de su vida útil, estos materiales pueden ser reciclados químicamente por el fabricante italiano Econyl, Aquafil. Sin embargo, otros componentes como el reflector, los cierres, los deslizadores, los bloqueos de cordón y la capa intermedia de película no son actualmente reciclables, aunque ya se han realizado pruebas piloto de reciclaje para esta membrana.

La complejidad y los desafíos que enfrenta Arc'teryx subrayan cómo la innovación en el diseño de productos puede jugar un papel crucial en la búsqueda de un futuro más sostenible en la industria de la moda y el outdoor.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/how-arcteryx-made-its-most-circular-product-yet

Este dilema también se extiende a otros festivales similares de todo el mundo, incluyendo la Fête de La Musique, inaugurada en París en 1982 y ahora celebrada en diversas ciudades francesas, así como el Carnaval de Río en febrero. Todos estos eventos tienen raíces profundas en la diáspora negra, lo que implica que las marcas que desean participar deben hacerlo con un enfoque de sensibilidad y humildad, preparándose con el conocimiento y contexto necesario para crear activaciones que prioricen la cultura sobre la promoción comercial.

Los datos revelan tanto el potencial de visibilidad para las marcas como la atención crítica que pueden recibir. De hecho, la investigación del economista James Williams de JN Bank, publicada en 2024, señala que el Notting Hill Carnival genera un impacto económico neto de más de £396 millones anuales. Además, en marzo de este año, el Alcalde de Londres anunció un financiamiento adicional de £4.66 millones para el evento, lo que permitirá abordar los posibles problemas de afluencia.

La asistencia al Carnaval en años recientes ha oscilado entre uno y dos millones de personas. La edición de 2025 contó con 36 sistemas de sonido, 48 bandas mas (grupos de danza con trajes tradicionales) y 250 comerciantes ambulantes. Ante esta afluencia, marcas como Adidas, Stüssy, Puma, Diesel y Converse han confirmado su presencia, atraídas por la oportunidad de captar la atención tanto en línea como en persona.

Este verano, la Fête de La Musique en París también atrajo aproximadamente a dos millones de asistentes de diferentes partes del mundo. Inspirados por el formato del Notting Hill Carnival, los activadores de marcas como Chloé Parfums y Byredo ofrecieron experiencias memorables, desde sets de DJ y bebidas exclusivas hasta actuaciones en la calle, tejiendo historias de sus productos dentro de la narrativa del evento.

De cara al Carnaval de Notting Hill de 2026, ya se están gestando planes emocionantes. El diseñador de origen caymaniano-jamaicano Jawara Alleyne lanzará una colección cápsula y una lista de reproducción inspirada en la esencia festiva que caracteriza este evento. "No se trata solo de tomar inspiración del Carnaval, sino de reconocer que el Carnaval ha definido mi perspectiva", señala Alleyne.

Mientras tanto, las marcas con conexiones menos directas con este evento cultural tendrán un camino más complicado por delante. La clave para aquellas que buscan integrarse está en involucrarse auténticamente, dando prioridad a las historias y tradiciones que enriquecen la experiencia del Carnaval, en lugar de buscar un protagonismo que podría ser visto como una falta de respeto.

En síntesis, el Notting Hill Carnival no solo es un hito en el calendario cultural londinense, sino también una plataforma poderosa donde la cultura y la comercialización deben encontrar un equilibrio cuidadoso. Las marcas más exitosas serán aquellas que logren colocarse en un segundo plano, permitiendo que el espíritu del Carnaval brille con todo su esplendor.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/from-notting-hill-to-rio-the-brand-guide-to-carnival

Algunos creadores buscan un papel más involucrado. Según Wilson, mientras hay quienes desean participar en la estrategia de marcas y crear sus propios productos, otros prefieren centrarse en hacer contenido de calidad que refleje su voz única. Esto subraya la importancia de reconocer las fortalezas de cada creador y utilizarlas de manera más efectiva.

Sin embargo, la cercanía a una audiencia no garantiza la capacidad de hacer crecer una marca. Walia señala que conectar la creatividad con resultados comerciales sostenibles es un arte en sí mismo. Harms enfatiza que la comprensión de lo que desea un público específico no debe confundirse con lo que necesita una categoría de producto, lo que frecuentemente ocurre, llevando a marcas a culpar a los creadores por los resultados insatisfactorios.

Con presupuestos decrecientes y una presión creciente para obtener resultados inmediatos, Walia expresa su preocupación de que la implicación de los creadores se convierta en una búsqueda de resultados rápidos, en lugar de formar parte de una estrategia a largo plazo. Aunque los creadores pueden proporcionar inteligencia cultural valiosa, no deberían ser vistos como sustitutos de la experiencia estratégica en marketing.

Por otro lado, la posición de los creadores ha mejorado notablemente. Muchos ahora pueden decidir cómo y en qué medida participan en la estrategia de las marcas. Harms menciona que aquellos creadores que deciden no involucrarse con marcas están considerando modelos de ingresos alternativos, como suscripciones directas por parte de su audiencia. Según Archrival, el 52% de los miembros de Gen Z aprecian el apoyo financiero directo a sus creadores favoritos, otorgando así más poder a estos influencers.

A principios de este año, agentes de influencers informaron que muchos estaban dispuestos a asumir roles de consultoría sin costo adicional, deseando ser parte del proceso creativo. Sin embargo, este enfoque puede establecer un precedente arriesgado, ya que la carga adicional de trabajo debería ser compensada adecuadamente. Walia advierte que es crucial para las marcas no expandir las funciones de los creadores sin ajustar adecuadamente su remuneración y autoridad.

Esta tendencia a pagar a los creadores abre la puerta a un nuevo modelo de industria donde la integración entre talento y marcas es más profunda. Un enfoque que podría incluir la incorporación de creadores en etapas tempranas del proceso. Davis menciona que, aunque las tarifas planas son efectivas en campañas específicas, se anticipa un aumento en asociaciones a largo plazo y basadas en participación accionaria. Por ejemplo, ESW Beauty ha dado la bienvenida a Katie Fang y Aliya Rachinski como sus primeras socias de equity, permitiéndoles tener una participación en la marca.

A medida que estas dinámicas continúan evolucionando, el futuro del marketing con creadores parece estar lleno de oportunidades y retos que redefinirán la forma en que marcas y creadores colaboran para alcanzar un crecimiento compartido.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/are-creators-up-to-the-task-of-their-new-marketing-roles

El creciente interés por la moda de los 2000 sugiere una nueva fase en el mercado de reventa, donde marcas como Acne Studios, fundadas en 1996, han alcanzado un estatus de culto. Expertos del sector, como Naiman, mencionan que estamos observando fenómenos intermedios donde marcas de esta era, como Acne y Rodarte, están viendo cómo sus productos empiezan a ser considerados vintage, lo que podría implicar un aumento en sus precios en el futuro cercano.

Además, las marcas emergentes están mostrando un crecimiento significativo en The RealReal, con una demanda que supera con creces la oferta. Por ejemplo, la marca japonesa Ssstein está experimentando un incremento de demanda 36 veces más rápido que la oferta, con un aumento del 361% en comparación con el año anterior. En contraste, la oferta ha crecido apenas un 10%. Colleen Allen también está sobrepasando la oferta, con una demanda que supera a la misma 1.73 veces, alcanzando un 289% frente al 166% de la oferta.

Nuevas etiquetas de Nueva York, como Rùadh, Heirlome y Zankov, presentan ratios de "obsesión a suministro", una métrica que mide el interés de los consumidores en relación con la disponibilidad. Zankov, por ejemplo, cuenta con un impresionante ratio de 175 obsesiones por artículo, acumulando un total de 11,226 obsesiones frente a solo 64 artículos, siendo este último número un 79% más alto que el año anterior.

La expectativa es que la creciente fascinación por estas marcas menores, impulsada por plataformas como Substack y TikTok, esté ampliando el conocimiento y la visibilidad de nombres interesantes que operan fuera del tradicional sistema mediático de la moda. Este acceso a marcas poco representadas en el mercado de reventa es considerado un avance positivo, proporcionando una valiosa diversidad al mundo de la moda actual.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/in-luxurys-new-resale-era-everyones-a-fashion-expert

Este aumento en la participación ha generado un cambio en la percepción de la fuerza física, donde levantar pesas se está convirtiendo en un símbolo de estatus. Marcas de lujo, como Celine y Balenciaga, están aprovechando esta tendencia, con productos como un dumbbell de diseño y una colección de fitness presentada en un pop-up en París, que simula un gimnasio y exhibe pesas ligeras. Sin embargo, a pesar de estas iniciativas, muchas marcas de lujo y athleisure aún enfocan su atención en el bienestar holístico y los deportes tradicionales, dejando una posible oportunidad de mercado sin explotar en el ámbito del entrenamiento de fuerza para mujeres.

Incluso las marcas de belleza están reconociendo este cambio. Recientemente, Nina Khoury, exvicepresidenta de operaciones estratégicas de Skims, anunció el lanzamiento de Sportiv, una marca de suplementos diseñada para mujeres que realizan entrenamiento de fuerza. Por su parte, la marca de cuidado capilar Oribe presentó una campaña con dos culturistas franceses, donde la musculatura se utiliza como un “metáforo visual” para su nuevo elixir, que promete fortalecer el cabello.

Danimás, una marca pionera en este sector de lujo, fue fundada por Garcia, quien ha dedicado más de cuatro décadas al entrenamiento en levantamiento de pesas. En 2025, lanzó Danimás con la intención de llenar lo que ella considera un vacío en el mercado enfocado en el entrenamiento de fuerza para mujeres. La marca presentó su primera colección de accesorios de levantamiento de pesas de lujo, diseñada para brindar tanto estilo como funcionalidad. A diferencia de los guantes de levantamiento tradicionales, que a menudo tienen un diseño poco atractivo, Danimás ofrece modelos que se asemejan a un bolso de lujo y que combinan estética con protección para las joyas.

De cara al futuro, Danimás planea lanzar ropa que se distancie del típico vestuario de gimnasio, con un diseño centrado en mujeres reales que entrenan regularmente. A través de estudios de ajuste, la marca ha tenido en cuenta el cuerpo de la mujer contemporánea, eligiendo un modelo de talla 10 de EE. UU. en lugar del estándar de la industria, que suele ser un 4. Está claro que Danimás busca cambiar la narrativa sobre la vestimenta de entrenamiento, ajustándose a las realidades y aspiraciones de las mujeres que practican musculación.

Esta transformación en la industria del fitness y la belleza resuena profundamente con una nueva generación de mujeres que valoran su fuerza, no solo como un símbolo de poder, sino también como una parte integral de su identidad y estilo de vida. A medida que las marcas continúan reconociendo esta demanda, se pintan perspectivas emocionantes para el futuro de la fuerza femenina y aquellos productos que la celebran.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/its-time-for-brands-to-invest-in-women-who-lift

Este movimiento forma parte de una estrategia más amplia de reorientación para Gucci y su empresa matriz, Kering, buscando incrementar el volumen de ventas y volver a conectar con el consumidor aspiracional. En abril, durante el Capital Markets Day del grupo, se discutió la necesidad de reavivar el interés de los 50 millones de compradores de lujo que se habían perdido tras los incrementos de precios que sucedieron en el período post-pandemia.

La pandemia trajo consigo un auge en la industria del lujo, donde muchas marcas aumentaron sus precios en un intento por incrementar los márgenes de ganancia. Según HSBC, el precio promedio de los bienes de lujo personal se disparó un 52% entre 2019 y 2024. Por ejemplo, un clásico bolso Chanel que en los años 80 valía $1,000 ha escalado hasta los $11,700 actualmente, mientras que el icónico Louis Vuitton Neverfull ha visto triplicar su precio desde su lanzamiento en 2007, pasando de alrededor de $645 a más de $2,000.

Sin embargo, tras estos incrementos, junto con la inflación del costo de vida en EE. UU., el lento crecimiento macroeconómico en China y problemas geopolíticos en Medio Oriente, el gasto en lujo ha disminuido, aumentando la presión sobre la rentabilidad de estas marcas. Luca Solca, analista de Bernstein, señala que esto representa un duro golpe, especialmente para las mega-marcas que dependen de consumidores aspiracionales.

A medida que los precios de los bolsos de lujo comenzaron a ascender, los consumidores empezaron a cuestionar el valor añadido de estos productos. Especialmente, los consumidores más jóvenes han utilizado las redes sociales para hacer eco de las exorbitantes utilidades que muchas marcas de lujo están obteniendo. A finales del año pasado, se encontró que el 72% de los compradores de lujo de la Generación Z preferiría poseer un bolso ‘Wirkin’ de Walmart a un Birkin de Hermès, resaltando una creciente percepción de que los productos de lujo actuales no justifican sus altos costos.

Achim Berg, ex socio senior de McKinsey, destaca que hay una desconexión considerable en la industria del lujo. Muchos consumidores no comprenden por qué los precios han subido sin una mejora notable en los productos, lo que representa un problema fundamental que enfrenta la industria hoy en día.

La situación actual del lujo no solo refleja un cambio en la percepción de los consumidores, sino que plantea preguntas cruciales sobre el futuro de las marcas que parecen desconectadas de sus bases de clientes. Con el horizonte del lujo fluctuante, esta es una historia que promete continuar desarrollándose, invitando a un examen más profundo de cómo las marcas adaptarán su enfoque para reconectar con un consumidor cada vez más crítico y consciente.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/should-luxury-brands-reduce-their-prices

Tom Hale, CEO de Oura, destaca que en un mercado saturado de tecnologías de longevidad y dispositivos portátiles, el verdadero diferenciador no radicará en las especificaciones del hardware, sino en la profundidad del software y el ecosistema de inteligencia artificial que haga que los datos sean realmente útiles para los consumidores. Hale señala que la clave en la próxima década radica en proporcionar una orientación personalizada más rica, capacidades de salud proactivas y vínculos más profundos entre señales cotidianas y contexto clínico.

El CEO subraya un futuro donde los datos no solo se recojan, sino que sean significativos: “La mayoría del seguimiento de salud actual se basa en objetivos genéricos. La verdadera oportunidad está en entender lo que es realmente relevante para tu propio cuerpo y conectar ese entendimiento con el comportamiento, e incluso con la atención médica, ya sea preventiva o en casos de cuidado agudo o crónico.”

Este enfoque sobre la relevancia de los datos se ve reflejado en el desarrollo de una inteligencia artificial clínica capaz de interpretar la historia de salud de cada individuo y traducir esos datos en términos clínicos. Tras iniciar esta innovación en el ámbito de la salud femenina, Oura ha ampliado su aplicación al público en general, permitiendo a los usuarios escalar la conversación con un médico cuando sea necesario.

Por su parte, la compañía de tecnología portátil Whoop ha alcanzado una valoración de 10.1 mil millones de dólares en marzo de 2026, tras una ronda de financiamiento de 575 millones de dólares en Series G. Con más de 2.5 millones de miembros, Whoop planea utilizar estos fondos para expandir su presencia global y potenciar la integración de la inteligencia artificial en sus herramientas de monitoreo. Además, la empresa prevé aumentar su plantilla en un 75% este año, preparándose para una posible oferta pública inicial en aproximadamente 18 meses.

Desde la salida de Whoop 5.0 y el dispositivo premium Whoop MG en mayo de 2025, la compañía ha diversificado su oferta más allá del simple brazalete. Con características que incluyen un dispositivo más pequeño con mayor duración de batería y funcionalidades de detección de ritmo cardíaco anormal de calidad médica, Whoop también ha incursionado en la moda a través del lanzamiento de su sistema de ropa Any-Wear, que permite integrar sensores en prendas cotidianas. Este movimiento se vio fortalecido en marzo de 2026 con el proyecto Terrain, una colaboración con el diseñador Samuel Ross que busca hacer invisible la tecnología portátil en el vestuario diario.

Al igual que Oura, Whoop ha estado invirtiendo considerablemente en el desarrollo de su software, lanzando reciente innovaciones como Healthspan, que estima la edad fisiológica y el ritmo de envejecimiento de los usuarios, y Whoop Advanced Labs, que integra resultados de análisis de sangre revisados por clínicos con los datos recogidos por el dispositivo. Características como Blood Pressure Insights, mejoras en el rendimiento del sueño y herramientas de entrenamiento por voz también respaldan la estrategia de Whoop de avanzar desde un simple rastreador de fitness hacia una plataforma de salud preventiva impulsada por inteligencia artificial que combina datos de wearables, laboratorios y comportamientos.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/the-execs-guide-to-longevity-tech

Históricamente, estos viajes se centraban en talentos de renombre que a menudo generaban tanto críticas como elogios. Recientemente, OpenAI organizó su primer viaje de marca, que rápidamente fue objeto de controversia, con voces en contra de los creadores que se alinearon con la empresa tecnológica. Esto revela un cambio en la lógica detrás de estos viajes: hoy en día, las marcas optan por grupos más pequeños y selectos, buscando no solo un mayor alcance, sino también una influencia cultural más significativa.

Las marcas han modificado su enfoque sobre el retorno de inversión (ROI) en estos viajes. Ahora, el éxito se mide en la creación de contenido sostenible y en la capacidad de generar un compromiso duradero con la marca. Según expertos, el enfoque se ha desplazado hacia la atención y la conciencia de marca, no solo hacia ventas inmediatas, lo que implica una construcción más narrativa y menos centrada en productos.

En este nuevo modelo, los itinerarios son menos estrictos; los creadores disfrutan de mayor libertad y tiempo para interactuar con la marca y entre ellos. Este cambio se traduce en experiencias más significativas, donde los influencers se involucran de manera más auténtica. J.Crew, bajo la dirección de su CMO, realiza viajes cortos que evitan la saturación, idealmente terminando con los asistentes sintiendo nostalgia por la experiencia.

Por ejemplo, Mango llevó a un grupo a Atenas y Hydra, enfocándose en el valor mediático ganado (EMV) para evaluar el impacto de su viaje. Este nuevo enfoque también está siendo adoptado por otras plataformas que evalúan el valor mediático (MIV) de las relaciones de marca e influencer. La clave ahora es organizar viajes que maximicen la participación en redes sociales y la generación de contenido positivo, convirtiendo cada experiencia en una oportunidad de mayor visibilidad y conexión.

En resumen, el panorama de los viajes de influencers ha evolucionado hacia un modelo más estratégico y reflexivo, donde el valor no se mide solo por la cantidad de exposición, sino por la calidad de las relaciones y la perdurabilidad del contenido generado. La tendencia en 2026 muestra un compromiso renovado de las marcas para crear narrativas ricas y experiencias auténticas que resuenen profundamente en la memoria de su audiencia.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/how-to-pull-off-an-influencer-trip-in-2026

Este fenómeno no es exclusivo de YSL. Durante este verano, la marca Casablanca ha recorrido La Isla Blanca, llevando a cabo una serie de eventos con Solid Grooves en el hangar DC-10, cercano al aeropuerto, y organizando un pop-up en la playa de Six Senses. Charaf Tajer, fundador de Casablanca, afirma: “Ibiza es más que un destino; la moda, la música, el diseño y la cultura convergen aquí de forma natural, creando el escenario perfecto para el mundo de Casablanca”. Mientras tanto, Armani Exchange ha estado realizando fiestas en el club Amnesia, subrayando cómo la moda puede integrarse auténticamente en la cultura de clubes, tal como lo resalta Beatriz Murillo, su gerente de marketing.

El hecho de que una marca de moda se adentre en Ibiza no es novedad; durante décadas, los diseñadores han explorado las escenas de bienestar y gastronomía de la isla, creando clubes de playa de marca y organizando viajes ostentosos para influencers. Sin embargo, la incursión en la escena rave siempre ha sido vista con algo de cautela, pues podría representar un desafío para la imagen de la marca.

No obstante, si las marcas logran asociarse con DJs que cuentan con seguidores apasionados y con fiestas llenas de jóvenes sedientos de moda, no solo obtienen prestigio; también se abre la puerta a una experiencia memorable. "Las activaciones experienciales se están convirtiendo rápidamente en la mejor manera de acceder a los consumidores, y pocas cosas son tan impactantes como una noche realmente trascendente en la pista de baile", dice Bee Beardsworth, periodista de cultura juvenil y modelo.

La Generación Z busca esta transcendencia, deseando escapar de la crisis permanente que afecta la realidad actual. Muchos han adoptado los hábitos de fiesta de sus hermanos mayores; casi siete de cada diez (68%) jóvenes de 23 años informaron haber practicado el binge drinking en el último año, un aumento significativo desde el 10% reportado a los 17 años. “La Generación Z está guiada por el bienestar, pero cada vez son más conscientes de las trampas del wellness perfeccionista y buscan inyectar más placer en su tiempo libre”, indica Annie Corser, editora de tendencias de pop culture y medios en Stylus.

Sin embargo, también existe un creciente grupo de personas con interés en opciones más sobrias. La edición milanesa del Block Party de YSL Beauty, por ejemplo, fue completamente sin alcohol, reflejando el deseo de disfrutar de buena música sin las resacas del día siguiente. De manera similar, aunque las fiestas de Casablanca en DC-10 no están exentas de alcohol, su evento en Six Senses se centró en batidos detox, no en cócteles embriagantes. “Queríamos crear un destino donde la celebración y la restauración pudieran coexistir. Ibiza tiene esta capacidad única de equilibrar una energía vibrante con momentos de calma”, concluye Tajer.

Esta mirada contemporánea sobre el ocio en la isla demuestra cómo la convergencia de la moda, la música y un enfoque renovado hacia el bienestar ofrecen un panorama prometedor, a la vez que plantea un nuevo camino para los encuentros sociales de las generaciones actuales.

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Un caso ejemplar es el de Sephora, que ha buscado dotar de valor a su programa desde su creación. Este verano, los nuevos miembros de nivel Bronce comenzaron a disfrutar de envíos estándar gratuitos desde el momento de su inscripción. “La lealtad debe sentirse inclusiva desde el primer día”, comparte un portavoz de la marca, resaltando que el valor puede significar diferentes cosas para diferentes personas. Para algunos, puede ser asegurar un producto antes de que se agote, mientras que para otros, implica obtener el envío gratuito al reabastecer su suero favorito.

El ámbito de la moda representa un interesante estudio de caso, ya que históricamente, el estatus asociado a un producto trasciende su mera adquisición. Las marcas han impregnado la vestimenta de matices, donde la exclusividad puede surgir tanto de poseerla como de simplemente conocerla. Sin embargo, las redes sociales han alterado estas formas tradicionales de escasez.

"El estatus requiere asimetría, ya sea a través de una brecha de conocimiento o de adquisición", señala un experto en la materia. Con la democratización del acceso a la información gracias a las redes sociales, el conocimiento que antes pertenecía a unos pocos se ha amplificado. Además, opciones como “compra ahora, paga después” y la cultura emergente de “LARPing”, donde los individuos fingen un expertise que no poseen, están redefiniendo el panorama del consumo.

El “LARPing” se manifiesta cuando las personas adquieren prendas de lujo como forma de ostentación, sin el respaldo de la normativa tradicional de tener la capacidad adquisitiva o la cultura de la moda. Este fenómeno plantea un desafío cultural importante, donde el auténtico significado y valor parecen diluirse en medio de un contexto económico incierto.

En este nuevo ecosistema, el acceso se erige como una forma de estatus más difícil de emular. No se puede falsificar la experiencia de estar en lugares a los que nunca se fue invitado. A diferencia de un producto que puede comprarse, el acceso está determinado por relaciones y conexiones, lo que le otorga un peso considerable. En una economía de estatus cada vez más transparente, demostrar acceso genuino se vuelve más valioso que simplemente ostentar posesiones.

Las marcas de lujo han tenido claro este concepto desde sus inicios. Sus clientes más valiosos son agasajados con citas privadas, vistas exclusivas a nuevas colecciones y experiencias personalizadas que van más allá de lo material. Bottega Veneta, por ejemplo, ha abierto un histórico palacio en Venecia, ofreciendo a clientes seleccionados experiencias culturales y servicios a medida. Mytheresa también se ha adentrado en esta dinámica al ofrecer viajes y actividades exclusivas a sus principales consumidores.

Así, en un contexto donde el sentido de pertenencia y el acceso auténtico son cada vez más altamente valorados, las marcas se enfrentan a la tarea de redefinir lo que significa ser parte de su ecosistema, navegando entre la necesidad de exclusividad y el deseo de inclusión. Esta dualidad no solo marcará el futuro del consumo, sino que también establecerá un nuevo estándar en la relación entre marcas y consumidores.

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Una estrategia a considerar es la reestructuración o incluso el cierre de ciertos establecimientos regionales. Al entender las diversas necesidades, deseos y capacidades de gasto de las diferentes localidades, Harvey Nichols podrá adaptar su oferta y garantizar su éxito comercial.

Para destacar su propuesta única de venta (USP), la marca necesita transformar sus tiendas en destinos experienciales. La directora general, Goddard, ha realizado significativos avances, especialmente en la tienda insignia de Londres. Esta incluye la incorporación de un espacio de bienestar y una planta dedicada a un restaurante con licencia para operar en horarios extendidos. Sin embargo, la experta Petersson plantea que Harvey Nichols debería profundizar aún más en esta área, sugiriendo que el mercado de las experiencias en ciudades más pequeñas podría atraer a un cliente de alto poder adquisitivo, en contraste con la saturada oferta de Londres.

Con seis tiendas en el Reino Unido e Irlanda, y sucursales en el Medio Oriente y Hong Kong, la renovación de Harvey Nichols sigue en proceso. Recientemente, la compañía anunció una inversión significativa destinada a la modernización de sus espacios, con énfasis en las ubicaciones de Edimburgo y Londres, donde se concibe la creación de "centros culturales". Estos espacios están destinados a albergar marcas de alto margen y servicios de lujo como tratamientos de spa y fine dining, atrayendo a consumidores adinerados e internacionales.

El mercado de lujo está experimentando un cambio hacia la valorización de las experiencias sobre la mera posesión de bienes materiales. Según la firma Bain, para 2026, las experiencias liderarán el crecimiento en este sector, con un interés creciente de los consumidores por lo vivencial. Esta tendencia se evidencia en el aumento interanual en áreas como la gastronomía y el turismo de lujo, donde la demanda de momentos únicos está superando la de productos físicos.

La oportunidad para la innovación es clara, especialmente con la llegada de los consumidores de las generaciones Z y Alpha. Estos grupos son conocidos por su lealtad fluctuante hacia las marcas y su deseo de vivir experiencias tangibles. La posibilidad de ofrecer eventos en las tiendas, integrando influencers y diseñadores, podría satisfacer esta demanda. Dado que se estima que para 2035 estas generaciones representarán el 43% de la población, se anticipa una preferencia por la compra en tiendas físicas, aunque combinada con elementos digitales.

Por ende, para Harvey Nichols, la necesidad de impresionar a través de sus espacios físicos es urgente. La generación Z busca significado y propósito en sus transacciones, mientras que la generación Alpha muestra un interés casi igual por las compras en línea y en tiendas. En un panorama en constante cambio, el compromiso con una experiencia de compra excepcional podría ser la clave para el futuro de esta emblemática marca.

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Los fundadores, Maurice y Sonia, defienden la importancia de ofrecer prendas que complementen estos esenciales, como camisetas, suéteres y chaquetas. Sin embargo, la monotonía de un ciclo de lanzamientos semestrales les llevó a reevaluar su estrategia, ya que durante cuatro meses no había nuevos productos en las estanterías, lo que resultaba en oportunidades de ventas desperdiciadas. La demanda de los clientes, que deseaban novedades a penas tres semanas después de sus compras, fue clave en esta decisión.

Frente a esta realidad, la marca ha optado por modificar su calendario de productos, aumentando de dos a cuatro lanzamientos anuales. Esta estrategia busca satisfacer el deseo de los consumidores por frescura y novedad, sin caer en la trampa de lanzar productos solo por el impulso de las tendencias.

La filosofía de simplificación permea a toda la operación de Still Here: nunca han realizado colaboraciones y sus precios son firmes, manteniéndose al margen de descuentos típicos como el Black Friday. Esto se traduce en que sus colecciones son producidas en cantidades limitadas, dándole un carácter exclusivo a sus productos. Una vez que los estilos estacionales se agotan, rara vez se vuelven a abastecer, manteniendo la expectativa entre sus seguidores.

El cambio de sede a Los Ángeles representa una nueva etapa para la marca, y Maurice confía en que esto impulsará su crecimiento. Su experiencia exitosa en Nueva York les da razones para explorar otros mercados, motivados por una creciente atención en ciudades importantes de todo Estados Unidos, algunas con un enfoque constante y otras con características estacionales.

Aunque no tienen un plan concreto para futuras aperturas, los fundadores están listos para adaptarse y aprovechar oportunidades a medida que se presenten. La conexión con el espacio minorista jugará un papel fundamental en la elección de nuevos mercados.

Este enfoque proactivo en la adaptación y la búsqueda de nuevas experiencias pone de manifiesto un camino emocionante en el camino de Still Here, donde cada paso está diseñado para satisfacer a un cliente que busca autenticidad en un mundo saturado de opciones.

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La apreciación por estas formas de arte no se limita únicamente a su estética; más bien, se ha transformado en un símbolo de estatus y sofisticación. Los jóvenes consumidores, cada vez más interesados en experiencias significativas, encuentran en la danza una forma de expresión artística que resuena con sus valores y aspiraciones. Este movimiento no solo apela a su sentido estético, sino que también les ofrece una conexión emocional y cultural genuina.

A medida que el sector del lujo evoluciona, las marcas están comenzando a incorporar elementos de la danza y el ballet en sus estrategias de marketing y eventos. Las colaboraciones con compañías de danza, así como la inclusión de coreografías en desfiles de moda y presentaciones, están generando un nuevo lenguaje visual que combina arte, sofisticación y experiencia del cliente.

Es relevante señalar que esta tendencia no es solo una moda pasajera, sino que refleja una transformación más profunda en la forma en que los consumidores valoran el lujo. La experiencia se vuelve tan crucial como el producto en sí; la conexión cultural resulta ser un poderoso atractivo. Así, ballet y danza no son simplemente artísticas, sino un medio eficaz para atraer a una audiencia sofisticada y en busca de autenticidad en sus elecciones.

Mientras que el panorama continúa cambiando, lo que está claro es que la danza y el ballet están preparados para desempeñar un papel central en las futuras dinámicas del lujo. Este enfoque no solo abre nuevas oportunidades para las marcas, sino que también resalta la importancia de entender y satisfacer las expectativas culturales de un público cada vez más exigente.

La información presentada corresponde a la fecha de publicación original (2026-08-11 22:30:00) y refleja el estado entonces conocido.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/fashions-betting-on-the-ballet-whats-the-pointe

La lista de lecturas recomendadas por ejecutivos de la moda reúne libros que exploran temas relevantes como algoritmos, atención, gusto, identidad y responsabilidad ecológica. Estas lecturas, que abarcan desde ensayos impactantes hasta memorias significativas y biografías cautivadoras, examinan factores que moldean la moda y la sociedad actuales. La influencia de las recomendaciones algorítmicas sobre el gusto y la atención en un panorama mediático fragmentado son solo algunas de las cuestiones abordadas.

Entre los destacados de esta lista, se encuentra Cork Dork de Bianca Bosker, una obra que narra la experiencia de Bosker al dejar su trabajo como editora en el ámbito tecnológico para formarse como sommelier. Su divertido relato cuestiona la naturaleza del gusto refinado en un contexto que podría paralelizarse con la moda: ¿es la percepción del gusto algo que se puede entrenar?

Otro título significativo es Crying in H Mart de Michelle Zauner, que resuena profundamente con aquellos que tienen raíces multiculturales. A través de la culinaria y la nostalgia, Zauner explora la identidad y la pertenencia, recordándonos que las historias individuales son esenciales para entender la diversidad.

Air, una novela distópica de Bertil Scali y Raphaël de Andréis, ofrece una visión inquietante de un futuro ecológico. El protagonista, Peter, debe navegar por las implicaciones de vivir en una sociedad que clasifica a las personas según su responsabilidad medioambiental, planteando dilemas sobre la libertad personal frente a la responsabilidad colectiva.

Por último, The Age of Surveillance Capitalism de Shoshana Zuboff ofrece un marco crítico para entender el poder en la era digital. A través de un análisis sobre cómo nuestras interacciones digitales son convertidas en un producto comercial, Zuboff resalta la manipulación de decisiones que va más allá de la simple predicción de comportamientos.

Cada uno de estos textos invita a la reflexión, proporcionando un contexto valioso sobre las fuerzas que moldean la industria de la moda y la percepción social en general. Aunque la información reflejada en estas obras presenta una fecha original de 2026, su relevancia persiste y su análisis crítico sigue alimentando el diálogo sobre los temas contemporáneos que indudablemente seguirán influyendo en el diseño y consumo de moda en el futuro.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/what-fashion-executives-are-reading-this-summer

Para ofrecer un servicio al cliente excepcional, Kalinsky ha establecido un equipo entrenado de estilistas en su tienda. Cada empleado ha pasado por un intensivo curso que les enseña no solo sobre las marcas disponibles, sino también sobre la visión detrás de cada una. Se llevó a cabo una sesión de tres horas con un modelo de prueba, durante la cual los empleados aprendieron a estilizar diferentes looks, enfatizando que el trato debe ser amigable y accesible. Kalinsky rechaza la idea del típico vendedor de lujo distante y quiere que todos se sientan bienvenidos, afirmando que “todos merecemos ser reconocidos”, sin importar la generación a la que pertenezcamos.

Kalinsky ha decidido mantener solo una tienda, a pesar de las preguntas sobre una posible expansión. Afirma que la experiencia que ofrece está mejor en un entorno controlado, donde puede garantizar que cada cliente reciba atención adecuada. La apertura de múltiples tiendas podría descontrolar la calidad del servicio, algo que valora profundamente. La experiencia en su tienda anterior de Nueva York fue inolvidable, pero también estresante; tras vender su negocio a Nordstrom, la situación se tornó aún más complicada cuando esta optó por cerrar las tiendas de su propiedad.

Al cuestionar si el comercio minorista especializado puede crecer y prosperar, Kalinsky menciona que, aunque algunos pueden manejar varias ubicaciones, él se encuentra en una etapa de su vida donde este proyecto representa una pasión más que un negocio en expansión. Lo que realmente le motiva es el trabajo meticuloso y enriquecedor que está realizando, lo cual le proporciona una satisfacción personal inigualable.

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vogue.com: https://www.vogue.com/article/a-first-look-inside-atlantas-new-jeffrey-boutique