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Predicciones Oscar 2027: Odisea vs. Demás

Redacción — Sun, 11 Oct 2026 13:15:07 GMT

Con la temporada de premios de cine en pleno auge, el camino hacia los Oscar 2027 se vislumbra más intrigante que nunca. A medida que los grandes estudios despliegan sus campañas, las expectativas se dividen entre los potenciales favoritos y las sorpresas que siempre pueden surgir.

Históricamente, ser considerado un candidato desde el principio no suele ser favorable. Aquellos que logran despuntar demasiado pronto suelen ser objeto de ataques por parte de otros contendientes y enfrentan el desinterés del público que se cansa de verles en lo alto de las listas. Esta dinámica parecida a una carrera en Mario Kart sugiere que el liderazgo anticipado puede generar tensiones y rivalidades.

Sin embargo, en esta edición, títulos como Oppenheimer y One Battle After Another han demostrado que es posible sostenerse en la delantera a lo largo de la temporada, desafiando la sabiduría convencional. En este contexto, The Odyssey, obra monumental de Christopher Nolan, se ha establecido como un firme contendiente por el codiciado premio a la Mejor Película, gracias a su alcance épico y acogida crítica.

Pero, la pregunta que todos se hacen es: ¿puede The Odyssey mantener su impulso en los próximos meses, o corre el riesgo de caer del pedestal que ha alcanzado? Este desafío es significativo, ya que la historia nos indica que el camino hacia los Oscar siempre está lleno de sorpresas. El año pasado, pocos anticiparon que The Secret Agent obtendría una nominación o que Amy Madigan se alzaría con el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto.

Otro competidor a tener en cuenta es La Bola Negra, una conmovedora narrativa sobre la Guerra Civil Española que ha ganado atención internacional y el People’s Choice Award en el Festival de Cine de Toronto. Semanas después de su estreno, críticos y espectadores esperan con ansias su impacto en la carrera de los Oscar. Esta película, dirigida por el dueto español conocido como Los Javis, promete dejar una huella indeleble en el panorama del cine global.

La carrera por el Oscar a Mejor Actor se dibuja como una de las más reñidas, con tres nombres que se han distinguido: Matt Damon por su papel en The Odyssey, John Malkovich en Wild Horse Nine, y Andrew Scott en Elsinore. Cada uno trae a la mesa actuaciones destacadas, pero todos buscan la oportunidad de alzarse con su primer Oscar.

A medida que se desarrolla la narrativa de la temporada, la diversidad en las nominaciones se convierte en un tema crítico. Este año parece haber una notable falta de intérpretes afroamericanos en las listas de favoritos, lo que plantea cuestiones necesarias sobre la representación en la industria cinematográfica. El actor Jaafar Jackson, por su interpretación en Michael, podría ser uno de los pocos en recibir reconocimiento.

La competencia no se limita a las películas de gran presupuesto; títulos como Tender Loving Care y Possible Love han capturado la atención en festivales, impresionando a críticos y audiencias por igual. Además, la vuelta a la contienda de las actrices Penélope Cruz y Anne Hathaway en categorías de apoyo añade otro nivel de intriga a la temporada.

A medida que nos acercamos a la ceremonia de premiación, la incertidumbre y la expectativa continúan creciendo. Las campañas están en marcha, pero solo el tiempo revelará quiénes realmente sobresaldrán en esta intensa carrera por el prestigioso Oscar. Con la fecha oficial de los premios acercándose y muchos filmes todavía por estrenarse, el duelo entre los contendientes continúa, ofreciendo sorpresas en el camino hacia cada estatuilla dorada.

Actualización: los datos se corresponden a un análisis realizado el 11 de octubre de 2026.

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vulture.com: https://www.vulture.com/article/oscars-2027-predictions-the-odyssey-vs-everyone-else.html

Siempre buscando crecer y dejar huella

Redacción — Sun, 11 Oct 2026 07:58:05 GMT

A pesar de haber perdido casi todos sus ahorros en la estafa de Bernie Madoff, Kevin Bacon y Kyra Sedgwick, quienes han estado juntos durante 38 años, han mantenido su hogar en Nueva York y una granja en Connecticut, donde lidiaron con el confinamiento de la pandemia. Durante ese tiempo, la familia unió esfuerzos para dar vida a “Family Movie”, un proyecto cinematográfico que los involucró a ellos y a sus hijos, Travis y Sosie Bacon.

“Family Movie” se presenta como una comedia de terror que homenajea el amor por el cine y la tenacidad de quienes lo producen sin esperar recompensas económicas. El filme, que busca la esencia de hacer cine por el mero placer de crear, tuvo su estreno europeo en el Festival de Sitges, donde Bacon y Sedgwick fueron recibidos como auténticas estrellas. La historia sigue a un director de películas de serie Z, interpretado por Bacon, quien lucha por financiar su último film, rodado en su propia casa. Su esposa, interpretada por Sedgwick, y sus hijos encarnan a personajes que enfrentan las frustraciones y ambiciones en un entorno familiar cargado de humor oscuro.

Con una carrera cinematográfica que abarca más de tres décadas, Kevin Bacon ha asumido diversos roles, desde protagonista en exitosas películas hasta director. Durante su trayecto, ha buscado proyectos que lo desafíen artísticamente, alejándose de los grandes presupuestos para centrarse en historias que lo inspiren. Como él mismo ha dicho, aún siente la misma pasión que a los 18 años por crecer y superarse en su trabajo.

El actor ha aprendido a lidiar con la fama y ha optado por ignorar las críticas sobre su trabajo, buscando en cambio un proceso creativo que impulse su crecimiento personal y profesional. Su relación con Kyra Sedgwick ha sido un pilar fundamental en su vida, abordando la profesión con autenticidad y sin dejarse llevar por el ruido de la industria.

En ocasiones, comparte con entusiasmo anécdotas sobre su experiencia en salas de cine, defendiendo la importancia de la experiencia colectiva de ver películas en grupo. Asegura que ningún hogar puede replicar el ambiente de una sala oscura donde se comparte el arte del cine. Esta visión resuena igualmente en su nuevo proyecto, donde la familia se convierte en el eje central, reflexionando sobre la conexión y las relaciones en el contexto de la industria cinematográfica.

Con la mirada puesta hacia el futuro, ambos artistas continúan innovando y apoyándose mutuamente, sin dejar de lado el placentero recuerdo de cuando se conocieron, un amor que germinó en el set de “Lemon Sky” en 1988. Un viaje que no solo abarca su vida personal, sino también su complicada y rica trayectoria en la cinematografía.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-11/kevin-bacon-sigo-pensando-al-100-en-mejorar-trascender-y-hacer-algo-impactante.html

Invitación de Woody Allen a Mollà: 90 años

Redacción — Sat, 10 Oct 2026 09:25:32 GMT

El actor Jordi Mollà ha compartido en su cuenta de Instagram una carta especial del cineasta Woody Allen, quien le ofreció un papel en su nueva película que se está rodando en Madrid. “Querido Jordi, nos encantaría que interpretaras a John. Es un personaje especial, y pensamos que podríamos hacerlo muy real. Si aceptas, estaremos encantados. Si no, tal vez en el futuro podamos trabajar juntos. Solo tengo 90 [años]. Te deseo lo mejor, Woody”, escribió Allen en su misiva.

Mollà, conocido por su participación en películas como La buena estrella y Los años bárbaros, aceptó la oferta, agradeciendo el honor de unirse al proyecto. En su respuesta publicada en Instagram, expresó: “Querido Sr. Allen: Muchas gracias por su preciosa carta para brindarme el honor de participar en su próxima película que tendrá lugar en Madrid, España. Sinceramente suyo, Jordi Mollà”. Con esto, se suma a un elenco que incluye a figuras como Peter Vives, Alexi Wasser, Jemima Kirke, Marton Csokas y Jakob Oftebro.

Desde el 5 de octubre, Allen ha estado rodando su película número 51 en la capital española. Durante una reciente rueda de prensa, el director destacó que la historia requiere una “atmósfera diplomática”, lo que convierte a Madrid, ciudad que ya le es familiar, en el escenario ideal. Allen describió la ciudad como “bonita, elegante, y parecía un lugar lógico para la historia”. La obra, que mezcla comedia, romance e intriga, promete ser intrigante, aunque se deberán esperar los resultados finales para comprobar si cumple con las expectativas del director.

Aunque el título de la película aún se desconoce, se ha revelado que el Ayuntamiento y la Comunidad Autónoma de Madrid han contribuido con 1,5 millones de euros cada uno para su financiación, representando alrededor del 20% de un presupuesto total estimado en 14 millones de dólares (12 millones de euros). Este apoyo económico ha sido decisivo, especialmente dado que Madrid ofrece menos incentivos fiscales para producciones cinematográficas.

La producción se centrará principalmente en Madrid, con muchas secuencias realizadas en el corazón de la ciudad, y también se incluirá la localización de Aranjuez. Además, el equipo técnico será casi completamente español e incluirá a profesionales de renombre internacional, como la diseñadora de vestuario Sonia Grande, quien ha colaborado en proyectos anteriores de Allen, y el célebre director de fotografía José Luis Alcaine.

Los seguidores del cine de Woody Allen están ansiosos por ver el resultado de este nuevo proyecto, que promete capturar la esencia de Madrid mientras ofrece una historia que, según el director, estará repleta de todos los ingredientes necesarios para una narración cautivadora. La expectativa crece en torno a esta película, que marcará otro hito en la extensa carrera del cineasta estadounidense.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-10/la-carta-de-woody-allen-a-jordi-molla-para-que-participara-en-su-pelicula-si-no-aceptas-tal-vez-en-el-futuro-solo-tengo-90-anos.html

Responsabilidad colectiva ante la violencia

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 16:27:44 GMT

Carlota Pereda, cineasta madrileña de 51 años, se ha convertido en una figura pionera en el panorama cinematográfico español. En 2019, hizo historia al ganar el Goya al Mejor Cortometraje de Ficción por su aclamado filme de terror Cerdita. Este cortometraje no solo captó la atención del público, sino que también la catapultó a la escena internacional. Cuando Cerdita se transformó en un largometraje, Pereda se convirtió en la primera mujer nominada al Goya a la Dirección Novel por una película de terror en la edición de 2022.

El reciente primer largo de Pereda en inglés, Found Alive, ha añadido otro hito a su carrera: este filme inauguró el prestigioso Festival de Sitges, el evento más relevante a nivel mundial en los géneros de terror y fantástico. Durante la presentación, Pereda comentó con humor: “Sí, demasiadas veces he sido la primera”.

Found Alive, un thriller basado en la novela The Edge of Normal de Carla Norton, sigue la historia de una joven, interpretada por Chloë Grace Moretz, que fue secuestrada por un psicópata y, tras una década de traumatización, se enfrenta a su pasado. La narrativa se centra en su proactividad, alejándose de la típica representación de víctimas, algo que Pereda aborda con una renovada sensibilidad. “No le van a resolver sus problemas”, enfatiza Pereda sobre la protagonista, a quien desea proyectar como un símbolo de resiliencia.

La elección de Moretz no fue casual; la cineasta la tenía en mente desde el principio, admirando su capacidad actoral demostrada en películas como La (des)educación de Cameron Post. La colaboración creativa entre ambas fue fundamental para dar vida a un personaje complejo y empoderado.

Pereda explora la violencia que permea la sociedad a través de su narrativa, y su enfoque en la empatía como motor de la historia brinda una perspectiva inusual en el género. En su búsqueda de una representación más auténtica, ha optado por un enfoque que resalta no solo el sufrimiento, sino también la luz y la humanidad de las víctimas. “No existe ni la víctima perfecta ni la mujer perfecta”, sostiene, desafiando los estereotipos generalmente impuestos por la industria.

Al rodar en Estados Unidos, Pereda se sintió respaldada por un elenco dispuesto a participar no solo por motivos económicos, sino también por la confianza en su visión. Este ambiente de colaboración creativa recuerda sus inicios y refuerza su compromiso con narrativas que desafían las estructuras convencionales del horror.

La inauguración de su filme en Sitges resalta la necesidad de visibilizar el trabajo de mujeres cineastas en un ámbito que ha sido históricamente dominado por hombres. Pereda expresa su esperanza de que, en el futuro, se mantengan las historias y las voces que son reflejos de una diversidad enriquecedora. "Ojalá logremos no perder esas historias ni esos puntos de vista", concluye, dejando claro que hay un camino por recorrer en la búsqueda de equidad en la industria del cine.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-09/carlota-pereda-directora-de-cine-que-inaugura-sitges-es-muy-facil-echarle-la-culpa-a-una-persona-para-no-ver-que-la-violencia-ha-permeado-la-sociedad.html

Su infierno personal: Refn se pierde

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 06:59:45 GMT

El renombrado director danés Nicolas Winding Refn, conocido por su impactante trabajo en el cine contemporáneo, parece estar enfrentando un momento crítico en su carrera. Desde que alcanzó el reconocimiento mundial con Drive en 2011, una obra maestra del neonoir, ha ido evolucionando hacia una narrativa más centrada en la estética que en el contenido. Sin embargo, su más reciente película, Su propio infierno, que se estrenó fuera de competencia en el Festival de Cannes, ha sido objeto de fuertes críticas que cuestionan tanto su dirección como la narrativa misma.

En su trayectoria cinematográfica, Winding Refn ha oscilado entre momentos de genio y excentricidades que, si bien pueden ser esperables en su estilo, han llevado a algunos críticos a clasificar sus obras más recientes como cada vez más vacías. Solo Dios perdona (2013), por ejemplo, fue visto como una continuación de esta deriva, aunque no todos los críticos coincidieron en su valoración. La llegada de The Neon Demon (2016) marcó un punto bajo, y ahora con Su propio infierno, se intensifican las preocupaciones sobre el enfoque narcisista y la falta de sustancia en su trabajo.

Analizando la obra más reciente, se observa que, a pesar de sus pretensiones de amalgamar diversos géneros como el drama, thriller y terror, la película parece carecer de un enfoque claro. Se mencionan temas complejos, como la relación entre padres e hijas y la crítica a la superficialidad de la cultura influencer, pero estos elementos son manejados de manera tan vaga que resultan confusos. La representación visual, que intenta evocar una estética similar a la de Blade Runner, resulta superficial, con un uso de colores que más que cautivar, desvirtúa el propósito de la narrativa.

El diseño de producción ha sido descrito como ineficaz, y los diálogos, en su intento por ser poéticos, solo logran crear una sensación de pretensión. En este contexto, se pueden encontrar influencias de cineastas como David Lynch, junto con referencias a clásicos de cuentos, pero todas ellas se entrelazan de tal manera que terminan convirtiéndose en un galimatías que pocos pueden seguir.

Con un elenco que incluye a Sophie Thatcher y Charles Melton, Su propio infierno presenta una duración de 107 minutos. La película, que debió estrenarse en cines el 9 de octubre, ha suscitado una serie de reacciones adversas, advirtiendo que, más allá de atraer a los incondicionales del director, podría desinteresar incluso a los más apasionados del cine de autor.

En resumen, mientras Nicolas Winding Refn sigue explorando su visión única, la pregunta que muchos se plantean es si logrará recuperar su capacidad de contar historias que resuenen con el público, o si este nuevo capítulo se convertirá en un hito de desconexión en su carrera. La evolución de su estilo promete ser un tema de interés en los años venideros.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-09/su-propio-infierno-nicolas-winding-refn-derrapa-en-su-ombligo.html

Hormigas a ciegas: la novela olvidada

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 05:10:41 GMT

Las adaptaciones cinematográficas de novelas consideradas míticas suelen enfrentar retos significativos, más aún cuando estas obras trascienden su narrativa para encarnar un tiempo y un lugar concretos. Este es el caso de "Las ciegas hormigas", la obra debut de Ramiro Pinilla, galardonada con el premio Nadal en 1960. Desde su publicación, la novela ha sido comparada con las obras de William Faulkner, especialmente con "Mientras agonizo", debido a su representación del microcosmos de Getxo, en el País Vasco, un lugar que simboliza la esencia de su entorno, de manera similar a lo que hace Yoknapatawpha en la obra de Faulkner, que refleja la decadencia del sur estadounidense.

Las adaptaciones de novelas que han alcanzado la categoría de mitos a menudo no logran capturar la complejidad y el trasfondo emocional que sus escritos originales transmiten. Ejemplos notables incluyen "Cien años de soledad", donde la singularidad del Macondo y su protagonista, José Arcadio Buendía, se ven diluidos en intentos de representación en pantalla. El cineasta Igor Legarreta, en su reciente adaptación de "Las ciegas hormigas", enfrenta un desafío similar. Aunque su película se filmó casi en su totalidad en euskera, muchos críticos han argumentado que la interpretación de la novela es superficial y carece de la profundidad que caracteriza la obra de Pinilla.

La novela, aunque no establece un tiempo específico para su narrativa, frecuentemente se relaciona con la posguerra civil española y el contexto del franquismo. Sin embargo, Pinilla se inspiró en un evento de 1929, cuando un barco inglés encalló en las costas de Getxo, lo que lo llevó a imaginar un contexto de pobrezas y desafíos ante la represión de las autoridades. Legarreta, en su adaptación, elige situar la historia en 1930, marcando el final de la dictadura de Miguel Primo de Rivera.

Uno de los obstáculos en la adaptación es la perspectiva narrativa que Pinilla emplea en su novela. Esta presenta múltiples voces, destacando principalmente la de un hijo que observa el pasado desde un futuro incierto, mientras los otros personajes expresan sus pensamientos a través de monólogos internos. Lamentablemente, esta complejidad se pierde en la película, que adopta un enfoque más lineal y simplificado.

A pesar de la notoria dirección artística, la película sufre de un aura académica que le resta dinamismo. La iluminación, aunque estéticamente cuidada, provoca que los escenarios interiores se sientan uniformes, limitando la diversidad visual que las complejidades de la narrativa original podrían ofrecer. Además, el actor Urko Olazabal, encargado de interpretar a Sabas, no logra transmitir la magnitud del carácter heroico y trágico del personaje, como lo establece la novela.

La secuencia que retrata el encallamiento del barco es uno de los elementos que se resuelven con mayor acierto, a pesar de las limitaciones de presupuesto. Sin embargo, la trama central, que abarca la lucha por la supervivencia a través de la recolección de carbón y los traumas familiares, se presenta como insustancial y carente de la intensidad emocional que caracteriza la obra de Pinilla.

El filme de Legarreta, aunque intenta reflejar los eventos de la novela, se queda corto en términos de magnitud y contenido, lo que podría decepcionar tanto a los lectores de Pinilla como a los nuevos espectadores. En última instancia, "Las ciegas hormigas", en su versión cinematográfica, representa un esfuerzo que, a pesar de su potencial, apenas roza la superficie de la rica narrativa original.

La adaptación de "Las ciegas hormigas" fue dirigida por Igor Legarreta y cuenta con la actuación de Urko Olazabal, Itziar Ituño, Josean Bengoetxea y Carlos Santos. El filme, un drama español de 101 minutos, se estrena el 9 de octubre de 2026.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-09/las-ciegas-hormigas-la-descarnada-novela-de-ramiro-pinilla-no-trasciende-en-imagenes.html

Película escocesa podría desbancar a El cantor de jazz

Redacción — Fri, 09 Oct 2026 04:35:31 GMT

Durante casi un siglo, se ha reconocido a The Jazz Singer como el primer largometraje que incorpora un diálogo sincronizado, marcando el inicio de la era del cine sonoro, conocido como los "talkies". Sin embargo, un descubrimiento reciente está poniendo en tela de juicio esta narrativa, sugiriendo que podría haber sido superado por un año por otra película realizada en Glasgow y producida en dialecto escocés, Till the Bells Ring.

El historiador y apasionado del cine, Marc David Jacobs, estaba investigando para un libro sobre la primera ola de películas sonoras británicas cuando se topó con la historia de esta obra. Till the Bells Ring, una comedia doméstica de 46 minutos, se estrenó en Edimburgo en octubre de 1926, un año antes de que The Jazz Singer estallara en popularidad en Nueva York, protagonizada por Al Jolson.

Jacobs destaca la importancia de esta película, sugiriendo que, de haber obtenido el reconocimiento que merecía, podría haber cambiado la trayectoria del cine tal como lo conocemos. "Fue el inicio de lo que consideraríamos cine moderno", expresó Jacobs, indicando que el impacto de Till the Bells Ring podría haber proporcionado una historia alternativa en la que Estados Unidos no dominara el cine.

Creada por el dramaturgo escocés Graham Moffat, esta obra está ambientada en Glasgow y fue interpretada por su compañía de teatro en un dialecto conocido como "lowland braid Scots". Desde su estreno, fue descrita como un innovador "super talking picture" que representaba la vida familiar victoriana. Según reseñas contemporáneas, la sincronización entre las imágenes y el diálogo escocés era tan perfecta que ofrecía una experiencia similar a la de una obra de teatro.

Pese a su gran promesa, Till the Bells Ring cayó rápidamente en el olvido. Jacobs observa que esta situación refleja una narrativa más amplia sobre el cine británico, a menudo desestimada. "Si se hubiera valorado como una producción escocesa distintiva, tal vez habría sobrevivido", señala.

Tristemente, no hay evidencia de que la película se proyectara nuevamente tras su breve exhibición en la sala Poole’s Synod Hall de Edimburgo. Graham Moffat falleció en 1951, sin haber realizado otro filme. Sin embargo, Jacobs ha encontrado que dos de los carretes de la película, que comprenden más de la mitad de su duración, sobreviven en los Archivos Nacionales del BFI en Hertfordshire, aunque no se han proyectado desde su adquisición hace más de 50 años.

Este año marca el centenario de la película, y Jacobs espera que esto propicie nuevos acontecimientos. “Espero que esto se convierta en algo más que una historia escocesa. Quisiera que archivos de todo el mundo examinaran su material y quizás encuentren el carrete perdido”, comenta. Además, sugiere la posibilidad de recrear el filme con partes interpretadas en el escenario, proporcionando un momento extraordinario que reivindique este hito en la historia del cine.

A medida que se revelan estos detalles, surge la interrogante: ¿qué otros tesoros ocultos podrían estar ocultos en la rica historia del cine británico? La recuperación de Till the Bells Ring podría ser solo el principio de un redescubrimiento más amplio y significativo.

theguardian.com: https://www.theguardian.com/uk-news/2026/oct/07/scottish-film-till-the-bells-ring-jazz-singer#new_tab

¿Puede una película generar cambio global?

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 22:19:45 GMT

En las últimas semanas, la película NAZA ha demostrado su capacidad para atraer audiencias a nivel global. Con su llegada a los cines de Estados Unidos, esta producción ha logrado un hito significativo al alcanzar el primer lugar en la taquilla italiana, superando incluso a titanes del cine como Avengers: Endgame. Este notable éxito no solo resalta el atractivo de la película, sino que también plantea interrogantes sobre su impacto cultural y social en un momento tan crucial.

Desde su estreno, las críticas y las reacciones del público han sido abrumadoramente positivas, reflejando un interés palpable en contenidos que abordan temas de relevancia mundial. La progresión del filme en las taquillas no es solo un número; es un indicador de cómo el arte puede influir en la percepción colectiva de acontecimientos históricos y actuales.

A medida que la película continúa su despliegue, el foco no se limita a su rendimiento en taquilla. La narrativa de NAZA, que aborda problemáticas complejas como el genocidio y el concepto de proporcionalidad en el contexto de los conflictos, ha generado debates fundamentales en la esfera pública. La forma en que estos temas son abordados en un medio como el cine puede tener repercusiones significativas, incentivando a las audiencias a reflexionar y a dialogar sobre situaciones contemporáneas, así como a cuestionar las estructuras de poder que se han mantenido a lo largo del tiempo.

Este contexto prolongado se vuelve aún más relevante en un mundo que, tras la pandemia, busca transformar la narrativa de su propia historia a través de producciones artísticas. La capacidad de una película para hacer una diferencia global, por pequeña que sea, es un recordatorio de que el cine no es solo entretenimiento, sino una herramienta poderosa para el cambio social.

Mientras NAZA sigue cosechando éxitos en taquilla y atrayendo la atención internacional, se espera que continúe este diálogo sobre temas vitales que afectan a la humanidad. En un clima donde el arte y la vida se entrelazan de maneras inesperadas, las proyecciones futuras de esta película podrían no solo eclipsar récords de taquilla, sino también contribuir a una conversación global sobre la ética y la justicia.

Este artículo ha sido actualizado con información relevante hasta el 5 de octubre de 2026.

vulture.com: https://www.vulture.com/article/naza-movie-court-hague-genocide-proportionality.html

‘Digger’ de Tom Cruise fracasa en taquilla

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 09:17:36 GMT

El reciente estreno de la película Digger, dirigida por el reconocido cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu y protagonizada por un Tom Cruise casi irreconocible, se ha visto ensombrecido en la taquilla mundial. En su primer fin de semana, la película recaudó apenas 6,8 millones de euros en Estados Unidos y 10,2 millones en el resto del mundo, lo que la dejó en la séptima posición en la cartelera española, según datos de Rentrak. Este resultado decepcionante se produce a pesar de que el estudio Warner Bros. había previsto una recaudación moderada de entre 10 y 12 millones de euros solo en Estados Unidos. Con un presupuesto estimado de 153 millones de euros, la situación es más crítica de lo que se esperaba.

Mientras tanto, otras producciones han tenido mejor suerte en la taquilla. La película Verity, protagonizada por Anne Hathaway y Dakota Johnson, se posicionó en el primer lugar de la taquilla estadounidense al recaudar 29 millones de euros, además de otros 26 millones en el resto del mundo. En el segundo lugar se encuentra Resident Evil, que ha acumulado 218 millones desde su estreno el 18 de septiembre. El corazón de la bestia, con Brad Pitt, ocupa la tercera posición tras generar una recaudación de nueve millones en su segunda semana.

A pesar de las críticas tibias que ha recibido Digger, Iñárritu defendió su obra, alegando que refleja el espíritu de un tiempo en el que la realidad a menudo supera a la ficción, y que el lenguaje y la narrativa son herramientas fundamentales para transformar esa percepción. Tom Cruise, por su parte, se mostró entusiasmado con el proyecto, afirmando que este rol, en el que encarna a un excéntrico empresario petrolero, es el mejor de su carrera. Iñárritu también ha resaltado el orgullo que siente Cruise por su interpretación, comentando que este papel ha representado un reto significativo y una experiencia gratificante para el actor.

No obstante, la recepción crítica ha sido un desafío. Críticos como Carlos Boyero han calificado la película como un "espectáculo histérico, pretencioso y narrativamente fallido", lo que añade otra capa de complejidad al escenario comercial desalentador al que se enfrenta Digger. En un panorama donde las expectativas eran altas, el futuro de la película en la taquilla parece incierto, y pronto se evaluará si puede recuperarse o si se sumará a la lista de fracasos en la industria cinematográfica contemporánea.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-05/el-estreno-de-digger-con-tom-cruise-es-sepultado-en-la-taquilla-mundial-y-solo-recauda-17-millones-de-euros.html

Película musical basada en La Oreja de Van Gogh

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 08:07:34 GMT

Las icónicas melodías de La Oreja de Van Gogh pronto encontrarán un nuevo hogar en la gran pantalla con el ambicioso proyecto cinematográfico titulado Puedes contar conmigo, que actualmente se encuentra en fase de preproducción. Este innovador musical surgirá de un acuerdo entre la célebre banda donostiarra y un equipo de productores compuesto por Beltrán Gortázar, Domingo Corral y Gonzalo Salazar-Simpson.

Fernando González Molina será el encargado de la dirección, contribuyendo también a la escritura del guion junto a Miguel López Martínez. La trama del filme se desarrollará a través del rico repertorio musical de la banda, prometiendo ofrecer una narrativa original que resonará entre los fanáticos de sus canciones. Corral destacó la singularidad de este proyecto al afirmar que “las canciones de la banda son parte de la memoria emocional de España”, lo que añade una capa de significado a la producción.

Los miembros de La Oreja de Van Gogh expresaron su entusiasmo por ver sus composiciones cobrar vida en un formato cinematográfico. “Siempre hemos contado historias a través de nuestra música”, afirmaron, añadiendo que la película representará una hermosa celebración de la conexión con su público. Este 2026 ha sido un año significativo para la banda, que marcó el regreso a sus giras con la voz de su cantante original, Amaia Montero, tras un periodo de cambios.

Con González Molina al timón, conocido por sus exitosas obras como Palmeras en la nieve y Tres metros sobre el cielo, el director se enfrenta al desafío de trasladar la esencia de La Oreja a un formato visual impactante. “Deseo crear un evento cinematográfico que emocione al público como lo han hecho nuestras canciones durante décadas”, comentó. Este proyecto, dirigido con ambición, busca rendir homenaje tanto a la música de la banda como a la experiencia romántica del cine musical.

Los productores también están comprometidos con hacer de esta película un evento significativo, de la misma manera que grandes títulos como La La Land han logrado en el pasado. Aunque aún no se han definido aspectos como el presupuesto, el reparto o el coreógrafo, la expectativa ya empieza a crecer en torno a esta colaboración creativa.

Detrás de este esfuerzo se encuentra Beltrán Gortázar, quien lidera la iniciativa desde su reciente productora, Arce Studios, tras una exitosa trayectoria en plataformas y producciones de alto calibre. Su compañero Gonzalo Salazar-Simpson, conocido por su trabajo en cine, televisión y teatro, también aporta una vasta experiencia a este proyecto.

De esta forma, el mundo de la música y el cine se entrelazan, ofreciendo a los seguidores de La Oreja de Van Gogh una experiencia renovadora que promete dejar huella. El proyecto se perfila como una nueva etapa en la carrera de la banda y un reto emocionante para todos los involucrados. La unión de talento y pasión está destinada a crear algo verdaderamente especial.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-05/las-canciones-de-la-oreja-de-van-gogh-seran-la-base-de-puedes-contar-conmigo-una-pelicula-musical-con-inspiracion-en-la-ambicion-de-la-la-land.html

El amor peculiar que arruinó a Stroheim

Redacción — Mon, 05 Oct 2026 06:55:43 GMT

Bajo la apariencia de un aristócrata ficticio del decadente Imperio Austrohúngaro, Erich von Stroheim desafió las convenciones de Hollywood en la era del cine mudo, adentrándose en un mundo donde la exquisitez visual y los excesos narrativos eran su sello distintivo. Pocas figuras en la historia del cine se han adentrado tan profundamente en la creación de su legado como Stroheim, que encarnó tanto al genio incomprendido como a la víctima de un sistema implacable. Su película La reina Kelly, cuya nueva versión restaura su legado casi un siglo después de su fallido rodaje, representa un hito en su carrera y un trágico capítulo en la historia del cine.

Nacido en Viena en 1885 y fallecido en Francia en 1957, Stroheim llegó a Hollywood durante la primera década del siglo XX. Con un monóculo colgante y un aura de esnobismo militar prusiano, se convirtió en una figura de fascinación y controversia. Su estilo vanguardista y minucioso en la dirección de películas contrastaba con las crecientes restricciones morales de una industria que se volvía cada vez más conservadora. Sus obras, repletas de lujos y sensualidad, eran tan reales como el champagne que empleaba en sus rodajes.

Su enfrentamiento constante con el productor Irving Thalberg fue la batalla que marcó su carrera. Thalberg, consciente del potencial de Stroheim, mutiló su obra maestra Avaricia (1924), reduciendo un metraje original de casi diez horas a una versión irremediablemente truncada. Este acto de censura no solo significó la pérdida de una obra monumental, sino que simbolizó la victoria del sistema industrial sobre la creatividad individual.

La reina Kelly, filmada entre 1929 y 1932, surgió de la unión entre Stroheim y la emblemática actriz Gloria Swanson, quien la produjo junto a su amante Joseph P. Kennedy, un influyente financiero. La historia gira en torno a Patricia "Kitty" Kelly, una huérfana atrapada en un convento y enamorada de un príncipe libertino, quien la arrastra a un oscuro destino. La producción, marcada por la brillantez y el derroche de Stroheim, finalmente fue interrumpida por la creciente preocupación de Swanson y Kennedy, quienes temían los excesos de la narrativa y el inminente advenimiento del cine sonoro.

Tras la abrupta salida de Stroheim, la película fue completada por Richard Boleslawski y se estrenó en varios países, pero rápidamente se desvaneció en el olvido. Sin embargo, la nueva versión que se presenta ahora en cines y filmotecas de España proviene de los materiales de Stroheim, que ofrecen una experiencia visual nunca antes vista.

Dennis Doros, el restaurador de la película, recuerda cómo, en tiempos analógicos, la restauración era un proceso minucioso y laborioso. La era digital ha transformado este trabajo, facilitando la creación de una versión que honra el legado de Stroheim, mientras elimina los daños de la película original. El acceso a archivos que antes estaban restringidos ha permitido recuperar materiales que enriquecen la historia detrás de La reina Kelly, ofreciendo un vistazo a una época donde el romance y la decadencia se entrelazaban en la pantalla.

Stroheim, en su reclusión, se reinventó como actor en las décadas siguientes. La admiración de Billy Wilder por su trabajo lo llevó a roles memorables, incluyendo su aparición en El crepúsculo de los dioses (1950). Este filme, que refleja la melancolía de una época dorada, revitalizó el interés por su obra perdida y dejó claro que, a pesar de las adversidades, su arte seguía cautivando.

La historia de La reina Kelly, ahora restaurada, es no solo un testimonio del talento de Stroheim, sino también de las luchas que enfrentó un artista en un mundo que, a menudo, priorizaba la conveniencia empresarial sobre la visión creativa. Su legado continúa desafiando y fascinando, recordándonos que el cine mudo fue un campo de batalla donde se forjaron las bases de un arte que sigue evolucionando.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-05/la-reina-kelly-el-excentrico-romanticismo-que-acabo-con-la-carrera-de-erich-von-stroheim-en-el-hollywood-mudo.html

Kiyoko: valentía en el cine actual

Redacción — Sun, 04 Oct 2026 14:07:46 GMT

En un viaje que ha capturado la esencia de la juventud, Hayley Kiyoko, conocida como “Jesús lesbiana” entre sus seguidores, ha transformado sus experiencias personales en arte cinematográfico. De sus veranos adolescentes, llenos de esperas frente al ordenador y anhelos románticos, surgió la inspiración para "Girls Like Girls", un filme que Kiyoko coescribió y dirigió. La historia refleja su propia vida y el amor no correspondido que la marcó, resonando con una generación que busca representación y autenticidad.

Desde la publicación de su sencillo breakthrough en 2015, que coincidió con la legalización del matrimonio entre personas del mismo sexo en EE. UU., Kiyoko ha navegado un camino de autoaceptación. Inicialmente reticente a compartir su identidad gay, ahora considera que su música ha sido un medio de “manifestar confianza”. La letra de “Girls like girls like boys do, nothing new” encapsula su evolución, ofreciendo un aire de esperanza a una comunidad que sigue luchando por su lugar en el mundo.

El desarrollo del filme, cuyo preámbulo se inició con un libro de romance juvenil publicado en 2023, ha sido un testimonio de perseverancia. Kiyoko confiesa que el filme es “una carta de amor” a su yo adolescente, anhelando el tipo de amor que no pudo experimentar en su juventud. En la proyección en Bangkok, donde uno de los personajes principales es interpretado por la actriz local Myra Molloy, Kiyoko enfatizó la importancia de contar una historia que abarca no solo el amor queer, sino también su herencia asiática.

A medida que "Girls Like Girls" llega a las pantallas el 2 de octubre, Kiyoko se enfrenta a un panorama político adverso, con un aumento alarmante de políticas contra la comunidad LGBTQ+ en EE. UU. En un momento donde más de 500 proyectos de leyes anti-LGBTQ+ están siendo considerados en 2026, Kiyoko considera el contexto actual “desgarrador”, aunque sigue firme en su misión de difundir amor y visibilidad.

Mientras la película narra la relación entre Coley y Sonya, Kiyoko también busca representar la aceptación familiar, un tema que rara vez se aborda en historias queer. Ella destaca la necesidad de ver al menos un padre amoroso en pantalla, ofreciendo una visión más esperanzadora a quienes enfrentan realidades difíciles.

Kiyoko, que recientemente se comprometió con la exconcursante de “The Bachelor” Becca Tilley, refleja en su vida personal un momento de sanación. Combinando su trabajo como directora con su carrera musical, planea seguir explorando nuevas narrativas, aunque también enfrenta la pregunta de qué rumbo tomará en su carrera musical.

Este largo camino desde sus días de angustia adolescente hasta su actual ascenso como cineasta y artista revela una conexión profunda entre el arte y la experiencia humana. Kiyoko ha encontrado su hogar en la dirección y la narración, y se muestra lista para continuar haciendo historias que celebren tanto la diversidad como la autenticidad.

theguardian.com: https://www.theguardian.com/film/2026/oct/02/hayley-kiyoko-interview-girls-like-girls-music-film-books

Las películas en 3D ahora valen la pena

Redacción — Sun, 04 Oct 2026 12:21:46 GMT

El resurgimiento de la tecnología 3D ha generado un renovado interés en el mercado del entretenimiento, especialmente desde que las innovaciones en visualización han permitido que las películas en 3D brillen como nunca antes. Más de 15 años después de que "Avatar" de James Cameron, que se convirtió en la película más taquillera de todos los tiempos, llevó la experiencia cinematográfica a nuevas alturas, los avances en gafas de video están comenzando a ofrecer la experiencia que muchos ansían.

Tradicionalmente, ver películas en 3D ha presentado obstáculos significativos. Los aficionados se han visto limitados al uso de gafas polarizadas que reducen tanto la resolución como el brillo de la imagen, dividiendo la imagen reflejada entre los dos ojos. En el caso de tecnologías como la Nintendo 3DS, el refresco y la calidad se ven comprometidos, lo que lleva a un disfrute menos que óptimo. Sin embargo, con las nuevas gafas de video, se ofrece la promesa de una pantalla completa para cada ojo, brindando una experiencia más envolvente.

Desde la introducción de las Xreal One Pro, que ofrecen la opción de alternar entre una pantalla plana y contenido 3D, esta tecnología parece estar cumpliendo las expectativas. Al pulsar un botón, los espectadores pueden acceder a contenido en 3D lado a lado (SBS), garantizando que cada ojo tenga acceso a una visualización completa en 1080p. Esto se ve reflejado en la creciente capacidad de las plataformas de realidad virtual como Meta Quest, que también están brindando opciones para transmitir películas en 3D de manera nativa.

El aprecio por la profundidad del contenido 3D se manifiesta en ejemplos específicos, como las impresionantes secuencias de agua en "Moana" o los detalles de las armaduras en "Gravity". La tridimensionalidad transforma escapes visuales, convirtiendo lo que antes parecía una imagen plana en escenas ricas y envolventes. Documentales como "Cave of Forgotten Dreams" demuestran cómo la historia se materializa de maneras tangibles a través de la tridimensionalidad.

A pesar del resurgimiento de 3D, persisten desafíos. Aunque las películas siguen proyectándose en cines, no siempre están disponibles para la transmisión o compra, y la mayoría de las copias en Blu-ray 3D están limitadas a la tecnología 1080p, lo que frena la experiencia. La búsqueda de este tipo de contenido puede convertirse en un reto; algunos coleccionistas han logrado encontrar copias raras a través de eBay.

Sin embargo, hay buenas noticias en el horizonte. Compañías de dispositivos de realidad virtual están trabajando en colaboración con estudios de Hollywood para facilitar el acceso a colecciones de 3D en streaming. Con el lanzamiento del Apple Vision Pro, que promete ser la mejor experiencia en 3D hasta la fecha, los usuarios podrán disfrutar no solo de 4K y HDR, sino también de una biblioteca extensa de películas en 3D, enriqueciendo el panorama de contenido disponible.

La estrategia de Meta incluye el acceso a películas 3D en sus aplicaciones, con cientos de títulos que se estarán disponibles para alquilar o comprar a medida que avanza el año 2024. Esto representa un cambio significativo, ya que no solo se igualarán los precios con las películas en 2D, sino que la experiencia de streaming transformará cómo se consume el contenido en 3D.

En medio de esta evolución tecnológica, muchos entusiastas optan por métodos artesanales para disfrutar de películas 3D, utilizando herramientas como MakeMKV para convertir discos y capacidades de reproducción en dispositivos como Steam Deck. Este enfoque manual, aunque laborioso, denota un apasionado deseo de redescubrir estos clásicos en un formato renovado.

Con el auge de estas nuevas tecnologías, lo que una vez se consideró un gran fracaso en el mundo del entretenimiento se está convirtiendo rápidamente en una fascinante era de redescubrimiento. A medida que avanzamos, la promesa del 3D es que no se trata solo de mirar: se trata de sentir cada historia cobrar vida en dimensiones inesperadas.

theverge.com: https://www.theverge.com/tech/1004131/3d-movies-are-finally-worth-watching-xreal-meta-glasses-vision-pro

Excavador, con Tom Cruise: Sin nada

Redacción — Fri, 02 Oct 2026 10:38:32 GMT

La llegada de la nueva película "Digger", dirigida por Alejandro González Iñárritu, ha generado gran interés en la comunidad cinematográfica. Este filme, que se presenta como una comedia dramática y sátira, se estrenó el 2 de octubre de 2026, cautivando la atención del público con su impresionante elenco, que incluye a figuras como Tom Cruise, Riz Ahmed, John Goodman y Sandra Hüller, entre otros. Con una duración de 128 minutos, la película mezcla géneros para ofrecer una experiencia única en la pantalla grande.

La trayectoria de Iñárritu ha estado marcada por una serie de obras aclamadas, entre ellas "Amores perros", "21 gramos" y "Babel", las cuales coescribió junto a Guillermo Arriaga. Esta colaboración se destacó por su capacidad para tejer narrativas complejas y profundas que resonaban emocionalmente con los espectadores. Sin embargo, tras su separación profesional, la obra de Iñárritu ha pasado por altibajos, siendo "Biutiful" uno de sus trabajos más notables en años recientes.

A pesar del impacto previo de sus películas, algunos críticos han expresado su desconcierto ante la recepción de "Digger". Al parecer, la cinta se aleja de la brillantez que caracterizaba sus obras anteriores. Sin embargo, el director ha logrado mantener su sello visual y narrativo, aunque las reacciones a esta producción parecen indicar que no ha logrado la misma conexión con el público que en sus trabajos pasados.

El filme ha sido descrito como una de las propuestas más audaces del año, pero no ha estado exento de críticas severas. A medida que se incrementa el debate crítico, se hace evidente que "Digger" invita a una reflexión sobre la evolución del director y su legado en la industria cinematográfica.

Con la proyección de "Digger", el director enfrenta el desafío de reconectar con su audiencia. La crítica abrirá un espacio de discusión sobre su adaptación a tiempos contemporáneos y el impacto de su narración en un panorama cinematográfico saturado. Este estreno se convierte así en un punto focal no solo por la anticipación, sino también por las expectativas que genera en el contexto actual del cine.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-02/digger-com-tom-cruise-nada-de-nada.html

Narciso: oscuro drama sobre amor prohibido

Redacción — Fri, 02 Oct 2026 09:26:37 GMT

En el contexto tumultuoso de Paraguay en la década de 1950, donde el rock’n’roll emergía como una revolución musical en muchas partes del mundo, el país se sumía en la oscuridad de una de las dictaduras más prolongadas de América Latina. Esta paradoja histórica es el punto de partida de "Narciso", una nueva película que explora la memoria sociopolítica de Paraguay a través de una narrativa expresionista y sombría.

El filme, dirigido por Marcelo Martinessi, se sumerge en la vida de Bernardo Aranda, un carismático locutor de radio que fue asesinado en 1959. Basada en la novela del escritor e historiador Guido Rodríguez Alcalá, "Narciso" se desarrolla en Radio Capital, una emisora popular que respiraba el folclore nacional mientras enfrentaba el influjo del rock estadounidense. Aranda, interpretado por Diro Romero, se convierte en una figura central en esta emisora, justo cuando la dictadura de Alfredo ‘El Rubio’ Stroessner inicia una ofensiva moral, particularmente contra la comunidad homosexual.

El guion despliega un profundo simbolismo, posicionando el programa de radio como un microcosmos de la sociedad paraguaya. La historia de "Narciso" no solo narra el asesinato de Aranda; más bien, revela cómo los nuevos ritmos y la cultura juvenil se convirtieron en amenazas para un régimen represor. La relación entre la música y el silencio, el deseo y la censura, se explora con maestría en un ambiente lleno de sombras.

Martinessi, conocido por su aclamada película "Las Herederas", vuelve a examinar la historia de Paraguay a través de una lente crítica que invita a la reflexión sobre la lucha por la libertad en tiempos de represión. La película, que se estrena el 2 de octubre de 2026, ofrece un viaje inquietante hacia un periodo histórico que marcaría la memoria colectiva de una nación.

Con una duración de 100 minutos, "Narciso" se presenta no solo como un relato del pasado, sino como una llamada a la conciencia sobre la importancia de recordar y entender la historia para construir un futuro más libre. En medio de un panorama sombrío, la película deja entrever que el verdadero peligro para cualquier poder retrógrado radica en la creatividad, la música y la imaginación —elementos que erigen un espacio de resistencia ante la opresión. Esta exploración del cuerpo y la voz como herramientas de reclamación y libertad resulta esencial en un contexto donde el silencio a menudo es la única respuesta.

"Narciso", con su narrativa rica en simbolismo y su enfoque en los desafíos de una época convulsa, captura la esencia de una lucha por la dignidad y la expresión en un tiempo donde la opresión intentó silenciarla todo.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-10-02/narciso-un-tenebroso-drama-paraguayo-sobre-represion-homosexual-y-rocknroll.html

Pamplona será sede de los Goya 41.

Redacción — Thu, 01 Oct 2026 10:05:44 GMT

Pamplona se prepara para convertirse en el epicentro del cine español al albergar el 6 de febrero de 2027 la 41ª edición de los Premios Goya, un evento anual emblemático del séptimo arte en España. Esta será la primera vez que la capital navarra ejerce como anfitriona de la gala, que se llevará a cabo en el moderno Navarra Arena, marcando un punto de inflexión en la estrategia de la Academia de Cine de descentralizar la ceremonia y llevarla a diferentes ciudades del país. Pamplona tomará el relevo de Barcelona, que será la sede de la ceremonia en 2026.

Desde el impulso de este modelo en 2019, varias ciudades españolas han tenido la oportunidad de celebrar los Goya. Sevilla ha sido elegida dos veces, en 2019 y 2023, mientras que Málaga fue anfitriona en 2020 y 2021, y Valencia, Valladolid, y Granada también han sido sedes en años recientes. Esta decisión refleja un esfuerzo consciente por parte de la Academia, según su presidente, Fernando Méndez-Leite, quien destacó la importancia de llevar el evento al norte de España, indicando que "lo más arriba que hemos llegado hasta ahora ha sido Valladolid".

Durante la presentación de la gala en Madrid, llevada a cabo en conjunto con la presidenta del Gobierno de Navarra, María Chivite, se anunció que las nominaciones se revelarán el 15 de diciembre de 2026, y el encuentro de nominados será el 11 de enero de 2027. Este anuncio genera expectativa en un contexto en el que la cinematografía española atraviesa un momento de gran creatividad y reconocimiento internacional.

La llegada de los Goya a Pamplona también coincide con lo que muchos consideran una etapa dorada para el cine español, especialmente con títulos que han brillado en festivales de renombre. Películas como La bola negra, de Javier Calvo y Javier Ambrossi, ya han destacado por su éxito en Cannes y en el Festival Internacional de Cine de Toronto, donde se llevó el premio del público. Esta película, aparte de su impresionante trayectoria, ha sido seleccionada para representar a España en la próxima edición de los Oscar, a celebrarse en 2027.

El 2025 estableció un precedente positivo para el cine español. Con producciones que han resonado a nivel internacional, como Los domingos, y la aclamada Sirât, que fue nominada en dos categorías a los Oscar, el panorama cinematográfico español se presenta vibrante y lleno de oportunidades.

Con la 41ª edición de los Premios Goya acercándose, la atención se centra no solo en los premios y nominaciones, sino también en el impacto que este evento tendrá en la cultura cinematográfica de España y la proyección internacional de sus creaciones. La emoción por el futuro del cine español es palpable, y la contribución de Pamplona como sede de este prestigioso evento promete ser un capítulo significativo en su rica historia.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/premios-goya/2026-09-30/pamplona-acogera-la-41-edicion-de-los-premios-goya.html

Kenny Ruiz: pionero español en manga y ‘Star Wars’

Redacción — Mon, 28 Sep 2026 09:05:33 GMT

Kenny Ruiz, un talentoso creador alicantino de 45 años, ha trazado un camino fascinante en el mundo de los cómics y el manga. Desde su infancia, cuando imaginaba historias que su hermano mayor, el conocido grafitero "El niño de las pinturas", plasmaba en dibujos, Kenny ha aprovechado esa chispa creativa. Recuerda con cariño cómo, en su niñez, abrumaba a su hermano con sus ideas, hasta que, un día, este le dijo: "Hazlo tú". Esa lección de tomar la iniciativa y no temer al error ha sido fundamental en su trayectoria como artista.

Hoy, Ruiz se presenta como un pionero: se convirtió en el primer autor occidental en realizar un manga para el mercado japonés, destacando especialmente con su obra "La senda del sable de luz", donde explora el universo de Star Wars de una manera única. Este lanzamiento, que se considera la primera historia oficial de Star Wars creada enteramente por un español, ha generado un gran interés, pues combina su pasión con su experiencia en la narrativa gráfica.

Los editores japoneses vieron en Ruiz no solo su talento, sino su capacidad de generar ideas frescas y su determinación. Le alentaron a incorporar su visión única sobre los personajes de Osamu Tezuka, el famoso mito del manga, aun cuando él se consideraba más un narrador que un virtuoso del dibujo. A pesar de sus dudas iniciales sobre sus habilidades gráficas, Kenneth ha logrado alcanzar un nivel que le permite dibujar cualquier cosa, incluyendo su tan anhelada historia de Star Wars.

En "La senda del sable de luz", Kenny Ruiz presenta a Nioka, una joven que anhela convertirse en Jedi, enfrentándose a la duda y el escepticismo. Esta narrativa no solo explora aventuras intergalácticas, sino que también plantea una reflexión sobre el esfuerzo y la perseverancia. Ruiz busca transmitir al lector la experiencia física y emocional de manejar un sable de luz, convirtiendo cada duelo en una representación accesible y comprensible, algo que siempre había deseado plasmar.

Su camino en el mundo del cómic ha estado marcado por diversas experiencias, desde novelas gráficas hasta colaboraciones con grandes editoriales como Marvel. Ruiz ha observado diferencias culturales notables entre los mercados de cómics europeos y estadounidenses, describiendo cómo cada uno tiene su enfoque distintivo sobre la narración y la estética.

Mientras que el mundo de Star Wars enfrenta desafíos creativos con críticas mixtas hacia sus recientes producciones, Ruiz mantiene una postura optimista. Cree que la saga ha sido y seguirá siendo relevante, ya que es un fenómeno global que siempre encontrará una manera de encajar en el corazón de sus seguidores, permitiendo a cada generación encontrar su propia conexión con la galaxia.

Con su mezcla única de pasión, técnica y conocimiento, Kenny Ruiz continúa su trayectoria, preparado para adentrarse aún más en la narrativa y el arte, con la mirada puesta en el futuro de sus creaciones.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/2026-09-28/el-nuevo-hito-de-kenny-ruiz-primer-espanol-en-el-manga-japones-y-ahora-en-crear-una-historia-de-star-wars.html

Temo que se agoten de mí.

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 22:53:16 GMT

Victoria Luengo, una destacada actriz de 36 años originaria de Palma, ha logrado un notable reconocimiento en la industria cinematográfica. Actualmente, se siente "felizmente cansada", un estado revelador de su intensa trayectoria profesional. Luengo ha participado en dos películas en la misma edición del Festival de Cannes, un logro que pocos actores españoles han conseguido, después de Marisa Paredes.

Este año, sus trabajos en “Amarga Navidad”, su segundo proyecto dirigido por Pedro Almodóvar, y “El ser querido” de Rodrigo Sorogoyen, han definido su creciente carrera, tras haber sido catapultada a la fama con la serie “Antidisturbios”. Su reciente participación incluye la presentación del filme “Sants” de Mikel Gurrea en el Festival de San Sebastián, demostrando su versatilidad y compromiso con la actuación.

En sus declaraciones, Luengo critica la saturación mediática, expresando su inquietud sobre cómo su constante exposición podría agotar la paciencia del público. A pesar de sus preocupaciones, está disfrutando plenamente del momento profesional que atraviesa. Recuerda su trayectoria desde el inicio, conectando los hilos entre sus sueños de infancia y su éxito actual.

El equilibrio entre la promoción y el rodaje es un tema recurrente en su vida; enfatiza que, aunque el trabajo de promoción puede ser agotador, el valor que encuentra en cada uno de los proyectos que lleva a cabo compensa el esfuerzo. Aún así, Luengo ha señalado la importancia de encontrar tiempo para sí misma y su familia, especialmente dado el delicado estado de salud de su madre. Ha decidido hacer una pausa en los rodajes hasta mayo para centrarse en una obra de teatro que se estrenará en 2027, resaltando el aspecto íntimo y seguro del teatro como un espacio esencial para su desarrollo artístico.

En lo que respecta a su futuro en el ámbito de las series, Luengo admite que no planea comprometerse a largo plazo con un proyecto, destacando el desgaste emocional que conlleva. “La vida en estos últimos dos o tres años me ha dado tantas vueltas”, expresa, evidenciando una madurez desarrollada a raíz de su experiencia.

La relación familiar también ocupa un lugar relevante en su discurso. Luengo menciona cómo su familia no siente la necesidad de seguir su carrera de manera constante, reflejando una comprensión del viaje profesional que ha emprendido. Su rol como actriz le ha permitido abordar temas personales a través de sus personajes, lo cual considera un gran regalo de la vida.

Consciente de su creciente influencia en la industria del entretenimiento, Victoria Luengo se siente responsable de su impacto y utiliza su voz para expresar sus necesidades y preocupaciones en el set. La edad y la experiencia la han llevado a un lugar donde puede comunicar lo que siente sin temor.

En resumen, Victoria Luengo continúa dejando su huella en el panorama cinematográfico español mientras navega las complejidades de la fama, la familia, y su compromiso con el arte. Su trabajo en proyectos diversos destaca no solo su talento, sino también su profunda conexión con el mensaje que busca transmitir a través de cada uno de sus personajes.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-25/victoria-luengo-el-cine-me-ha-dado-la-oportunidad-de-decir-unas-palabras-que-la-vida-no-me-dio-con-mi-padre.html

La esfera oscura y Lorca en pantalla

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 22:18:18 GMT

Durante la escritura del guion de La bola negra, sus creadores, Javier Ambrossi y Javier Calvo, se enfrentaron a una decisión crucial: ¿debería aparecer Federico García Lorca en la película? A pesar de la incertidumbre inicial, sabían con claridad quién debía interpretarlo: el dramaturgo malagueño Alberto Cortés. Tras contactarlo, le pidieron que realizara una prueba para un personaje que, aunque no lo mencionaron explícitamente, tenía una gran relevancia.

Días más tarde, cuando Cortés llegó al set para rodar su única jornada de trabajo, que coincidía con el último día de Miguel Bernardeau, quien da vida a Rafael Rodríguez Rapún, el hombre que inspiró a Lorca en Sonetos del amor oscuro, vivió una experiencia intensa y emotiva. Esta conexión lo alinea con una breve pero significativa lista de actores que han dado vida al poeta en la pantalla grande y pequeña.

Lorca, quien fue asesinado hace 90 años, ha sido objeto de numerosos documentales. Uno de los más recientes, La voz quebrada, se estrenará el 16 de octubre, ampliando las narrativas en torno a su figura.

A lo largo de los años, diversas producciones han abordado la vida y muerte de Lorca, destacando:

Lorca, muerte de un poeta (1987): Seis episodios dirigidos por Juan Antonio Bardem, basada en la obra de Ian Gibson. Un dato curioso es que el rol principal fue interpretado por el actor inglés Nickolas Grace, cuyas similitudes físicas con Lorca le valieron el papel, aunque su voz fue doblada.
Muerte en Granada (1996): Esta película, dirigida por Marcos Zurinaga, presenta a un periodista (interpretado por Esai Morales) que busca respuestas sobre la desaparición de Lorca durante la dictadura franquista. Andy García toma el rol del poeta en una narración más dramatizada y menos precisa.
Little Ashes (2008): Un filme sobre la juventud de Lorca, Dalí y Buñuel, protagonizado por Javier Beltrán, quien intenta representar la complejidad de su figura.
El Ministerio del Tiempo (2015-2020): Ángel Ruiz encarna a Lorca en varias ocasiones en esta serie, donde el poeta interactúa con personajes que viajan en el tiempo.
Ena, la reina Victoria Eugenia (2024): Ángel Ruiz regresa para interpretar a Lorca en esta nueva serie que explora la vida de la reina consorte de España.
Lorca (2027): La nueva película de Fernando Franco, ya en producción, se centrará en las últimas semanas de vida del poeta, ofreciendo una mirada íntima y humana a su existencia marcada por el miedo y la incertidumbre.

Un aspecto fascinante de la representación de Lorca en el cine es la ausencia de grabaciones de su voz. Sus contemporáneos, como el poeta Luis Rosales, describieron su timbre poderoso y grave. Según testimonios, su acento andaluz, con un ceceo característico, se ha convertido en un objeto de estudio en la búsqueda por comprender su legado.

En una época donde las imágenes y los relatos sobre figuras icónicas son más accesibles que nunca, la exploración de la vida de Lorca sigue enriqueciendo el entendimiento y la apreciación de su obra y su tiempo.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-25/la-bola-negra-y-las-otras-pocas-veces-en-que-federico-garcia-lorca-se-ha-asomado-a-las-pantallas.html

Trueba: del escándalo a su amor musical

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 15:50:28 GMT

Hace más de cuatro décadas, un joven cineasta madrileño, Fernando Trueba, protagonizó un episodio curioso que lo ha seguido desde entonces. En 1982, durante el festival de San Sebastián, Trueba, entonces con solo 27 años, arrojó un cubo de agua sobre Diego Galán, el crítico de cine que había ocupado su antiguo puesto en el diario El País. Este acto no fue un ataque directo, como algunos interpretaron. En declaraciones de Trueba en 2026, aseguró que ni siquiera había leído la crítica negativa que Galán había escrito sobre su película Chicho o mientras el cuerpo aguante, y explicó que el acto respondía a un sueño surrealista que había tenido.

La controversia despertó interés en los medios, años más tarde, cuando la película se proyectó nuevamente en el festival de San Sebastián tras ser restaurada en 6K. Esta reestrena fue gestionada por su hijo, Jonás Trueba, a través de su empresa Los Ilusos. La historia detrás del cubo de agua, que algunos interpretan como un acto de venganza, sigue generando distintas narrativas según quién la cuente. Mientras Trueba habla de un momento impulsivo y surrealista, las crónicas de la época sugieren un trasfondo más conflictivo.

Este año, el festival también presentó Bajañí, otra de las obras de Trueba, un documental que explora la vida del guitarrista Niño Josele. A través de un diálogo artístico, Trueba ha reunido a varias leyendas de la música, como Caetano Veloso y Rubén Blades. Desde su perspectiva, la conexión entre ambas películas reside en la libertad creativa que las caracteriza, sin restricciones narrativas ni guiones preestablecidos.

El cineasta rememoró el rodaje de Chicho o mientras el cuerpo aguante, que decidió hacer sin un guion, junto a Chicho Sánchez Ferlosio, un cantautor cuya vida se regía por un espíritu libre y despreocupado. “Quería rodar sin un plan, adoptando una libertad total cada día”, manifestó Trueba, quien contrastó el enfoque de dicha producción con su anterior trabajo, Ópera prima, que había sido rigidamente estructurado.

El regreso de la película de 1982 también provocó la creación de Diario iluso, un periódico que recopila artículos sobre el escándalo del cubo, así como escritos y fotografías de aquel rodaje. Este resurgimiento del interés por el pasado de Trueba no solo destaca su legado cinematográfico, sino que también arroja luz sobre su enfoque artístico: crear películas que puedan acercar al público a la música y a la vida de sus protagonistas.

Además, se anticipa un nuevo proyecto: Las abdicaciones (una comedia histórica), una colaboración con su hijo Jonas, quien ha manifestado su deseo de trabajar junto a él, resultando en un filme que se estrenará en primavera. Estableciendo así un puente generacional en el mundo del cine, Trueba continúa su labor, siempre en busca de la autenticidad y la emoción en su arte.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-25/fernando-trueba-en-san-sebastian-del-escandalo-cuando-tiro-un-cubo-de-agua-a-un-critico-a-su-pasion-por-nino-josele.html

Conoce al Pastor Alemán que Superó a Brad Pitt

Redacción — Fri, 25 Sep 2026 04:43:16 GMT

En el fascinante universo del séptimo arte, la interacción entre actores humanos y animales puede definir el éxito de una película. Antes de iniciar la producción de Heart of the Beast, Andrew Simpson, un experimentado coordinador de animales en Hollywood, planteó una pregunta clave: ¿estaría Brad Pitt dispuesto a dejar que un pastor alemán le lamiera la cara? Esta interrogante refleja la importancia del vínculo entre los actores y sus contrapartes animales, especialmente cuando se busca retratar una conexión emocional auténtica en la pantalla.

Simpson, quien ha aportado su experiencia a producciones emblemáticas como Game of Thrones y John Wick: Chapter 3, dedicó semanas a buscar al protagonista canino de la película. Su búsqueda lo llevó a Heisenberg Kennels, donde encontró a Uber, un perro de rescate retirado de seis años. Al ver a Uber, Simpson sintió que había encontrado al actor perfecto, destacando su madurez y dulzura.

Sin embargo, no todos los actores están dispuestos a involucrarse de manera tan íntima con sus co-estrellas de cuatro patas. Simpson enfatiza que la predisposición de un actor a crear un vínculo con su compañero animal es fundamental para la credibilidad de la historia. Afortunadamente, Pitt, un amante de los perros, mostró su disposición a involucrarse, pasándose tres semanas entrenando con Uber. Esta conexión genuina se traduce en la narrativa del filme.

La trama de Heart of the Beast sigue a James Belmont (Pitt), un veterano de fuerzas especiales y su leal perro de combate, Odin (interpretado por Uber). Juntos enfrentan retos extremos cuando su avión se estrella en la inhóspita naturaleza de Alaska, obligándolos a confiar el uno en el otro para sobrevivir. A lo largo del relato, se presentan peligrosas adversidades, y aunque Simpson sabía que Uber no podría hacer frente a algunos de los stunt requeridos, pudo contar con la ayuda de tres de sus cachorros: Ryker, Zika y su medio hermano Hondo, que actuaron como dobles de su padre.

Desde su rancho en Alberta, donde cría lobos, Simpson narró que su carrera comenzó modestamente como extra en la película A Cry in the Dark. Llevando casi cuatro décadas en la industria, su dedicación al entrenamiento de animales ha ganado reconocimiento, y Heart of the Beast representa un hito: por primera vez, un perro recibe el mismo estatus en el elenco que las estrellas humanas, un hecho que Pitt promovió para resaltar el valor del animal en la historia.

En conversaciones sobre guiones que presentan a protagonistas caninos, Simpson describe su entusiasmo y las consideraciones prácticas que surgen al leer tales historias, enfatizando la importancia del presupuesto y la viabilidad en la producción de proyectos que incluyen a animales en papeles protagónicos.

Este enfoque meticuloso y esta profunda comprensión del papel del animal en la narrativa cinematográfica son un testimonio de la dedicación de profesionales como Andrew Simpson, quienes trabajan tras bambalinas para garantizar que tanto las estrellas humanas como sus contrapartes peludas brillen en la pantalla.

gq.com: https://www.gq.com/story/brad-pitt-dog-trainer

Protejamos más nuestra conexión humana

Redacción — Wed, 23 Sep 2026 12:14:32 GMT

Colas de dos horas se formaron en el San Sebastián International Film Festival, donde Brad Pitt, acompañado del director David Ayer y otros miembros del equipo, presentó su nueva película, En el corazón de la bestia. Este evento ha atraído la atención de numerosos fanáticos que intentaron sin éxito acceder al Kursaal, mientras que otros se agolpaban frente al Hotel María Cristina en busca de una mera aparición del actor. Contrario al año anterior, cuando Angelina Jolie dominó el certamen, este año la estrella indiscutible fue Pitt, quien ha sido objeto de gran interés incluso en derredores de su exesposa, que lo acusó de maltrato.

La película, un drama que narra la historia de un oficial de las Fuerzas Especiales, James Belmont, y su perro de combate, Odín, aborda temas profundos como el estrés postraumático. La trama, que se desarrolla tras un accidente aéreo en Alaska, saldrá en cines españoles el 25 de septiembre, después de su presentación en la sección Oficial del festival. La rueda de prensa de Pitt fue notablemente breve, con solo 24 minutos, contrastando con la duración promedio de estos encuentros que ronda los 40 minutos.

La expectación generada por su presencia fue tal, que incluso el photocall se trasladó a la parte interior del Kursaal, debido a la multitud que se aglomeraba en el exterior. Durante el evento, Pitt, vestía casualmente con chaqueta, jeans y una corbata rosa, se mostró educado y optó por la ambigüedad en sus respuestas, gesticulando con una sonrisa. A pesar de su ajetreada agenda de promoción, Pitt ha disfrutado del arte y la gastronomía de San Sebastián, visitando puntos emblemáticos como el Peine de los Vientos y el Chillida Leku, donde compartió recuerdos de su anterior visita hace 17 años.

Sobre los desafíos de la filmación, Pitt destacó la necesidad de realismo, mencionando el frío y las dificultades durante las grabaciones en Nueva Zelanda, donde se recreó Alaska. También hizo hincapié en la importancia de la conexión con su compañero de reparto, el perro que interpreta a Odín, señalando que cada día se esforzaron por convertir el rodaje en una experiencia lúdica para el animal.

El actor describió su personaje como alguien que ha enfrentado tanto heridas físicas como mentales, enfatizando que la película aborda el tema del cuidado entre las personas. Exhortó a los presentes a buscar las similitudes y a unirse ante las divisiones actuales, proponiendo un mensaje de unidad y respeto.

A punto de cumplir 63 años, Pitt atraviesa un periodo intenso de promoción, no solo de En el corazón de la bestia, sino también de Las nuevas desventuras de Cliff Booth, la precuela de Érase una vez en... Hollywood. A lo largo de su carrera ha acumulado un notable número de trabajos como intérprete y productor, destacándose en producciones de cine independiente. En su intervención, hizo hincapié en cómo la llegada de las plataformas digitales ha transformado la industria cinematográfica, brindando oportunidades a nuevos talentos, especialmente a aquellos que emergen de espacios como YouTube.

Finalmente, se supo que, a pesar de su popularidad, el festival no le otorgará un premio Donostia a Pitt, quien ha dejado claro su desinterés por recibir reconocimientos a lo largo de su carrera. Con mucho más por delante, el actor continúa contribuyendo al cine y a la cultura, dejando claro que su legado está lejos de concluir.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-23/brad-pitt-en-el-festival-de-san-sebastian-cuidemonos-mucho-mas-entre-nosotros.html

Mike Leigh se despide con amor en ‘Tender Loving Care’

Redacción — Tue, 22 Sep 2026 17:55:30 GMT

En el marco del Festival de Cine de San Sebastián, el legendario cineasta Mike Leigh, de 83 años, dejó una profunda huella en los corazones de los cinéfilos al presentar su última película, Tender Loving Care. Durante una rueda de prensa desde Londres, el director reveló que este filme podría marcar su despedida del cine, una decisión impulsada por su condición médica, la miositis, que le impide afrontar el esfuerzo creativo de manera continua.

Leigh, reconocido mundialmente por su enfoque humanista y por retratar la clase media británica, ha acumulado una notable trayectoria en el mundo del cine. Ha sido galardonado con la Palma de Oro en Cannes por Secretos y mentiras en 1996 y el León de Oro en Venecia por El secreto de Vera Drake en 2004. A lo largo de su carrera, ha conseguido 18 nominaciones al Oscar, lo que subraya su impacto y relevancia en la industria.

En su declaración sobre el futuro, Leigh expresó que, aunque la vida presenta incertidumbres, la esperanza persiste, especialmente por el bienestar de sus hijos y nietos. “No existe una respuesta correcta” acerca de qué vendrá después, pero mantiene un deseo optimista a pesar de los tiempos difíciles.

La esencia de Tender Loving Care radica en la exploración de la humanidad y la positividad inherente al ser humano. Leigh inició el proyecto sin un guion completo, permitiendo que sus actores participaran creativamente en el desarrollo de los personajes. En esta obra, dos trabajadoras sociales, amigas que enfrentan crisis sentimentales, viven juntas y reflejan las complejidades de una clase media que lucha por mantener la esperanza y la compasión en medio de un entorno social desafiante.

Leigh evita el melodrama, buscando capturar la ternura de la vida cotidiana y cómo, a pesar de las adversidades, los lazos familiares y la solidaridad pueden prevalecer. Su filme destaca la importancia de los servicios públicos y el apoyo comunitario como pilares fundamentales de la humanidad, una idea que resuena profundamente en la actualidad.

Los actores, muchos de ellos colaboradores habituales de Leigh, aportan una conexión auténtica a sus personajes. La entrega y la experiencia compartida en el rodaje permiten que la narrativa fluya con sinceridad y realismo, envolviendo al espectador en un hervidero de emociones que reflejan la cruda belleza de la vida.

A medida que se cierne el final de su carrera, Mike Leigh nos recuerda que el amor y la compasión son el núcleo de la experiencia humana. En un mundo donde el cinismo puede prevalecer, su invitación a ver la bondad y a luchar por un futuro esperanzador resuena más que nunca.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-22/el-cineasta-mike-leigh-se-despide-con-la-mas-bella-oda-a-la-compasion-en-tender-loving-care.html

Lecciones del Último Tráiler de Cliff Booth

Redacción — Mon, 21 Sep 2026 22:38:43 GMT

En un fascinante viaje al corazón de la historia de Hollywood, dos directores, David Fincher y Quentin Tarantino, revelan su aprecio por el legado del cine clásico. A través de su obra, Tarantino especula sobre la esencia de la década de 1960, retratando un Los Ángeles rebosante de nostalgia y autenticidad. En el primer capítulo de su serie, “Once Upon a Time in Hollywood” (OUATIH), el director recrea meticulosamente un entorno repleto de carteles cinematográficos de época y música diegética que catapulta al espectador a un California ardiente de verano.

La chispa creativa que dio vida a la historia gira en torno al personaje de Cliff Booth, modelado en parte por la entrañable relación que Tarantino observó entre Kurt Russell y su doble de riesgo. En conversaciones prolongadas, Russell, con su vasto conocimiento de la historia de Hollywood, compartió anécdotas sobre los intrigantes stuntmen que, al igual que él, desafiaron las expectativas de la industria. Inspirado por estos relatos, Tarantino comenzó a esbozar pequeñas historias sobre un actor y su amigo especialista, un proceso que le tomó 15 años hasta materializarse en la película que se lanzó en 2019.

“OUATIH” es, sin duda, una obra muy personal para Tarantino, evocando la curiosidad infantil por los entresijos de la realización cinematográfica. En su tráiler teaser, se vislumbran carteles de películas icónicas como “Looking for Mr. Goodbar” y “Black Sunday”, sugiriendo un regreso a la energía vibrante de Los Ángeles a finales de los años 70. Un comunicado de prensa refuerza esta idea, anunciando que lo que inicialmente se percibía como un cuento de hadas ahora se transforma en una narrativa más oscura y cruda, dotada del dramatismo de Fincher y en marcado contraste con la visión idealizada de Tarantino.

La nueva entrega, “The Further Mis-Adventures of Cliff Booth”, pinta un panorama de un Cliff al borde del abismo, relegado a trabajar en un bar, con la leyenda de su enfrentamiento con Bruce Lee aún resonando en la memoria colectiva. Aquí, se le ve como un “fixer” que, tras ser contactado por personajes interpretados por Elizabeth Debicki y Scott Caan, se ve inmerso en las sombras del mundo del entretenimiento de Los Ángeles de la era Carter, habitado por intrigantes personajes.

Con la premiere global en IMAX al horizonte, los entusiastas del cine aguardan más detalles sobre este intrigante proyecto y su elenco, cuyas identidades se revelan gradualmente a través de comunicados y pistas contextuales.

Esta exploración no solo promete desvelar las realidades del viejo Hollywood, sino que también alimenta la creciente anticipación en torno a un relato que, aunque arraigado en la nostalgia, aborda la complejidad de una era rica en historias ocultas.

gq.com: https://www.gq.com/story/the-adventures-of-cliff-booth-trailer

El día que Chiquito se retó al rival

Redacción — Mon, 21 Sep 2026 10:30:59 GMT

Hubo un tiempo en que España se encontraba sumida en un intenso clima político, marcado por la polarización entre un gobierno socialista y la oposición del Partido Popular. Las tensiones eran palpables en el Congreso de los Diputados, y las televisiones privadas competían en creatividad más que en contenido. Sin embargo, en medio de este escenario, surgió una figura que rompió las divisiones y alcanzó a múltiples generaciones: Chiquito de la Calzada, cuyo legado sigue resonando hoy con la proyección de un nuevo documental titulado El otro Chiquito, que se presentará en el festival de San Sebastián.

Este documental, concebido por Diego San José y dirigido por Juan Zavala y Javier Morales, toma un enfoque inusual, fusionando el absurdo humor de Chiquito con elementos de true crime. La visión creativa de los cineastas se basa en la notoriedad inexplicable de su humor, que 30 años después sigue siendo un enigma. Optaron por construir una narrativa donde Chiquito, además de ser un ícono de la comedia española, se convierta en el protagonista de un filme de atracos que explora la suplantación de su identidad en el mundo televisivo.

Aunque hoy muchos no lo recuerden, Chiquito fue un descubrimiento inesperado en la televisión española. Su carrera como cantaor comenzó en su infancia en la malagueña calle de Calzada de la Trinidad, antes de alcanzar la fama en Antena 3. En cuestión de meses, se convirtió en un fenómeno que eclipsó incluso eventos deportivos de gran relevancia. Su capacidad para conectar con el público lo convirtió en un baluarte en un país que necesitaba consuelo y alegría tras los dificiles años previos a los noventa.

El documental no solo brinda una mirada a la figura de Chiquito, sino que también reflexiona sobre la España de los noventa. Los creadores proponen que su éxito fue un antídoto contra la tristeza de la época, un momento en que un hombre de 62 años, con un estilo inconfundible y frases hilarantes pero incomprensibles, iluminó a una nación buscando razones para reír.

Un punto interesante que destaca el filme es la ausencia de un heredero a su legado. Sin una figura que haya logrado conquistar inclinaciones políticas y demográficas tan diversas como Chiquito, su recuerdo podría haber quedado relegado al olvido. Es también un relato sobre el conflicto con la nueva competencia televisiva, donde su estilo fue objeto de disputa, llevando a un juicio con Pepe Navarro por la apropiación de sus personajes y formatos.

El documental, además, ofrece testimonios de quienes compartieron esa etapa con él, desde cómicos hasta ejecutivos de televisión. Su narrativa es abierta, dejando que la audiencia evalúe el veredicto del juicio que, sorprendentemente, no tuvo una conclusión oficial. En un contexto donde los derechos de propiedad intelectual eran aún inciertos, Chiquito se convirtió en un símbolo de la lucha por su identidad artística.

Entre las revelaciones del filme, destaca la amistad entre Chiquito y Mario Conde, el exbanquero, un lazo poco esperado que refleja la interacción de dos mundos muy diferentes. La proyección de este documental no solo recuerda a un ícono del humor español, sino que también invita a los espectadores a cuestionarse sobre la felicidad, el trauma y la capacidad de los cómicos para conectar con sus audiencias.

El análisis de su figura revela un hombre que, a pesar de sus sufrimientos, mantuvo un entusiasmo vital. Chiquito no solo se convirtió en un emblema para la risa, sino que también representa las complejidades del humor en relación al dolor. En un contexto donde muchos cómicos arrastran historias trágicas, su capacidad para ser feliz y contagiar alegría a los demás se convierte en un legado memorable.

Con la llegada del documental El otro Chiquito a Movistar Plus a partir del 1 de octubre, surge una nueva oportunidad para que las nuevas generaciones descubran y valoren la singularidad y relevancia de Chiquito de la Calzada en el paisaje cultural español.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-21/el-dia-en-que-chiquito-de-la-calzada-se-enfrento-al-otro-chiquito.html

La ciencia ficción refleja nuestra sociedad

Redacción — Sun, 20 Sep 2026 07:13:31 GMT

El festival de San Sebastián ha sido escenario de una apuesta audaz con la proyección de una película que combina ciencia ficción y comedia, un estilo que no suele ser el más destacado en este certamen, conocido principalmente por su enfoque en cine de autor crudo y contundente. La película, que se proyecta en sábado, se titula "Cinco minutos más" y plantea desafíos narrativos originales en un contexto de bucles temporales.

Su creador, Berto Romero, se alejó de los encargos y se lanzó a escribir esta historia en 2023 influenciado por una pulsión creativa. La trama sigue a una pareja, él y Belén Cuesta, en un intento por salvar su relación en una casa de campo, solo para encontrar que el tiempo se repite de manera inquietante tras conocer al guardián de la finca, interpretado por Javier Cámara. Este bucle temporal no solo actúa como un recurso narrativo, sino que también refleja una tragedia más profunda que los personajes deben enfrentar.

Javier Ruiz Caldera, director del filme, comentó que el enfoque del guion le sorprendió, destacando su pureza dentro del género fantástico. La narrativa abre una valiosa discusión sobre la percepción contemporánea del tiempo, que hoy se encuentra marcado por la dictadura del estímulo y la reacción. Ambos creadores coinciden en que la presión social actual hace que las respuestas sean más emotivas que reflexivas.

El pesimismo permea la película, donde se explora la autojustificación de los personajes, siendo cada uno la víctima de sus circunstancias, mientras que el resto del mundo se percibe como una amenaza. La relación con la paternidad se convierte en un elemento central, donde las decisiones extremas se justifican en nombre de los hijos. A través de su historia, la película no pretende ser moralizante, sino más bien una exploración cruda de la condición humana.

Romero, durante el desarrollo del guion, sintió la necesidad de infundirle comedia al relato, buscando un equilibrio entre lo oscuro y lo divertido. A diferencia de otras películas de bucles temporales que se centran en la posibilidad de una segunda oportunidad, "Cinco minutos más" se enfoca en la aceptación de los errores y las ramificaciones que estos conllevan.

Ruiz Caldera adaptó su enfoque de trabajo, priorizando esta historia sobre otros proyectos, ya que considera que el genre fantástico puede ofrecer reflexiones profundas sobre la sociedad actual. En este sentido, "Cinco minutos más" se presenta como una obra simbólica que ofrece interpretaciones variadas, desde la lucha en la vida de pareja hasta el choque entre el campo y la ciudad, así como tensiones sociales más amplias.

En un momento en que la impunidad parece reinar, Romero subraya la importancia de que nuestras acciones tengan consecuencias, reclamando la responsabilidad social que parece haberse desvanecido en los últimos años. Así, este filme no solo cautiva con su originalidad, sino que también invita a una profunda reflexión sobre nuestros tiempos.

Actualización: Los datos corresponden a 2026-09-19 21:30:00.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-20/berto-romero-y-javier-ruiz-caldera-en-el-festival-de-san-sebastian-la-mejor-ciencia-ficcion-habla-de-como-funciona-nuestra-sociedad.html

El robador de canes: la soledad del limpiabotas

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 11:49:47 GMT

En el vibrante escenario de La Paz, Bolivia, se despliega una historia conmovedora que captura la lucha por la identidad y la búsqueda de una conexión emocional. "El ladrón de perros", la ópera prima del director chileno Vinko Tomicic, nos presenta a Martín, un adolescente huérfano cuya vida gira en torno al lustrado de zapatos. En su travesía por encontrar un sentido de pertenencia, se encuentra no solo con un perro, sino también con un vacío existencial que resuena a lo largo de la narrativa.

La interpretación del joven actor Franklin Aro Huasco otorga al personaje de Martín una profundidad que permite a los espectadores conectar con su soledad. Desde su intento de superación en la escuela hasta su relación con un sastre, cuya figura evoca la imagen de un padre que nunca tuvo, cada escena invita a reflexionar sobre la complejidad de la vida en la calle.

Las elecciones cinematográficas de Tomicic, aunque chispeantes, a veces se asientan en un terreno conocido por el cine latinoamericano, donde el miserabilismo parece dominar. Sin embargo, es en los momentos en que la historia se libera de esta fórmula convencional donde realmente brilla. A través de la exploración de la vida cotidiana que Martín anhela, ya sea en la casa que colma su deseo de familia o en el taller de sastrería donde se desata un conflicto fundamental, Tomicic crea un viaje íntimo que trasciende lo superficial.

El sastre, interpretado por Alfredo Castro, representa una figura clave en la vida de Martín, aunque su caracterización a menudo queda en la penumbra, privando al público de una comprensión más completa de su influencia en la vida del adolescente. El contraste entre la naturalidad de Huasco y la opacidad del personaje de Castro podría desentonar, lo que limita la profundización en el drama del joven limpiabotas.

Un elemento recurrente en la trama es el perro, que actúa como una metáfora de las contradicciones humanas. Al igual que en "La perra", otra notable producción chilena, el perro representa un anhelo de conexión y refugio emocional. En una de las secuencias más memorables, Martín pasea por las calles de La Paz con su nuevo compañero, vestido con un traje, símbolo de dignidad y amor que refleja lo que desea alcanzar, aunque su realidad esté marcada por la orfandad.

La película, que cuenta con una duración de 90 minutos y tiene programado su estreno para el 8 de septiembre de 2024, promete ser una exploración significativa de las emociones humanas, mientras Tomicic sigue la vida de Martín con un ojo hacia la esperanza, buscando un camino que va más allá de las adversidades. En un contexto donde el cine boliviano se enfrenta a retos y oportunidades, "El ladrón de perros" se alza como una obra que invita a la reflexión y la empatía, proponiendo una mirada fresca sobre la juventud y su lucha por el amor y la pertenencia.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-18/el-ladron-de-perros-la-orfandad-del-limpiabotas.html

El hurto de canes: la soledad del limpiabotas

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 11:49:46 GMT

En el vibrante corazón de La Paz, los limpiabotas llevan pasamontañas para ocultar su edad, una imagen poderosa que revela las dificultades y la resiliencia de quienes habitan las calles. La ópera prima del cineasta chileno Vinko Tomicic nos presenta a Martín, un adolescente huérfano que busca su lugar en el mundo lustrando zapatos. En su búsqueda de un padre, Martín se encuentra con un perro que se convierte en su compañero inseparable.

Martín, interpretado por el actor natural Franklin Aro Huasco, encarna la soledad y el vacío de su orfandad a través de un comportamiento errático. Su trayecto oscila entre la escuela, donde intenta superarse, y los lugares donde se refugia, creando un retrato conmovedor de su vida marginal. Tomicic captura la esencia de la vida callejera, si bien estas imágenes pueden parecer redundantes en un cine latinoamericano que a menudo aborda el miserabilismo.

El filme gana profundidad cuando se aparta de estos clichés, explorando la vida doméstica que se escapa de Martín. El contraste entre los espacios cerrados de las casas, la sastrería y las antiguas calles de La Paz pinta un cuadro de anhelos y secretos. A través de esta exploración, el espectador descubre la búsqueda de conexión del protagonista. Sin embargo, la caracterización del sastre, interpretada por Alfredo Castro, no logra equilibrar el naturalismo de Martín. La falta de contexto sobre su vida limita la comprensión del drama que enfrenta el joven limpiabotas.

La figura del perro en la narrativa actúa como una metáfora de las paradojas humanas. En una secuencia especialmente hermosa, Martín se pasea por las calles con su compañero canino, vestido para la ocasión. Este momento encapsula la dignidad y el amor que el perro representa, un breve respiro a su orfandad y un reflejo de lo que anhela alcanzar.

Con una duración de 90 minutos, el filme está programado para su estreno el 8 de septiembre de 2024. Mientras se ha presentado en festivales y ha sido galardonado en los premios Platino y el festival de Málaga, "El ladrón de perros" promete ser una adición significativa al panorama del cine boliviano y una reflexión conmovedora sobre la soledad y la búsqueda de pertenencia en un mundo desafiante.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-18/el-ladron-de-perros-la-orfandad-del-limpiabotas.html

Talento ahogado por la corriente

Redacción — Fri, 18 Sep 2026 08:54:02 GMT

En el umbral del siglo XXI, un director británico emergió de la nada y cautivó al público con dos películas que fusionaban un humor singular con un trasfondo de violencia desatada. Con Lock & Stock (1998) y Snatch. Cerdos y diamantes (2000), Guy Ritchie se catapultó a la fama a apenas una década de entrar en la treintena. Su ingenio en el montaje y su giros narrativos sorprendieron, en una línea que claramente recordaba el estilo distintivo de Quentin Tarantino. Esto provocó una oleada de imitadores que adoptaron su particular forma de contar historias.

Sin embargo, la carrera de Ritchie dio un giro abrupto con su tercer largometraje, Barridos por la marea (2002), una adaptación fallida de la satírica obra italiana de Lina Wertmüller. Esta película fue objeto de duras críticas, y muchos atribuyeron su fracaso a la influencia de Madonna, quien en ese momento era su esposa y protagonizaba el filme. La idea era que su presencia quizás había desviado la visión creativa de Ritchie, llevando su trabajo a un terreno menos experimental y más comercial. Con el paso del tiempo, no obstante, muchos críticos se dieron cuenta de que el verdadero responsable del fiasco era el propio director.

Desde ese tropiezo, la filmografía de Ritchie ha estado marcada por un tono a la baja. Su reciente estreno, En la zona gris, llega a las pantallas españolas -con un elenco atractivo que incluye a Jake Gyllenhaal, Eiza González, Henry Cavill y Carlos Bardem- con críticas que podrían equivaler a uno de sus trabajos más débiles, solo superado por su tercer filme.

La película, que mezcla géneros como el espionaje y el drama judicial, no logra sobreponerse a un guion que deja mucho que desear. Durante los primeros 40 minutos, Ritchie se pierde en monólogos redundantes que no aportan nada a la trama y desdibujan la conexión entre los personajes. A pesar de contar con una producción sofisticada, la falta de química entre el elenco y la debilidad de los diálogos convierten el filme en un ejercicio de frustración.

Un aspecto que Ritchie intenta explorar es la relación entre la violencia y el sistema legal, sugiriendo que las mafias no son sostenidas únicamente por la violencia, sino también por un entramado legal. Sin embargo, este enfoque se queda corto, ya que la falta de desarrollo de personajes hace que las muertes en pantalla no tengan el impacto emocional esperado. Así, el título se refiere más a las "zonas grises" de moralidad y legalidad sin adentrarse realmente en sus implicaciones.

El director parece más interesado en la acción superficial que en profundizar en los complejos temas que su propia historia podría haber abordado. La película, que se centra en un mundo lleno de corrupción y maniobras oscuras, no permite que el espectador se conecte con sus personajes o se involucre en su lucha.

Mientras En la zona gris se estrena este 18 de septiembre de 2026, queda la pregunta de si Ritchie recuperará algún día la chispa que lo encumbró en sus inicios como cineasta. La crítica, al parecer, no hace más que reafirmar que la esperanza de un renacer para el director parece, por el momento, bastante desvanecida. En el trayecto del triunfo al desencanto, el director británico ha dejado en claro que el brillo de un talento puede desvanecerse con la misma rapidez con la que se construye.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-18/en-la-zona-gris-el-talento-barrido-por-la-marea-de-guy-ritchie.html

La esfera oscura sorprende en los Oscar

Redacción — Thu, 17 Sep 2026 07:31:27 GMT

Nunca antes una película española había alcanzado una posición tan destacada en la temporada de premios cinematográficos internacionales como La bola negra. Esta aclamada obra ha sido seleccionada para representar a España en los Oscar en la categoría de mejor película internacional, un anuncio realizado por la Academia de Cine el 16 de septiembre de 2026.

A lo largo de su trayectoria, solo otras películas como La sociedad de la nieve, de Juan Antonio Bayona, y Sirât, de Oliver Laxe, que logró dos nominaciones en la pasada edición de los Oscars, se acercaron a este fenómeno. Los espectadores que han disfrutado de La bola negra en festivales la han encumbrado, y la crítica especializada muestra un amplio apoyo. En Norteamérica, se espera que cuente con un lanzamiento respaldado por el gigante Netflix, lo que augura un camino sólido durante la campaña de premios.

Desde su presentación en Cannes, medios anglosajones como The New York Times han elogiado el drama de los Javis, sus directores, quienes, en un acercamiento proactivo, planean acompañar la promoción de la película a cada rincón posible. Sus esfuerzos se ven reflejados en las proyecciones realizadas por Variety, que anticipa que La bola negra podría obtener hasta siete nominaciones en los Oscars, incluyendo mejor película y guion adaptado. Por su parte, The Hollywood Reporter sugiere que las posibilidades podrían aumentar a catorce nominaciones en diversas categorías, como dirección y actuación secundaria para Penélope Cruz.

Sin embargo, la competencia es feroz. Aunque La bola negra tiene una sólida base, otros títulos de gran renombre, como Digger de Alejandro González Iñárritu o Dune: parte tres de Denis Villeneuve, no han pasado desapercibidos y podrían alterar el panorama. La expectativa por el estreno es alta, y aún quedan varios festivales por atravesar, incluidos San Sebastián, Roma y Nueva York, antes del lanzamiento en salas estadounidenses previsto para el 16 de octubre y en Netflix el 2 de diciembre.

El equipo de promoción que rodea a La bola negra es también notable, con Lisa Tabak, vicepresidenta de relaciones con el talento en Netflix, desempeñando un papel crucial. Tabak, con amplia experiencia en el manejo de campañas de premios, ha reafirmado que la película tiene el potencial de resonar en el público estadounidense.

La inversión que Netflix empleará para posicionar La bola negra es considerable. Medios estiman que para películas no estadounidenses, el monto puede oscilar entre los 25 y 30 millones de euros, un cálculo que parece razonable dadas las ambiciones para esta producción.

Con fechas clave en el horizonte, incluida la entrega de los Oscar honoríficos el 15 de noviembre, la presión y las expectativas irán en aumento. Las votaciones para las listas cortas de las categorías de los Oscars se llevarán a cabo del 7 al 11 de diciembre, y los resultados se dividirán entre las nominaciones de enero, precediendo a la gala principal que se celebrará el 14 de marzo de 2027.

Finalmente, el camino que La bola negra deberá recorrer se asemeja a una travesía desafiante, pero con un respaldo sólido y un mensaje poderoso, los creadores están decididos a hacer de esta película un hito en la industria del cine español. Mientras tanto, la promoción se intensificará, con el objetivo de que esta obra de arte se convierta en un fenómeno entre el gran público.

elpais.com: https://elpais.com/cultura/cine/2026-09-17/la-bola-negra-entra-en-la-carrera-de-los-oscar-con-una-expectacion-insolita-y-la-campana-de-promocion-mas-grande-del-cine-espanol.html