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Nik Cohn, el rebelde cultural

Redacción — Mon, 12 Oct 2026 04:30:59 GMT

Para un escritor, la publicación de un reader, una antología que compendia su obra, representa un alto reconocimiento, especialmente si su trabajo está vinculado a la cultura pop y los movimientos juveniles, campos a menudo considerados efímeros. Este logro se vuelve aún más significativo si el autor logra ver este reconocimiento en vida.

Nik Cohn, un notable periodista y escritor, es un ejemplo de este fenómeno. Hijo del historiador Norman Cohn y con raíces judías y norirlandesas, Cohn se destacó en el periodismo londinense a mediados de los años sesenta. En español, hemos podido disfrutar de obras como Awopbopaloobop Alopbamboom: Una historia de la música pop, que celebra los inicios del pop, y que ha sabido adaptarse a lo largo de las ediciones, incluso cambiando de título a lo largo de su trayectoria.

El autor argumenta a favor de los placeres simples del pop, prefiriendo los singles por encima de los álbumes completos, y mostrando desdén hacia las pretensiones de los artistas idolatrados de su era. Cohn, instalado en Nueva York tras su paso por Londres, publicó en 1976 un artículo titulado Tribal Rites of the New Saturday Night, que serviría de base para la película Fiebre del sábado noche en 1977; un fenómeno cultural en muchos aspectos. Sin embargo, años más tarde se reveló que su relato era en gran parte ficticio, basado en sus recuerdos de la cultura mod londinense.

En el contexto de sus experiencias, Cohn vivió varias situaciones arriesgadas. En 1983, fue arrestado por el FBI debido a su implicación en una red de tráfico de drogas, pero logró una condena benévola gracias a la colaboración con la fiscalía. Su vida siguió marcada por la audacia: atraído por la cultura de Nueva Orleans y figuras como Jelly Roll Morton, Cohn se sumergió en la escena musical local.

Su conexión con el rap lo llevó a convertirse en mánager y promotor, aunque sin mucho éxito comercial. Sin embargo, su obra Triksta da cuenta de su experiencia y pone de relieve el peso del racismo en el entorno musical. A notable modo, regresó a Nueva Orleans tras el huracán Katrina para documentar cómo sus amistades habían enfrentado la devastación, incorporando sus historias en la reedición de su libro.

Este recorrido por la vida y obra de Nik Cohn no solo refleja su habilidad para narrar y atraer a su público, sino que también destaca su impacto perdurable en la cultura contemporánea. Su legado sigue vivo, invitando a reflexionar sobre el complejo entramado de la música, la identidad y las experiencias humanas.

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elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-12/nik-cohn-el-hombre-a-la-contra.html

Aún creo que el iPod fue ideal

Redacción — Sun, 11 Oct 2026 12:40:08 GMT

El mes de octubre de 2026 marca un hito importante: el 25 aniversario del iPod, un dispositivo que revolucionó la manera en que escuchamos música. En un contexto histórico marcado por la conmoción de los ataques a las Torres Gemelas en 2001, la presentación del iPod en Cupertino fue un momento decisivo. Steve Jobs, entonces CEO de Apple, emergió en el escenario con un gadget que prometía contener una biblioteca musical completa en un bolsillo. Aquel 23 de octubre fue el punto de partida de un fenómeno cultural que cambiaría para siempre la industria de la música.

Para el año 2004, el iPod ya era un ícono y el tema de portadas en publicaciones líderes, destacando su popularidad en el tiempo. Sin embargo, su declive no fue tan impactante ni nítido. Oficialmente, la fecha de su "fallecimiento" se podría considerar el 10 de mayo de 2022, cuando Apple decidió descontinuar el iPod Touch, el último dispositivo de la línea. No obstante, muchos argumentan que el verdadero adiós podría haberse dado años antes, específicamente el 27 de julio de 2017, con la eliminación del iPod Nano y el Shuffle, los últimos modelos tradicionales equipados con pantalla.

Este desgaste se enmarca en un contexto más amplio de innovación. El 11 de enero de 2007, en una presentación memorable, Jobs presentó no solo un teléfono sino un dispositivo que integraba las funciones del iPod de una manera que lo haría obsoleto como producto independiente. Desde entonces, el iPod sobrevivió en la sombra de los smartphones, continuando vendiéndose en cantidades significativas antes de que finalmente se desvaneciera en el silencio.

A pesar de que los smartphones han tomado la delantera, y aunque la mayoría de los usuarios hoy en día conocen a sus dispositivos móviles como un todo, el iPod despertó una conexión única con sus usuarios. Era una herramienta singular que se enfocaba casi exclusivamente en la música, un aspecto a menudo eclipsado por la multifuncionalidad de los smartphones modernos. Si bien el iPhone ha generado una trascendencia financiera sin precedentes, convirtiéndose en el motor de una compañía valorada en $4 billones, su relación con los usuarios es más compleja.

Las críticas al iPhone son innegables; su diseño capta nuestra atención de maneras que pueden resultar dañinas, desde las distracciones al volante hasta el impacto negativo en la salud mental a través de las redes sociales. En contraste, el iPod era una fuente de felicidad incondicional, un dispositivo que ofrecía pura alegría musical sin las complicaciones del mundo digital contemporáneo.

Así, mientras la historia del iPod puede haberse cerrado, su legado perdura. Su simplicidad, su capacidad de conectar a las personas con la música de una manera personal y directa sigue viva, y aunque el mundo ha cambiado enormemente en estos 25 años, el apego emocional que generó es irreemplazable. Es un recordatorio de que a veces, menos es más, y que la búsqueda de la perfección puede encontrarse en lo más simple.

wired.com: https://www.wired.com/story/im-still-convinced-the-ipod-was-the-perfect-gadget/

Del Odio al Ritmo: Syntek y Dani Flow en Guanajuato

Redacción — Sat, 10 Oct 2026 17:07:24 GMT

La noche del pasado viernes, el Foro del Lago en León, Guanajuato, fue testigo de un momento artístico inesperado que sorprendió a muchos. Aleks Syntek, un ícono del pop mexicano, celebró sus 35 años de carrera musical y lo hizo de una manera que pocos habrían imaginado: compartió el escenario con Dani Flow, apodado el “Rey del Morbo”. Esta colaboración, que muchos consideraban una combinación implausible, generó un torrente de reacciones en redes sociales.

Durante la interpretación de “Tú Necesitas”, Syntek fue acompañado por Dani Flow, quien aportó su distintivo estilo urbano. La aparición del reguetonero no solo animó el evento, sino que también hizo revivir viejas tensiones, ya que Syntek ha sido un crítico abierto de ciertas letras en el reguetón. En especial, sus comentarios sobre la vulgaridad de algunas canciones han sido destacados, teniendo en mente la influencia que este género ejerce sobre las nuevas generaciones.

En 2023, Syntek argumentó que su postura no emanaba de resentimiento hacia el éxito del reguetón, sino de una preocupación genuina por lo que se escucha. Sus declaraciones a menudo han llevado a malentendidos, en los que ha aclarado que sus críticas no deben ser vistas fuera de contexto.

Por su parte, Dani Flow ha cimentado su popularidad a través de letras explícitas, algo que lo ha llevado a recibir críticas y a defender su estilo sin titubear. La tensión entre ambos artistas resurgió recientemente, especialmente después de que Syntek utilizara un concierto de fiestas patrias en la alcaldía Benito Juárez para criticar el reguetón y, específicamente, hacer alusión a “Martillazo” de Dani Flow, algo que generó una oleada de comentarios en plataformas digitales.

La aparición de ambos artistas en León, tras un periodo de desencuentros, sugiere un posible cambio de dinámicas en la industria musical. Sin embargo, las especulaciones sobre el estado emocional de Syntek, tras sus críticas y el uso de términos como “brote psicótico” en redes, no cuentan con un diagnóstico médico oficial.

Este episodio marca un punto de inflexión interesante en la relación entre géneros musicales, mostrando que, a pesar de las diferencias, juntos pueden hacer música que entretiene y conecta con el público.

changoonga.com: https://changoonga.com/2026/10/10/del-odio-al-perreo-aleks-syntek-comparte-escenario-con-dani-flow-en-guanajuato/

En Su Nuevo Álbum, Remi Wolf Brilla

Redacción — Sat, 10 Oct 2026 15:42:55 GMT

En un giro notable en su carrera, la talentosa cantante y compositora californiana ha dado un paso hacia un sonido más maduro y terrenal, tal como lo sugiere la portada de su nuevo álbum, donde aparece resplandeciente, cubierta de barro. Este cambio refleja no solo su evolución artística, sino también su crecimiento personal tras un año lleno de altibajos, que incluyó el lanzamiento de su aclamado álbum anterior, una colaboración con Olivia Rodrigo, y el desafío emocional de una ruptura significativa.

Durante un retiro creativo de dos semanas en Nashville a finales de 2024, la artista buscó expandir su horizonte musical al colaborar con desconocidos. Aunque surgieron ideas inspiradoras, como el optimista y country-tinged "Champagne", Wolf se dio cuenta de que necesitaba un entorno más íntimo para auténticamente explorar su creatividad. Esto la llevó a formar un grupo cercano que ella denomina su “familia band”, compuesto por su colaborador habitual Jared Solomon, el compositor Jack DeMeo y su cuñada Gigi. Juntos se trasladaron a una acogedora cabaña en Big Bear, California, y más tarde a los vastos paisajes de Joshua Tree, donde escribieron rodeados de un ambiente hogareño.

El propósito de su trabajo era claro: cada una de las pistas debía ser lo suficientemente sólida como para ser cantada junto a una fogata, acompañada de armónicos de tres voces, sin perder la esencia de la emotividad que caracterizaba su situación personal. Con melodías irresistibles, Wolf demuestra nuevamente su capacidad para crear ganchos memorables.

El verdadero avance ocurrió en el prestigioso Electric Lady Studios de Manhattan, donde compusieron temas destacados como “Covered in Mud” y el explosivo “Bottle”, abriendo una nueva dimensión sonora que la artista describe como una mezcla de “lodo emocional” y “ascensión al estilo de SpongeBob”. A lo largo del álbum, cada pista ofrece un vistazo a su viaje personal de desamor, lucha contra el alcoholismo y crisis emocional, culminando en una redescubrimiento de una alegría contagiosa, reflejada en la mágica “Moon So High”, que cuenta con la colaboración de John Mayer, y en la eufórica entrega de “Covered in Mud”.

Como Wolf afirma, “hay una libertad en estar cubierto de barro y sucumbir por completo a cómo te sientes realmente”. Este comentario encapsula la esencia del nuevo álbum, un viaje de vulnerabilidad y autenticidad en un panorama musical contemporáneo. Con su enfoque fresco y un estilo cautivador, la artista continúa tejiendo una narrativa rica que resuena en todos aquellos que buscan la conexión emocional a través de la música.

vogue.com: https://www.vogue.com/article/remi-wolf-mud-interview

Alex Margo Arden Conoce a Amy Winehouse

Redacción — Sat, 10 Oct 2026 08:50:01 GMT

El verano de 2023 marcó el 15° aniversario de la muerte de la icónica cantante británica Amy Winehouse, pero su legado sigue vivo. La vida y la influencia de Winehouse son ahora objetos de exploración en “Nothing Personal”, una exposición del artista Alex Margo Arden, inaugurada recientemente en la Fundación Nicoletta Fiorucci en Londres.

Para esta muestra, Arden ha confeccionado cientos de simulacros de pertenencias personales de Winehouse, recreando, por ejemplo, un par de zapatillas de ballet firmadas por fans que fueron dejadas frente a su hogar tras su fallecimiento y una tarjeta de cumpleaños del productor musical Mark Ronson y Adele que nunca llegó a manos de la artista. Además, la exposición incluye copias exactas de los libros de la biblioteca de Winehouse, así como el maquillaje y los perfumes que utilizaba, junto a juegos de mesa y objetos decorativos que le pertenecían. Estos elementos ofrecen una experiencia que, a veces, puede parecer una visita furtiva a los rincones más íntimos de su hogar.

Desde 2021, Arden ha estado desmenuzando meticulosamente imágenes pixeladas de Winehouse que ha encontrado en línea, catálogos, periódicos y revistas, con la finalidad de identificar los objetos que necesitaba localizar. Esta meticulosa tarea se evidencia en el componente más destacado de la exposición, la pieza titulada “Library” (2026), donde se presentan docenas de libros, que abarcan desde clásicos literarios hasta recetarios, todos en una disposición que sugiere una atmósfera íntima y valiosa. La artista postula que esta colección, en su totalidad, ofrece una visión más rica de la vida de Winehouse que si se exhibieran únicamente uno o dos objetos auténticos de su patrimonio.

La atención al detalle en este proyecto es notable. En un momento de su búsqueda, Arden reunió 20 versiones del mismo libro para poder comparar cada lomo y cubierta, asegurando que poseía el correcto. En la sala contigua, presenta “Same Otherwise” (2026), una recreación de la chimenea de la casa de Winehouse, ubicada en 2 Jeffrey’s Place, donde escribió su álbum galardonado “Back to Black”. Con elementos tan específicos como ediciones enmarcadas de British Vogue y páginas de cómics de Betty y Veronica, la artista ha dejado espacios vacíos donde estaban las fotos familiares de la cantante, creando una narrativa de presencia y ausencia.

El olfato juega también un papel crucial en la exposición. Un artefacto titulado “Perfume said to have belonged to Amy Winehouse ” (2024-2026) emite el aroma de Chanel No.5 desde un dispensador personalizado, destacando la conexión tangible que su presencia genera en el espacio. A lo largo de la exposición, el perfume cambiará por otras fragancias que se dice que Winehouse usaba, un saludo a su esencia y a la diversidad de su vida.

Además de las grandes instalaciones, se presentan obras más íntimas como “Jigsaw” (2026), un conjunto de rompecabezas que muestran escenas de Los Beatles, Los Simpson y Casablanca. Esta obra invita a la contemplación y presenta un retrato de Winehouse que contrasta con la imagen de chica fiestera que los tabloides ayudaron a perpetuar. Asimismo, la pieza “Sent Otherwise” (2026) recrea la mencionada tarjeta de cumpleaños, un recordatorio del continuo descubrimiento de su vida incluso años después de su muerte.

Arden también incorpora chispas de su propia identidad en “Display Identification Cubes” (2026), una representación de mil cubos acrílicos que evocan las etiquetas que típicamente se utilizan en vitrinas de museos. En esta exposición, estos números no solo marcan el lugar de objetos que aún no se han descubierto, sino que también enfatizan vacíos que representan lo que fue.

“A través de esta colección, ofrecemos una visión valiosa”, señala Arden, sugiriendo que cada objeto, elegido con tal cuidado, contribuye a una comprensión más profunda de quién fue realmente Winehouse. “Nothing Personal” estará disponible para el público hasta el 23 de enero de 2024, proporcionando así una oportunidad única para explorar la vida y legado de una de las artistas más notables de su generación.

artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/artists/alex-margo-arden-gets-personal-with-amy-winehouse-1234801766/

Premio Eréndira 2026: Honran a Artistas Michoacanos

Redacción — Sat, 10 Oct 2026 04:23:07 GMT

La Secretaría de Cultura de Michoacán (Secum) llevó a cabo una significativa ceremonia donde se otorgó el Premio Estatal de las Artes Eréndira 2026 a tres destacados artistas: Joaquín Bautista Ramírez, premiado en la categoría de Música y Artes Sonoras; la compañía de danza contemporánea La Serpiente, en Danza; y Ioulia Akhmadeeva, en Artes Visuales. El evento tuvo lugar en el Teatro Melchor Ocampo, donde cada ganador recibió un estímulo económico de 300 mil pesos y un reconocimiento oficial firmado por el gobernador Alfredo Ramírez Bedolla.

Durante su intervención, Tamara Sosa Alanís, titular de la Secum, enfatizó la importancia de las trayectorias reconocidas, las cuales han enriquecido la vida cultural de Michoacán a través de la creación artística, la enseñanza y la construcción de comunidad. Este año marca una ocasión especial, ya que es la segunda vez en la historia del galardón que se rinde homenaje a una trayectoria en danza, recordando especialmente a la maestra Dalia Próspero Maldonado, una figura emblemática que dejó un legado imborrable en el ámbito de la danza y la educación artística.

Hayde Lachino Mendoza, parte del Consejo Técnico del Premio Eréndira, destacó que este reconocimiento trasciende las trayectorias individuales, visibilizando el papel del arte en la comunidad, promoviendo la paz y la justicia social. Resaltó que la creación artística nunca es un esfuerzo aislado, y el premio simboliza el agradecimiento de la sociedad michoacana hacia quienes transforman la realidad a través de su obra.

Joaquín Bautista Ramírez dedicó su reconocimiento a los músicos y compositores que sostienen la tradición p’urhépecha, especialmente a su padre, Tata Juan Bautista. Al recibir el premio, compartió su esperanza de que este reconocimiento motive a las juventudes a cultivar una música que emocione y conecte.

Por su parte, Ioulia Akhmadeeva compartió que este premio no solo celebra su carrera, sino también su conexión con Michoacán, donde ha formado una familia y desarrollado su labor como artista, investigadora y docente. Reflejó en sus palabras la importancia de temas como la memoria, la migración y el sentido de pertenencia que impregnan su trabajo.

Laura Martínez Ayala y Abdiel Villaseñor Talavera, codirectores de La Serpiente, subrayaron que el galardón representa 25 años de compromiso con la creación independiente y el trabajo colaborativo. Agradecieron a todos los artistas, colaboradores y públicos que han apoyado a la compañía, expresando que este reconocimiento los inspira a seguir adelante con nuevos proyectos. Reivindicaron la danza como una forma de amor, crítica y encuentro comunitario, resaltando su relevancia en el tejido social.

Este acto no solo celebra la excelencia artística en Michoacán, sino que también refuerza el compromiso de la cultura como motor de cambio y cohesión social en la región, permitiendo que el arte continúe siendo una plataforma vital para la expresión y la identidad cultural.

changoonga.com: https://changoonga.com/2026/10/09/reconocen-con-el-premio-erendira-2026-a-3-trayectorias-de-la-musica-la-danza-y-las-artes-visuales-en-michoacan/

Descontento cultural: ciudadanos cuestionan el Cervantino

Redacción — Sat, 10 Oct 2026 00:34:37 GMT

“Una tristeza cultural”. Así se expresa Adrián al reflexionar sobre el Festival Internacional Cervantino (FIC) desde una esquina de Guanajuato. En un evento que, aunque modesto en convocatoria, presenta al DJ francés Hervé junto a la compañía de danza MazelFreten, Adrián evoca recuerdos de un pasado vibrante. Un tiempo en el que octubre transformaba la ciudad en un bullicioso hervidero de arte y cultura. “Antes”, recuerda, “había rock gratuito, funciones diarias de títeres... todo era accesible”.

Frente al programa del festival pegado en un mostrador cercano, observa la diferencia. “Hay calidad, pero comparado con lo que era, le doy un siete”. Su mirada crítica no tarda en enfocarse en la tecnología y la gentrificación como factores detrás del declive percibido: “Hoy, los jóvenes prefieren sus celulares antes que un teatro”.

Darzee, una joven guanajuatense con 28 años de residencia en la ciudad, coincide con Adrián. Su infancia estuvo impregnada de magia cultural; paseaba con sus padres disfrutando de teatro y arte en las calles. Sin embargo, también siente nostalgia por los días en que el acceso a los eventos era más sencillo, una época donde el “Cervantino” se vivía de manera orgánica. “Ahora no todos tienen acceso; la gentrificación limita a muchos”.

La tristeza cultural no se limita a los entrevistados. En una tienda familiar, Juan Uribe también resiente los cambios. Hace 11 años que opera su negocio, y nota el efecto que la disminución de visitantes tiene en su movimiento diario. “Antes era bonito, lleno de vida”, dice, contrastando con el presente, donde debe cerrar temprano por falta de clientes. Su hijo recuerda un momento más vibrante, cuando un aforo considerable disfrutó de la música en un evento reciente.

Un taxista que lleva turistas parece ser el único que no ve el festival con el mismo aprecio. Su visión es pragmática: “Ya no representa lo mismo económicamente”. Él señala la inseguridad y la post-pandemia como factores en el descenso de turistas que, según datos oficiales, muestran una caída significativa en la participación.

Durante el primer fin de semana del Cervantino de 2026, del 2 al 4 de octubre, la ocupación hotelera alcanzó un 62.4%, comparado con un 65.43% en 2025. Además, el festival solo atrajo 27,970 visitantes, frente a 34,869 del año anterior, resultando en una disminución de la derrama económica total de 56.1 millones a 46.5 millones de pesos.

Sin embargo, no todo parece sombrío. Jorge Anguiano, director de Turismo del Gobierno Municipal, ofrece una perspectiva más optimista, señalando que la ocupación superó el objetivo inicial y se anticipa un repunte en el segundo fin de semana del evento.

La vitalidad del Cervantino aún se siente en sus noches, aunque los relatos de quienes viven en la ciudad destacan un anhelo por la conexión y la celebración que solía caracterizar el festival. A medida que se desarrollan las presentaciones, la preocupación permanece: ¿Podrá el festival revitalizar la esencia de Guanajuato y seguir siendo un bastión de encuentro cultural? Mientras tanto, tanto visitantes como residentes esperan que cada nuevo evento brinde la oportunidad de redescubrir el espíritu que una vez hizo del Cervantino un pilar de la ciudad.

eleconomista.com.mx: https://www.eleconomista.com.mx/arteseideas/tristeza-cultural-habitantes-cuestionan-cambios-cervantino-20261009-837880.html

Q Division Studios regresó a lo clásico

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 22:40:59 GMT

En un impulso fascinante hacia el pasado, el estudio de grabación Q Division, ubicado en Cambridge, Massachusetts, ha decidido dejar a un lado la tecnología digital para ofrecer a los artistas contemporáneos la oportunidad de experimentar la magia de la grabación analógica. Durante una semana en septiembre, este estudio, con más de 40 años de historia, reactivó su equipo de cinta de carrete a carrete, brindando a los músicos la posibilidad de sumergirse en un método de grabación que definió décadas de música.

El lunes por la mañana, los ingenieros de audio de Q Division preparaban todo para la llegada de la primera banda. Michael Healey, técnico principal de 32 años, se dedicó a hilar cuidadosamente una cinta analógica de dos pulgadas en una máquina Studer 827, un equipo de la década de los 90 que ha perdurado a lo largo de los años. Este clásico sistema de grabación funciona de manera similar a un antiguo reproductor de cassette, permitiendo a los músicos manipular el sonido de formas que el equipo digital no puede igualar.

Rafi Sofer, el ingeniero principal del estudio y con 53 años de experiencia, describió la grabación en cinta como una experiencia única, casi mágica, con un carácter especial que emana tanto de lo físico como de lo emocional. Recordando los grandes días del rock clásico de los años 60 y 70, Sofer mencionó que artistas legendarios como los Beatles y Pink Floyd produjeron obras maestras bajo estas condiciones. La ética de trabajo de la época, donde editar en cinta requería paciencia y dedicación, contrasta marcadamente con la inmediatez de la edición digital actual.

La experiencia de grabar en cinta conlleva una serie de desafíos. A diferencia de la edición digital, donde el "deshacer" es tan fácil como un clic, la grabación analógica es intrínsecamente arriesgada: "La cinta puede romperse o borrarse accidentalmente, y eso es algo que no recuperas", advirtió Sofer. Sin embargo, también reconoció los beneficios de la modernidad. La digitalización ha democratizado la producción musical, permitiendo que una amplia gama de artistas independientes acceda a recursos que antes estaban reservados para grandes estudios.

A pesar de los costos asociados, con un nuevo rollo de cinta de dos pulgadas que ronda los 400 dólares, Q Division ha decidido hacer que su “Semana de Cinta Analógica” sea más accesible. Ofrecieron el alquiler de la cinta de forma gratuita, buscando atraer a jóvenes músicos que desean ampliar su experiencia más allá de lo digital. En esta semana, bandas como Astral Bitch se lanzaron a la aventura de grabar en analogía por primera vez, experimentando la calidez y la complejidad sonora que solo la cinta puede ofrecer.

La banda, que se había centrado en grabaciones digitales anteriores, encontró un nuevo nivel de emoción y conexión al realizar su track “Time Will Tell” en este antiguo formato. "Es como un viaje en el tiempo", comentó el vocalista Sam Coren, claramente entusiasmado por la experiencia.

Q Division no solo busca preservar una técnica en riesgo de extinción, sino también revitalizar un amor por la música hecha con maestría y tiempo. La posibilidad de escuchar el giro hipnótico de los carretes y el sonido básico de la cinta ofrece una experiencia auditiva que muchos modernos encuentran cautivadora.

Los ingenieros del estudio están planeando repetir esta iniciativa en enero, ofreciendo otra oportunidad para que los nuevos artistas se sumerjan en el mundo de la grabación analógica. Esta fusión de tradición y modernidad sigue demostrando que, a pesar de la revolución digital, la esencia de la música puede ser capturada de forma única en los viejos formatos.

wbur.org: https://www.wbur.org/news/2026/10/09/q-division-studios-reel-to-reel-tape-analog-week

Cada canción oculta secretos insondables

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 11:11:58 GMT

El cantautor Pablo López, oriundo de Fuengirola y con 42 años de vida, ha vivido un regreso sorprendente y conmovedor a su esencia musical. Durante una reciente presentación de su disco "El Cuatro", lanzado el 6 de octubre, el artista reflexionó sobre su trayectoria personal y profesional. En un encuentro con la periodista Arancha Moreno, compartió que recuperar a su “niño interior” fue una experiencia transformadora que le ha robado el corazón y que, musicalmente, lo define como un “niño consentido”.

La presentación, celebrada en los Encuentros EL PAÍS, no solo fue una oportunidad para escuchar su música, sino también para que los asistentes interactuaran con él, haciendo preguntas y disfrutando de tres interpretaciones acústicas. En este evento, López destacó el aprendizaje sobre la aceptación personal que ha ido acumulando en los últimos seis años, reflexionando sobre la importancia de conocerse a uno mismo para poder querer a los demás.

El título de su nuevo disco hace eco a su infancia. Fascinado por el poder de la lectura, aprendió a leer con periódicos y autodefinió su niñez como la de “un niño viejo”. Su conexión con el piano, que tiene desde los siete años, ha sido vital en su carrera; lo describe como un “dúo” inseparable que responde vitalmente a su forma de tocar. A través de sus primeras grabaciones, Lopéz busca revivir momentos significativos de su vida musical.

Desde su despegue a la fama en 2008 como finalista de "Operación Triunfo", ha realizado una notable carrera: cinco discos de estudio, múltiples éxitos como “Tu enemigo” y “El patio”, y su papel como coach en "La Voz". Uno de sus discos más recientes, "Unikornio (Once millones de versos después de ti)", vio la luz en plena pandemia, un período que marcó un hito crucial en su trayectoria.

Recientemente, López tuvo la oportunidad de colaborar con el veterano Raphael en el disco "Victoria", donde se vio profundamente influenciado por su trayectoria. Este intercambio creativo reafirmó su concepto de la música y la vida, llevándolo a reconocer que aún tiene mucho que aprender.

Durante su charla, también abordó temas sociales, admitiendo que la polarización actual influye en su proceso creativo, aunque no ha desarrollado letras que aborden esos debates de forma directa. Al preguntarle si alguna vez se sintió superado por sus emociones durante un concierto, recordó momentos intensos, especialmente al interpretar “El patio”.

En resumen, el encuentro con Pablo López fue un reflejo de un artista en constante evolución que combina su experiencia con una profunda conexión emocional. Su música, impregnada de sinceridad, invita a los oyentes a explorar sus propias historias y a encontrar en ellas un lugar de aceptación y amor propio. En un futuro cercano, el público podrá disfrutar de más de su trabajo y, con ello, ser parte de su inigualable viaje musical.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-09/pablo-lopez-en-los-conciertos-de-el-pais-todas-las-canciones-guardan-secretos-que-ni-siquiera-a-mi-mismo-soy-capaz-de-contarme.html

Greta Van Fleet Sigue Brillando Intensamente

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 11:11:22 GMT

En un mundo donde la música parece navegar hacia nuevas tendencias, hay bandas que logran mantener viva la esencia de géneros olvidados. Un ejemplo de ello es Greta Van Fleet, una banda que ha logrado forjar su camino en el competitivo panorama musical contemporáneo, reviviendo el rock en una era donde este género ha sido eclipsado por otros estilos.

Recientemente, el vocalista de la banda, Josh Kiszka, compartió su reflexión sobre el significado detrás de su título, que hace eco de un palacio en Inglaterra diseñado especialmente para la comunidad. “Es un concepto increíble”, comenta Kiszka. Durante sus presentaciones, se destaca la inclusividad que caracteriza a sus shows, donde el público varía en edades y orígenes, convirtiendo cada concierto en un auténtico "palacio para el pueblo".

Tras un receso de tres años, la banda se encuentra lista para volver con su gira “Into the Beginning”, que inicia el próximo año. Los boletos para este tour, que refleja su crecimiento y evolución, estarán disponibles el 15 de octubre a precio de cara.

En una conversación reciente, Kiszka reflexionó sobre el tiempo transcurrido desde que iniciaron su carrera, enfrentando múltiples desafíos desde su adolescencia. Comenta sobre la elección entre interpretar música y hacer vida de estudiantes, recordando que sus compañeros Sam y Danny se perdieron momentos significativos como el baile de graduación debido a compromisos laborales. Esta experiencia les ayudó a desarrollar un fuerte sentido de hermandad, un pilar fundamental en su música y éxito actual.

Cuando se le preguntó sobre la presión de ser uno de los pocos grupos de rock en destacar en la actualidad, Kiszka reconoció que sí existe una carga de responsabilidad por mantener viva una tradición musical que consideraba vital. “El rock ’n’ roll ha estado un poco ausente, y queremos ofrecer algo que faltaba en nuestra juventud”, expresa. Para él, este género es como un crisol de influencias diversas que representa la experiencia humana en su totalidad.

Así, la banda continúa su trayectoria, desafiando las expectativas y ofreciendo un sonido que, según apunta Kiszka, no se parece a nada de lo que se ha hecho antes. La esencia de su misión parece estar en proporcionar una autenticidad que resuena con el público, mientras se preparan para conquistar nuevos escenarios y expandir su legado musical.

vogue.com: https://www.vogue.com/article/greta-van-fleet-palace-for-the-people-interview

Beatrice Rana descubre todo en un piano

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 07:34:46 GMT

La música de Johann Sebastian Bach, conocida por su complejidad y belleza, evoca sensaciones profundas que van más allá de sus temas melódicos. Esta idea fue magistralmente capturada por Claude Debussy en 1901, quien expresó que lo que realmente conmueve en la música de Bach es la "curva" del sonido, esa interacción entre líneas musicales que, en su encuentro, genera emoción. Esta percepción estuvo presente en el recital de la pianista italiana Beatrice Rana, quien el pasado 8 de octubre presentó una interpretación del maestro alemán en el Auditorio de Zaragoza.

Rana, con 33 años y reconocida por su talento, abordó la Suite francesa núm. 2 de Bach de una manera singulary original. Prescindiendo de ornamentos y centrándose en el matiz dinámico, su interpretación evocó a grandes maestros italianos como Arturo Benedetti Michelangeli y Maurizio Pollini, separándose de las sonoridades historicistas que a menudo inspiran a los intérpretes de Bach. Esta actuación formó parte de un programa temático que Rana ha estado presentando en importantes salas europeas durante la temporada, que comenzó el 1 de octubre de 2023.

El recital en Zaragoza, que representó un ajuste del programa previamente anunciado, en lugar de ser exclusivamente de Bach, Clementi y Schumann, ofreció una intrincada "conexión francesa", explorando la relación musical entre compositores como Debussy y Chopin en un hilo que conecta la historia de la música. Este enfoque, que traje nuevamente a la vida de los ciclos pasados, muestra cómo la tonalidad y las obras se entrelazan dentro de un repertorio cuidadosamente elegido.

La primera parte del recital resaltó la maestría de Rana, quien tocó la suite con credenciales técnicas y una sensibilidad interpretativa que dejó al público extasiado. Desde la alemanda hasta los minuetos, su ejecución fue una danza de texturas sonoras que reveló la arquitectura subyacente de las composiciones.

La segunda parte brilló con el Nocturno en do menor op. 48 núm. 1 de Chopin, en el que la pianista mostró su habilidad para equilibrar emoción y técnica, aunque algunos momentos fueron menos impactantes, especialmente en el Nocturno en fa sostenido menor op. 48 núm. 2. El recital culminó con el Scherzo núm. 3, donde la teatralidad y el dramatismo fueron los protagonistas.

El recital concluyó con dos propinas que reflejaron la versatilidad de Rana, incluyendo la Romanza sin palabras op. 67 núm. 2 de Mendelssohn y una pieza de Chaikovski, ambas ejecutadas con un sonido de gran calidad y dinamismo.

Rana se encuentra en un camino que la posiciona como una de las grandes intérpretes contemporáneas, buscando equilibrar su expresión artística con la fidelidad al texto musical. Su capacidad para conectar con el público y a la vez mantener una integridad musical es un valor añadido. Este recital no solo marcó una parada en su gira, sino que también sirvió de puente entre generaciones de música y estilos, reafirmando el eterno diálogo entre los compositores a lo largo de los siglos.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-09/beatrice-rana-lo-encuentra-todo-en-un-solo-piano.html

La fusión musical de Rosalía y Fontaines DC

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 06:23:54 GMT

En un emocionante cruce de caminos en el mundo musical, la reconocida artista catalana Rosalía se une a la banda irlandesa Fontaines D.C. en el tema "Where Is Gone?", de su próximo álbum Dopamine Chamber. Este esperado lanzamiento está programado para el 16 de octubre de 2026 y ha generado gran expectativa entre los fanáticos de ambos artistas. La colaboración fue anunciada el 17 de septiembre cuando Fontaines D.C. reveló el repertorio completo de su disco en sus redes sociales, sorprendiendo a muchos al incluir a la prominente figura de la música española.

El álbum, que está siendo producido por James Ford, conocido por su trabajo con aclamadas bandas como Arctic Monkeys y Gorillaz, promete una mezcla vibrante de estilos y talentos. Con el respaldo de una figura de peso en la producción, el lanzamiento se espera que resuene no solo en el ámbito musical, sino también en el cultural, consolidando aún más la presencia de Rosalía en el escenario internacional.

Además, el anuncio de la colaboración se suma a una serie de hitos recientes en la carrera de Rosalía, quien ha brillado en diversas nominaciones, como los Grammy Latinos de 2026. Este momento resalta su capacidad de cruzar fronteras y conectar con una variedad de géneros y audiencias, manteniendo intacta su esencia única.

Por otro lado, la venta física del sencillo estará limitada, lo que añade un toque de exclusividad a este lanzamiento. La combinación de la poderosa voz de Rosalía con el sonido distintivo de Fontaines D.C. promete ofrecer a los oyentes una experiencia musical única.

Con una fecha de lanzamiento inminente, los seguidores de ambos artistas no pueden esperar para descubrir cómo esta colaboración impactará la música contemporánea. La fusión de influencias y estilos sugiere que "Where Is Gone?" será más que una simple canción; será un testimonio del poder de la colaboración en el arte musical moderno.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-09/asi-suena-la-colaboracion-entre-rosalia-y-fontaines-dc.html

¿Eres nuevo en Tinashe? Escucha estos 10 temas

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 00:58:38 GMT

Explorando la Evolución Musical de Tinashe

La trayectoria musical de Tinashe se destaca por su singularidad sonora y su capacidad de captar la esencia de la juventud. En su obra "Pasadena" de 2021, se manifiesta un deseo de aventura y grandeza, evocando la nostalgia de los veranos californianos mientras se anhela la fuga de la monotonía del hogar. Esta canción, con su atmósfera vibrante, resulta ser el acompañamiento ideal para una película de carretera que retrate el paso a la madurez.

En "Cash Race", parte del álbum Songs for You lanzado en 2019, Tinashe ofrece una de sus propuestas más consistentes. Este álbum, a pesar de no alcanzar la revolución que otros esperaban, incluye éxitos que marcan la evolución del hip-hop, como la notable transición de ritmo en esta pista, que comienza suave y se transforma en un explosivo banger, ideal para los sistemas de sonido que buscan un potente bajo.

Por su parte, "Feelings", también de Songs for You, se inicia con un enfoque más directo, fusionando la balada con un tono más festivo. La colaboración con el productor Hit-Boy, aunque escasa, resalta la calidad de esta unión creativa, dejando a los oyentes con la esperanza de futuras colaboraciones.

La colaboración con Blood Orange en "Tuesday Feeling" de 2015 muestra a Tinashe en un terreno sonoro etéreo, que evoca la tranquilidad de un paseo al atardecer por la costa del Pacífico. Aunque sonoramente distinta a lo habitual, Tinashe brilla en esta interpretación.

En "Rascal (Superstar)", un himno regional con ecos de éxito de años pasados, se percibe un potencial que habría resonado fuertemente en emisoras como Power 106 en 2012, especialmente si hubiese contado con una participación de Tyga.

Por último, en "On a Wave", disponible desde 2015, se recuerda la colaboración con Drake, quien, al reinterpretar "2 On", captó atención sobre su original. A pesar de compartir escenario en eventos como el OVO Fest, la colaboración en estudio que muchos anticipaban nunca se concretó, dejando a los seguidores deseando más.

El viaje musical de Tinashe continúa resonando en la cultura contemporánea, marcando un precedente en el desarrollo del sonido hip-hop contemporáneo y el pop, mientras se mantiene relevante y cautivadora para su audiencia.

gq.com: https://www.gq.com/story/tinashe-tap-in

Estafador musical condenado por manipular reproducciones

Redacción — Thu, 08 Oct 2026 22:35:53 GMT

En el mundo de la música digital, un caso reciente ha resaltado los riesgos asociados con la manipulación de plataformas de streaming. Un individuo ha sido encarcelado después de haber creado "cientos de miles de canciones generadas por inteligencia artificial". Este fraude innovador no solo puso de manifiesto las vulnerabilidades del sistema, sino que también llevó a la creación de miles de bots que simularon miles de millones de reproducciones automáticas, haciendo que menospreciados géneros y artistas emergentes obtuvieran de forma artificial más reproducciones que algunos de los más renombrados, como Taylor Swift.

El mecanismo de este esquema fraudulento era sorprendentemente ingenioso. A través de la dispersión de millones de streams, los bots evitaban levantar sospechas al no centrarse en un solo tema, lo que les permitía operar sin ser detectados durante un considerable lapso. Este enfoque astuto hizo que un conjunto de canciones ficticias acumulase cifras de reproducciones astronómicas, superando las métricas de artistas consagrados.

Este escándalo no solo revela el potencial colisionante entre la tecnología y el arte, sino que también plantea interrogantes sobre la regulación y vigilancia en la industria musical actual. Las plataformas de streaming, que dependen de métricas para impulsar a los artistas en sus listas, se enfrentan a desafíos constantes para asegurar la autenticidad de sus datos y evitar fraudes que podrían dañar la integridad del mercado musical.

Este fraude, que ha generado debate entre profesionales de la industria, destaca la necesidad urgente de una revisión y actualización de los sistemas de monitoreo de las reproducciones. Mientras se avanza hacia una era donde la inteligencia artificial juega un papel cada vez más prominente en la creación musical, es crucial establecer estándares y regulaciones que mantengan la equidad y veracidad en la presentación de las cifras de reproducción.

Con este caso, la música no solo ha sido una fuente de entretenimiento, sino también el ecosistema de una manipulación que podría reconfigurar el panorama de la industria. A medida que continúan surgiendo nuevas tecnologías, el equilibrio entre innovación y ética en la música se convierte en un tema de conversación de vital importancia.

arstechnica.com: https://arstechnica.com/tech-policy/2026/10/outstreaming-taylor-swift-is-easy-with-10k-bots-and-ai-songs-fraudster-admits/

Robbie Williams brilla ante 18 mil fans

Redacción — Thu, 08 Oct 2026 06:38:12 GMT

En una noche mágica en el Palacio de los Deportes, Robbie Williams dejó una huella imborrable al encantar a 18 mil fans que lograron colmar el recinto. El espectáculo, parte de su esperado Britpop Tour, se llevó a cabo recientemente, marcando un regreso triunfal del artista británico, quien no escatimó en energía ni carisma. A las 21:06, hizo su entrada triunfal con un vibrante conjunto rojo de Adidas y un pañuelo blanco, presentándose ante su legión de seguidores con un despliegue de movimiento y presencia escénica.

A lo largo de la velada, Williams encantó al público con su característica interacción, bajando del escenario para conectar con los fans y compartiendo momentos humorísticos que generaron risas y complicidad. "Mi nombre es Robbie Williams y este es mi maldito trasero", proclamó con humor, mientras sus músculos tonificados eran el centro de atención tras despojarse de una sudadera durante "Let Me Entertain You".

El artista tomó un momento para dirigirse a México, asegurando que extrañaba a sus seguidores y recordando encuentros pasados de una manera cómica y cercana. Su interacción no solo fue verbal; hizo referencia a la cultura local pidiendo la traducción de "entretenimiento" al español, lo que resultó en un torrente de voces entusiastas que le respondieron.

En un divertido giro, Williams bromeó sobre su carrera, afirmando que no cantaba por dinero, sino por sus hijos, justo antes de interpretar "Rock DJ". La noche estuvo llena de sorpresas, incluso un homenaje a la bandera mexicana cuando una fan la mostró al artista durante "Strong", destacando el fuerte vínculo que ha desarrollado con su público en el país.

Uno de los momentos más destacados ocurrió cuando invitó a Omar Chaparro a unirse a él en el escenario para interpretar "Better Man", donde el público mostró su apoyo usando máscaras de mono, un guiño a su película biográfica. Durante el concierto, Williams también recordó su disputa con los hermanos Gallagher, lo que lo llevó a interpretar una versión de "Wonderwall", muy aclamada por sus fans.

La banda inglesa The Lottery Winners fue la encargada de calentar el ambiente, mientras el entusiasmo crecía en el público, que no escatimó en creatividad al hacer uso de máscaras y disfraces para celebrar la llegada del artista. La anticipación fue palpable, con fans organizándose incluso para contratar un turibús con una figura de tamaño real de Williams adornando el vehículo, un gesto que dejó al artista sorprendido y contento al asomarse por la ventana durante su recorrido por la ciudad.

Con fechas adicionales en su agenda, como el Festival Pulso GNP el 10 de octubre en Querétaro y un espectáculo en VidantaWorld el 27 de octubre, Robbie Williams continúa su gira dejando un rastro de energía e interacciones memorables con su público. Su regreso a México no solo resalta su estrellato, sino también su conexión sincera y duradera con sus seguidores, lo que garantiza que cada presentación sea un verdadero espectáculo lleno de música y espectáculo.

reforma.com: https://www.reforma.com/es-robbie-williams-un-showman-total-ante-18-mil-fans/ar3290556

Falleció Piero, cantautor ítaloargentino, a los 81.

Redacción — Thu, 08 Oct 2026 00:37:34 GMT

El mundo de la música se encuentra de luto tras el fallecimiento de Piero, el icónico cantautor ítaloargentino, a la edad de 81 años. Su deceso, anunciado el 7 de octubre de 2026, marca el final de una carrera que abarcó más de cinco décadas, dejando un legado imborrable a través de sus letras de amor, protesta y profundo contenido social.

Piero Antonio Franco De Benedictis, nacido en Italia en 1945, encontró su hogar en Argentina desde los tres años. Allí, se convertiría en una voz emblemática de la canción de protesta y la trova latinoamericana, resonando profundamente en la sociedad de su tiempo. Su pieza más conocida, "Mi viejo", lanzada en 1969, no solo se volvió un himno generacional, sino que ha sido interpretada en más de 500 versiones, según datos de la Fundación Konex.

El repertorio de Piero abarca más de 25 discos, con canciones que han marcado momentos cruciales de la historia argentina. Temas como "Para el pueblo lo que es del pueblo", "Juan Boliche" y "Llegando, llegaste" reflejan su compromiso con la dignidad y la justicia social. Su música resonó con especial fuerza durante la época que precedió a su exilio en España en 1976, un período marcado por la brutalidad de la última dictadura argentina, que se extendió hasta 1983.

El impacto de su obra fue reconocido en 2007 cuando fue incluido en el Salón de la Fama del Latin Grammy gracias a "Mi viejo". Posteriormente, en 2016, la Academia de la Música Latina le otorgó el premio a la Excelencia Musical, celebrando así su vasta trayectoria artística.

A lo largo de su vida, Piero también cultivó un vínculo especial con Colombia, país que le otorgó la ciudadanía en 1996. Allí, ganó considerable popularidad y llevó a cabo diversas iniciativas en pro de la paz, reflejando su compromiso social más allá de la música.

El sentido de pérdida se siente profundamente entre quienes admiraron su voz y su mensaje. En un emotivo comunicado, sus allegados expresaron: "Su voz, sus canciones y su mensaje de paz quedan para siempre con nosotros. Su luz va a seguir brillando en cada rincón donde su música siga llegando". Así, el legado de Piero perdurará en la memoria colectiva, mientras su música continúa tocando corazones y levantando voces en favor de un mundo mejor.

eleconomista.com.mx: https://www.eleconomista.com.mx/arteseideas/piero-cantautor-italoargentino-compositor-mi-viejo-fallecio-81-anos-20261007-837452.html

Marin Alsop Asume Otro Cargo de Dirección

Redacción — Wed, 07 Oct 2026 18:24:59 GMT

Marin Alsop ha sido nombrada nueva directora artística de la Webern Kammerphilharmonie, el orquesta de formación del prestigioso Conservatorio de Música y Artes Escénicas de Viena. Este nuevo cargo se suma a su ya impresionante currículum, que incluye su posición actual como directora artística de la Polish National Radio Symphony. Alsop también se desempeña como directora principal de la Chicago Symphony en Ravinia, así como directora huésped principal de la Philadelphia Orchestra y la Philharmonia Orchestra de Londres.

Este anuncio, realizado el 7 de octubre de 2026, resalta aún más el compromiso de Alsop con la educación musical y su capacidad para influir en la próxima generación de músicos. La Webern Kammerphilharmonie se especializa en repertorio contemporáneo y clásico, lo que augura una etapa emocionante bajo su liderazgo.

Con un enfoque en la innovación y la diversidad en la música, Alsop ha demostrado ser una pionera en el ámbito de la dirección orquestal, rompiendo barreras en un campo tradicionalmente dominado por hombres. Su nombramiento en Viena no solo reafirma su status como una de las figuras más relevantes en la música clásica actual, sino que también abre un diálogo sobre la importancia del liderazgo inclusivo en el arte.

Los aficionados a la música y los estudiantes de la Webern Kammerphilharmonie pueden esperar un período de enriquecimiento cultural, en el que se priorizará la formación musical de alta calidad y la exploración de nuevas obras. Con su vasta experiencia y su enfoque innovador, Alsop está preparada para dejar una huella significativa en la orquesta y en el panorama musical europeo.

gramophone.co.uk: https://www.gramophone.co.uk/content/news/marin-alsop-appointed-artistic-director-of-the-webern-chamber-philharmonic#new_tab

Fallece a los 76 años el compositor británico George Fenton

Redacción — Wed, 07 Oct 2026 13:03:50 GMT

George Fenton, un destacado compositor británico, falleció a los 76 años, dejando tras de sí un legado musical impresionante que abarcó más de 100 películas y diferentes géneros, desde el cine hasta la televisión y el teatro. La familia de Fenton anunció que su muerte fue “inesperada”, aunque no se especificó la causa. En su comunicado, destacaron que el compositor deja a su familia y “una vida de música”.

Nacido George Howe en Bromley, Kent, en 1949, Fenton mostró un temprano interés por la música, empezando a tocar la guitarra y luego el órgano. Su carrera comenzó en el escenario, donde no solo aspiraba a ser músico, sino también actor. En 1968, hizo su debut en el West End con una producción de Alan Bennett y, posteriormente, participó en la telenovela Emmerdale Farm.

Su carrera tomó un nuevo rumbo en 1974 cuando fue comisionado para componer música para la producción de Twelfth Night del Royal Shakespeare Company. Este momento marcó el inicio de colaboraciones significativas con diversos directores, entre ellos Stephen Frears, Ken Loach y Richard Attenborough. La asociación con Frears fue particularmente fructífera, ya que trabajaron juntos en once proyectos, incluyendo la aclamada Dangerous Liaisons, que le valió una nominación al Oscar.

Fenton tuvo su primer reconocimiento en la ceremonia de los Premios de la Academia gracias a Gandhi (1982), donde recibió su primera nominación, junto a Ravi Shankar. Más tarde, fue nominado de nuevo por Cry Freedom, donde incluso compartió voces en la canción principal, una experiencia que describió como “un mal sueño despierto”, dada la presión de actuar ante una audiencia masiva.

Además de sus colaboraciones en cine, Fenton también dejó una huella imborrable en la música de documentales. Trabajó con David Attenborough en obras emblemáticas como The Blue Planet y Planet Earth, y desarrolló formatos de conciertos en vivo para estas series, lo que amplió su impacto en la cultura británica.

Fenton destacó en su trabajo con Ken Loach, componiendo para filmes como The Wind That Shakes the Barley, que ganó la Palma de Oro en Cannes. Su versatilidad también lo llevó a colaborar con otros directores de renombre, como Nora Ephron, con quien trabajó en películas como You've Got Mail, y con Andy Tennant en éxitos de taquilla como Sweet Home Alabama.

A lo largo de su carrera, Fenton no solo se destacó como compositor, sino que también creó temas icónicos para programas de noticias de la BBC, lo que permitió que su música resonara en la vida cotidiana de los británicos. En 2023, fue reconocido con una CBE por sus contribuciones a la música, un testimonio a su esfuerzo y dedicación.

George Fenton deja atrás a su esposa Amanda, su exesposa Jane, tres hijos y seis nietos, así como un legado musical que seguirá inspirando a generaciones futuras.

theguardian.com: https://www.theguardian.com/music/2026/oct/06/george-fenton-oscar-nominated-british-composer-dies-aged-76-gandhi-groundhog-day-ken-loach#new_tab

Rosalía, galardonada con el Nacional de Música 2026

Redacción — Wed, 07 Oct 2026 12:27:05 GMT

Rosalía Vila Tobella, la aclamada cantante y compositora catalana, ha sido galardonada con el Premio Nacional de Músicas Actuales para 2026, otorgado anualmente por el Ministerio de Cultura de España y que está dotado con un premio de 30.000 euros. Esta distinción es un reconocimiento a la “trascendencia artística de su disco LUX”, que ha sido descrito como una propuesta musical ambiciosa e innovadora. El jurado ha aplaudido su capacidad para elevar los límites creativos, logrando un amplio reconocimiento tanto por parte de la crítica como del público.

El comunicado del ministerio resalta que LUX “reitera una trayectoria de alcance internacional”, destacando la investigación, el riesgo y la evolución creativa que caracterizan a la artista. Su sonido único, que desafía géneros y épocas, refleja una habilidad extraordinaria para fusionar la vanguardia con el patrimonio musical. Además, se valora su contribución a la proyección global de la música española, subrayando la importancia de la colaboración artística en su proceso creativo.

Rosalía, originaria de Sant Esteve Sesrovires en Barcelona y con 34 años, ha tenido un ascenso meteórico en la industria musical. Su disco debut, Los Ángeles, se lanzó en 2017, seguido un año después por El mal querer, el cual incluyó éxitos como Malamente y Pienso en tu mirá. En 2022, presentó Motomami, un trabajo que amalgamó influencias de ritmos urbanos latinos, flamenco y electrónica.

LUX, que se lanzó hace menos de un año, representa su cuarto álbum de estudio y ha contado con la colaboración de artistas de renombre como Silvia Pérez Cruz, Carminho, Björk y Estrella Morente, además de ser producido junto a la Orquesta Sinfónica de Londres. Este disco ha sido también reconocido con dos Grammy y 13 Latin Grammy, consolidando aún más su posición en el panorama musical.

Con este nuevo premio, Rosalía entra en la selecta lista de artistas galardonados que incluye a figuras como Rodrigo Cuevas, Rozalén y Joan Manuel Serrat. Este reconocimiento llega en un año de notable éxito para la cantante, marcada por millones de reproducciones online, el éxito de su gira y su participación en la serie Euphoria, que han contribuido a su creciente popularidad y relevancia en el mundo de la música actual.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-07/rosalia-premio-nacional-de-musicas-actuales-2026.html

Una hermosa odisea musical británica

Redacción — Wed, 07 Oct 2026 05:17:25 GMT

En un gesto que resuena con la esencia misma de la música, Pablo Solo, un músico contemporáneo, ha revivido la obra de un artista casi olvidado, John Bromley. La chispa de esta conexión empezó en 2019, cuando Solo escuchó “Weather Man”, una melodía cautivadora que formó parte de un recopilatorio de pop y psicodelia de los años 60. La belleza de la música, acompañada de arreglos delicados y una voz potente, impactó a Solo al instante. Su curiosidad lo llevó a investigar quién se escondía detrás de esas notas.

John Bromley, originario de Manchester, se destaca como un nombre poco conocido dentro de la rica escena musical británica de los 60 y 70. A pesar de haber lanzado solo un álbum, su influencia es nada despreciable, ya que colabora con una variedad de músicos que contribuyeron al resplandor de una época dorada en la música pop. Este encuentro fortuito con su obra ha desencadenado en Solo una profunda admiración, que se ha transformado en un viaje de redescubrimiento de la historia del pop británico.

La conexión entre ambos artistas va más allá de una simple admiración. Pablo Solo y John Bromley han comenzado a trabajar juntos, tejiendo una relación que encarna la esencia de la colaboración artística. En el contexto actual, en el que el regreso de sonidos clásicos provoca tanto interés, la historia de Bromley emerge como un verdadero tesoro musical.

Hoy en día, el legado de bromley está siendo redescubierto por una nueva generación de oyentes, gracias a artistas como Pablo Solo, que se esfuerzan por mantener viva la memoria de aquel pop melódico y sofisticado. Este redescubrimiento no solo revive una época, sino que también refuerza la idea de que la música, en su forma más pura, tiene el poder de conectar a diferentes generaciones.

A medida que avanzamos en esta era digital, donde la música fluye con facilidad, la historia de la redescubierta conexión entre Solo y Bromley resuena con fuerza, destacando la importancia de explorar y revivir los clásicos. Cada nota de “Weather Man” recuerda que, a pesar del paso del tiempo, la magia de la música puede unir a aquellos que buscan algo más allá de la superficialidad del presente.

El ciclo de admiración y amor por el mejor pop británico continúa en manos de quienes se atreven a mirar hacia atrás, valorizando los sonidos que una vez cautivaron a multitudes. En esta travesía, Pablo Solo no solo redescubre al músico; también abre la puerta hacia un legado que merece ser celebrado y apreciado en toda su plenitud.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-07/pablo-solo-john-bromley-una-bonita-historia-de-amor-a-la-musica-que-descubre-un-tesoro-de-pop-britanico-con-tintes-clasicos.html

Timbiriche desmiente autorización de serie

Redacción — Tue, 06 Oct 2026 21:42:53 GMT

Los miembros de Timbiriche han emitido un comunicado enérgico en respuesta a la nueva serie de ficción de ViX, que se basa en la historia de este icónico grupo de pop mexicano. En un mensaje firmado por Alix, Diego, Mariana, Erik, Benny y Sasha, los artistas dejaron claro que no participaron en la creación de la serie, que no fueron consultados sobre cómo se narrarán sus historias y que no han dado su consentimiento para el uso de su imagen, voz o identidad.

Tras más de cuatro décadas de carrera compartiendo escenarios y emociones con el público, los integrantes del grupo sintieron que era crucial expresar su postura ante el inminente estreno de la producción, programado para los próximos días. Aseguraron que, hasta el momento, no han sido invitados a ver la serie, lo que amplía su incertidumbre sobre su contenido.

La agrupación reconoció la libertad creativa de los realizadores, pero planteó serias dudas sobre la posibilidad de construir relatos alrededor de personas reales sin haber escuchado sus versiones. Hicieron hincapié en que la ficción tiene el potencial de mezclar hechos verídicos con situaciones completamente ficticias, y remarcaron que los personajes de la serie no solo representan a ellos, sino también a sus familias y a otros que vivieron experiencias significativas junto a ellos.

La serie de ViX se anuncia como una obra que llevará al público de regreso a los años 80, explorando el camino de un grupo de adolescentes que aspiran a triunfar en la música. A medida que navegan por los retos de crecer bajo el ojo público, la serie pretende mostrar el impacto que Timbiriche tuvo en su generación.

El elenco incluirá a nombres como Macarena García, Sebastián Poza, Luis de la Rosa y otros, quienes encarnarán a personajes que reflejan la época dorada del pop latinoamericano. Sin embargo, los integrantes del grupo han sido claros: esta versión no debe ser considerada como el relato oficial de sus experiencias vividas en ese tiempo.

Finalmente, Timbiriche dejó abierta la posibilidad de contar su propia historia en algún momento futuro, bajo sus propios términos y perspectiva. "La serie que está por estrenarse no es la historia de Timbiriche contada por nosotros. Quizá algún día decidamos contarla, pero entonces será con respeto por quienes la vivimos y en nuestra propia voz", concluyeron los artistas.

Con este comunicado, Timbiriche no solo establece su descontento con la producción, sino que reafirma su rol y autoridad sobre su legado, en un contexto donde la ficción a menudo se mezcla con la realidad.

reforma.com: https://www.reforma.com/niega-timbiriche-haber-autorizado-serie-sobre-su-historia/ar3289404

Elton John y el arte de perdurar

Redacción — Tue, 06 Oct 2026 18:06:56 GMT

El pasado 3 de octubre, el Estadio Azteca se convirtió en el escenario de una memorable velada musical que reunió a miles de seguidores de Sir Elton John. A pesar de las inclemencias del tiempo, los asistentes corearon con fervor sus clásicos, recordando por qué este artista británico ha perdurado a través de las décadas.

La influencia de Elton John en la música popular es innegable, y su habilidad para fusionar diversos géneros ha sido clave para su éxito. A lo largo de su carrera, ha homenajeado a grandes de la música como Little Richard y Jerry Lee Lewis, mientras crea su propio legado. Aunque enfrentó críticas de movimientos como el punk y la new wave, su obra sigue siendo apreciada y relevante.

Los años entre 1970 y 1975 se consideran su época dorada, y sus colaboraciones con el productor Gus Dudgeon y el arreglista Paul Buckmaster dieron lugar a algunas de las grabaciones más memorables de la música pop. Durante el concierto, temas como “Tiny Dancer” y “Rocket Man” resonaron en el coloso de Santa Úrsula, recordando la balada como el formato musical más popular del mundo, en el que Elton es un indiscutible maestro.

El impacto de su música se extiende a través de generaciones. La habilidad de Elton John para transformar sus experiencias en emotivas torch songs, como “Sorry Seems to Be the Hardest Word”, ha hecho que su obra resuene profundamente con el público. En el concierto, los asistentes vieron a un artista de 79 años aún dotado de una notable voz y habilidades al piano, mientras ofrecía un repertorio que abarcó desde sus grandes éxitos hasta piezas menos populares, demostrando su versatilidad.

Se pudo observar en su performance que, a pesar del tiempo y las corrientes musicales que podrían haberlo relegado a un segundo plano, John sigue siendo una figura central en el panorama musical. Con éxitos como “I’m Still Standing”, compone un diálogo intergeneracional que une a jóvenes y adultos. Las colaboraciones recientes como “Cold Heart” han mantenido su relevancia, incluso en el entorno musical post-pandémico.

El proceso de reencuentro con su legado es un tema recurrente entre artistas establecidos, y Elton no es la excepción. A pesar de la fuerte conexión con sus éxitos comerciales, también hizo espacio para canciones de sus álbumes más recientes. Temas de obras como “The Union” —que le permitió resucitar la carrera de Leon Russell— demuestran que su creatividad no se ha apagado, manteniendo un constante diálogo con la evolución musical.

El cierre del concierto llegó con “Your Song”, el cual encendió el Estadio y unió a miles de voces en un canto compartido. Este tópico resuena no solo por su impacto histórico, sino también por el significado emocional que encierra para el propio artista y su audiencia.

Al mirar hacia el futuro, es evidente que Elton John ha dejado una huella imborrable en la música. Con una carrera que se expande a seis décadas, su influencia continua alimentando el amor por la música, un legado que no solo atraviesa generaciones, sino que también promete resonar en las próximas. Su capacidad para adaptarse y absorber diversas corrientes musicales asegura que su música seguirá siendo un pilar en el vasto panorama de la cultura popular.

letraslibres.com: https://letraslibres.com/musica/elton-john-y-el-arte-de-seguir-sonando/06/10/2026/

Cómo Ravinia se reinventó

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 23:30:26 GMT

El emblemático pavilón de Ravinia ha vuelto a abrir sus puertas, marcando un hito en la arquitectura contemporánea tras dos años de diseño y construcción. La renovada estructura comenzó a recibir visitantes a mediados de la temporada de verano de 2026, y desde entonces ha comenzado a demostrar su versatilidad.

La reinvención de este espacio se ha centrado en su capacidad de adaptación, permitiendo un uso multifuncional que responde a las diversas actividades que se desarrollan en el famoso festival de música al aire libre. La flexibilidad que ahora ofrece el pavilón resulta crucial para albergar no solo conciertos, sino también eventos culturales y comunitarios, ampliando así su relevancia en la vida social de la región.

Los arquitectos han puesto especial énfasis en la integración de elementos sostenibles y en la creación de un ambiente que fomente la interacción del público con el entorno natural que rodea al pavilón. Este enfoque no solo mejora la experiencia de los asistentes, sino que también establece un nuevo estándar para futuras construcciones en espacios similares.

A medida que avanzamos hacia el cierre del año, se espera que el pavilón de Ravinia no solo se convierta en un lugar de referencia para la música, sino también un punto de encuentro donde la comunidad pueda disfrutar de diversas expresiones artísticas. Esta transformación muestra la importancia de la adaptabilidad en la arquitectura, destacando cómo los espacios pueden evolucionar para satisfacer las necesidades cambiantes de la sociedad.

A medida que la temporada de 2026 avanza, la atención se centra en cómo la nueva estructura afectará la programación y la experiencia de los visitantes, prometiendo un futuro vibrante para uno de los destinos culturales más apreciados del país.

architectmagazine.com: https://www.architectmagazine.com/design/__trashed/

Oracle Dona $10M para Salvar la Sinfonía de Nashville

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 21:44:46 GMT

La reciente intervención de Oracle ha tenido un impacto significativo en el panorama cultural de Nashville. Esta empresa ha donado $10 millones al Nashville Symphony, una contribución crucial que no solo permitirá la reanudación de la temporada que se extenderá hasta junio de 2027, sino que también jugará un papel fundamental en la retención de su personal.

Mark Tillinger, presidente y director ejecutivo de la Nashville Symphony, comunicó la importancia de esta donación en un comunicado de prensa emitido el pasado domingo. Según él, este apoyo financiero es vital para continuar con las actividades musicales que forman parte del rico patrimonio cultural de la ciudad. Este gesto no solo resalta el compromiso de Oracle con la comunidad, sino que también refleja la importancia de la música clásica en la vida de Nashville, conocida no solo por su vibrante escena del country, sino también por su comprometido público de música orquestal.

La situación del Nashville Symphony hasta este punto había generado preocupaciones sobre la viabilidad de sus operaciones futuras. La donación se produce en un momento crucial, donde muchas instituciones culturales se esfuerzan por mantenerse a flote frente a desafíos económicos. En un momento de reestructuración y necesidad, este aporte de Oracle brinda un nuevo aire a la organización y a sus colaboradores.

A medida que la temporada se acerca, se espera que la sinfonía no solo recupere su estatus, sino que también continúe enriqueciendo la experiencia cultural de los habitantes de Nashville y sus visitantes. La música, en su esencia, sirve como un hilo conductor entre las comunidades y Oracle, al optar por apoyar al Nashville Symphony, está contribuyendo a tejer un futuro más brillante y sonoro.

Este acontecimiento se sitúa en un marco más amplio de renovado interés y apoyo hacia las artes en Estados Unidos, donde tanto entidades privadas como individuos están reconociendo la importancia de invertir en cultura como un factor clave para el bienestar social y comunitario. La historia de hoy refuerza la idea de que incluso en tiempos inciertos, la colaboración puede ser el camino hacia una nueva sinfonía de oportunidades.

nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/10/05/arts/music/nashville-symphony-oracle-gift.html

Más de 20 mil asistentes en INVERSA 2026

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 20:27:37 GMT

En medio de celebraciones por el 30º aniversario de la Declaratoria del Centro Histórico de Querétaro como Patrimonio Cultural de la Humanidad, el Municipio de Querétaro vivió una experiencia única con el Festival Querétaro Experimental: INVERSA 2026. Durante cuatro días, más de 20 mil asistentes exploraron un vibrante espacio que unió arte, tecnología y el entorno urbano, todo bajo la dirección del presidente municipal Felipe Fernando Macías.

La Plaza Fundadores se transformó en un epicentro de creatividad contemporánea, donde 68 artistas y colectivos independientes, tanto locales como internacionales, presentaron 24 propuestas multidisciplinarias. Esta combinación de innovación y acceso gratuito subraya la efectividad de una política cultural que busca no solo descentralizar el arte, sino también hacerlo accesible a todos.

Los asistentes tuvieron la oportunidad de disfrutar de un domo inmersivo que albergó proyecciones y experiencias interactivas de creación contemporánea, además de espectáculos en vivo de destacados colectivos como Medusa, Lechedevirgen y Roja Ibarra. Entre las obras más destacadas se encuentran "Sincitio", "Latencia", y "Cápsula del Tiempo", que ofrecieron una mirada fascinante a las posibilidades del arte contemporáneo.

El festival no se limitó al contenido del domo, ya que el espacio exterior también vibró con una variada propuesta musical. Reconocidos DJs como Tom & Collins, Broz y El Capi mantuvieron a la multitud animada, convirtiendo el evento en un verdadero festín para los sentidos.

La afluencia masiva y el entusiasmo del público solidifican la promesa de un futuro cultural vibrante en Querétaro, reafirmando el compromiso del municipio con una oferta cultural moderna, inclusiva y accesible. Con el cierre de INVERSA 2026, se cierra no solo un evento, sino un capítulo que invita a la comunidad a seguir explorando el arte y la creatividad en todos los rincones de su ciudad.

eleconomista.com.mx: https://www.eleconomista.com.mx/politica/20-mil-personas-acudieron-festival-queretaro-experimental-inversa-20261005-836948.html

Los instrumentos musicales cada vez cuestan más

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 18:09:44 GMT

En los últimos tiempos, un fenómeno económico ha comenzado a tener un impacto significativo en la educación musical en Estados Unidos. Desde que se implementaron aranceles sobre los instrumentos musicales, los precios han aumentado considerablemente, poniendo en jaque a las escuelas, especialmente en distritos de bajos ingresos. Las cifras revelan que la crisis de matrícula y de presupuesto que ya enfrentaban estas instituciones se ha agudizado aún más.

La realidad es preocupante: el costo de los instrumentos ha subido a niveles que hacen que la adquisición de estos elementos esenciales sea un desafío insuperable para muchas comunidades. En un país donde la música en las escuelas no solo enriquece el currículo educativo, sino que también contribuye a la formación integral de los jóvenes, este aumento de precios plantea serias preguntas sobre el futuro de los programas musicales.

Los distritos escolares menos favorecidos, que ya se encuentran luchando con recursos limitados, sienten esta presión con mayor intensidad. La reducción de la matrícula escolar significa menos fondos disponibles, y ahora, la dificultad para obtener instrumentos adecuados podrían dar lugar a la desaparición de valiosas oportunidades para los estudiantes que aspiran a una formación musical. En algunas áreas, los programas que antes florecieron están siendo recortados, lo que genera preocupación sobre la repercusión a largo plazo en la música y la cultura comunitaria.

El panorama actual, a partir de octubre de 2026, destaca la necesidad de un enfoque renovado en el financiamiento y el soporte a las artes en la educación. La importancia de invertir en programas de música no puede subestimarse; hacen más que proporcionar habilidades instrumentales. Fomentan la creatividad, la disciplina y el trabajo en equipo—valores que son fundamentales para el desarrollo personal.

Mientras que algunas iniciativas están surgiendo para mitigar estos efectos, como programas de préstamo de instrumentos y recaudaciones de fondos a nivel local, la solución a largo plazo requerirá un compromiso más robusto por parte de los gobiernos y las comunidades. La música es un arte que trasciende barreras y une a las personas, por lo que garantizar su accesibilidad en las escuelas es una responsabilidad colectiva.

Así, nos encontramos ante un momento crucial que exige atención y acción. La música no debería ser un lujo; debe ser una parte integral de la educación para todos los estudiantes, independientemente de su contexto socioeconómico. La crisis actual debe llevarnos a replantear cómo apoyamos y valoramos el papel de la música en nuestras escuelas, garantizando que las nuevas generaciones tengan la oportunidad de tocar, crear y compartir su arte.

nytimes.com: https://www.nytimes.com/2026/10/02/business/economy/tariffs-instruments-school-music-programs.html

“Si no puedes tocarlo, no es tuyo”

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 16:57:42 GMT

En un mundo donde el streaming y los algoritmos dominan la forma en que consumimos música y películas, un número creciente de personas se está volviendo hacia los formatos físicos como CDs, vinilos y DVDs. Este regreso a lo tangible parece no ser sólo una cuestión de nostalgia, sino también una respuesta consciente a las limitaciones y controles que imponen las plataformas digitales.

Una de las motivaciones más citadas es la búsqueda de una conexión física con la música. Ash, un académico de 52 años de Cornualles, comparte su experiencia, destacando que, aunque los algoritmos pueden ofrecer recomendaciones útiles, la satisfacción de descubrir música por uno mismo es inigualable. Tras varios años de dependencia del streaming, ha acumulado más de 5,000 registros y CDs, resaltando que escucha discos como una actividad, un ritual, en contraposición al consumo pasivo del streaming.

Por su parte, CJ, una gerente de cumplimiento de 55 años de Atlanta, se sumó al fenómeno cuando su contenido favorito comenzó a desaparecer de plataformas digitales. La eliminación de episodios de "Sesame Street" por HBO en 2022 la llevó a la conclusión de que la propiedad de contenidos es crucial. Ahora se dedica a buscar películas y programas en mercados de pulgas y tiendas de segunda mano, afirmando que poseer medios físicos asegura que "lo que uno quiere ver o escuchar no puede irse sin previo aviso".

La motivación de apoyar a los artistas también se destaca entre quienes regresan a lo físico. Ruth, una profesora retirada de Michigan, posee más de 5,300 CDs. Para ella, es fundamental contribuir al sustento de los músicos que aprecia, al mismo tiempo que se asegura de que su colección no dependa de las cambiantes políticas de las plataformas de streaming. Su compromiso por mantener su música y películas al margen de algoritmos refleja un deseo de conexión más auténtica con el arte.

Antonio, un ingeniero de software de 40 años de Reading, ha optado por comprar CDs de segunda mano para reducir su dependencia de las suscripciones de música. La decisión de evitar el seguimiento de datos personales por parte de grandes corporaciones ha sido liberadora para él. En su rutina, compra entre uno y diez CDs dos veces al mes, disfrutando de la simplicidad de una colección tangible.

En el caso de Quinn, un joven de 26 años de Washington, la coleccionista de cintas de cassette, su interés se centra en la autenticidad de la experiencia musical. Aprecia las limitaciones del formato, que le exigen interactuar con el equipo necesario para reproducir la música. Su enfoque en buscar música de forma activa, en lugar de recibir recomendaciones, le ofrece una sensación de autonomía en su disfrute artístico.

Tim, de 61 años y residente en Estocolmo, también celebra la experiencia física al disfrutar de películas en su casa de verano. Con un proyector y una colección de DVDs que sus hijos solían ver cuando eran pequeños, valora el tiempo que tarda en preparar una película como un momento de conexión familiar. La nostalgia y el ritual de la visualización contrastan con la inmediatez del streaming.

Finalmente, Sophie, una bibliotecaria de Los Ángeles de 32 años, encuentra liberación en ver DVDs y escuchar CDs, ya que no está siendo analizada por algoritmos. La simplicidad de acceder a medios sin la presión de la vigilancia de datos le ofrece una experiencia menos abrumadora y más controlada.

Este fenómeno de retorno hacia lo físico resuena con un creciente aversión hacia el dominio de las plataformas digitales y el deseo de poseer contenidos. En una era donde los algoritmos dictan lo que vemos y escuchamos, muchas personas están eligiendo volver a las raíces, buscando una conexión más profunda y personal con sus medios. Mientras se acercan los años de 2026, esta tendencia podría seguir evolucionando, reflejando una necesidad humana fundamental de control y conexión en el consumo cultural.

theguardian.com: https://www.theguardian.com/media/2026/oct/02/physical-media-fans-streaming-algorithms-cds-dvds-vinyl

Alice Cooper, la gran ilusión

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 16:22:53 GMT

En el vibrante mundo del rock, 1973 fue un año emblemático, marcado por la extravagancia y la innovación. Uno de los nombres que resuena con fuerza de aquel tiempo es el de Alice Cooper, quien lideró su Billion Dollar Baby Tour, una gira que se convirtió en leyenda. En este contexto, el trabajo de Bob Greene se presenta como un fascinante testimonio de la época. Greene se unió a la gira, inmerso en la acción y experimentando de primera mano la locura que rodeaba a una de las figuras más controvertidas del rock.

A lo largo de su travesía, este periodista no solo documentó los shows, sino que vivió el desenfreno de la vida en la carretera. Su peculiar estilo lo llevó a aparecer en el escenario vestido de Santa Claus, sumergiéndose en el espíritu del espectáculo y soportando las travesuras de los músicos. Esta inmersión no solo ofreció una visión única de la gira, sino que también resaltó el lado teatral y surrealista de la música rock en esos años.

El evento no solo atrajo a los fanáticos, sino que también marcó un momento crucial en la evolución del rock, donde se mezclaban la música, la performance y la provocación. La gira de Alice Cooper no solo fue un espectáculo; fue una manifestación cultural que empujó los límites de lo que podría ser un concierto. Aquellos días, llenos de desenfreno y creatividad, dejaron una huella indeleble en la historia de la música, y el relato de Greene permite revivir la energía y el caos de esta era.

Al mirar hacia atrás a la Billion Dollar Baby Tour, es evidente que esta gira definió no solo la carrera de Alice Cooper, sino también el futuro del entretenimiento en vivo. Los conciertos comenzaron a transformarse en experiencias inmersivas, donde el público no solo asistía a un recital, sino que se sumergía en un mundo de fantasía y provocación.

Con cada actuación, Alice Cooper no solo ofrecía música, sino un espectáculo que desafiaba las convenciones. A medida que la gira avanzaba, se consolidó la idea de que el rock and roll era más que un género; era una forma de arte. La influencia de esa época sigue resonando hoy, y los ecos de la Billion Dollar Baby Tour aún se sienten en el escenario de la música moderna.

En este contexto, la obra de Greene se erige como un testimonio invaluable de un tiempo fascinante, y su capacidad para capturar la esencia del espectáculo asegura que el legado de Alice Cooper perdure. La narrativa de esos días sirve no solo como un vistazo a un momento crucial en la historia del rock, sino también como un recordatorio del poder del arte para desafiar las normas y provocar la reflexión en un público siempre en busca de lo extraordinario.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-05/alice-cooper-la-gran-farsa.html

Hablemos de diseño: La retórica visual, leer más allá de lo que se ve

Lorena Noyola Piña — Mon, 05 Oct 2026 12:15:36 GMT

Cuando manejo por la ciudad hay espectaculares que consiguen llamar brevemente mi atención. Algunos utilizan imágenes enormes, colores vibrantes, muy poco texto y composiciones diseñadas para que podamos reconocer rápidamente aquello que quieren comunicar.

Evidentemente, su tamaño ayuda, al igual que lo hacen el contraste, el color y la selección de una imagen suficientemente fuerte para competir con todo lo demás que ocurre alrededor: automóviles, edificios, señales, árboles, peatones y muchas otras formas de comunicación visual. Pero algunos espectaculares hacen algo todavía más interesante en cuestión de diseño: además de mostrar un producto, un servicio o una idea, nos llevan a completar mentalmente aquello que quieren decir. Eso lo logran mediante la retórica visual.

Cuando hablamos de retórica solemos pensar en palabras, discursos o literatura. Sin embargo, las imágenes también pueden construir mensajes utilizando relaciones que no necesariamente aparecen de manera literal. La retórica visual utiliza diferentes recursos para producir significados que van más allá de aquello que estamos viendo directamente. Es decir, una imagen puede mostrarnos una cosa y hacernos pensar en otra.

Entre las distintas figuras de la retórica que pueden utilizarse en comunicación visual, hay dos particularmente interesantes y bastante frecuentes: la metáfora y la metonimia. La metáfora visual relaciona dos realidades diferentes a partir de alguna característica que podemos reconocer como semejante. Por ejemplo, un automóvil representado con rasgos de un felino, o fusionado visualmente con él. El vehículo evidentemente no es un animal, pero podemos establecer una relación entre ambos: velocidad, agilidad, fuerza o potencia. La imagen no necesita explicarnos toda esa relación con palabras, sino que nosotros hacemos parte del trabajo completando la idea.

Para comprender la metáfora debemos identificar aquello que vemos, reconocer las características que asociamos con ambos elementos e identificar la relación que permite construir el mensaje. Una metáfora visual funciona cuando somos capaces de pensar algo parecido a: esto no es aquello, pero comparte alguna de sus cualidades.

Otra de las figuras retóricas más conocidas es la metonimia, que funciona de otra manera. Aquí la relación no necesariamente se produce por semejanza, sino por asociación. Una cosa nos conduce mentalmente hacia otra porque existe entre ellas algún vínculo que hemos aprendido a reconocer. Por ejemplo, unas llaves pueden representar una casa nueva, o una bata blanca remitirnos al ejercicio de la medicina. No porque estos objetos sean aquello que representan, sino porque forman parte de una experiencia o de una situación con la que los hemos relacionado.

Podríamos decir que, mientras la metáfora construye significado a partir de una semejanza, la metonimia lo hace mediante una relación de proximidad o asociación. Lo más interesante e importante es que ninguna de las dos funciona completamente sola; necesitan de nosotros. Para interpretar una imagen recurrimos a nuestra memoria, nuestras experiencias, nuestros conocimientos y los códigos culturales que hemos aprendido a lo largo de la vida. Quien diseña propone determinadas relaciones, pero quienes observamos terminamos de construir el significado. Tal vez por eso la retórica visual resulta especialmente útil en la publicidad exterior.

Una metáfora demasiado complicada probablemente no será comprendida. Una metonimia basada en una asociación que el público no reconoce tampoco funcionará. Para que la operación retórica tenga sentido debe existir cierto terreno compartido entre quien construye el mensaje y quien lo interpreta. Por eso diseñar implica también anticipar y, sobre todo, conocer la cultura de las personas a quienes queremos comunicar.

Una imagen bien construida puede decir muchísimo utilizando muy pocos elementos porque no necesita explicar cada parte del mensaje. Confía en que quien la observa participe en la construcción del significado. Algunas de las imágenes más eficaces no son necesariamente aquellas que dicen más, sino las que consiguen que nosotros completemos aquello que quieren decir, y para eso las figuras de la retórica visual resultan particularmente eficaces.

Nos vemos pronto para seguir hablando de diseño.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-05/shakira-concluira-su-residencia-madrilena-anadiendo-una-fecha-mas-en-el-dia-de-la-hispanidad.html

Arde Bogotá amplía el rock español

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 11:04:53 GMT

Cuando el rock español parecía relegado a un nicho marginal, el grupo Arde Bogotá emergió con fuerza, revitalizando la escena musical y atrayendo a una amplia audiencia. Con su carismático estilo, lograron llenar pabellones y encabezar festivales, provocando un auge en la emoción colectiva por sus ritmos potentes y letras emocionantes. Sin embargo, el éxito viene acompañado de recelos; algunos críticos y parte del público han expresado dudas sobre su propuesta musical. Desde el lanzamiento de su tercer álbum, titulado Manufacturas del Club de la Gente Sola, esta disensión ha cobrado relevancia.

El fenómeno Arde Bogotá no es nuevo en la historia del rock en español. Grupos como Héroes del Silencio también experimentaron reacciones similares en su ascenso a la fama. A lo largo de los años, su legado ha sido revalorado, especialmente gracias a la carrera en solitario de Enrique Bunbury. Sin embargo, Arde Bogotá está en plena efervescencia en 2026, y su música merece ser valorada en su propio tiempo.

Su nuevo disco refleja un deseo de evolución. Aunque la estructura musical del cuarteto se basa en el clásico esquema de bajo, batería, guitarra y voz, han conseguido incorporar matices interesantes, como elementos flamencos que enriquecen su sonido. Esto se manifiesta claramente en la canción El Tesoro, donde se entrelazan palmas rítmicas y melodías con profundidad lírica. Este enfoque se aleja del flamenco-rock tradicional y ofrece algo fresco y relevante.

La voz de Antonio García se destaca como un pilar fundamental de la banda. Su presencia en el escenario es notable, reafirmando su papel como líder de un grupo que vuelve a dar fuerza al rock español. La canción Antifiesta, con su estribillo pegajoso y letra inteligente, promete convertirse en un clásico en sus presentaciones en vivo.

Entre las letras del álbum, ciertas reflexiones se profundizan en emociones complejas; por ejemplo, Señor Herrero explora la idea de despojarse de sentimientos para evitar el dolor. No obstante, también hay momentos más ligeros, como en Hervidero, que contrastan con la poesía de alta calidad que ofrece otras canciones, como Olivos, que destaca por su emotividad y la potente línea "Que a todos los olivos miserables vendrá la primavera a abrazarles".

A pesar de los tropiezos que suelen acompañar la búsqueda de nuevos caminos en el rock, Arde Bogotá se mantiene firme en su trayectoria. Están decididos a explorar nuevas formas de expresión dentro de un género que continúa evolucionando. Su ambición y creatividad aseguran que aún hay mucho que aportar a la rica historia del rock en español. La atención del público, los críticos y el continuo éxito de su música son un testimonio de su impacto duradero en la cultura musical contemporánea.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-10-05/arde-bogota-ensancha-los-limites-del-rock-espanol-con-su-inspirado-nuevo-disco.html