Tras la operación, Eduin Caz reapareció en un video para informar que se encuentra bien y que continuará con las presentaciones programadas de Grupo Firme, incluyendo conciertos en Ciudad Victoria, Tamaulipas, y en Zapopan, Jalisco^1,3,4.

Qué se sabe de la cirugía y el diagnóstico

Eduin Caz explicó que la cirugía fue necesaria para retirar un absceso en su mejilla izquierda, el cual había sido confundido con un lunar pero en realidad era un vello encarnado que tenía varios años^1,3,4. El cantante detalló que intentó tratar la lesión con cremas y pomadas antes de decidirse por la intervención quirúrgica, la cual dejó una pequeña cicatriz visible en su rostro^1,3,4.

De acuerdo con la creadora de contenido Chamonic 3, parte del tejido extraído fue enviado a análisis, aunque hasta el momento no se han dado a conocer los resultados ni un diagnóstico médico detallado^2,4. Chamonic también señaló que la herida habría requerido tres puntadas, aunque Eduin Caz no confirmó este dato^3,4.

Respuesta de Eduin Caz y aclaración de rumores

En respuesta a los comentarios y rumores surgidos en redes sociales, Eduin Caz negó haberse sometido a una cirugía estética para modificar su rostro, en particular para reducir sus mejillas^1,3,4. 'Si me ven un poquito diferente es porque dejé de tomar y estamos enfocados en el gimnasio', declaró el cantante en su video^1,3.

El vocalista también aseguró que, en caso de realizarse algún cambio físico por decisión propia, lo comunicaría directamente a sus seguidores^1,3. Entre bromas, descartó versiones sobre incidentes personales y reiteró que la intervención fue únicamente para retirar el absceso⁴.

Agenda de Grupo Firme tras la cirugía

La hospitalización y cirugía de Eduin Caz coincidieron con una serie de presentaciones programadas de Grupo Firme. El cantante confirmó que cumpliría con el concierto en la Feria de Tamaulipas, en Ciudad Victoria, donde la agrupación tiene boletos agotados^1,3,4.

Después de las presentaciones en Tamaulipas, Grupo Firme viajará a Jalisco para ofrecer conciertos el 31 de octubre y el 1 de noviembre en Zapopan^1,3. Según los reportes, la agenda de la banda no se verá afectada por la intervención médica de su vocalista^2,4.

Qué significa para México

La hospitalización y cirugía de Eduin Caz, uno de los principales exponentes de la música regional mexicana, generó preocupación entre sus seguidores en México, donde Grupo Firme es una de las agrupaciones más populares del género^2,4.

Versiones de los hechos

• Número de puntadas en la herida: Chamonic afirma que la herida requirió tres puntadas, pero Eduin Caz no lo confirmó³; Chamonic señala que la herida habría requerido tres puntadas y parte del tejido fue enviado a análisis; no se confirma oficialmente⁴.
• Disponibilidad de boletos para el segundo concierto en Ciudad Victoria: Presentación en la Feria de Tamaulipas está agotada¹; El show del viernes está prácticamente agotado, pero aún quedan algunos boletos para el sábado 24 de octubre⁴.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. Diario de Yucatán
2. El Heraldo de México
3. El Universal
4. Infobae

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

Diario de Yucatán: https://www.yucatan.com.mx/espectaculos/2026/10/24/eduin-caz-de-grupo-firme-fue-hospitalizado-revelan-que-se-sometio-a-una-cirugia-por-un-absceso.html

En la capital, el Bosque de Chapultepec ofrece el 'Sendero de Cempasúchil', mientras que en Michoacán se realizan más de 700 actividades en sus siete regiones turísticas, incluyendo recorridos nocturnos, ferias artesanales y festivales de pan de muerto^1,2.

Lo que había pasado: En la cobertura previa, se informó sobre los puntos de venta de cempasúchil nacional en la Ciudad de México y sobre la producción récord de 10 millones de plantas de cempasúchil para el Día de Muertos 2026, así como la habilitación de venta directa de flores locales para beneficiar a productores y habitantes {P1, P2}.

El Sendero de Cempasúchil en Chapultepec

Del 30 de octubre al 1 de noviembre, la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec será sede del Festival Día de Muertos: el Sendero de Cempasúchil, organizado por la Secretaría del Medio Ambiente de la Ciudad de México. El recorrido estará abierto de 14:00 a 22:00 horas y combinará colores, luz, arte y tecnología, con la flor de cempasúchil como elemento central¹.

Los asistentes podrán disfrutar de instalaciones artísticas, ofrendas monumentales y una muestra gastronómica con platillos típicos de la temporada. Por la noche, se presentará un espectáculo de drones que iluminará el cielo con figuras alusivas a la celebración¹.

La entrada general es gratuita, aunque la experiencia 'Water lantern festival', que consiste en escribir mensajes en linternas y soltarlas sobre el lago, tiene un costo inicial de 360 pesos y requiere registro previo. Para facilitar la llegada, la estación de metro más cercana es Constituyentes, y habrá estacionamiento y una ruta especial de Turibus habilitada para los días del festival¹.

Semana de Noche de Muertos en Michoacán

Michoacán se prepara para la Semana de Noche de Muertos 2026, que se extiende del 23 de octubre al 2 de noviembre con más de 700 actividades distribuidas en siete regiones turísticas. Entre las actividades destacan el recorrido nocturno en canoas hacia la isla de Urandén, conocido como 'El camino de las ánimas', y la colocación de altares familiares en Santa Fe de la Laguna².

Además, se imparten 17 talleres artesanales en localidades como Tzintzuntzan, Tzurumútaro e Ihuatzio, donde los participantes pueden aprender técnicas tradicionales de alfarería, tallado de madera y elaboración de arcos florales².

Impacto turístico y económico

Las festividades del Día de Muertos en la Ciudad de México y Michoacán atraen a visitantes de otras entidades del país y del extranjero, quienes buscan vivir las tradiciones, la gastronomía y el colorido característicos de esta temporada^1,2.

En la capital, la Coparmex estima que la celebración dejará una derrama económica de 12 mil 396 millones de pesos, con beneficios para comercios y el sector turístico².

Qué significa para México

El Día de Muertos es una de las tradiciones más emblemáticas de México, reconocida tanto a nivel nacional como internacional. Las celebraciones en la Ciudad de México y Michoacán no solo preservan el patrimonio cultural, sino que también impulsan la economía local y el turismo, beneficiando a productores, artesanos, restauranteros y comunidades enteras^1,2.

Para los lectores en México, estas festividades representan una oportunidad para participar en actividades que fortalecen la identidad y la memoria colectiva, además de ofrecer espacios de convivencia y aprendizaje sobre las raíces y costumbres del país^1,2.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. 24 Horas
2. El Universal

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24 Horas: https://24-horas.mx/vida/sendero-de-cempasuchil-en-chapultepec-dia-de-muertos-en-cdmx/

El estreno ha llevado a críticos y medios especializados a recomendar otras adaptaciones destacadas de la obra de Austen, disponibles en plataformas digitales, para quienes deseen explorar más del universo literario de la autora británica^1,2.

La nueva ‘Sentido y sensibilidad’ en cines

La versión más reciente de ‘Sentido y sensibilidad’ está dirigida por Georgia Oakley y cuenta con Daisy Edgar-Jones como Elinor Dashwood y Esmé Creed-Miles como Marianne Dashwood^1,2,3. La película combina romance atemporal y crítica social, elementos característicos de la obra de Jane Austen¹.

El filme ha sido descrito como sensible, sofisticado y conmovedor, con un elenco que renueva el clásico para una nueva generación¹. Críticos en España han destacado la interpretación de Edgar-Jones, señalando que su trabajo aporta una nueva dimensión al personaje de Elinor². Sin embargo, algunas reseñas consideran que, pese a su impecable factura, la cinta resulta algo insulsa en comparación con otras versiones³.

Adaptaciones recomendadas en streaming

Con el estreno de ‘Sentido y sensibilidad’, los especialistas han elaborado listas de adaptaciones de Jane Austen que pueden verse en plataformas digitales. Entre las recomendaciones más frecuentes se encuentran ‘Emma’ (2020), dirigida por Autumn de Wilde y protagonizada por Anya Taylor-Joy, disponible en Netflix^1,2. Esta versión destaca por su estética visual y su tono moderno y satírico¹.

Otra adaptación señalada es ‘Orgullo y prejuicio’. Se recomienda tanto la película de Joe Wright con Keira Knightley y Matthew Macfadyen, disponible en Prime Video¹, como la miniserie de la BBC de 1995 con Jennifer Ehle y Colin Firth, también en Prime Video². La película de Wright es reconocida por su realismo visual y por escenas icónicas del cine romántico moderno¹, mientras que la miniserie es considerada por muchos como la versión audiovisual más fiel al universo literario de Austen².

Entre las propuestas más recientes figura ‘Miss Austen’ (2025), una miniserie de la BBC que explora la vida de Jane Austen y su hermana Cassandra, disponible en Movistar Plus². También se menciona ‘Más fuerte que el orgullo’ (1940), una versión hollywoodense de ‘Orgullo y prejuicio’ con Greer Garson y Laurence Olivier, disponible en Prime Video².

Finalmente, ‘Sanditon’ (2019), basada en la novela inacabada de Austen, cuenta con tres temporadas y está disponible en RTVE Play². La serie narra la historia de Charlotte Heywood en un pueblo costero en transformación, abordando temas de reinvención y cambio social.

Recepción crítica y debate sobre la fidelidad

La nueva ‘Sentido y sensibilidad’ ha generado debate entre críticos y aficionados sobre el equilibrio entre la fidelidad al texto original y las reinterpretaciones modernas. Mientras algunos elogian la sensibilidad y la actualización de los temas de Austen, otros consideran que la película carece de la profundidad emocional de adaptaciones anteriores^1,3.

En el caso de otras adaptaciones, como ‘Persuasión’ (Netflix), se ha criticado su alejamiento del tono original de la novela y su intento de modernización, aunque algunos espectadores valoran su enfoque experimental¹. Estas discusiones reflejan la vigencia de la obra de Jane Austen y la variedad de enfoques posibles en sus adaptaciones para cine y televisión.

Dónde ver las adaptaciones recomendadas

Las principales plataformas de streaming en España ofrecen varias adaptaciones de Jane Austen. ‘Emma’ (2020) y la versión de ‘Sentido y sensibilidad’ dirigida por Ang Lee están disponibles en Netflix^1,2. ‘Orgullo y prejuicio’ puede verse tanto en su versión cinematográfica de Joe Wright como en la miniserie de la BBC en Prime Video^1,2.

‘Miss Austen’ está en Movistar Plus, ‘Más fuerte que el orgullo’ en Prime Video y ‘Sanditon’ en RTVE Play². Estas opciones permiten a los espectadores acceder fácilmente a diferentes interpretaciones de los clásicos de Austen desde casa.

Versiones de los hechos

• Las adaptaciones recomendadas de ‘Orgullo y prejuicio’: Recomienda la versión cinematográfica de Joe Wright con Keira Knightley y Matthew Macfadyen, disponible en Prime Video¹; Recomienda la miniserie de la BBC de 1995 con Jennifer Ehle y Colin Firth, disponible en Prime Video, y especifica que no se refiere a la versión de Joe Wright².

Fuentes

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1. Hipertextual
2. OKDiario
3. Cadena SER

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Hipertextual: https://hipertextual.com/cine-television/las-mejores-adaptaciones-de-jane-austen-para-ver-si-te-gusto-sentido-y-sensibilidad/

El largometraje inauguró la sección Progressive Cinema del certamen y narra las dificultades de la migración a través de la historia de Lucila y su hermano adolescente, quienes salen de México rumbo a España para reunirse con su madre. La película aborda temas como el desarraigo, el racismo y la violencia que enfrentan los migrantes al buscar una nueva vida¹.

La obra y su mensaje

'Ceniza en la boca' es una adaptación cinematográfica de la novela de Brenda Navarro. La historia, protagonizada por Anna Díaz, explora las heridas emocionales y los retos de la migración, así como la dificultad de adaptarse a una sociedad distinta. El guion, escrito por Abia Castillo, Diego Rabasa y Diego Luna, refleja los vínculos familiares y las condiciones sociales que llevan a miles de personas a buscar oportunidades lejos de su país de origen¹.

Reconocimientos internacionales

El premio en Roma se suma al recorrido internacional de la película en 2026. 'Ceniza en la boca' tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes, dentro de la sección de Proyecciones Especiales. Además, la cinta fue presentada en el Festival Internacional de Cine de Morelia, uno de los principales encuentros cinematográficos de México¹.

El Festival de Cine de Roma y la competencia

La 21ª edición del Festival de Cine de Roma incluyó a 'Ceniza en la boca' en su sección competitiva Progressive Cinema, donde la película inauguró las proyecciones. El certamen italiano es reconocido por destacar obras que exploran temas sociales y propuestas innovadoras en el cine internacional¹.

Dónde ver 'Ceniza en la boca'

La película ha tenido presentaciones en festivales internacionales como Cannes, San Sebastián y Morelia. Hasta el momento, no se ha anunciado su fecha de estreno comercial en salas de cine o plataformas digitales¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/diego-luna-gana-premio-a-mejor-guion-en-el-festival-de-cine-de-roma-por-ceniza-en-la-boca/

La producción documenta desde la llegada de Morales Murguía a la comunidad hasta el concierto final, un proceso que se desarrolló a lo largo de cinco meses, aunque el rodaje y las entrevistas se extendieron durante tres años¹.

La historia detrás de 'Procesión'

La idea del documental surgió en 2019, cuando Hugo Morales Murguía, compositor y uno de los personajes principales, contactó a Male Lara para grabar unos talleres con la orquesta sinfónica comunitaria de Nurio. Lara, también músico y productora, propuso hacer una película al ver el potencial de la historia¹.

La orquesta está compuesta por 100 niños que ensayan en el patio de una escuela prestada, donde frecuentemente carecen de luz. Según la directora, muchos de los niños llegan solos cargando sus instrumentos, ya que sus madres están ocupadas y sus padres suelen trabajar en Estados Unidos¹.

El proceso creativo y la filmación

Desde la primera visita de Morales Murguía a la comunidad para explicar su proyecto hasta el concierto final, transcurrieron cinco meses. Sin embargo, el documental requirió tres años de trabajo, con múltiples visitas al pueblo para entrevistas y seguimiento de la experiencia de los maestros y niños¹.

El ambiente de los ensayos, marcado por la falta de luz al caer la tarde, también se refleja en la estética del documental, que muestra la dedicación y entusiasmo de los niños por la música¹.

Estreno y próximas funciones

'Procesión' tendrá su presentación oficial este lunes en la Cineteca de las Artes y el martes en el Instituto Goethe, ambas en horario vespertino. El equipo de producción espera la confirmación de más festivales para futuras exhibiciones¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Universal

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/de-una-orquesta-infantil-en-michoacan-al-cine-procesion-retrata-el-poder-de-la-musica/

El programa incluye desde recorridos nocturnos en el Cementerio General y exhibiciones de figuras monumentales iluminadas, hasta ferias gastronómicas, desfiles y altares monumentales, con eventos pensados para familias, turistas y habitantes locales^1,2.

Las actividades principales del festival

El primer fin de semana del Festival de las Ánimas 2026 ofrece actividades como el espectáculo 'Ánimas Iluminadas' en el Parque de San Juan, que inicia a las 18:00 horas con figuras monumentales inspiradas en la cultura yucateca y las bellas artes^1,2. Ese mismo sábado, el Cementerio General de Mérida abre sus puertas para recorridos guiados de 18:00 a 20:00 horas, donde los asistentes pueden conocer la historia de mausoleos y tumbas emblemáticas, con cupo limitado y registro previo^1,2.

En el Remate de Paseo de Montejo, la 'Noche Mexicana del Día de Muertos' reúne música, danza y expresiones artísticas a partir de las 20:00 horas^1,2. El domingo 25 de octubre, destaca la Feria del Mucbipollo en el Parque de San Sebastián, de 8:00 a 20:00 horas, donde se puede degustar el tradicional platillo yucateco preparado especialmente para el Hanal Pixán^1,2. También ese día se inaugura el Altar Monumental en la Plaza Grande a las 18:00 horas, y se realiza el evento 'Pixán Peek' en Central Park Gran Santa Fe Norte, dedicado a las mascotas fallecidas^1,2.

Más eventos durante la semana

El lunes 26 de octubre se presenta la tradicional 'Vaquería de las Ánimas' bajo los arcos del Palacio Municipal a las 21:00 horas^1,2. El martes 27, el Centro Municipal de Danza será sede de 'México y sus tradiciones', una muestra de bailes típicos nacionales a las 20:00 horas^1,2.

El miércoles 28 se realiza la 'Rodada de las Ánimas', un paseo en bicicleta desde la Ermita hasta el Cementerio General a partir de las 20:00 horas^1,2. El jueves 29, la agenda incluye el desfile de ánimas en Plaza La Isla, la representación infantil 'Pixán Paalal' en el Parque de Chuburná y la narración 'Misterios del Inframundo' por Jorge Moreno en el Centro Cultural del Sur^1,2.

Desfiles, altares y recorridos emblemáticos

Entre el 30 y 31 de octubre, dos de las actividades más esperadas son el 'Paseo de las Ánimas', con exhibición de altares, vaquerías, área de emprendedores, mapping y corredores gastronómicos en los parques de San Juan, San Sebastián y La Ermita, y el 'Desfile de Catrinas', un recorrido de personajes caracterizados que parte del Paseo de Montejo al Monumento a la Patria².

Los días 1 y 2 de noviembre, el Altar Monumental permanecerá abierto en la Plaza Grande para que los visitantes dejen ofrendas en honor a sus difuntos².

Acceso y recomendaciones para asistentes

Todas las actividades del Festival de las Ánimas 2026 son gratuitas, aunque algunas, como los recorridos nocturnos en el Cementerio General y los 'Caminos Misteriosos de Xcunyá', requieren registro previo debido al cupo limitado^1,2.

El Ayuntamiento de Mérida recomienda consultar la disponibilidad y las indicaciones específicas para cada evento antes de asistir, especialmente en actividades con aforo restringido o que requieran inscripción anticipada¹.

Versiones de los hechos

• Fecha de inicio del festival: El festival inicia el sábado 24 de octubre¹; El festival inicia el sábado 24 de octubre².
• Duración del festival: Se mencionan actividades hasta el jueves 29 de octubre¹; El festival termina el lunes 2 de noviembre².
• Tamaño del Altar Monumental: No especifica dimensiones del altar¹; El altar monumental mide 16 metros de ancho por 4 metros de altura².

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. Diario de Yucatán
2. El Universal

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

Diario de Yucatán: https://www.yucatan.com.mx/merida/2026/10/24/que-hacer-en-merida-este-fin-de-semana-festival-animas-2026.html

La película, definida por el propio director como una comedia bélica satírica, aborda la incomunicación y los equívocos, llevando a los personajes a situaciones absurdas y dramáticas que reflejan el desconcierto actual en la sociedad¹.

La trama y el ambiente en el set

En el rodaje de 'El malentendido', los actores, vestidos con uniformes militares de época indeterminada, simulan una guerra a través de una maqueta, mientras el equipo técnico se desplaza entre órdenes y mudanzas de material en el palacio de Fernán Núñez¹. La confusión es una constante: algunos actores aún no han rodado sus escenas y otros, como Miguel Rellán, ya han terminado y se han marchado antes de tiempo. El ambiente recuerda más a una mudanza que a una filmación tradicional, con actores como Brays Efe y Hugo Silva reconociendo no saber exactamente qué contar sobre la película¹.

Una sátira sobre la incomunicación

Según explica Álex de la Iglesia, 'El malentendido' es una sátira donde la incomunicación y la interpretación errónea de las palabras desencadenan una guerra entre dos países ficticios, Stalovaquia y Litovenia¹. Un ejemplo central es cuando un representante de un país llama 'fuerte' a otro y la traducción lo convierte en 'gordo', lo que desata el conflicto. El director señala que la película busca mostrar cómo el humor puede ser un escudo ante el dolor y la incomprensión, y que la seriedad de los personajes contribuye a la comicidad de la situación¹.

El reparto y la visión del director

El elenco incluye a Brays Efe, Hugo Silva, Pepón Nieto, Antonio Resines, Carlos Areces, Aníbal Gómez, Andrés Lima y Óscar Casas, quienes participan en escenas donde el malentendido es el motor de la acción¹. De la Iglesia afirma que llevaba tiempo intentando sacar adelante este proyecto, que le recuerda a las comedias clásicas como 'Sopa de ganso' o 'El gran dictador', y que su intención es que el humor surja de la situación y no de los personajes, quienes viven el drama con absoluta seriedad¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Mundo

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El Mundo: https://www.elmundo.es/cultura/cine/2026/10/24/6adb7e7221efa0584d8b45a2.html

La adjudicadora de Guinness World Records, Susana Heidi Reyes Espino, confirmó el reconocimiento tras una revisión de evidencias, mediciones y protocolos. 'Apoteosis' había sido inaugurada el 20 de agosto de 2026 como parte de los trabajos de modernización de la estación^1,2.

Características de 'Apoteosis'

'Apoteosis' es una obra tridimensional que utiliza una técnica holográfica, permitiendo que las imágenes cambien según el ángulo desde el que se observan. Esta interacción convierte el recorrido de los usuarios frente a los paneles en una experiencia visual dinámica^1,2.

El mural está compuesto por seis murales ensamblados que forman tres narrativas, integrando un total de 200 cuadros y 12 mil tiras pulidas y pintadas por ambos lados. Su elaboración tomó 34 días, con un ritmo cercano a los 22 metros cuadrados de pintura diarios^1,2.

En las escenas aparecen figuras como Quetzalcóatl y Xochipilli, junto con Apolo y Dionisio, símbolos que enlazan las tradiciones mexicana y occidental. El nombre 'Apoteosis' hace referencia a la transformación del hombre en lo divino^1,2.

Reconocimiento y ceremonia

La ceremonia de entrega del Récord Guinness fue encabezada por Adrián Rubalcava Suárez, director general del Metro, quien destacó que la obra enaltece a la Ciudad de México y al arte mexicano. Rubalcava subrayó que el Metro busca consolidarse como un espacio para la cultura además de ser el principal medio de movilidad de la ciudad^1,2.

El impacto cultural y social

El artista Federico Kampf donó la obra para su exhibición en la estación Auditorio. Kampf expresó que el mayor reconocimiento para su trabajo será dejar un legado que motive a los mexicanos, destacando la capacidad humana para llevar al límite su potencial racional, emotivo y funcional^1,2.

Según el Sistema de Transporte Colectivo, por la estación Auditorio transitan diariamente más de 26 mil 500 personas, quienes ahora pueden interactuar con la obra y formar parte de la experiencia artística².

Qué significa para México

El reconocimiento de Guinness World Records al mural 'Apoteosis' resalta la importancia cultural del Metro de la Ciudad de México y su proceso de modernización, al transformar un espacio cotidiano en un punto de encuentro con el arte^1,2.

Esta distinción beneficia a los usuarios al acercar expresiones artísticas de gran formato al transporte público y promueve la difusión del arte mexicano a nivel internacional, consolidando al Metro como un referente cultural y no solo de movilidad^1,2.

Fuentes

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1. El Heraldo de México
2. El Universal

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El Heraldo de México: https://heraldodemexico.com.mx/nacional/2026/10/24/apoteosis-obtiene-record-guinness-como-el-mural-holografico-mas-grande-del-mundo-en-estacion-del-metro-915371.html

El evento reunió a figuras destacadas del cine nacional e internacional, consolidando a Morelia como un espacio clave para el impulso de nuevos talentos y la proyección de la cinematografía mexicana^1,2.

La obra ganadora y sus reconocimientos

‘Seis meses en el edificio rosa con azul’ fue reconocida como la mejor película mexicana en competencia, recibiendo la estatuilla ‘El Ojo’, que distingue al largometraje más destacado del certamen². El director Bruno Santamaría Razo, al recibir el galardón, agradeció al equipo y expresó: “Se sentía muy hermoso que hubiera un equipo de personas dispuesto a llevar hasta las últimas consecuencias esto que nos duele y emociona por dentro. Muchas gracias a todos los que participaron en la película”¹.

La película también obtuvo el premio del público, reflejando la conexión lograda con los asistentes del festival. Santamaría compartió su emoción al señalar: “Es muy hermoso que la película le haya gustado a las personas… hasta dan ganas de llorar. Estuvimos en un universo donde pudimos jugar con mucha libertad. Es muy bonito trabajar as픹.

Otros premios destacados de la noche

La ceremonia de clausura también reconoció a Nicolás Pereda con el premio a mejor dirección por ‘Lo demás es ruido’. El cineasta recordó que su primera película fue premiada en Morelia en 2007 y destacó la trayectoria compartida con Teresita Sánchez, galardonada como mejor actriz por el mismo filme¹.

El premio a mejor guion fue para ‘Nosotros’ de Joaquín Ruano. Lola Vázquez, protagonista de la cinta, agradeció en nombre del director y resaltó la importancia de seguir haciendo cine independiente y diverso¹.

Una clausura con figuras del cine y la música

El festival contó con la presencia de personalidades como Diego Luna, Gael García Bernal, Alfonso Cuarón, Guillermo del Toro y Demián Bichir, así como músicos como Marco Antonio Solís y miembros de ‘Los Bukis’ y ‘Mago de Oz’^1,2.

Durante la ceremonia, Cuauhtémoc Cárdenas Batel, vicepresidente del FICM, agradeció a los jurados, a la comunidad de Morelia y a los realizadores, subrayando el papel del cine como “camino de luz que nos conduce a muchos mundos maravillosos”¹.

El FICM y el impulso a la cultura local

El secretario del Ayuntamiento de Morelia, Yankel Benítez Silva, estuvo presente en la clausura, reafirmando el respaldo de la administración municipal a la cultura y el arte como motores de paz y desarrollo en la ciudad².

Fuentes

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1. El Heraldo de México
2. Changoonga

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El Heraldo de México: https://heraldodemexico.com.mx/espectaculos/2026/10/24/seis-meses-en-el-edificio-rosa-con-azul-la-favorita-del-ficm-915368.html

Durante su visita al Festival Internacional de Cine de Morelia, Bichir también presentó el documental Sanctuary Woman, sobre la migrante mexicana Jeanette Vizguerra, y habló sobre su carrera y su visión del ambiente mediático y político en México¹.

La historia y elenco de Delphi

Delphi narra la rivalidad entre dos gimnasios: uno moderno, el Delphi, gestionado por el hijo de Creed, y otro modesto, dirigido por el personaje de Bichir, un ex fajador y campeón olímpico que ahora entrena a sus hijos. Ambos gimnasios presentan a sus mejores boxeadores para competir en peleas nacionales¹.

Michael B. Jordan participa como productor ejecutivo y Marco Ramírez es el showrunner. El elenco incluye a Wood Harris, Benji Santiago, Juan Castano, Andre Royo y Sofia Black-D’Elia, según la plataforma de streaming¹.

Trayectoria internacional y proyectos de Bichir

Con más de 20 años residiendo principalmente en Estados Unidos, Bichir ha participado en películas como Godzilla vs Kong, Una vida mejor y la secuela de Teléfono negro. Señala que recibe pocas ofertas de trabajo en México, lo que atribuye a una cuestión generacional y a que los nuevos directores no conocen su trayectoria¹.

Actualmente busca producir Bonito, una comedia inspirada en su ópera prima Refugio, sobre un actor que regresa a su pueblo natal en México tras triunfar en Estados Unidos. El proyecto está en etapa de búsqueda de apoyos estatales¹.

Presentaciones en el Festival de Morelia

En el Festival Internacional de Cine de Morelia, Bichir presentó Sanctuary Woman, documental dirigido por Alan Domínguez que sigue a Jeanette Vizguerra, migrante mexicana que en 2017 se refugió en una iglesia de Denver para evitar la deportación. La cinta aborda también el aumento de operativos migratorios en 2025¹.

Bichir también presentó Without Blood, película dirigida por Angelina Jolie y basada en la novela de Alessandro Baricco, en la que comparte créditos con Salma Hayek.

Opinión de Bichir sobre México y Sheinbaum

Bichir expresó su percepción sobre el ambiente mediático en México, afirmando que algunos medios actúan como oposición y muestran una actitud de ataque diario hacia la presidenta Claudia Sheinbaum. Dijo que nunca antes había visto tanta furia dirigida a un gobierno como ahora¹.

Considera que la sociedad mexicana ha madurado políticamente y que será difícil que "compren las patrañas de estos medios", en referencia a la cobertura crítica hacia el gobierno actual¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Universal

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/demian-bichir-se-suma-a-creed-habla-de-su-ausencia-en-mexico-y-defiende-a-sheinbaum/

El anuario y la presentación en Pekín

La edición 2026 del anuario del Instituto Cervantes fue presentada por su director, Luis García Montero, en la ciudad de Pekín, con motivo del vigésimo aniversario del centro del Cervantes en la capital china^1,2. La elección de Pekín como sede del evento subraya la creciente importancia de China para la expansión del español, aunque la presentación fuera de Madrid dejó a los medios españoles sin la posibilidad de preguntar directamente a García Montero sobre las tendencias detectadas en el informe¹.

Durante el acto, se destacó que China cuenta con cerca de 98.000 hablantes potenciales de español, de los cuales más de 66.000 son aprendices de español como lengua extranjera, y que el número de matriculaciones ha crecido más de un 12% en los últimos años^1,2.

Cifras globales: hablantes y aprendices

De este total, 520,9 millones son hablantes nativos, lo que representa un incremento mínimo del 0,34% respecto al año anterior¹.

Sin embargo, no todos los expertos coinciden con estas cifras: algunos investigadores, como David Fernández Vítores, sitúan el total de hispanohablantes por debajo de los 600 millones en 2026¹.

El español mantiene su posición como la tercera lengua materna más hablada del mundo. La mayor parte del crecimiento se debe al aumento de la población en América Latina, más que a la expansión de la enseñanza del idioma¹.

Retroceso en Brasil, impulso en África

El informe señala un retroceso importante en el número de aprendices de español en Brasil, donde la cifra descendió un 46% entre 2021 y 2025^1,2. Este descenso se atribuye a la reforma educativa de 2017, que eliminó la obligatoriedad del español en la secundaria, manteniendo solo el inglés como lengua extranjera obligatoria¹.

Por el contrario, África experimenta un crecimiento apreciable en la comunidad hispanohablante, especialmente en países como Camerún, Costa de Marfil, Benín, Marruecos y Túnez, donde el interés por el aprendizaje del español en la enseñanza reglada va en aumento^1,2.

El español en internet y la tecnología

El anuario destaca que el español ocupa el segundo lugar mundial por porcentaje de páginas web, aunque todavía a gran distancia del inglés^1,2. Además, más de 72 millones de usuarios de la aplicación Duolingo eligen el español como idioma de aprendizaje, siendo el inglés la lengua de origen de dos tercios de estos usuarios¹.

Versiones de los hechos

• El número de hablantes de español en el mundo en 2026: 640 millones, con un aumento de 5 millones respecto a 2025¹; más de 640 millones, con un aumento de 10 millones y un 1,5% más que el año anterior².
• Porcentaje de incremento de hablantes nativos: 0,34% de aumento en hablantes nativos¹; no especifica el porcentaje exacto para hablantes nativos, pero cita un crecimiento general del 1,5%².
• Número de aprendices de español como lengua extranjera en 2026: 24,1 millones, con una caída del 1,83% respecto a 2025¹; más de 24 millones, con un crecimiento del 7% en los dos últimos años, salvo en Brasil².

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. ABC
2. Cadena SER

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

ABC: https://www.abc.es/cultura/espanol-gana-hablantes-pierde-aprendices-espejismo-640-20261024103000-nt.html

La exposición permite conocer aspectos poco difundidos de la producción artística de Osorio y su contexto, al reunir piezas inéditas y una sección documental sobre su vida¹.

Obras y temas en la exposición

La exposición incluye dibujos, óleos, retratos familiares, modelos femeninos al natural, bodegones y estudios preparatorios, lo que muestra la diversidad de técnicas y temas trabajados por Luz Osorio¹. Entre las piezas destaca Una virgen cristiana, o La mártir, realizada por Osorio a los 17 años en 1863, que representa a una mujer sometida al martirio, con las manos encadenadas y el rostro elevado¹.

Los autorretratos presentes concentran la atención en las miradas y rasgos de sus modelos, mientras que otras obras abordan escenas religiosas y composiciones relacionadas con las tradiciones de su época. Los estudios preparatorios ayudan a reconstruir el proceso creativo de la artista¹.

Vida y trayectoria de Luz Osorio

Luz Osorio nació en Papantla, Veracruz, y luego se trasladó con su familia a Puebla, donde tuvo contacto con la Academia de Bellas Artes del estado¹. El material no documenta si fue alumna regular de la institución o si recibió enseñanza particular de algún profesor, una práctica habitual para las mujeres de su tiempo¹.

La producción artística de Osorio se concentró principalmente en su juventud, antes de alejarse de la pintura. La exposición incluye una sección documental con fotografías y documentos que ayudan a reconstruir su vida y el entorno donde desarrolló su obra¹.

Proceso de la exposición y recuperación de obras

La exhibición es resultado de una investigación iniciada en 1985 por la investigadora Leonor Cortina, quien presentó la muestra Pintoras mexicanas del siglo XIX, que visibilizó el trabajo de las mujeres creadoras en las artes visuales mexicanas del siglo XIX y principios del XX¹.

Según la curadora Raquel Fundia, la exposición fue posible gracias a la recuperación de obras que permanecían en el ámbito familiar. El recorrido busca entender a Osorio como una creadora activa y productiva de su época, y resalta las tensiones que enfrentaron las mujeres artistas de ese periodo, cuya presencia quedó desplazada de la historia del arte mexicano¹.

Fechas, sede y costo de la muestra

Luz Osorio. Memoria y afectos estará disponible en el Museo Nacional de San Carlos del 25 de octubre de 2026 al 4 de abril de 2027¹. El costo de entrada es de 70 pesos de martes a sábado, de 10 a.m. a 6 p.m.; los domingos la entrada es libre¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. La Razón de México

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La Razón de México: https://www.razon.com.mx/cultura/2026/10/24/ofrecen-nueva-mirada-a-la-obra-de-luz-osorio-en-el-museo-de-san-carlos/

El evento reunió a premiados y público en actividades que incluyeron degustaciones de platos tradicionales asturianos, charlas y actuaciones, en un ambiente festivo y diverso donde la conversación y la tradición artística ocuparon un lugar central.¹

Protagonistas y discursos del festival

Julian Barnes fue uno de los protagonistas del festival, al recibir el premio de las Letras y abrir la serie de discursos. El escritor británico reflexionó sobre la tradición en las artes, citando a Renoir y Velázquez, y afirmó: "ya no pienso que las artes sean progresivas y que cada evolución mejore la precedente.

Christina Koch participó en el festival tras haber dado cinco mil vueltas a la Tierra desde 2019 en la misión Artemis II. En su intervención, compartió su percepción del planeta tras esa experiencia y destacó la importancia de la unidad humana.¹

María Pagés fue recibida con entusiasmo, aunque hubo confusiones con Patti Smith debido a su peinado. Patti Smith también formó parte del evento, cantando y sumándose al ambiente integrador del festival.¹

Gastronomía y ambiente en Oviedo

La gastronomía asturiana tuvo un papel destacado, con degustaciones de fabada y chorizo en el Fontán, así como el tradicional almuerzo de los premiados en el Hotel Reconquista. Una anécdota fue el arroz con leche preparado con sal en vez de azúcar, lo que llevó a algunos asistentes a bromear sobre la posible creación de un nuevo postre.¹

El ambiente festivo incluyó música de gaitas y la presencia de Kenichi Yoda, presidente del Studio Ghibli, quien paseó por la ciudad con sus Totoros. En un restaurante, los asistentes cantaron canciones de 'Heidi' y 'Marco', mostrando el entusiasmo local por estas series.¹

Reflexiones y participación ciudadana

Ana I. Fernández, presidenta de la fundación organizadora, citó a Meryl Streep para subrayar la continuidad de las voces artísticas a lo largo del tiempo.¹

Timothy Garton Ash intervino para advertir sobre los desafíos actuales y la necesidad de colaboración en Europa, inspirándose en el fútbol y la historia compartida. La Princesa de Asturias mencionó a María Zambrano y la esperanza, reafirmando el carácter integrador del evento.¹

En la plaza de la Escandalera, frente al Campoamor, se registró una acampada por la vivienda, donde se escuchó el lema "La vivienda ye un derechu" en asturiano.¹

El entusiasmo del público se reflejó en la reacción ante figuras como Lionel Messi, aunque el futbolista no participó en la comida ni en la gala. La interacción entre asistentes y premiados contribuyó al tono plural del festival.¹

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. ABC

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

ABC: https://www.abc.es/cultura/centro-mundo-mal-20261023194804-nt.html

Murakami fue reconocido internacionalmente por obras como 'Azul casi transparente', 'Sopa de miso' y 'Piercing', caracterizadas por su crudeza y la exploración de los aspectos más oscuros de la sociedad urbana japonesa^1,2,3,4.

La obra y el legado de Murakami

Ryu Murakami, nacido en Sasebo, prefectura de Nagasaki, el 19 de febrero de 1952, se consolidó como una figura central de la literatura japonesa contemporánea^1,2. Su primera novela, 'Azul casi transparente', escrita a los 24 años, retrata la vida de jóvenes japoneses inmersos en las drogas y el rock, y le valió el prestigioso premio Akutagawa en 1976^1,2,4.

Entre sus títulos más destacados figuran 'Sopa de miso' (1997), 'Piercing' (1994) y 'Los chicos de las taquillas' (1980), donde abordó temas como la prostitución, el maltrato infantil y la deshumanización del capitalismo^2,3,4. Su estilo se caracteriza por descripciones directas y situaciones violentas, lo que le otorgó una reputación de autor transgresor y de culto tanto en Japón como fuera del país^3,4.

Murakami en el cine y la cultura popular

Además de su labor literaria, Murakami dirigió y escribió adaptaciones cinematográficas de sus propias novelas. Entre sus obras más reconocidas en el cine se encuentran 'Tokyo Decadence' (1992), que contó con la participación del músico Ryuichi Sakamoto en la banda sonora, así como 'Kyoko', 'Audition', 'Piercing' y 'Karaoke Terror'^1,3.

Sus historias también fueron llevadas a la televisión y han sido traducidas a decenas de idiomas, incluyendo el español, el inglés y el francés, consolidando su estatus como autor de culto internacional^2,3.

Reconocimientos y distinciones

Murakami recibió varios premios literarios a lo largo de su carrera, entre ellos el premio Akutagawa por su ópera prima, el Premio Noma a la Revelación Literaria por 'Coin Locker Babies' en 1980, el Premio Literario Yomiuri por 'Sopa de miso' y el Premio Mainichi de Cultura Editorial por 'Sal de la península' en 2005^2,3.

Funeral y detalles personales

La editorial Gentosha informó que el funeral de Ryu Murakami se realizó en la intimidad familiar, por deseo de sus allegados, y no se han difundido detalles sobre su salud o la causa de su muerte^1,2,3,4.

Murakami no tiene parentesco con el también escritor japonés Haruki Murakami, a pesar de compartir el apellido y la notoriedad literaria^1,2.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. La Razón de México
2. EFE (información original), vía Clarín
3. SDP Noticias
4. ABC

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La Razón de México: https://www.razon.com.mx/cultura/2026/10/23/muere-ryu-murakami-figura-de-la-literatura-japonesa-a-los-74-anos-de-edad/

El cierre, que también afectó las oficinas centrales de la Secretaría de Cultura en la colonia Juárez, fue consecuencia de demandas laborales y sindicales no resueltas, incluyendo solicitudes de tiempo para actividades sindicales y exigencias de mejoras en las condiciones de trabajo^2,3,4.

Lo que había pasado: El 23 de octubre informamos que el paro del Sindicato Nacional de Cultura mantenía cerradas la Biblioteca Vasconcelos y oficinas de la Secretaría de Cultura en Ciudad de México, afectando servicios al público y procesos administrativos. (Paro sindical mantiene cerrada la Biblioteca Vasconcelos y oficinas de Cultura)

Por qué cerró la Biblioteca Vasconcelos

La protesta inició el miércoles 21 de octubre, cuando integrantes de la Sección SC-DGB-III del SINAC impidieron el acceso a visitantes y personal en la biblioteca y en las oficinas centrales de la Secretaría de Cultura^1,2,3,4. Los trabajadores demandaron el cese de funcionarios señalados por presuntas prácticas de discriminación e injerencia sindical, así como la resolución de incumplimientos laborales acumulados durante tres años y mejoras en las condiciones de trabajo^2,4.

El sindicato también exigió respeto a los derechos del personal sindicalizado, libertad de organización y atención a carencias administrativas y operativas que afectan a los empleados^2,4. La protesta obligó a cancelar actividades culturales programadas, como un concierto de la Orquesta Filarmónica de México previsto para el miércoles^2,4.

Respuesta de la Secretaría de Cultura

La Secretaría de Cultura reconoció la disposición al diálogo de la dirigencia nacional y la representación sindical, lo que permitió acordar la reapertura de la biblioteca, aunque las negociaciones laborales continuarán la próxima semana¹. La dependencia destacó la aplicación de una retabulación salarial de 13% y una inversión de 14.5 millones de pesos para la rehabilitación de la Biblioteca Vasconcelos, además de incrementos y beneficios conforme a los acuerdos laborales^2,3,4.

La Secretaría reportó un aumento del 97% en las solicitudes de tiempo para actividades sindicales durante los últimos meses, señalando que estas deben ajustarse a las Condiciones Generales de Trabajo y contemplar guardias para garantizar la operación de los servicios^1,2,3,4.

Qué sigue para la biblioteca y los trabajadores

Aunque la Biblioteca Vasconcelos reanudará la atención al público este sábado, las conversaciones entre autoridades y representantes sindicales seguirán abiertas. La Secretaría de Cultura anunció una reunión para el lunes 26 de octubre con representantes de todos los sindicatos con afiliados en la dependencia, con el objetivo de acordar lineamientos sobre el otorgamiento de facilidades de tiempo para actividades sindicales¹.

La dependencia busca establecer criterios que respeten los derechos laborales sin comprometer la continuidad ni la seguridad de los servicios culturales¹. Durante la suspensión, la biblioteca informó que no habría sanciones ni recargos por la devolución de materiales^1,4.

Qué significa para México

La reapertura de la Biblioteca Vasconcelos permitirá que estudiantes, investigadores y público en general recuperen el acceso a uno de los principales recintos de lectura y consulta del país, tras la suspensión de servicios causada por la protesta sindical^1,4.

Fuentes

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1. 24 Horas
2. Infobae
3. La Razón de México
4. Expansión

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24 Horas: https://24-horas.mx/cdmx/biblioteca-vasconcelos-reabrira-este-sabado-tras-tres-dias-de-cierre-por-protesta-sindical/

La organización informó que todas las entradas serán reembolsadas de forma automática, aunque no detalló las razones de la cancelación ni el plazo exacto para la devolución. La Procuraduría Federal del Consumidor (Profeco) vigilará el proceso para garantizar los derechos de los compradores.^1,2,3

Los conciertos y artistas afectados

El Festival Live at Fray Nano contemplaba tres días de conciertos en la Ciudad de México, con presentaciones de Calvin Harris el 30 y 31 de octubre, y de Deorro, Sean Paul, Bolo, 3BallMTY y Yazz Escobar el 29 de octubre en el Estadio Fray Nano, ubicado en la Alcaldía Venustiano Carranza.^1,2,3

El evento estaba planeado para coincidir con las celebraciones del Día de Muertos y el Gran Premio de México de Fórmula 1, buscando atraer a un público amplio con propuestas de electrónica, dancehall y música urbana.^1,2

Motivos y antecedentes de la cancelación

NPU Live no detalló públicamente las causas de la cancelación en su comunicado. Hasta el momento, los artistas involucrados no han emitido declaraciones sobre la suspensión, por lo que la decisión se atribuye a la organización del festival.^1,2,3

El festival tuvo cambios logísticos previos: originalmente se anunció en el Museo Nacional de Energía y Tecnología (MUNET), pero fue trasladado al Estadio Fray Nano tras señalamientos de Profeco sobre la falta de autorizaciones para la sede inicial. El cambio implicó ajustes en la operación y coincidió con modificaciones en otros eventos del recinto.²

Reembolsos y derechos de los compradores

NPU Live informó que quienes adquirieron boletos para cualquiera de las fechas recibirán el reembolso total, incluidos los cargos por servicio. La devolución será automática y se realizará al mismo método de pago utilizado en la compra.^1,2,3

Profeco anunció que supervisará el proceso para asegurar que se respeten los derechos de los consumidores.^1,2

Preguntas frecuentes

¿Por qué se cancelaron los conciertos de Calvin Harris, Sean Paul y Deorro en CDMX?

La promotora NPU Live no informó las razones específicas de la cancelación. Los artistas no han emitido declaraciones públicas sobre la suspensión de los conciertos.^1,2,3

¿Cómo puedo solicitar la devolución de los boletos para Live at Fray Nano?

No es necesario solicitarla: el reembolso será automático y se realizará al mismo método de pago utilizado en la compra, incluyendo los cargos por servicio.^1,2,3

¿Habrá nuevas fechas para los conciertos cancelados en la Ciudad de México?

Hasta el momento, NPU Live no ha anunciado nuevas fechas ni ha informado sobre la reprogramación de los conciertos cancelados.^1,2,3

¿Qué opciones tienen los compradores de boletos tras la cancelación del festival?

Los compradores recibirán el reembolso total de sus boletos de forma automática. Profeco supervisará el proceso para que se respeten sus derechos como consumidores.^1,2

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. El Universal
2. Infobae
3. SDP Noticias

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/calvin-harris-deorro-y-sean-paul-no-se-presentaran-en-la-cdmx-promotora-confirma-la-cancelacion-de-los-shows/

A continuación, presentamos cinco series recomendadas para quienes desean rendir homenaje a los médicos a través de la pantalla, cada una disponible en diferentes plataformas de streaming.¹

Cinco series médicas para ver este Día del Médico

The Good Doctor narra la historia de Shaun Murphy, un joven cirujano autista con una habilidad excepcional para reconocer patrones y resolver casos médicos complejos. La serie destaca los prejuicios que enfrenta tanto de sus colegas como de los pacientes, mientras se exploran sus historias personales. Puede verse en Prime Video.¹

Dr. House es considerada una de las series más influyentes del género. El protagonista, Gregory House, es un especialista brillante en diagnósticos, pero su carácter misántropo lo lleva a trabajar con un equipo que lo ayuda a resolver cada caso como si fuera un acertijo. Está disponible en Netflix.¹

The Pitt se desarrolla durante un día de guardia en el área de urgencias de un hospital en Pittsburgh. La trama sigue al personal médico y a un grupo de residentes novatos que deben afrontar múltiples casos médicos, poniendo a prueba tanto sus conocimientos como su estabilidad emocional y mental. Puede verse en HBO Max.¹

The Knick transporta al espectador a principios del siglo XX en Nueva York, donde un grupo de médicos enfrenta emergencias y busca impulsar avances en la atención sanitaria. La serie muestra el trabajo cotidiano y los desafíos de la medicina en esa época. Está disponible en Amazon Prime.¹

Dr. Romantic es una producción surcoreana que cuenta la historia del doctor Kim, conocido como la mano de Dios por sus habilidades extraordinarias. Lidera a un grupo de estudiantes de medicina, enseñándoles a priorizar el bienestar de los pacientes sobre sus propias ambiciones profesionales. Puede verse en Viki.¹

Dónde ver cada serie médica recomendada

The Good Doctor está disponible en Prime Video, mientras que Dr. House puede verse en Netflix.¹ The Pitt se encuentra en HBO Max, The Knick en Amazon Prime y Dr. Romantic en Viki.¹ Cada plataforma ofrece acceso a estas historias que rinden homenaje a la labor médica desde diferentes perspectivas y culturas.

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Fuentes

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/dia-del-medico-de-dr-house-a-the-good-doctor-5-series-para-celebrar-a-los-doctores/

A sus 43 años, Hathaway vive uno de los momentos más intensos de su carrera, en plena promoción internacional de sus filmes y embarazada de su tercer hijo, sin tomarse un respiro entre rodajes y estrenos¹.

Cinco estrenos en seis meses

En los últimos seis meses, Anne Hathaway ha estrenado cinco películas, una hazaña poco común en la industria¹. Entre ellas se encuentran 'Mother Mary', dirigida por David Lowery, y 'El diablo viste de Prada 2', donde retoma el papel de Andy Sachs veinte años después¹. En agosto llegó a las salas 'El final de Oak Street', una cinta de ciencia ficción sobre dinosaurios junto a Ewan McGregor, y hace una semana se estrenó 'Verity', thriller psicológico dirigido por Michael Showalter, que ya ha recaudado 113 millones de dólares a nivel mundial¹.

El impacto de 'La odisea' y la colaboración con Nolan

'La odisea', dirigida por Christopher Nolan, destaca entre los proyectos recientes de Hathaway por su ambición y escala¹. El rodaje se extendió durante 91 días en seis países, incluyendo Grecia, Italia, Marruecos, Islandia, Escocia y Estados Unidos, y finalizó una semana antes de lo previsto debido al agotamiento del equipo¹.

Hathaway interpreta a Penélope, la reina de Ítaca, en una versión que, según la actriz, cambia el centro de gravedad del mito: "Esa paciencia y esa fidelidad, que estoy segura de que son auténticas, son también un arma"¹. La actriz reconoce la influencia de Nolan en su carrera y agradece su paciencia y delicadeza durante el rodaje, especialmente en las escenas emocionalmente exigentes¹.

Recepción y posibles premios

La actuación de Hathaway en 'La odisea' ha sido reconocida en las principales quinielas para el Oscar como mejor actriz secundaria por su papel de Penélope¹. De lograrlo, sería su segundo premio de la Academia, tras obtener el de mejor actriz de reparto en 2013 por 'Los Miserables'¹.

La actriz valora este momento como uno de los más altos de su carrera, comparándolo con su experiencia en 'La boda de Rachel', que hasta ahora consideraba su techo artístico¹.

Dónde ver sus películas recientes

'Verity', el thriller psicológico, se estrenó hace una semana y continúa en cartelera internacional¹. 'El final de Oak Street' llegó a las salas en agosto¹. 'La odisea' y el resto de sus estrenos recientes forman parte de la cartelera 2026, con presencia en cines de varios países¹.

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Fuentes

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1. El Mundo

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El Mundo: https://www.elmundo.es/cultura/cine/2026/10/24/6ad2432c21efa07e418b45a5.html

El festival abre sus puertas diariamente de 10:00 a 20:00 horas, permitiendo a familias y turistas disfrutar de una experiencia inmersiva en la cultura y tradiciones mexicanas, mientras apoyan directamente a productores locales¹.

La experiencia en el Paseo de la Reforma

El festival abarca el tramo del Paseo de la Reforma comprendido entre el Ángel de la Independencia y la glorieta del Ahuehuete, decorado con una gran variedad de flores de cempasúchil en diferentes presentaciones. Los visitantes pueden caminar entre senderos repletos de color y aroma característicos de la temporada, en un ambiente pensado para toda la familia¹.

El acceso es completamente gratuito y el horario de visita es de 10:00 a 20:00 horas durante todos los días del evento, facilitando la asistencia de quienes viven o visitan la capital¹.

Productores y precios accesibles

El festival reúne a 140 floricultores y productores agroecológicos provenientes del Suelo de Conservación de la Ciudad de México, especialmente de Xochimilco, Tláhuac y Milpa Alta. Al adquirir flores en el evento, los asistentes apoyan de manera directa a las familias que mantienen vivas las tierras agrícolas del sur de la ciudad¹.

Las plantas y flores de cempasúchil se ofrecen a precios que van desde los 10 hasta los 40 pesos, dependiendo del tamaño, la especie y la presentación, ya sea en maceta o como flor de corte para altares¹.

El significado del cempasúchil en la tradición

El cempasúchil es considerado un símbolo espiritual de gran relevancia en la cultura mexicana. Su color brillante y su aroma intenso, según la cosmovisión prehispánica, sirven para guiar a las almas de los difuntos hacia los altares familiares durante el Día de Muertos¹.

Durante el festival, los visitantes pueden conocer diversas variedades de la flor, desde especies con pompones densos hasta formas más silvestres conocidas como clemoles o cempasúchil hembra, todas esenciales en las ofrendas y la identidad nacional¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. México Desconocido

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México Desconocido: https://www.mexicodesconocido.com.mx/festival-de-flores-de-cempasuchil-2026.html

Ortiz fue hallada sin vida dentro de su automóvil luego de que, según versiones periodísticas, perdió el control del vehículo y cayó en una zanja profunda. Los servicios de emergencia acudieron al lugar, pero no lograron reanimarla.¹²

Detalles del accidente en Tigre

El accidente ocurrió en la zona de Tigre, en la provincia de Buenos Aires, cuando Marcela Ortiz regresaba a su domicilio tras salir al cine y luego a comer helado con una amiga. Después de dejar a su acompañante, la actriz conducía sola cuando perdió el control del automóvil y cayó en una zanja profunda.¹

De acuerdo con el testimonio de su hija, la exmodelo habría sufrido un paro cardíaco que le hizo perder el control del vehículo. Bomberos y servicios de emergencia acudieron al sitio, pero los intentos de reanimación con RCP, desfibrilador e inyecciones de adrenalina no tuvieron éxito.¹

Trayectoria de Marcela Ortiz

Marcela Ortiz alcanzó gran popularidad en el mundo del espectáculo de habla hispana durante los años ochenta y noventa, tanto como modelo como actriz y conductora de televisión.¹²

Participó en películas y telenovelas como "Bañeros II, la playa loca", "El amor tiene cara de mujer", "Basta para mí", "Los Benvenuto" y "Los extermineitors".² Además, fue parte del grupo conocido como las “chicas Olmedo”.¹

Uno de los momentos más recordados de su vida personal fue la transmisión en vivo por televisión de su boda con el actor Raúl Taibo en 1993, matrimonio que terminó tres meses después.¹²

Reacciones y despedidas

La noticia de la muerte de Marcela Ortiz generó conmoción en la comunidad artística de Argentina y América Latina. Su hija, Shelsian Saúl, publicó un mensaje en redes sociales acompañado de una fotografía juntas: "Solo Dios sabe por qué, y tocará entenderlo en algún momento. Te amo mucho. Gracias por ser mi mamá. Volá alto".¹

Periodistas y figuras del espectáculo, como Fernanda Iglesias y Marina Calabró, informaron y lamentaron el fallecimiento de la actriz, resaltando su trayectoria y el cariño del público.¹²

Por qué importa en América Latina

La muerte de Marcela Ortiz impacta a la comunidad artística y a los seguidores del espectáculo en América Latina, incluida México, debido a la popularidad que la actriz alcanzó a lo largo de su carrera en cine, televisión y modelaje.¹²

Versiones de los hechos

• Causa del accidente que provocó la muerte de Marcela Ortiz: La hija de la actriz declaró que su madre sufrió un paro cardíaco mientras conducía, lo que provocó el accidente¹; No menciona una causa médica específica; solo indica que la actriz perdió la vida en un accidente de tránsito².
• Quién confirmó la muerte de Marcela Ortiz: La noticia fue confirmada por la hija de la actriz, Shelsian Saúl¹; Señala que la muerte fue confirmada por una de sus mejores amigas².

Fuentes

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1. Diario de Yucatán
2. El Heraldo de México

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Diario de Yucatán: https://www.yucatan.com.mx/espectaculos/2026/10/23/muere-la-actriz-marcela-ortiz-en-un-tragico-accidente-habia-salido-al-cine-con-una-amiga.html

Editorial Almadía suspendió la promoción en España de la novela 'Donde el agua trabaja', escrita por el peruano David Silva Rojas, después de que una investigación concluyera que el 99% del texto habría sido generado con inteligencia artificial, lo que contraviene las bases del Premio Internacional de Novela Breve Almadía Ventosa-Arrufat, dotado con 20.000 euros^1,2,3,4.

La obra y el premio en cuestión

'Donde el agua trabaja' fue seleccionada como ganadora entre más de 2.200 manuscritos en la primera edición del Premio Internacional de Novela Breve Almadía Ventosa-Arrufat, convocado en noviembre de 2025 por la editorial mexicana Almadía y la fundación española Ventosa-Arrufat^2,4. El premio, dotado con 20.000 euros, establecía de forma explícita la prohibición del uso de inteligencia artificial en la escritura de las obras presentadas: cualquier indicio de uso de IA sería motivo de descalificación, sin importar la fase del proceso^1,2,4.

El jurado estuvo compuesto por la escritora mexicana Cristina Rivera Garza, la argentina Selva Almada y la ecuatoriana Mónica Ojeda, quienes elogiaron el uso de los silencios y la construcción del lenguaje en la novela^1,2,3,4.

La investigación y el método Pangram

La sospecha sobre la autoría surgió tras una investigación publicada por El País, que recurrió al detector Pangram para analizar el texto completo de la novela^1,2,4. Pangram, en su versión 4.1, procesó unas 26.000 palabras y determinó que el 99% fue generado por inteligencia artificial^2,4.

El detector también atribuyó a IA el 97% de las respuestas de Silva Rojas en una entrevista publicada en septiembre y el 80% de un ensayo suyo en la web de Ventosa-Arrufat².

Sin embargo, expertos y periodistas advierten que ninguna herramienta de este tipo es infalible y que pequeños cambios en el texto pueden alterar los resultados del detector^1,4.

Reacciones de la editorial y el sector literario

La editorial Almadía anunció la suspensión de todas las presentaciones del libro en España, incluidas las previstas en Madrid, Barcelona, Sevilla y Cádiz, y comunicó que realizará una revisión detallada del caso antes de tomar una decisión definitiva^1,2,3.

De la Cerda pidió que los procesos de verificación sean claros y transparentes, y que se respete el derecho de réplica del autor³.

El perfil del autor y antecedentes recientes

David Silva Rojas nació en Ica, Perú, en 1981 y es abogado especializado en Derecho Penal e investigador². Según la información difundida por la editorial, vivió desde joven en Toyohashi, Japón, y habría obtenido premios literarios en ese país^1,2. 'Donde el agua trabaja' es su primera novela publicada^1,2.

Nota de la Redacción: al publicar esta nota contrastamos la información disponible; la actualizaremos si otras fuentes aportan versiones distintas.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. elespanol.com
2. infobae.com
3. El Universal
4. Xataka

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/almadia-suspende-promocion-de-novela-ganadora-del-premio-ventosa-arrufat-por-sospecha-de-uso-de-ia/

En la portada, Valentina aparece junto al jugador de rugby inglés Henry Pollock, de 21 años, ambos encabezando el especial anual 'Little Black Book' de la publicación, que reúne a los 200 solteros más codiciados del Reino Unido².

El trabajo: portada y sesión fotográfica

Valentina Paloma Pinault protagoniza la portada de diciembre de la revista Tatler, posando junto al jugador de rugby Henry Pollock, de 21 años, integrante del equipo Northampton Saints^1,2. La sesión fotográfica muestra a Valentina con atuendos de temporada otoño-invierno 2026, destacando un vestido corte sirena dorado con mangas largas y cuello de tortuga, así como un conjunto de encaje negro, falda mostaza y saco café, acompañado de zapatillas negras¹.

La elección de vestuario incluyó un diseño de Gucci, firma que forma parte del conglomerado Kering, propiedad de la familia Pinault, y con la que Valentina ha tenido presencia en semanas de la moda en París junto a su madre y su hermana Mathilde Pinault².

La reacción de Salma Hayek

Salma Hayek compartió su entusiasmo y orgullo por el logro de su hija a través de Instagram, donde publicó imágenes de la portada y del editorial de Tatler^1,2. En su mensaje, Hayek expresó: “Damas y caballeros: ¡la bebé que salió de mi vientre! Y ahora esta diosa espectacular está en la portada de Tatler”^1,2.

La actriz también destacó las cualidades personales de Valentina, describiéndola como 'tan buena, considerada, cariñosa, divertidísima y simplemente un placer tenerte cerca', y concluyó con un mensaje de cariño: 'Te adoro con todo mi corazón, mi nena preciosa'^1,2.

La ocasión: edición especial de Tatler

La portada de Valentina Paloma Pinault y Henry Pollock corresponde a la edición de diciembre de 2026 de Tatler, en el marco del 'Little Black Book', un especial anual que selecciona a los 200 solteros más codiciados del Reino Unido².

Esta edición busca destacar a jóvenes figuras del mundo de la moda, el deporte y la sociedad británica. La inclusión de Valentina en la portada subraya su creciente presencia en el ámbito internacional de la moda y el entretenimiento².

Dónde ver la portada y el editorial

La portada y las imágenes del editorial pueden verse en la cuenta oficial de Instagram de Salma Hayek, donde la actriz compartió una galería con las fotografías tomadas por Tatler^1,2.

La edición impresa de diciembre de la revista Tatler está disponible en el Reino Unido y en su versión digital a través del sitio oficial de la publicación².

Fuentes

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1. El Heraldo de México
2. Quién

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El Heraldo de México: https://heraldodemexico.com.mx/espectaculos/2026/10/23/mi-nena-preciosa-salma-hayek-presume-que-su-hija-valentina-paloma-pinault-es-portada-de-una-revista-fotos-914803.html

Black Panther: Wakanda Forever destaca por su peso emocional y su conexión directa con la nueva película de Los Vengadores, además de haber recibido un Premio Óscar y contar con una alta aprobación del público.¹

Por qué ver Black Panther: Wakanda Forever

La segunda película de Black Panther es clave para entender el desarrollo de Avengers: Doomsday, ya que introduce alianzas y conflictos que continuarán en la próxima cinta. La historia gira en torno al duelo por la muerte de T’Challa, interpretado por Chadwick Boseman, y muestra cómo Shuri asume el papel de protectora de Wakanda.¹

El filme también presenta a Namor, interpretado por Tenoch Huerta, quien lidera al pueblo Talokan y se convierte en antagonista, lo que lleva a una batalla entre Wakanda y Talokan. Ambos ejércitos tendrán un papel relevante en la batalla contra Doctor Doom en Avengers: Doomsday, según las recomendaciones de Marvel.¹

Reconocimientos y recepción de la película

Black Panther: Wakanda Forever obtuvo un Premio Óscar por su vestuario y logró una nominación histórica para Angela Basset.¹ La película recaudó más de 859 millones de dólares en taquilla a nivel mundial y es una de las cintas mejor valoradas del MCU tras Avengers: Endgame.¹

En Rotten Tomatoes, la cinta tiene una aprobación del 84% por parte de la crítica especializada y un 93% del público, lo que la posiciona entre las favoritas de los seguidores de Marvel.¹

Dónde ver Black Panther: Wakanda Forever y precios

Actualmente, la plataforma ofrece una promoción de suscripción válida desde el 21 de octubre hasta el 2 de noviembre: el paquete Estándar con anuncios cuesta 59 pesos al mes, el Estándar 99 pesos y el Premium 119 pesos mensuales.¹

La suscripción permite acceder a contenidos de Disney, Marvel, Star Wars, Hulu, ESPN y National Geographic, además de películas y series adicionales.¹

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. Xataka México

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Xataka México: https://www.xataka.com.mx/cine-y-tv/faltan-55-dias-para-avengers-doomsday-para-entenderla-tienes-que-ver-antes-esta-pelicula-93-aprobacion

Los museos más reconocidos de París, incluyendo el Louvre, el Musée d’Orsay y el Museo Picasso, no abrirán sus puertas este sábado 24 de octubre de 2026. El cierre responde a las protestas y manifestaciones previstas en la capital francesa, según comunicaron las autoridades culturales del país^1,2.

Qué museos y espacios estarán cerrados

El cierre afectará al Museo del Louvre, el Musée d’Orsay, el Museo Picasso y los espacios de exposiciones del Grand Palais, todos ubicados en París^1,2. Además, el Museo de La Orangerie también permanecerá cerrado, de acuerdo con el Ministerio de Cultura francés².

La decisión se tomó tras la recomendación del ministerio, que pidió a todos los establecimientos bajo su tutela adoptar medidas para proteger a los visitantes, el personal y las colecciones de arte^1,2.

Motivo del cierre y contexto de las protestas

La capital francesa se prepara para una nueva jornada de manifestaciones, en un contexto de protestas por el aumento del costo de vida y en apoyo a estudiantes de secundaria^1,2. El 17 de octubre, protestas similares derivaron en disturbios y saqueos en varias ciudades, incluyendo París².

El presidente de Francia, Emmanuel Macron, anunció que solo las manifestaciones organizadas por sindicatos estarán autorizadas este sábado, y se implementarán toques de queda parciales en varias ciudades para mantener el orden público¹.

Medidas de seguridad y cancelaciones adicionales

El Ministerio de Cultura francés instó a todos los museos nacionales y públicos a hacer todo lo necesario para garantizar la seguridad, mientras que varios comercios han comenzado a proteger sus vitrinas ante el temor de nuevos saqueos¹.

Las autoridades francesas prometieron reforzar el dispositivo policial tras admitir que subestimaron los riesgos en la jornada anterior². Además, otros eventos culturales previstos para este fin de semana han sido cancelados, como la feria internacional de arte contemporáneo Art Basel Paris, que cerrará antes de lo planeado².

Versiones de los hechos

• Museos afectados por el cierre: El Louvre, Musée d’Orsay, Museo Picasso y los espacios de exposiciones del Grand Palais cerrarán¹; El Louvre, Orsay, Picasso, el Grand Palais y el Museo de La Orangerie cerrarán².

Nota de la Redacción: al publicar esta nota contrastamos la información disponible; la actualizaremos si otras fuentes aportan versiones distintas.

Fuentes

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1. artnews.com
2. El Economista

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artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/more-paris-museums-announce-closures-saturday-protests-1234803634/

La obra: inspiración y producción

‘Sanxingdui: Future Past’ toma como punto de partida los hallazgos arqueológicos de la civilización china de Sanxingdui, con más de 3,000 años de antigüedad¹. La trama se desarrolla en un futuro donde una inteligencia artificial superinteligente domina el planeta y la humanidad ha cedido el control a los algoritmos, lo que desencadena una crisis global¹. Un arqueólogo descubre que la solución podría estar en siete símbolos grabados en artefactos de bronce de Sanxingdui, revelando una conexión entre el pasado y el futuro¹.

La productora Bona Film Group explicó que los creadores humanos dirigieron el desarrollo conceptual, la dirección artística y las decisiones narrativas, mientras que la IA generó las imágenes, los efectos de sonido y otros elementos de producción¹. El equipo invirtió más de 10 millones de yuanes (1.5 millones de dólares) en el proyecto, una suma que la industria observa para ver si logra recuperarse¹.

El equipo y el desafío tecnológico

Qu Jixiaojiang, productora de la cinta, comparó este avance con la transición de la película analógica a las cámaras digitales y destacó que quienes innovan primero suelen enfrentar mayor presión¹. El estreno representa el primer intento de llevar el cine generado con IA, hasta ahora limitado a microdramas y vídeos cortos en internet, a un público más exigente en salas comerciales¹.

Recepción del público y críticas

Las primeras reacciones en redes sociales como Weibo muestran escepticismo sobre el valor del contenido creado con IA y algunos usuarios consideran "poco natural" la actuación de los personajes generados artificialmente¹. El recelo es notable incluso en un público acostumbrado a los microdramas, de los cuales más del 90 % de los estrenados en China en los primeros ocho meses de 2026 se produjeron con IA¹.

Otros espectadores consideran que la película merece ser vista como el primer intento de la industria china de IA en el cine comercial, y un asistente comentó que "a menudo olvidaba" que la obra fue realizada con inteligencia artificial¹.

Dónde y cuándo ver la película

‘Sanxingdui: Future Past’ se exhibe actualmente en cines de China tras recibir la autorización de la Administración Nacional de Cine en abril de 2026¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. DW

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DW: https://www.dw.com/es/china-lleva-por-primera-vez-a-sus-cines-un-largometraje-generado-íntegramente-con-ia/a-79741502?maca=spa-rss-sp-cul-1011-xml-mrss

La Familia Real española ha inaugurado este viernes 23 de octubre la 46ª edición de los Premios Princesa de Asturias en Oviedo, con la ceremonia de entrega presidida por los Reyes Felipe VI y Letizia, junto a la Princesa Leonor y la Infanta Sofía¹. La gala, celebrada en el Teatro Campoamor, ha sido el escenario del debut en solitario de la heredera, quien recibió en audiencia a los galardonados antes de la ceremonia¹.

Durante el evento, la Princesa Leonor pronunció un discurso en el que apeló al sentido de la esperanza frente a los tiempos de desencanto social profundo, abordando temas como los conflictos, el populismo y la incertidumbre tecnológica, y destacando el valor de los premiados en distintas disciplinas⁴.

Los galardonados y el propósito de los premios

La Fundación Princesa de Asturias convoca anualmente estos galardones, cuyo objetivo es contribuir a la exaltación y promoción de valores científicos, culturales y humanísticos considerados patrimonio universal, así como consolidar los vínculos entre el Principado de Asturias y el título que ostentan los herederos de la Corona de España¹.

En la edición 2026, los premios han sido otorgados en ocho categorías: Artes (Patti Smith), Comunicación y Humanidades (Studio Ghibli), Ciencias Sociales (Timothy Garton Ash), Deportes (Leo Messi), Letras (Julian Barnes), Cooperación Internacional (Bóveda Global de Semillas de Svalbard), Investigación Científica y Técnica (David Klenerman, Shankar Balasubramanian y Pascal Mayer) y Concordia (Christina Koch)¹.

Cada galardonado ha recibido un diploma, una insignia, la reproducción de una escultura de Joan Miró y una suma de 50.000 euros¹.

El discurso de la Princesa Leonor

La intervención de la Princesa Leonor durante la ceremonia ha destacado por un tono analítico y reflexivo, en el que abordó las inquietudes actuales de la sociedad, como el desencanto, los extremismos, las guerras híbridas y la incertidumbre tecnológica⁴.

Leonor ha resaltado la importancia de la esperanza y el humanismo, citando a figuras como Václav Havel, Paul Valéry y Miyazaki, y ha vinculado los logros de los premiados con la respuesta institucional y moral ante los desafíos contemporáneos⁴.

Entre los galardonados, la Princesa destacó el valor del historiador Timothy Garton Ash en la defensa de los valores europeos, el impacto educativo de Studio Ghibli, la hazaña deportiva de Leo Messi, la preservación de la biodiversidad agrícola por la Bóveda de Svalbard, el testimonio de la astronauta Christina Koch y la rebeldía artística de Patti Smith⁴.

La Familia Real y el concierto previo

La víspera de la ceremonia, el jueves 22 de octubre, la Familia Real presidió el XXXIV Concierto Premios Princesa de Asturias en el Auditorio Palacio de Congresos Príncipe Felipe de Oviedo, un evento que tradicionalmente abre las jornadas previas a la entrega de los galardones^2,3.

La presencia de los Reyes, la Princesa Leonor y la Infanta Sofía ha generado expectación tanto por el significado cultural de la cita como por los estilismos elegidos. La Reina Letizia optó por un conjunto negro y verde de Elie Saab para H&M, mientras que la Princesa Leonor eligió un traje negro de dos piezas con accesorios de la colección de su madre, y la Infanta Sofía lució un vestido azul marino de la firma Miphai^2,3.

Felipe VI acudió con un traje azul marino y corbata estampada, en sintonía con los tonos elegidos por sus hijas y la Reina, quienes han mostrado diferentes estilos personales en la ocasión³.

Dónde y cuándo ver la ceremonia

La ceremonia de entrega de los Premios Princesa de Asturias 2026 se celebró el viernes 23 de octubre en el Teatro Campoamor de Oviedo, comenzando a las 18:30 horas¹.

El evento se transmitió en directo a través de La 1 de TVE y el Canal 24 Horas, además de estar disponible online en Radio 5, Radio Exterior y la plataforma de streaming RTVE Play¹.

Versiones de los hechos

• El conjunto exacto de la Reina Letizia en el concierto previo: Letizia vistió un mono negro de Elie Saab para H&M con un chal verde botella²; Letizia llevó una blusa verde esmeralda de Elie Saab para H&M y pantalón negro de Sybilla³.

Fuentes

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1. abc.es
2. okdiario.com
3. elespanol.com
4. ABC

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ABC: https://www.abc.es/cultura/hora-empiezan-premios-princesa-asturias-2025-donde-ver-gratis-television-online-ceremonia-entrega-oviedo-hoy-20261023050000-nt.html

Durante la ceremonia, García Sepúlveda destacó el crecimiento del festival y el papel de la cultura en el estado, invitando a la ciudadanía a participar en las actividades programadas hasta el 2 de noviembre¹.

El homenaje a Juan Gabriel y los artistas

El espectáculo inaugural contó con la participación de Aida Cuevas, Majo Aguilar y Paco de María, quienes interpretaron algunos de los éxitos más emblemáticos de Juan Gabriel¹.

Cartelera y sedes del festival

El Festival Internacional Santa Lucía ofrece una cartelera con espectáculos internacionales en la Macroplaza y actividades en el Parque del Agua¹. Según el programa anunciado, las actividades concluirán el 2 de noviembre con la presentación del cantante colombiano Sebastián Yatra¹.

Impulso a la cultura y acceso social

Victoria Kühne, presidenta del Patronato del Festival, resaltó la importancia de impulsar el talento local y promover el acceso a la cultura como un derecho para los habitantes de Nuevo León¹. El festival tiene como prioridad llevar expresiones artísticas a distintos puntos del estado, incluyendo municipios, centros comunitarios, las Esferas Culturales y centros de reinserción social¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/estados/samuel-garcia-inaugura-el-festival-internacional-santa-lucia-con-homenaje-a-juan-gabriel-conoce-la-cartelera/

La Biblioteca Vasconcelos y las oficinas de la Secretaría de Cultura federal en Ciudad de México permanecen cerradas por segundo día consecutivo debido a un paro encabezado por integrantes del Sindicato Nacional de Cultura (SINAC)^1,2,3,4. Las protestas, que también han bloqueado calles aledañas, afectan la atención al público y podrían comprometer procesos administrativos, incluido el pago de nómina de la dependencia^1,2,3.

El movimiento sindical exige mejoras laborales, solución a carencias operativas y el cese de funcionarios señalados por presuntas irregularidades^2,4. La Secretaría de Cultura sostiene que ha respetado los derechos laborales y mantiene canales de diálogo abiertos, mientras solicita a los trabajadores restablecer los servicios^1,3.

Demandas y motivos del paro

Integrantes de la Sección SC-DGB-III del Sindicato Nacional de Cultura (SINAC) mantienen cerrada la Biblioteca Vasconcelos y las oficinas de la Secretaría de Cultura en protesta por lo que consideran incumplimientos laborales acumulados durante tres años, además de exigir el cese de funcionarios acusados de discriminación e injerencia sindical^2,4. Los trabajadores también reclaman la falta de insumos y mantenimiento en la biblioteca, reportando goteras, baños fuera de servicio, falta de uniformes, deficiente alumbrado, y carencia de materiales como guantes, batas, botas, papel de baño y jabón⁴.

El sindicato denuncia que las condiciones generales de trabajo no se respetan y que se han restringido permisos sindicales para asambleas, lo que consideran una violación a sus derechos⁴. Además, han solicitado respuestas concretas de las autoridades y el respeto a la libertad de organización sindical².

Respuesta de la Secretaría de Cultura

La Secretaría de Cultura federal afirma que ha respetado los derechos y condiciones laborales del personal, así como su facultad para participar en actividades sindicales^1,3,4. Entre las acciones emprendidas, destaca una retabulación salarial del 13% y una inversión de 14.5 millones de pesos para la rehabilitación de la Biblioteca Vasconcelos^1,2,3.

La dependencia señala que en los últimos meses se registró un incremento del 97% en las solicitudes de tiempo para actividades sindicales, lo que ha afectado la gestión y operación de la biblioteca^1,2,3,4. Subraya que el ejercicio de los derechos sindicales no debe limitar el acceso a la cultura ni obstruir el funcionamiento administrativo de la institución^1,3,4. La Secretaría mantiene abiertos los canales de diálogo y ha solicitado a la sección sindical colaborar para restablecer los servicios^1,3.

Impacto en servicios y actividades

El cierre de la Biblioteca Vasconcelos impide la atención al público y ha obligado a posponer actividades culturales, como el concierto Réquiem Wolfgang Amadeus Mozart que estaba previsto en el recinto².

El paro también afecta los procesos administrativos de la Secretaría de Cultura, incluyendo el procesamiento y la gestión del pago de nómina para todas las personas trabajadoras de la dependencia^1,2,3. Visitantes que acudieron a la biblioteca encontraron el inmueble cerrado y letreros con demandas laborales⁴.

Negociaciones y próximos pasos

Representantes sindicales y autoridades sostuvieron una reunión en la Secretaría de Gobernación, pero no lograron un acuerdo, por lo que el paro continúa⁴. Los trabajadores aseguran que mantendrán el cierre hasta que se atiendan sus demandas y esperan una próxima reunión con las autoridades⁴.

La Secretaría de Cultura reitera su disposición al diálogo e insiste en que el respeto a los derechos laborales debe coexistir con la responsabilidad de garantizar el acceso a la cultura y la continuidad de los servicios públicos^1,3,4.

Fuentes

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1. El Universal
2. Infobae
3. SDP Noticias
4. La Razón de México

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/secretaria-de-cultura-pide-a-trabajadores-restablecer-los-servicios-en-biblioteca-vasconcelos-persiste-el-paro-laboral/

La película fue la primera no hablada en español que ganó el premio Goya a Mejor película en la entrega de 2002, y se ha convertido en un referente del género por su atmósfera y narrativa¹.

La trama y el reestreno

La historia sigue a Grace, una mujer muy religiosa que vive en una mansión aislada con sus dos hijos, quienes padecen una extraña enfermedad que les impide exponerse a la luz del día¹. La desaparición de la servidumbre y la llegada de tres nuevos empleados desencadenan una serie de sucesos inquietantes, mientras la protagonista busca proteger a su familia y enfrenta hechos inexplicables dentro de la casa¹.

La película, con una duración de 101 minutos, regresa a los cines en versión remasterizada con motivo de su 25 aniversario, permitiendo que nuevas generaciones y quienes la vieron en su estreno puedan disfrutarla nuevamente en pantalla grande¹.

Rodaje y premios

La mayor parte de la filmación se realizó en España, en el Palacio de los Hornillos en Cantabria, y algunas escenas se grabaron en Inglaterra, aunque la historia se desarrolla en la isla de Jersey en 1945, al término de la Segunda Guerra Mundial¹.

‘Los otros’ fue reconocida en la entrega de los premios Goya de 2002, donde obtuvo el galardón a Mejor película, siendo la primera vez que una cinta no hablada en español recibía este reconocimiento¹.

Dónde ver la película

Además de su regreso a las salas de cine, ‘Los otros’ está disponible en plataformas digitales como Prime Video y Apple TV¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/que-ver-los-otros-terror-sin-monstruos-ni-sangre/

El concierto en Madrid

El escenario del Movistar Arena estuvo presidido por las iniciales 'fdc' y dos pantallas laterales, en un montaje que se percibió más compacto en comparación con su anterior visita al recinto en noviembre de 2024.¹ Desde el inicio, el vocalista Grian Chatten desplegó energía y presencia, mientras el guitarrista Carlos O'Connell, nacido y criado cerca de Madrid, interactuó con el público local entre canciones.¹

El repertorio incluyó temas del nuevo álbum, como 'Mimesis', 'Tongue' y 'You Miss Me', que sonaron frescos, aunque el público respondió especialmente a canciones anteriores como 'Here's The Thing', 'Boys in The Better Land' y 'Marianne'.¹ El sonido fue potente, aunque en algunas zonas del recinto se percibió cierta distorsión.¹

La banda y su conexión con el público

Fontaines D.C. mostró una imagen marcada por la influencia de la cultura musical británica y la actitud del rock, con referencias a la clase trabajadora y detalles como el cable del micrófono de Chatten adornado con los colores de la bandera palestina.¹ Durante el concierto, Chatten lanzó un 'Free Palestine' entre canciones, que fue aplaudido por los asistentes.¹

La banda ofreció momentos emotivos, como la dedicatoria de 'Happy for You' de O'Connell a una profesora que lo llevó a un concierto en ese mismo recinto.¹ El grupo demostró compenetración y variedad sonora, con bises que incluyeron 'Japan', 'I Love You' y 'Starbuster', cerrando con 'Six Shot Morning'.¹

Próximas fechas y recepción

Tras el concierto en Madrid, Fontaines D.C. continuará su gira europea con una actuación en Barcelona el sábado y otras fechas en distintas ciudades.¹ La recepción del público y la crítica ha sido positiva, destacando la frescura de las nuevas canciones y la energía en directo de la banda.¹

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1. ABC

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ABC: https://www.abc.es/cultura/musica/fontaines-reinventan-vez-20261022225737-nt.html

El filme retrata la fractura familiar causada por la inseguridad en México durante la década de 2000, en un contexto marcado por la crisis de seguridad que vivió el norte del país¹.

La historia y sus protagonistas

'Toda una vida' sigue a Armin, un adolescente interpretado por Marcus Elí V. Gómez, quien enfrenta acoso escolar por su sobrepeso y encuentra apoyo en su madre, Rocío (Montserrat Marañón), mientras su relación con su padre, Rodolfo (Gerardo Trejo Luna), es distante¹.

La trama se desencadena cuando Rocío es secuestrada, lo que lleva a la familia a perder el poco equilibrio que mantenía. Rodolfo intenta resolver la situación, pero la incertidumbre y la desconfianza en las autoridades lo paralizan, mientras Armin y su hermano menor asumen responsabilidades que no corresponden a su edad, como repartir volantes y participar en la búsqueda¹.

Inspiración y contexto de la película

El director Ariel Gutiérrez se inspiró libremente en su propia experiencia, ya que vivió el secuestro de su madre en Saltillo durante la década de los 2000, en una etapa marcada por la violencia y la ansiedad en la región¹.

La película muestra cómo cada integrante de la familia enfrenta el dolor de manera diferente: Rodolfo se derrumba en soledad, mientras Armin busca refugio en la comida y las golosinas, y el acoso escolar y la frustración lo llevan a desafiar sus propios límites¹.

Producción y estreno en el FICM

Además de su estreno mundial el 22 de octubre en el FICM, 'Toda una vida' tendrá una función adicional el viernes 23 a las 12:00 horas, dentro del marco del festival¹.

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1. 24 Horas

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24 Horas: https://24-horas.mx/vida/toda-una-vida-llega-al-ficm-un-drama-sobre-la-fractura-familiar-ante-la-inseguridad/

Acompañadas por el productor Alejandro Pelayo, las actrices recordaron el proceso de construcción de los personajes y las condiciones particulares bajo las que se filmó la película, considerada un referente de la cinematografía mexicana de principios de los años 2000¹.

El proceso creativo detrás de la cinta

Durante el conversatorio, Nancy Gutiérrez explicó que el trabajo de creación inició antes de tener un guion definitivo, mediante talleres e improvisaciones basadas en experiencias reales de jóvenes¹. Tanto Gutiérrez como Jimena Ayala tuvieron oportunidad de aportar ideas a sus personajes y de reconstruir el guion junto a la directora y el guionista, quienes les dieron libertad para proponer acciones y situaciones durante el rodaje¹.

Jimena Ayala recordó que originalmente audicionó para otro personaje, pero el proceso cambió durante los ensayos. Detalló que la preparación para su papel incluyó trabajar en el acento, la corporalidad y el ritmo, con apenas una o dos semanas de ensayos antes de comenzar la filmación¹.

Condiciones de producción y aprendizaje

Las actrices coincidieron en que las condiciones de producción, con recursos limitados y sin grandes instalaciones, ayudaron a conservar la frescura de la película¹. Durante el rodaje, descansaban en un salón escolar y comían en una fonda de la colonia, lo que, según Ayala, representó una verdadera escuela de cine y actuación¹.

El equipo trabajó con pocas tomas y bajo la exigencia de aprovechar cada oportunidad frente a la cámara, lo que contribuyó al aprendizaje y al resultado final de la cinta¹.

Importancia de 'Perfume de violetas' en el cine mexicano

Durante la presentación se destacó la relevancia de 'Perfume de violetas' junto a otras películas mexicanas de la época como 'Amores perros', 'Y tu mamá también' y 'La ley de Herodes'¹. La cinta fue reconocida por retratar de forma directa la adolescencia femenina, las relaciones entre madres e hijas y la violencia cotidiana, alejándose de las representaciones convencionales del cine y la televisión de ese tiempo¹.

La moderadora María René Prudencio reflexionó sobre cómo una historia se transforma desde la escritura hasta su interpretación en pantalla y cómo adquiere nuevos significados ante cada espectador¹.

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1. Changoonga

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Changoonga: https://changoonga.com/2026/10/22/desde-morelia-actrices-de-perfume-de-violetas-recuerdan-como-dieron-vida-a-una-historia-que-marco-al-cine-mexicano/

Lorenzo Saval, quien ha dirigido la publicación durante medio siglo, confirmó que la decisión responde a un ciclo cumplido y no a motivos económicos. "Litoral es una parte de la historia de este país", afirmó Saval, quien prepara la despedida de la revista sin nostalgia ni tristeza¹.

Un siglo de poesía y arte

Litoral nació en Málaga el 11 de noviembre de 1926, impulsada por los poetas Emilio Prados y Manuel Altolaguirre. Desde sus inicios, la revista se convirtió en punto de encuentro de figuras clave de la Generación del 27, como Federico García Lorca, Rafael Alberti y Juan Ramón Jiménez, y ha sido testigo de la evolución de la poesía española a lo largo de un siglo¹.

El Mediterráneo fue un motivo recurrente en sus primeras ediciones, donde colaboraron artistas como Picasso y músicos como Falla. La imprenta Sur, donde se editaban los primeros números, era un espacio de inspiración y convivencia cultural¹.

Resistencia y renovación a lo largo del tiempo

Durante la Guerra Civil y los años de exilio, Litoral mantuvo su actividad, llegando a publicar cuatro números en México, aunque de forma esporádica. El regreso a España permitió que la revista continuara su labor bajo la dirección de José María Amado desde 1968, con el apoyo de fundadores como José Bergamín y Rafael Alberti, así como de artistas como Picasso¹.

Lorenzo Saval, sobrino de Emilio Prados y nacido en Santiago de Chile en 1954, asumió la dirección en los años setenta, manteniendo el espíritu original y abriendo la revista a nuevas generaciones y disciplinas culturales. Junto al ensayista Antonio Lafarque, Saval ha impulsado la publicación durante los últimos 22 años¹.

Ediciones memorables y homenajes

Litoral ha destacado por su creatividad y originalidad en cada etapa. En 1987, rindió homenaje al surrealismo incluyendo una cuchilla de afeitar en cada ejemplar, en alusión a la película 'Un perro andaluz' de Luis Buñuel, y un telegrama imaginario de André Breton¹.

En 1989, la revista publicó un número dedicado a la poesía del rock, con acuarelas enviadas por Leonard Cohen. También dedicó homenajes a figuras como Jaime Gil de Biedma y mantuvo la lealtad de poetas como Vicente Aleixandre y José Manuel Caballero Bonald¹.

El cierre: un ciclo cumplido

A pocos meses de las celebraciones por el centenario de la Generación del 27, Litoral pone fin a su recorrido con más de 300 números publicados. Lorenzo Saval subraya que la decisión no responde a dificultades económicas, sino a la sensación de haber cumplido un ciclo vital¹.

"Con alegría por lo vivido, eso sí", insiste Saval, quien prepara la despedida de una publicación que ha sido referente de la poesía y el arte en España durante un siglo¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Mundo

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El Mundo: https://www.elmundo.es/cultura/literatura/2026/10/22/6ada54a3e85eced60b8b4581.html

El atraco ocurrió la mañana del 19 de octubre de 2025, cuando un grupo de cuatro personas ingresó a la Galería Apolo del Louvre utilizando una escalera motorizada montada en un camión para acceder por una ventana del segundo piso. En siete minutos, rompieron dos vitrinas y sustrajeron ocho piezas de joyería antes de huir en dos scooters motorizados.¹

El robo y las piezas sustraídas

Durante el robo, los delincuentes se llevaron ocho piezas de joyería, entre ellas una corona que perteneció a la emperatriz Eugenia, aunque esta fue abandonada en la huida. El valor total de las joyas robadas se estima en alrededor de 100 millones de dólares. Hasta el momento, las joyas no han sido recuperadas por las autoridades.¹

Los sospechosos y sus declaraciones

Las investigaciones han permitido identificar a varios sospechosos. Los primeros dos detenidos, Abdoulaye N., un conductor de taxi sin licencia conocido por sus acrobacias en motocross y con antecedentes por robo, y Ghelamallah A., un ciudadano argelino desempleado de 36 años, fueron arrestados en el mes siguiente al robo. Ambos admitieron su participación, pero sus testimonios han generado más dudas, ya que aseguran que fueron reclutados por un patrocinador cuya identidad no revelaron y que el supuesto autor intelectual sigue prófugo.¹

Según las declaraciones de estos dos hombres, el principal responsable ingresó con ellos al museo y aún no ha sido capturado. También señalaron que los arrestados posteriormente, incluido Rachid H., no tuvieron relación con el crimen.¹

El caso de Rachid H. y la investigación en curso

Rachid H. fue detenido bajo sospecha de haber proporcionado las llaves del estacionamiento en Aubervilliers, donde presuntamente los ladrones entregaron las joyas a una persona no identificada. En enero, Rachid H. reconoció haber entregado las llaves a 'dos personas', pero sostuvo que desconocía el plan del robo. Su defensa ha subrayado que no se encontraron sus huellas dactilares ni en el camión utilizado ni en el estacionamiento mencionado.¹

La policía ha logrado avances en la identificación de los implicados, pero el paradero de las joyas y la identidad del presunto autor intelectual siguen sin esclarecerse.¹

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. artnews.com

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artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/louvre-heist-suspect-denied-release-as-investigators-unravel-tangled-testimonies-1234803583/

'Iris', una pintura de Claude Monet, fue vendida por 50 millones de euros en una subasta celebrada en París, alcanzando el precio más alto registrado para una obra de arte en Francia^1,2. La venta tuvo lugar en Sotheby’s y superó ampliamente la estimación previa de entre 22 y 30 millones de euros^1,2.

La obra fue adquirida por un comprador privado en Asia, representado telefónicamente por Jen Hua, vicepresidenta de Sotheby’s, tras una competencia de 45 minutos entre seis coleccionistas¹.

La pintura y su procedencia

'Iris' fue pintada entre 1924 y 1925 en la casa de Monet en Giverny, cerca de París, y es considerada una de las obras relevantes de sus últimos años². Pertenecía a los herederos de Jeanne Schlumberger, quien comenzó a coleccionar arte en la década de 1950 y mantuvo la pieza en su residencia privada, negándose a prestarla para exposiciones^1,2.

Según Thomas Bompard, codirector de arte moderno y contemporáneo de Sotheby’s Francia, la decisión de Schlumberger permitió que la pintura se conservara en un estado poco habitual, sin barnizar ni reforzar².

Detalles de la subasta y otros resultados

La venta de 'Iris' formó parte de una subasta dedicada a la colección de Jeanne Schlumberger, cuya familia obtuvo su fortuna en la industria de servicios petroleros^1,2. El total recaudado en la subasta fue de 74,4 millones de euros, la cifra más alta lograda en una subasta de arte en Sotheby’s París¹.

Casi tres cuartas partes de las piezas subastadas superaron sus estimaciones más altas¹. Además de 'Iris', otras tres pinturas de Monet de la colección se vendieron: 'Saule pleureur ou L’Arbre de feu' por 9,7 millones de euros, 'La Seine à Vernon, Arbres' por 4,3 millones y 'La Maison à Travers les Roses' por 2,5 millones¹.

Otras obras y piezas retiradas

La subasta también incluyó obras de otros artistas, como 'La Cueillette des Prunes' de Pierre Bonnard, que alcanzó 2,5 millones de euros y marcó un récord para el artista en Francia, y un dibujo de Gustave Moreau, vendido por 1,4 millones de euros, también récord para una obra en papel del autor¹.

Tres pinturas tempranas de Paul Cézanne fueron retiradas de la subasta tras ser designadas tesoros nacionales franceses y serán adquiridas por el Musée Granet de Aix-en-Provence con apoyo del Ministerio de Cultura de Francia¹.

El contexto: Monet y el centenario de su muerte

La venta de 'Iris' coincide con el centenario de la muerte de Claude Monet, que se conmemora con exposiciones especiales, entre ellas la del Musée de l’Orangerie en París, donde se exhiben sus famosos nenúfares².

Según Thomas Bompard, Jeanne Schlumberger se sintió atraída por los elementos contemporáneos y abstractos de los últimos cuadros de Monet, más que por los toques impresionistas clásicos del pintor².

Fuentes

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1. artnews.com
2. La Vanguardia

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artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/market/claude-monet-iris-french-auction-record-sothebys-paris-1234803611/

Skerritt es recordado por su extensa carrera en cine y televisión, con papeles emblemáticos en películas como 'Alien', 'Top Gun', 'M*A*S*H' y la serie 'Picket Fences', por la que recibió un premio Emmy^1,2,3,4.

Una carrera de más de seis décadas

Tom Skerritt debutó en el cine en 1962 con la película 'War Hunt', tras haber servido en la Fuerza Aérea de Estados Unidos entre 1951 y 1955^2,3,4. Nacido como Thomas Roy Skerritt el 25 de agosto de 1933 en Detroit, Michigan, estudió en la Universidad Estatal de Wayne y en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA), donde se formó en literatura inglesa y teatro^2,3.

Durante los años sesenta y setenta, Skerritt participó en series como 'Combat!', 'The Virginian', 'Death Valley Days', '12 O'Clock High', 'Gunsmoke' y 'The FBI', consolidando su presencia en la televisión estadounidense^1,2. Su salto a la fama llegó con la película 'M*A*S*H' (1970), donde interpretó al cirujano Duke Forrest, papel que marcó el inicio de su reconocimiento internacional^2,3,4.

Papeles icónicos en cine y televisión

Skerritt alcanzó fama mundial con su interpretación del capitán Dallas en 'Alien' (1979) y del comandante Mike 'Viper' Metcalf en 'Top Gun' (1986)^1,2,3,4. Su versatilidad lo llevó a participar en dramas, comedias y producciones de ciencia ficción, así como en películas como 'The Rookie', 'El río de la vida', 'Contacto', 'Poltergeist', 'Magnolias de acero', 'Lágrimas del sol', 'Brothers & Sisters', 'Ted', 'Lucky', 'Field of Lost Shoes', 'La última aventura' y 'Empezar de nuevo'^1,4.

En televisión, su papel más recordado fue el del sheriff Jimmy Brock en la serie 'Picket Fences' (1992-1996), por el que obtuvo un premio Emmy en 1993 y dos nominaciones a los Globos de Oro^1,2,3,4. También tuvo participaciones en series como 'The West Wing' y 'La ley y el orden: UVE'¹.

Últimos trabajos y legado

A pesar de su avanzada edad, Skerritt se mantuvo activo en la actuación. Su último crédito en televisión fue en 2022 con la serie 'Going Home', transmitida por la plataforma Pureflix¹. Su última aparición en cine fue en 2025 con el western 'Broke', estrenado directamente en Netflix¹.

Además de su trabajo en cine y televisión, Skerritt incursionó en los videojuegos, prestando su voz en 'Gun' (2005) y retomando su papel de Dallas en 'Alien: Isolation' (2014)¹.

Reacciones y despedida de la familia

La familia de Tom Skerritt emitió un comunicado en el que lo describieron como "un esposo amoroso, padre, abuelo y bisabuelo", destacando su humor, curiosidad, sabiduría, generosidad y amor^2,3,4. También resaltaron su pasión por la imaginación, la creatividad, la narración de historias, el servicio a la comunidad, los veteranos y la naturaleza^3,4.

Le sobreviven su esposa Julie Tokashiki y sus cinco hijos: Andy, Erin, Matt, Colin y Emiko^2,3. La familia agradeció las muestras de cariño recibidas y pidió privacidad en este momento, informando que los detalles sobre el servicio conmemorativo se anunciarán más adelante³.

Fuentes

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1. Hipertextual
2. Cadena SER
3. La Nación
4. SDP Noticias

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Hipertextual: https://hipertextual.com/cine-television/tom-skerritt-alien-top-gun-ha-muerto-93-anos/

El evento, conocido como la «comida de las ánimas», se extiende del 31 de octubre al 2 de noviembre, con actividades públicas y propuestas gastronómicas que invitan tanto a locales como a visitantes a participar en una experiencia cultural viva¹.

Lo que había pasado: El 21 de octubre de 2026 reportamos que productores de Tzucacab, Yucatán, temían pérdidas en la cosecha de flores y espelón para el Hanal Pixán debido a lluvias y alta humedad en la región (Lluvias ponen en riesgo flores para Hanal Pixán en Tzucacab).

Altares, sabores y símbolos del Hanal Pixán

En Tulum, la preparación de los altares para el Hanal Pixán es un acto familiar que permite compartir historias y transmitir conocimientos entre generaciones¹.

El mucbipollo, también llamado pib, destaca como el platillo principal de la temporada, acompañado de tamales, frutas, dulces y bebidas, elegidos según las preferencias de los difuntos recordados¹.

Cada jornada tiene un significado especial: el 31 de octubre se dedica a las ánimas de los niños, el 1 de noviembre a los adultos y el 2 de noviembre a los fieles difuntos en general, con ofrendas, oraciones y prácticas religiosas¹.

Actividades y eventos en Tulum para 2026

Durante el Hanal Pixán 2026, Tulum ofrece varias formas de acercarse a la tradición, desde celebraciones públicas hasta eventos musicales¹.

El Paseo de las Ánimas y los concursos de altares forman parte de las actividades habituales, mientras que el evento Concert Night | Hanal Pixán, programado para el 1 de noviembre de 2026 en Vesica Tulum | Cenote Club, incluye un concierto encabezado por Sariela Camargo y la creación de un altar colectivo¹.

Las entradas para el concierto estaban disponibles desde $240 MXN y hasta $390 MXN con copa de vino, según la plataforma Ticket Fairy al momento de la consulta, aunque los precios y la disponibilidad pueden variar¹.

La tradición viva en las comunidades mayas

El Hanal Pixán en Tulum no solo se manifiesta en los eventos públicos, sino también en la vida cotidiana de comunidades como Cobá, donde las prácticas culturales y los lazos familiares son parte esencial de la identidad local¹.

Las recetas y los rituales transmitidos de generación en generación mantienen vigente la cultura maya, que sigue dando sentido y pertenencia a las familias del municipio¹.

Recomendaciones para visitantes

Quienes asisten a las celebraciones del Hanal Pixán en Tulum deben considerar el significado íntimo y espiritual de las ofrendas para las familias¹.

Se recomienda solicitar permiso antes de fotografiar altares o participantes, evitar tocar los objetos y seguir las indicaciones de los organizadores para respetar la tradición¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. México Desconocido

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México Desconocido: https://www.mexicodesconocido.com.mx/hanal-pixan-en-tulum-donde-la-memoria-se-convierte-en-tradicion-viva.html

La película, que llegará posteriormente a Amazon Prime Video tras su paso por salas de cine, ya ha generado controversia y campañas de boicot en redes sociales, en parte por las acusaciones de apropiación cultural que aborda la propia trama^1,3.

La obra y su mensaje

'Ali G: Who Iz I?' es una comedia de 90 minutos dirigida por el propio Sacha Baron Cohen, quien también interpreta a Ali G y a su antagonista, un extremista ultraprogre^1,3. La película utiliza el humor satírico para enfrentar temas como el extremismo político y la cultura de la cancelación, mostrando a Ali G como un 'apropiador cultural' que es perseguido por su rival^1,2.

Baron Cohen ha explicado que su intención es mostrar el peligro del fanatismo y las teorías de conspiración, y que la sátira es 'más importante que nunca' para exponer prejuicios y estupidez². Según el comediante, el personaje de Ali G es un 'imbécil blanco' que ridiculiza tanto a sí mismo como al establishment que lo toma en serio².

El equipo detrás de la película

El regreso de Ali G ha contado con la participación de colaboradores históricos de Baron Cohen, como Anthony Hines y Dan Mazer, quienes han trabajado con él desde los inicios del personaje en la televisión británica¹. Morgana Robinson, quien ya participó en la primera película, también aparece en esta nueva entrega³.

Entre los guionistas se encuentra Colton Dunn, ganador del Emmy y fan declarado de Ali G, quien asegura que la película aborda de frente las acusaciones de apropiación cultural y que su objetivo es 'derrotar el odio y el mal'¹.

Recepción y polémica

El estreno de 'Ali G: Who Iz I?' ha provocado una oleada de reacciones en redes sociales, incluyendo campañas de boicot y acusaciones de que el personaje es una caricatura desactualizada o una apropiación cultural¹. Parte del equipo de la película considera que algunos ataques pueden estar coordinados por críticos de las posturas pasadas de Baron Cohen sobre Israel, aunque el actor ha permanecido discreto sobre política internacional en los últimos años¹.

Amazon MGM Studios, responsable de la distribución, respalda la visión creativa de Baron Cohen y destaca su capacidad para provocar conversaciones culturales relevantes¹.

Dónde y cuándo verla

'Ali G: Who Iz I?' se estrena en cines de Estados Unidos y Reino Unido el 23 de octubre de 2026^1,3. Por el momento, solo estará disponible en salas de cine, y las entradas pueden adquirirse en plataformas como Fandango³.

Está previsto que la película se sume al catálogo de Amazon Prime Video tras su paso por cines, aunque la fecha exacta dependerá de la estrategia de lanzamiento de Amazon MGM Studios. Amazon Prime Video ofrece una prueba gratuita de 30 días y descuentos para jóvenes de 18 a 24 años³.

Fuentes

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1. artsjournal.com
2. The Guardian
3. New York Post

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artsjournal.com: https://www.hollywoodreporter.com/movies/movie-features/sacha-baron-cohen-interview-backlash-ali-g-1236736244/#new_tab

Durante una entrevista en el programa Today de BBC Radio 4, Dench explicó que ya no puede estar en un escenario ni leer guiones, y que su condición le ha obligado a adaptarse a una nueva etapa personal y profesional^1,2,3.

El impacto de la enfermedad en su vida

Judi Dench relató que la degeneración macular asociada a la edad le ha dificultado no solo su labor como actriz, sino también actividades cotidianas como leer y reconocer a las personas^1,2,3. En la entrevista, mencionó que a veces se acerca a alguien creyendo que lo conoce y está a punto de abrazarlo antes de darse cuenta de su error^1,2,3.

La actriz también compartió que la radio ha cobrado un papel importante en su vida, ya que le permite seguir conectada con el arte y la cultura pese a las limitaciones visuales^1,2,3.

Una trayectoria de siete décadas

La noticia sobre su estado de salud vuelve a poner en primer plano la carrera de Judi Dench, que abarca más de setenta años en el teatro, la televisión y el cine^1,2,3. Debutó en 1957 en una producción de Hamlet en Londres y consolidó su relación con la obra de Shakespeare al interpretar personajes como Julieta, Lady Macbeth y Cleopatra¹.

Dench obtuvo el Oscar a mejor actriz de reparto en 1999 por su papel de la reina Isabel I en 'Shakespeare in Love'^1,2,3. Su interpretación de M, la directora del MI6 en la saga de James Bond, la convirtió en la primera mujer en encarnar ese personaje, debutando en 'GoldenEye' en 1995 y participando hasta 'Spectre' en 2015^1,2,3.

Además de su Oscar, la actriz ha recibido seis premios BAFTA, siete Olivier, dos Globos de Oro y un Tony, reconocimientos que la consolidan como una de las figuras más importantes de la actuación británica².

Adaptarse a nuevas limitaciones

Dench ya había hablado anteriormente sobre las dificultades para leer guiones y desenvolverse en los rodajes, recurriendo a otras personas para que le leyeran los textos y así poder memorizar sus diálogos^1,2,3.

En la entrevista, la actriz expresó que no piensa demasiado en el envejecimiento y que ha tenido que adaptarse a las limitaciones que enfrenta, mostrando franqueza sobre su situación actual^1,2,3.

Reconocimientos y legado

A pesar de las limitaciones impuestas por la enfermedad, Judi Dench ha continuado haciendo apariciones públicas y hablando abiertamente sobre su salud^2,3.

Dench lanzará próximamente sus memorias tituladas '¿Es demasiado tarde para huir?', escritas junto al director teatral Brendan O'Hea^2,3.

Versiones de los hechos

• La frase exacta de Dench sobre sus limitaciones: "Ya no puedo estar en un escenario. Ya no puedo hacer teatro. Ya no puedo hacer cine. Ya no puedo leer"¹; "No puedo estar en el escenario. No puedo hacer más obras de teatro. No puedo hacer más cine. Ya no puedo leer"²; "No puedo estar en el escenario. No puedo hacer más obras de teatro. No puedo hacer más cine. Ya no puedo leer"³.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. 24 Horas
2. EFE (información original), vía El Universal
3. BBC

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24 Horas: https://24-horas.mx/vida/judi-dench-revela-que-ya-no-puede-actuar-ni-leer-por-perdida-de-vision/

La obra explora la preparación mental y física de quienes participan en este ritual, narrada desde la perspectiva de un espíritu, y destaca la convivencia entre vivos y muertos durante doce horas de baile¹.

La tradición de las muerteadas en Oaxaca

Las muerteadas son celebraciones en el Valle de Etla, Oaxaca, donde la comunidad realiza una especie de obra teatral con mucho baile, música y participación de personajes como un moribundo, un sacerdote, el diablo, un cura y un espiritista¹.

Durante la muerteada, se cuentan historias y rumores del pueblo, mientras los asistentes bailan por doce horas, acompañados de mezcal y alegría¹.

La visión del director Ramón Llaven

Ramón Llaven, originario de Santiago Etla, dirige y narra la película desde la perspectiva de un ánima, resaltando la experiencia física y emocional de bailar durante horas y la sensación de cercanía con los muertos¹.

Llaven señaló que el documental busca transmitir el desgaste físico, la catarsis y la alegría que viven los participantes, además de reflexionar sobre la función de las muerteadas como inicio de ciclo o año¹.

El recorrido del documental tras Morelia

Después de su participación en el Festival Internacional de Cine de Morelia, “El baile de las ánimas” será exhibido en DOCS MX en la Ciudad de México y en Ji.hlava, República Checa, considerado uno de los festivales de documental más importantes del mundo¹.

Este es el segundo largometraje de Ramón Llaven, quien previamente produjo el cortometraje documental “Las voces del despeñadero”, galardonado con el Ariel por la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/muertos-mezcal-y-baile-durante-12-horas-el-baile-de-las-animas-retrata-la-tradicion-de-oaxaca-en-el-ficm/

En lugar de sumarse a una demanda colectiva, cada autor optó por presentar su propia reclamación, buscando una compensación mayor a la ofrecida en acuerdos previos con otras empresas de IA¹.

Las demandas y sus protagonistas

Las demandas se distribuyeron en cinco expedientes, cada uno encabezado por un autor: Winspear, Levine, Reno, Sheard y Older contra Meta Platforms. Entre los demandantes figuran escritores como Jacqueline Winspear, autora de novelas de misterio; Reyna Grande, reconocida por sus memorias; Mark Spragg, novelista; Rachel Nuwer, periodista; Silvia Foti, autora de The Nazi's Granddaughter; y Minxin Pei, especialista en estudios sobre China¹.

Todos los autores se inscribieron a través de ClaimsHero, una plataforma que, junto con los despachos Freedman Normand Friedland y Stris & Maher, promovió que los autores optaran por no participar en el acuerdo colectivo de 1,500 millones de dólares con Anthropic y demandaran de forma individual¹.

Acusaciones: libros pirateados y escaneados

Las demandas acusan a Meta de descargar libros desde 'bibliotecas sombra', como los sitios LibGen, Z-Library y Anna's Archive, así como del conjunto de datos pirateados Books3, empleando el método de intercambio de archivos BitTorrent. Además, señalan que Meta eliminó los avisos de derechos de autor de los archivos¹.

Según la denuncia, a partir de mediados de 2025, Meta inició el programa Project Vellum, comprando libros físicos en grandes cantidades, escaneándolos y usando el texto para entrenar sus modelos Muse Spark y Muse Glimmer, lanzados en abril y agosto de 2026, respectivamente¹.

Lo que buscan los autores

Los demandantes aspiran a compensaciones mucho mayores que las ofrecidas en acuerdos colectivos. Mientras el acuerdo con Anthropic paga cerca de 3,000 dólares por obra, la Ley de Derechos de Autor permite reclamar hasta 150,000 dólares por obra en caso de infracción dolosa, una cifra que los autores quieren que determine un jurado¹.

Según Winspear, los acuerdos colectivos resuelven las reclamaciones 'por centavos de dólar' y parecen beneficiar más a las grandes empresas tecnológicas que a los creadores¹.

El contexto legal y próximos pasos

Las demandas individuales llegan mientras otros casos similares, como los presentados por Chicken Soup for the Soul, la editorial académica Cognella y la empresa Cambronne, están programados para juicios con jurado a partir del 3 de mayo de 2027¹.

El juez Vince Chhabria, quien supervisa todos los casos relacionados con Meta, recientemente permitió que el abogado de los autores interrogara a Mark Zuckerberg, CEO de Meta, como parte de la fase de recopilación de pruebas¹.

Los argumentos de los demandantes, centrados en el posible impacto de los libros generados por IA sobre las ventas de obras escritas por humanos, serán presentados en documentos públicos el 16 de diciembre¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. artsjournal.com

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

artsjournal.com: https://www.publishersweekly.com/pw/by-topic/industry-news/publisher-news/article/101578-hundreds-sue-meta-for-copyright-infringement-rejecting-class-action-payouts.html#new_tab

El programa incluirá 10 mesas de análisis interdisciplinarias y un concierto, con la participación de reconocidos docentes y expertos como José Sarukhán, Julia Carabias, Silvia Giorguli y Claudio Lomnitz, además de la asesoría del doctor Salvador Malo^1,2.

El trabajo y los temas del encuentro

La edición XI del Encuentro Libertad por el Saber abordará los retos, riesgos y problemas actuales de la educación superior en México, en un contexto marcado por el avance digital, la inteligencia artificial y la transformación del mercado laboral¹. Las mesas de trabajo tratarán temas como el estado actual de la educación universitaria, las responsabilidades de las instituciones de educación superior, la equidad, la libertad y el bienestar en la convivencia universitaria, así como la vinculación entre universidades y la sociedad¹.

El programa académico está coordinado por un comité integrado por Julia Carabias, Julio Frenk, Silvia Giorguli, Claudio Lomnitz y José Sarukhán, con la asesoría de Salvador Malo². El evento contará con la participación de 23 colegiados y 26 invitados externos, sumando un total de 49 especialistas².

Reflexiones de los participantes

Durante la conferencia de presentación, José Sarukhán, biólogo y exrector de la UNAM, destacó que la educación superior va mucho más allá de obtener un diploma para conseguir empleo, pues constituye a los individuos como parte fundamental de la sociedad^1,2. Sarukhán advirtió sobre el riesgo de que las personas dejen de pensar por sí mismas ante los cambios tecnológicos y sociales, y subrayó la importancia de cultivar la creatividad y el espíritu de investigación en todas las áreas del conocimiento².

Silvia Giorguli, expresidenta del Colegio de México, señaló que las universidades han sido históricamente agentes de cambio, innovación y creación artística y científica, y que el reto actual es mantener ese papel estratégico en un entorno global que avanza a un ritmo acelerado². Julia Carabias enfatizó que la formación de los profesionistas mexicanos es una preocupación general de El Colegio Nacional, especialmente por la velocidad de los cambios tras la pandemia, el desarrollo de plataformas digitales, el crecimiento de las redes y la inteligencia artificial¹.

La ocasión: fechas, sede y acceso

El XI Encuentro Libertad por el Saber se llevará a cabo del 3 al 7 de noviembre de 2026 en la sede de El Colegio Nacional, ubicada en Donceles 104, Centro Histórico de la Ciudad de México². El acceso será gratuito y el evento también contará con transmisión remota para quienes deseen seguirlo a distancia².

A lo largo de cinco jornadas se realizarán 10 mesas de análisis interdisciplinarias y un concierto, en el marco de la conmemoración de los 475 años del origen de la universidad en el continente americano².

Fuentes

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1. El Universal
2. El Economista

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/disertaran-sobre-retos-y-riesgos-de-la-educacion-superior-en-el-colegio-nacional/

La muestra, disponible hasta el 15 de noviembre, coincide con la instalación del altar de muertos del recinto, que cada año recibe a 120 mil visitantes¹.

Las obras y sus técnicas

La exposición presenta fotografías que abordan temas como experiencias biográficas, pérdidas familiares, rituales funerarios, violencia, migración y espiritualidad¹. Entre los artistas participantes se encuentran Maya Goded, Yvonne Venegas, Pilar Goutas, Graciela Iturbide y Héctor García, entre otros¹.

Las piezas destacan por el uso de técnicas artesanales y materiales variados: impresiones en papel japonés, matrices de heliograbado sobre cobre, intervenciones con bordado, temple, plata o barniz de poliuretano, así como papel Hahnemühle de 350 gramos y procesos de chine collé¹.

El taller Helio TM y la colaboración artesanal

El taller Helio TM, fundado por Miguel G. Counahan, colaboró estrechamente con los fotógrafos para la creación de las obras expuestas¹. Counahan destaca que el taller trabaja de manera completamente artesanal, rescatando procesos en desuso que resultan atractivos para los artistas, especialmente como respuesta al predominio de lo digital¹.

La curaduría y el sentido de la muestra

Édgar Hernández, crítico de arte y curador de la exposición, explica que el objetivo era conectar el tema de la muerte con la tradición del altar de muertos de la Fundación, pero evitando clichés y exotismos¹. Hernández señala que la muestra busca proponer nuevas lecturas sobre la muerte, vinculándola con la ausencia, la memoria y el duelo¹.

Dónde y hasta cuándo visitarla

La exposición se encuentra en la Fundación Casa de México, en Madrid, y estará abierta al público hasta el 15 de noviembre¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Universal

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/fotografias-sobre-la-muerte-en-fundacion-casa-de-mexico/

Entre los artículos destacan atuendos emblemáticos de la artista, piezas únicas de su carrera de cinco décadas y objetos personales que reflejan su creatividad y evolución como figura pública¹.

Las piezas más emblemáticas en subasta

La colección incluye desde el pijama de leopardo que Lauper usó en el video de 'Girls Just Want to Have Fun', comprado originalmente en un catálogo por su familia, hasta el sujetador de metal y el tocado del video de 'True Colors'¹. También se exhiben una muñeca Raggedy Ann del mismo video y un sofá de lunares multicolor, además de partituras manuscritas y vestidos icónicos como el de cuadros rojos que llevó a los primeros MTV Video Music Awards en los años 80¹.

Durante una visita privada a la exposición, Lauper recordó cómo su entorno familiar en el barrio de Queens y su trabajo en la boutique Screaming Mimi’s influyeron en su estilo, combinando prendas de diseñadores como Vivienne Westwood y Alexander McQueen con detalles de bricolaje¹.

Cyndi Lauper y la libertad creativa

Lauper explicó que la muestra busca inspirar tanto a jóvenes como a adultos a descubrir y recordar la individualidad creativa¹. 'Lo hice para inspirar a la gente', afirmó la cantante, quien considera que la creatividad debe ser personal y libre de restricciones¹.

En la exposición se observa la evolución de su gusto, desde piezas vintage hasta creaciones propias que combinan arte y moda, como el conjunto azul eléctrico de Dolce & Gabbana que personalizó para el álbum 'Twelve Deadly Cyns'¹.

Postura ante la cultura de la cancelación

Lauper reiteró su rechazo a la cultura de la cancelación, incluso al ser cuestionada sobre colaboraciones recientes con artistas ligados a figuras políticas polémicas¹. 'No creo en la cancelación', declaró, argumentando que la discusión y la evolución personal requieren apertura y diálogo¹.

La cantante señaló que su experiencia en el activismo le enseñó la importancia de escuchar a quienes piensan diferente y permitir que las personas evolucionen¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. The Guardian

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The Guardian: https://www.theguardian.com/music/2026/oct/21/cyndi-lauper-auction-fashion

La Feria Internacional del Libro del Estado de México (FILEM) 2026 celebra su edición número 12 en Toluca, con más de 300 actividades culturales abiertas al público y entrada libre hasta el 24 de octubre en la Plaza de los Mártires.^1,2

Este año, la feria destaca un enfoque en la literatura escrita por mujeres bajo el lema “Más autoras, más mundos”, y extiende su programación a 12 sedes, incluyendo municipios fuera de la capital estatal como Amecameca, Tenancingo y Texcoco.^1,2

La programación y la oferta cultural

El evento también incluye propuestas dirigidas a la infancia y la juventud, así como espacios gastronómicos y artesanales.¹ Todas las actividades son gratuitas, permitiendo el acceso de familias y público general a distintas disciplinas del arte en el corazón del Estado de México.²

El foro FOEM es uno de los espacios destacados de la feria, con sesiones diarias que inician a las 14:00 horas y abren micrófonos a ponentes y colectivos para interactuar con los asistentes.² Además, la programación completa, con horarios, participantes y sedes, puede consultarse en filem.uaemex.mx.¹

El enfoque en la literatura femenina

La edición 2026 de la FILEM se desarrolla bajo el lema “Más autoras, más mundos”, con el objetivo de visibilizar el trabajo de las escritoras y acercar al público a nuevas voces, historias y perspectivas.¹ El comité organizador expresó que este enfoque responde a la necesidad de abrir espacios equitativos en la cultura y que la lectura sea una herramienta de encuentro donde las voces de las mujeres tengan un papel protagónico.¹

La programación incluye la participación de figuras como Amandititita, Regina Orozco, Alberto Chimal y María Marcela Lagarde, quienes compartirán sus obras e inquietudes creativas en conversatorios abiertos.¹

Sedes y alcance regional

Aunque la Plaza de los Mártires en Toluca concentra la mayor parte de las actividades, la FILEM 2026 se extiende a 12 sedes alternas, incluyendo tres fuera de Toluca: Amecameca, Tenancingo y Texcoco.^1,2 El cierre de las actividades externas está previsto para el viernes 23 de octubre en el Centro Cultural Mexiquense Bicentenario, en Texcoco.²

La expansión de la feria a otros municipios busca llevar la oferta cultural a regiones alejadas del Valle de Toluca y ampliar la convocatoria a públicos diversos.²

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. La Razón de México
2. El Heraldo de México

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La Razón de México: https://www.razon.com.mx/estados/2026/10/20/arranca-la-filem-2026-en-toluca-con-musica-y-libros-gratis/

La edición de este año tendrá como figura central a La Catrina de José Guadalupe Posada, acompañada de tapetes de aserrín y flores de cempasúchil. Se prevé la presencia de la jefa de Gobierno, Clara Brugada, y de la secretaria de Cultura de la CDMX, Ana Francis López Bayghen Patiño, en la inauguración del evento¹.

Fechas y detalles de la Megaofrenda 2026

La Megaofrenda podrá visitarse en el Zócalo de la CDMX desde el 29 de octubre hasta el 2 de noviembre de 2026. El Gobierno capitalino invita a los asistentes a acudir disfrazados o con atuendos alusivos al Día de Muertos, y a tomarse fotografías en el altar monumental¹.

Cada año, la ofrenda monumental elige una temática distinta; en 2026, La Catrina será la protagonista. Además de la exhibición principal, se instalarán tapetes de aserrín y flores de cempasúchil, elementos tradicionales de la festividad¹.

La Catrina y el legado de José Guadalupe Posada

La Catrina, originalmente llamada 'Calavera Garbancera', fue creada por el grabador y caricaturista José Guadalupe Posada, quien nació en 1852 en Aguascalientes y falleció en 1913 en la Ciudad de México¹. Su obra es reconocida por su crítica social y por influir en el arte mexicano de generaciones posteriores, siendo considerado precursor del movimiento nacionalista en las artes plásticas por artistas como José Clemente Orozco y Diego Rivera¹.

La figura de La Catrina hace referencia a quienes, teniendo sangre indígena, pretendían ser europeos y renegaban de su herencia y cultura, según la Secretaría de Relaciones Exteriores¹.

Otras actividades y ofrendas en la ciudad

Además de la Megaofrenda en el Zócalo, la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) instalará su tradicional ofrenda en la explanada del Universum, del 31 de octubre al 2 de noviembre, con horario de 11:00 a 21:00 horas¹.

En 2026, la UNAM celebra su 475 aniversario y presenta la ofrenda como un espacio para fortalecer la identidad y los lazos de la comunidad universitaria. Diversas actividades culturales están previstas en la capital para que habitantes y visitantes disfruten de estas fechas¹.

Qué significa para México

La Megaofrenda del Zócalo es una de las celebraciones más queridas y representativas del Día de Muertos en México, reuniendo a familias, turistas nacionales e internacionales en un espacio de memoria, arte y tradición¹.

El evento contribuye a preservar y difundir el patrimonio cultural mexicano, además de impulsar el turismo y la convivencia social en la Ciudad de México durante estas fechas señaladas¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. Expansión

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Expansión: https://politica.expansion.mx/cdmx/2026/10/20/megaofrenda-zocalo-cdmx-dias-visitar-altar-muertos-2026

Octavio Ocampo, promotor para recuperar la Grandeza de Michoacán y legislador, reiteró su respaldo a este evento cívico y cultural, destacando la importancia de preservar estas tradiciones que transmiten valores y fortalecen la identidad histórica del estado¹.

La obra y la ocasión

La Cabalgata Por la Ruta de la Independencia es considerada uno de los eventos cívicos y culturales más representativos de Michoacán, celebrándose cada año para honrar el legado de José María Morelos y Pavón¹.

Durante la cabalgata, los participantes recorren rutas históricas relacionadas con la lucha insurgente, recordando el episodio del 20 de octubre de 1810, cuando Miguel Hidalgo y Costilla encomendó a Morelos la misión de extender el movimiento independentista y fortalecer la resistencia contra el dominio español¹.

La participación y el respaldo

Octavio Ocampo subrayó la relevancia de mantener vivas estas tradiciones, destacando la participación de hombres y mujeres, así como el compromiso de los municipios que integran los contingentes de la cabalgata¹.

Ocampo expresó que honrar a Morelos implica mantener presentes los principios de justicia, igualdad y libertad que defendió durante la lucha insurgente, invitando a reflexionar sobre la vigencia de esos ideales ante los desafíos actuales¹.

Preservar el patrimonio cultural

El legislador reafirmó su compromiso de impulsar y preservar el patrimonio cultural de Michoacán, enfatizando la importancia de que las nuevas generaciones conozcan su historia y encuentren en ella motivos para construir una sociedad más justa y unida¹.

Ocampo reconoció el esfuerzo de quienes participan y organizan la cabalgata, considerando que estas actividades contribuyen a fortalecer el orgullo y la identidad de Michoacán¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

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1. Changoonga

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Changoonga: https://changoonga.com/2026/10/20/octavio-ocampo-respalda-cabalgata-por-la-ruta-de-la-independencia-en-michoacan/

El evento, que inició en 2018, ha evolucionado hasta convertirse en un atractivo internacional, recibiendo a visitantes de 17 países y posicionando a Guadalajara como un destino destacado para disfrutar de esta festividad¹.

Lo que había pasado: En la cobertura anterior del 16 de octubre, se informó que Calaverandia 2026 regresa al Parque Ávila Camacho del 20 de octubre al 8 de noviembre, con más de 30 atracciones y espectáculos renovados para celebrar el Día de Muertos (Calaverandia 2026 transforma Guadalajara con nuevas experiencias de Día de Muertos).

Un recorrido por Calaverandia 2026

Al ingresar al parque, una catrina de 15 metros de altura da la bienvenida a los asistentes, marcando el inicio de un recorrido entre senderos iluminados y escenarios temáticos como El Gran Altar, El Inframundo, Omitlán y Limbo¹.

Entre las principales atracciones destaca 'Alma', un espectáculo 4D proyectado sobre el lago, que utiliza luces, imágenes y efectos audiovisuales para llevar al público por un viaje emocional¹. Los visitantes también pueden explorar un cementerio interactivo, una zona neón y un pueblito pintoresco, además de múltiples espacios diseñados para fotografías¹.

Recepción y crecimiento internacional

Desde su creación, Calaverandia ha recibido a más de 450 mil personas, incluyendo turistas de 17 países¹. En 2025, el evento reunió a más de 90 mil visitantes, consolidando su éxito y la curiosidad que despierta la celebración del Día de Muertos dentro y fuera de México¹.

La propuesta de Calaverandia ha contribuido a que Guadalajara sea reconocida como un referente en experiencias culturales originales durante la temporada¹.

Horarios, precios y cómo llegar

Calaverandia 2026 abre de domingo a jueves de 19:00 a medianoche, y viernes y sábado hasta la 1:00 de la mañana. El lunes 26 de octubre permanecerá cerrado¹.

Los boletos generales cuestan $840 MXN para adultos y $420 MXN para niños de 4 a 12 años. La modalidad Comfort tiene un precio de $1,600 para adultos y $870 para niños. Hay tarifas especiales de $580 MXN para adultos mayores con credencial INAPAM y $480 para personas con discapacidad. Los niños de hasta tres años entran gratis¹.

El parque está ubicado en avenida Manuel Ávila Camacho s/n, colonia Lomas del Country, Guadalajara, Jalisco, cerca de Plaza Patria. Se puede llegar en la Línea 3 del Tren Ligero, bajando en la estación Plaza Patria¹.

Opciones para complementar la visita

Quienes asistan a Calaverandia pueden aprovechar para recorrer otros atractivos de Guadalajara, como el centro histórico, la Catedral Metropolitana, el Instituto Cultural Cabañas, el Teatro Degollado, el Templo Expiatorio y el Bosque Los Colomos¹.

El Acuario Michin y la colonia Americana, con su oferta gastronómica y de ocio, también son alternativas recomendadas para quienes buscan ampliar su experiencia en la ciudad¹.

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1. México Desconocido

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México Desconocido: https://www.mexicodesconocido.com.mx/calaverandia-2026-guadalajara.html

La transmisión se realizará en vivo a través de Disney+, la aplicación de ESPN, Disney Channel y Disney XD, y estará disponible poco después bajo demanda en Disney+ para varias regiones, incluyendo América Latina, el Caribe, Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Países Bajos, parte de África, Japón, Suecia, Singapur, Malasia y Filipinas¹.

Cómo será la transmisión especial

El especial animado de Star Wars durante el Super Bowl LXI utilizará tecnología para replicar las acciones de los jugadores en tiempo real, mostrando avatares animados y la presencia de personajes de toda la franquicia. Además de los jugadores, el público y el personal del evento también aparecerán en versión animada dentro de la transmisión¹.

Este formato, conocido como Funday Football, ya ha sido utilizado en colaboraciones previas de la NFL con Disney, presentando animaciones temáticas de Toy Story y Los Simpsons en años anteriores. El especial de Toy Story, por ejemplo, se emitió durante un partido de los Atlanta Falcons contra los Jacksonville Jaguars en 2023¹.

Elenco y detalles de la producción

Entre los personajes destacados estará C-3PO, interpretado por Anthony Daniels, quien forma parte del elenco original de Star Wars desde 1977. La producción contará con la participación de figuras reconocidas de la franquicia¹.

El concepto Funday Football ha sido galardonado con varios premios Emmy deportivos por su innovación en la transmisión de eventos deportivos animados¹.

Dónde, cuándo y cómo ver el especial

La transmisión animada de Star Wars Funday Football se realizará en vivo el 14 de febrero de 2027 a través de Disney+, la aplicación de ESPN, Disney Channel y Disney XD; en Canadá estará disponible mediante TSN+¹. El evento tendrá lugar en el Super Bowl LXI, el máximo partido de la NFL, y la versión animada estará disponible bajo demanda en Disney+ poco después de la transmisión en vivo¹.

Recepción y antecedentes

El formato Funday Football ha recibido reconocimiento en la industria, obteniendo tres premios Emmy deportivos por su primera entrega con Toy Story en 2023¹.

La integración de franquicias populares en eventos deportivos ha sido parte de una tendencia en el entretenimiento deportivo, con colaboraciones previas que incluyeron a Los Simpsons y Toy Story bajo el mismo concepto¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

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1. 24 Horas

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24 Horas: https://24-horas.mx/dxt/star-wars-llegara-al-funday-football-para-el-super-bowl-de-la-nfl/

En el evento, García Bernal anunció una renovada alianza con el Festival Internacional de Cine de Morelia y la entrega de un estímulo de 100 mil pesos al ganador de la sección Impulso Morelia 12, destinado a apoyar la posproducción de documentales¹.

Ambulante 2027 y el apoyo a cineastas

La Gira de Documentales Ambulante 2027 fue presentada en Morelia como parte de una colaboración con el Festival Internacional de Cine que se realiza en la ciudad. El proyecto, fundado hace más de dos décadas por Gael García Bernal y Diego Luna, busca promover el género documental en México y acercarlo a nuevos públicos¹.

Como parte de las actividades, se otorgará un estímulo de 100 mil pesos al proyecto ganador de la sección Impulso Morelia 12, lo que representa un apoyo concreto a cineastas en la etapa de posproducción de sus obras¹.

El valor de la experiencia en el cine

El actor lamentó que factores como el auge de contenidos digitales y la falta de recursos hayan afectado la asistencia a las salas y el apoyo a proyectos como Ambulante, que enfrenta dificultades para conseguir patrocinios¹.

Documentales y temas sociales

García Bernal recordó la labor de Eugenio Polgovsky, documentalista fallecido en 2017 y amigo cercano, quien contribuyó a la creación de Ambulante. Destacó el documental 'Resurrección', que abordó la crisis de agua en Guadalajara y la devastación ambiental en el Salto de Juanacatlán, un tema que sigue vigente¹.

El actor criticó la falta de acción de autoridades y políticos frente a problemas sociales documentados por el cine, y resaltó la importancia del género documental como herramienta para informar y cuestionar la realidad¹.

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/gael-garcia-bernal-invita-a-los-jovenes-a-regresar-al-cine-pasan-un-monton-de-cosas-hasta-ligar/

La trama y el proceso de 'Heil Júpiter'

'Heil Júpiter' es un drama que explora la vigilancia de una entidad oscura sobre dos parejas jóvenes de pintores, quienes desafían la moral impuesta por el destino y enfrentan juicios y castigos por sus actos¹. Reygadas explicó que la película, cuyo rodaje tomó tres años, originalmente se titulaba 'Estela de sombra', pero el cambio de nombre responde a su visión del mundo actual, que percibe como más oscuro y sometido a la productividad y la falta de tiempo para el ocio y las relaciones personales¹.

El regreso de Reygadas y su vida personal

El director compartió que su ausencia del cine se debió al nacimiento de sus hijos y a su interés por dedicarse a otras actividades creativas, como la escritura y la construcción de casas¹. Reygadas afirmó que, aunque ama el cine, también valora el tiempo con su familia y otras formas de expresión¹.

Recepción y señalamientos previos

Durante su aparición en Morelia, Reygadas fue cuestionado sobre señalamientos de abuso hacia mujeres surgidos en redes sociales en 2019, incluyendo acusaciones de haber pedido a algunas mujeres desnudarse para actos sexuales¹. El director señaló que nunca hubo un procedimiento legal público y que su relación con las redes sociales es distante, lo que, según él, limita su voz pero también evita la dimensión performática y fantasiosa de estos espacios¹.

Cuándo llegará a salas la película

Reygadas indicó que 'Heil Júpiter' está prevista para llegar a salas de cine en 2027¹.

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/carlos-reygadas-regresa-al-cine-tras-ocho-anos-con-heil-jupiter-su-nueva-pelicula-llegara-en-2027/

En contraste, autoridades estatales y federales informaron que el festival registró 386 mil 300 asistentes, un aumento del 17% frente a los 330 mil de 2025, y una ocupación hotelera promedio del 60%, aunque la prensa local cuestionó la congruencia de estas cifras¹.

Las protestas de la comunidad artística

Durante la última semana del Cervantino, un colectivo de aproximadamente 50 artistas locales realizó dos protestas públicas en el Teatro Juárez. Los manifestantes, que representaban a músicos tradicionales, cartoneros, bailarines, cineastas y directores teatrales, reclamaron que el festival perdió una de sus características esenciales: el arte callejero¹.

Nayelli, una de las artistas participantes, explicó que los permisos para usar espacios públicos se restringen en eventos grandes como el Cervantino y el Día de Muertos, lo que limita las oportunidades para los creadores locales.

Exclusión y uso del espacio público

María José Abreu, gestora cultural e investigadora, señaló que el gobierno municipal retiró a músicos callejeros durante esta edición del Cervantino, priorizando el uso turístico del espacio público. Abreu criticó que, mientras las autoridades pueden organizar actividades y ventas en estos espacios, los habitantes de la ciudad enfrentan obstáculos para utilizarlos¹.

El artista teatral Mario Montesinos compartió su experiencia con la burocracia al intentar presentar una obra en el Teatro Juárez, destacando las trabas institucionales que enfrentan los creadores locales¹.

Cifras oficiales y dudas de la prensa

La secretaria de Cultura de Guanajuato, Lizeth Galván Cortés, informó que la programación en la capital reunió a 315 mil 134 asistentes, un aumento del 4.7%. Rubén Morales, presidente de la Asociación de Hoteles y Moteles, estimó una ocupación hotelera de entre el 60% y 61%, con 70 mil personas hospedadas en la capital¹.

Un comunicado federal reportó 386 mil asistentes totales, un incremento del 17% respecto a 2025, y una derrama económica aproximada de 519.9 millones de pesos. El Circuito Cervantino sumó 71 mil 165 asistentes. Sin embargo, la prensa local cuestionó la compatibilidad de estos datos, especialmente la relación entre la ocupación hotelera y la cifra de asistentes¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

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1. El Universal

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/artistas-descontentos-y-cifras-dudosas-en-el-cervantino/

El proceso creativo y el elenco

El colectivo francés (LA)HORDE requirió seis meses de trabajo para montar Room with a View, mientras que la versión mexicana logró consolidarse tras un mes de residencia artística en Guanajuato¹. Los 17 bailarines, seleccionados entre 250 aspirantes, pasaron por jornadas intensas para aprender la coreografía, que exige resistencia física y emocional¹. El elenco incluye intérpretes de entre 21 y 36 años, con estilos que van del hip-hop y break dance a las artes circenses y la danza contemporánea, lo que aporta diversidad y riqueza a la puesta en escena¹.

La obra y sus temas

Room with a View se distingue por su enfoque en la resistencia, la colectividad y la manifestación social, reflejando un contexto latinoamericano y mexicano que atraviesa tanto a los artistas como al público¹. La escenografía evoca una cantera de mármol y el productor RONE esculpe paisajes electrónicos y emocionales a través de la música en vivo¹. Algunas escenas abordan la violencia sexual y física, y los intérpretes han trabajado estos momentos desde el diálogo y el consentimiento, buscando transmitir su significado de manera orgánica¹.

Recepción y ambiente en el escenario

Durante los ensayos, los bailarines muestran entusiasmo y unión, destacando la importancia de la colectividad en la obra¹. El ambiente previo a cada función es de motivación y alegría, con momentos de relajación donde el elenco canta y baila para liberar tensiones antes de regresar a sus roles¹. Al finalizar cada ensayo, los intérpretes expresan satisfacción por superar los retos físicos y emocionales que implica la pieza¹.

Dónde y cuándo ver la obra

La versión mexicana de Room with a View tendrá funciones en el Teatro del Bosque Julio Castillo del Centro Cultural del Bosque los días 24 y 25 de octubre¹. El sábado la función será a las 19:00 horas y el domingo a las 18:00 horas¹.

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1. La Razón de México

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La Razón de México: https://www.razon.com.mx/cultura/2026/10/20/el-desafio-detras-de-la-version-mexicana-de-la-horde/

La película, dirigida por Eif Rivera, se estrenará en salas mexicanas este mismo año y narra los cinco días en los que Castro viaja a Nueva York para ofrecer su primer discurso ante la ONU¹.

La colaboración entre Boneta y Pacino

Boneta recordó que desde niño admiraba a Al Pacino, a quien su padre le presentó a través de la saga El Padrino. Veinticinco años después, el actor mexicano expresó su asombro por haber compartido el set con su ídolo, destacando la sencillez y pasión de Pacino, quien a sus 86 años mostró una actitud curiosa y entusiasta durante el rodaje¹.

La trama y el reto del personaje

En Killing Castro, Boneta interpreta a Fidel Castro, un personaje que describió como controversial y desafiante. El actor señaló que recibió recomendaciones de no aceptar el papel, pero decidió asumirlo con seriedad y responsabilidad, preparándose durante año y medio y consultando a historiadores para comprender mejor al personaje¹.

Boneta aclaró que la película no es una biografía, sino que se centra en los acontecimientos de cinco días específicos, cuando Castro visita Nueva York para hablar ante la ONU en 1960¹.

El estreno y el equipo detrás de la película

Killing Castro es dirigida por Eif Rivera, conocido por trabajos como For Life y F.B.I. La película tuvo una función especial en el marco del Festival Internacional de Cine de Morelia 2026 y se estrenará en salas mexicanas este año¹.

Además de su papel protagónico, Boneta participó como productor ejecutivo. El actor cuenta con experiencia en producciones internacionales y en inglés desde 2012, incluyendo títulos como La era del rock, Terminator: destino oculto y Campamento del terror¹.

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/diego-boneta-y-su-relacion-con-al-pacino-el-actor-mexicano-presente-en-el-ficm/

La nueva apariencia del intérprete de “La Plaga” acaparó la atención durante la promoción de su gira conjunta con Angélica María, dejando en segundo plano los detalles de su proyecto musical¹.

La aparición junto a Angélica María

Enrique Guzmán reapareció ante la prensa acompañado de la actriz y cantante Angélica María para hablar sobre su gira titulada “La Despedida”, en la que ambos comparten escenario¹.

Durante este encuentro, las imágenes de Guzmán con un rostro visiblemente más rejuvenecido y rígido comenzaron a circular masivamente, lo que provocó que las redes sociales se llenaran de preguntas y especulaciones sobre posibles tratamientos estéticos¹.

Reacciones y comentarios en redes sociales

La difusión de las fotografías generó una rápida respuesta de los internautas, quienes señalaron que el cantante podría haberse sometido a algún procedimiento para rejuvenecer su apariencia¹.

Las críticas y comentarios negativos predominaron, y algunos usuarios sugirieron que el maquillaje y la iluminación también pudieron haber influido en la percepción de su nuevo aspecto¹.

La respuesta de Enrique Guzmán

Ante los cuestionamientos sobre su apariencia, Enrique Guzmán respondió con humor que se había “estirado todo” y reconoció que llevaba maquillaje¹.

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1. Diario de Yucatán

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Diario de Yucatán: https://www.yucatan.com.mx/espectaculos/farandula/2026/10/19/enrique-guzman-sorprende-con-nueva-apariencia-el-arreglito-en-su-cara-no-convence.html

Ambos espectáculos, parte del programa francés invitado, ofrecieron experiencias inmersivas y provocadoras que generaron reacciones diversas entre el público asistente¹.

Lo que había pasado: En una nota anterior se informó que Gratte Ciel defendió el arte en espacios públicos y la conexión directa con el público en Guanajuato con ‘RoZéO’ durante el Cervantino (Gratte Ciel lleva RoZéO a las calles de Guanajuato).

‘RoZéO’: danza aérea en la Plaza Allende

‘RoZéO’ se presentó en la explanada de la Plaza Allende, donde tres bailarines con faldones azul índigo y el torso descubierto flotaron suspendidos sobre varillas metálicas, en una puesta en escena que fusionó la danza aérea con el entorno urbano y natural de Guanajuato¹.

La música en vivo de la compositora Pauline Frémeau acompañó la coreografía, mientras el equipo creativo definió la obra como ‘una instalación en el paisaje’ ante el público, destacando la influencia del clima y el color del cielo en la experiencia de cada función¹.

El público fue invitado a acercarse y sentarse bajo los bailarines, quienes, con recursos mínimos como faldones y capas de plástico, crearon imágenes orgánicas y etéreas; la presentación culminó con un aplauso general y la dispersión de la multitud, quedando la sensación de una belleza efímera¹.

‘Room with a View’: rave, violencia y comunión

En el Auditorio del Estado de Guanajuato, ‘Room with a View’ ofreció una versión mexicana en la que la cultura del rave y la exploración de la violencia y la sexualidad se entrelazaron en escena¹.

El músico francés Rone, actuando como guía y figura central, lideró una propuesta donde el colectivo (LA)HORDE/Ballet Nacional de Marsella, conocido por su trabajo con artistas como Rosalía, incluyó a bailarines mexicanos para esta función especial¹.

El espectáculo abordó la rebelión de los oprimidos, la belleza en lo sórdido y la lucha colectiva, generando una reacción dividida: una pequeña parte del público abandonó la sala ante escenas de desnudez y confrontación, mientras la mayoría permaneció y ovacionó la función durante varios minutos¹.

Reacciones del público y significado de las obras

Ambos espectáculos dejaron huella en la audiencia: ‘RoZéO’ fue recibido con aplausos y admiración por su integración con el espacio público y su carácter efímero¹.

‘Room with a View’ provocó tanto incomodidad como entusiasmo, reflejando la capacidad de la danza contemporánea para confrontar temas sociales y emocionales profundos, y para suscitar debate en torno a los límites del arte escénico¹.

Dónde y cuándo verlos

Las funciones de ‘RoZéO’ y ‘Room with a View’ se realizaron el fin de semana en la Plaza Allende y el Auditorio del Estado de Guanajuato, respectivamente, como parte del programa del 54 Festival Internacional Cervantino¹.

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/rozeo-y-room-with-a-view-dos-espectaculos-profundos-de-danza-en-el-54-festival-internacional-cervantino/

El festival se desarrollará del 29 de octubre al 3 de noviembre en distintos puntos de Madrid, con actividades que incluyen arte, gastronomía y expresiones culturales mexicanas¹.

Lo que había pasado: El 12 de octubre informamos sobre el gran desfile de catrinas 2026 en la Ciudad de México, que combina arte, moda y tradición del Día de Muertos con un enfoque en la sostenibilidad (Gran desfile de catrinas 2026 en CDMX fecha, horarios y ubicación).

El desfile y la fiesta mexicana en Madrid

El evento central será el desfile denominado El Desfile, que se llevará a cabo el 1 de noviembre de las 5:00 de la tarde a 8:00 de la noche. Más de 500 participantes, 100 artistas y dos carrozas monumentales recorrerán desde la Embajada de México, pasando por la Puerta del Sol, hasta llegar a la Plaza Mayor¹.

Al finalizar el recorrido, la Plaza Mayor será escenario de una gran fiesta mexicana con música en vivo, danza y folclore, permitiendo a madrileños y turistas disfrutar de la cultura y los colores que distinguen al Día de Muertos¹.

Actividades culturales y gastronómicas

Se realizará una experiencia culinaria con colaboraciones entre chefs mexicanos y españoles de reconocida trayectoria, para mostrar el diálogo entre ambas cocinas y compartir sabores tradicionales de México¹.

Otras opciones: la ofrenda en Casa de México

El ambiente de Día de Muertos también podrá vivirse en Casa de México en España, un espacio cultural que presenta su tradicional ofrenda dedicada este año a Agustín Lara, reconocido compositor e intérprete mexicano¹.

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1. Directo al Paladar México

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Directo al Paladar México: https://www.directoalpaladar.com.mx/viajes-y-estilo-de-vida/mexico-llega-a-espana-dia-muertos-asi-sera-desfile-catrinas-fiesta-mexicana-madrid

Lo que había pasado: El 15 de octubre de 2026, Los Tigres del Norte participaron en el Tiny Desk Concert con un mensaje dirigido a migrantes, interpretando 'Somos más americanos' y otros éxitos emblemáticos (Los Tigres del Norte debutan en Tiny Desk con mensaje a migrantes).

El legado de Los Tigres del Norte

Durante su conferencia matutina en Palacio Nacional el 19 de octubre de 2026, Claudia Sheinbaum resaltó que Los Tigres del Norte han sido una voz fundamental para las comunidades migrantes mexicanas en Estados Unidos^1,2,3. La presidenta mencionó que la agrupación ha abordado en sus canciones temas de migración y la experiencia de los mexicanos en el exterior, citando el verso “yo no crucé la frontera, la frontera me cruzó” como ejemplo de su impacto cultural^1,2,3.

Sheinbaum afirmó que la música del grupo ha ayudado a preservar la identidad cultural de millones de connacionales fuera del país y que, a través de su arte, defienden y visibilizan a los mexicanos en el exterior^1,2,3.

Reconocimientos y planes para 2027

La presidenta informó que en 2027, cuando la agrupación cumpla 50 años, el Gobierno de México organizará homenajes y reconocimientos públicos para destacar su trayectoria^1,2,3. Sheinbaum subrayó que, a diferencia de Estados Unidos, donde incluso hay calles con el nombre del grupo, en México han recibido menos homenajes y que es momento de reconocer su legado en su país de origen^1,2,3.

El anuncio se realizó tras la reciente participación de Los Tigres del Norte en el Tiny Desk Concert y una visita de la banda a Palacio Nacional, donde la reunión prevista para 15 minutos se extendió por dos horas debido a la conversación sobre migración, música y cultura^1,2,3.

Migración, identidad y rechazo al racismo

Sheinbaum reiteró el compromiso de su gobierno como aliado de los mexicanos en el exterior y rechazó cualquier forma de racismo^1,3. La mandataria destacó la labor de los consulados mexicanos para proteger los derechos humanos de los connacionales, especialmente de quienes enfrentan situaciones de vulnerabilidad en Estados Unidos^1,3.

En este contexto, Sheinbaum mencionó que el programa musical México Canta busca fortalecer los vínculos culturales de jóvenes mexicanos, incluidos quienes nacieron en Estados Unidos¹. También informó que el gobierno federal presentará una denuncia y reforzará la labor consular tras la muerte de un mexicano en un centro de detención estadounidense¹.

Recepción y polémica tras el Tiny Desk

La presentación de Los Tigres del Norte en el Tiny Desk Concert generó polémica después de que NPR retirara temporalmente de YouTube parte del mensaje de Félix Contreras, productor y conductor, quien señaló que la comunidad latina en Estados Unidos 'está bajo ataque' y recordó episodios de discriminación¹.

Tras críticas, NPR restauró la introducción completa en su sitio web y explicó que el fragmento fue retirado para una revisión editorial, sin detallar los motivos específicos¹.

Fuentes

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1. Aristegui Noticias
2. El Universal
3. SDP Noticias

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Aristegui Noticias: https://aristeguinoticias.com/1910/mexico/sheinbaum-anuncia-homenajes-a-los-tigres-del-norte-por-su-trayectoria/

El animal, que llevaba un collar rojizo, se mostró confiado y amigable, integrándose espontáneamente en una de las fotografías grupales del evento, lo que generó reacciones de ternura y entusiasmo entre los asistentes¹.

El protagonista inesperado de la noche

El perro fue captado en video mientras caminaba por la zona de fotógrafos y personas reunidas detrás de la valla de contención, sin mostrar señales de intimidación ante el bullicio y la multitud¹.

En un momento clave, el animal se acercó a un grupo que posaba para una fotografía y, como si tuviera invitación, se acomodó entre los presentes para formar parte de la imagen¹.

Reacciones de asistentes y fotógrafos

Las personas que rodeaban al perro reaccionaron con entusiasmo: uno de los asistentes lo abrazó y otra persona comenzó a acariciarle las orejas y la cabeza¹.

El perro respondió recostándose con el pecho hacia arriba, postura que suele asociarse con comodidad y confianza en los perros, mientras los presentes continuaban acariciándolo y las cámaras capturaban la escena¹.

¿Quién es el perro de la alfombra roja?

El perro llevaba un collar rojizo, lo que sugiere que podría tener dueño, aunque en el video no se observa a nadie que se acerque a recogerlo¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. El Heraldo de México

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El Heraldo de México: https://heraldodemexico.com.mx/tendencias/2026/10/19/perrito-se-cuela-en-la-alfombra-roja-del-festival-de-cine-de-morelia-se-roba-todas-las-miradas-video-911780.html

La actriz y cantante brasileña Lua Blanco, conocida internacionalmente por interpretar a Roberta Messi en la telenovela juvenil 'Rebelde' en su versión brasileña, falleció a los 39 años tras luchar contra el cáncer durante los últimos meses de su vida, informaron sus familiares el domingo 18 de octubre por medio de un comunicado difundido en redes sociales^1,2,3,4.

Su hermano Daniel Blanco confirmó la noticia y agradeció el apoyo recibido, destacando que Lua estuvo acompañada por su familia y amigos en todo momento y partió en paz^2,3.

El legado de Lua Blanco en la televisión

Lua Blanco alcanzó la fama internacional en 2011 al interpretar a Roberta Messi, la protagonista de la adaptación brasileña de la telenovela 'Rebelde', transmitida por Record TV entre 2011 y 2012^1,2,3. Su personaje, una adolescente apasionada por la música y de personalidad fuerte, conectó con el público juvenil y consolidó a Blanco como una de las figuras más reconocidas de la televisión brasileña³.

Además de su papel en 'Rebelde', Lua participó en otros proyectos televisivos y teatrales en Brasil, como 'Malhação' y 'A Força do Querer' de TV Globo, y formó parte de agrupaciones musicales, además de lanzar proyectos como solista^2,4.

Reacciones y despedidas en el medio artístico

La noticia del fallecimiento generó conmoción entre seguidores y colegas de la actriz. Dulce María, quien interpretó a Roberta Pardo en la versión mexicana de 'Rebelde', expresó su sorpresa y tristeza en redes sociales, recordando que tuvo la oportunidad de conocer y grabar junto a Lua Blanco durante una participación especial en la adaptación brasileña en 2012^3,4.

En su mensaje, Dulce María escribió: “Completamente en shock, tuve la oportunidad de conocerla y grabar juntas. Lo siento muchísimo, pido a Dios que les dé fuerza y pronta resignación a sus familiares, amigos y fans. Les mando un abrazo con todo mi cariño. Vuela alto Lua bonita”⁴.

La vida personal y familiar de Lua Blanco

Lua María Blanco nació en São Paulo, Brasil, y provenía de una familia con una fuerte tradición musical: era hija del músico Billy Blanco Jr. y de la profesora y musicista Maria Claudia Blanco, además de nieta del compositor Billy Blanco, vinculado a los orígenes de la bossa nova^1,2.

Durante su enfermedad, la actriz decidió mantener su diagnóstico en privado, compartiéndolo solo con un círculo cercano. Según medios brasileños citados en los reportes, se trató de un cáncer de intestino diagnosticado en etapa avanzada; Blanco recibió quimioterapia y fue sometida a cirugía, pero su salud se deterioró en los días previos a su fallecimiento^3,4.

Versiones de los hechos

• Tipo de cáncer que enfrentó Lua Blanco: No se detalló el tipo de cáncer, solo que fue una enfermedad crónica¹; Medios brasileños reportaron que se trató de un cáncer de intestino diagnosticado en etapa avanzada³; Familiares informaron que enfrentó un cáncer intestinal en los últimos meses de su vida⁴.

Fuentes

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1. yucatan.com.mx
2. heraldodemexico.com.mx
3. quien.com
4. Quién

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Diario de Yucatán: https://www.yucatan.com.mx/espectaculos/2026/10/19/muere-lua-blanco-actriz-de-rebelde-a-los-39-anos.html

Durante su participación en el programa The Graham Norton Show, Tarantino explicó que mantendrá guardado el guion cinematográfico hasta concluir su trabajo como responsable de la obra teatral 'The Popinjay Cavalier', que se presentará en el circuito del West End londinense a partir de marzo y contará con Sacha Baron Cohen como protagonista.¹

La obra teatral y su transformación

El texto dramático de 'The Popinjay Cavalier' surgió originalmente como un guion cinematográfico de capa y espada con elementos de farsa francesa, pero fue transformado en una pieza teatral tras analizar su estructura.¹ Tarantino afirmó que "realmente funcionaba como una obra de teatro".¹

El montaje tendrá su estreno en el West End de Londres a partir de marzo, con Sacha Baron Cohen encabezando el elenco.¹

El futuro de la décima película

Tarantino confirmó que el guion de su décima película está terminado, aunque permanecerá resguardado hasta que concluya su incursión teatral.¹ Tras el debut de la obra, el cineasta planea alejarse temporalmente de los rodajes para dedicarse a su vida personal junto a su esposa Daniella Pick, con quien espera el nacimiento de su tercer hijo.¹

El anuncio del nuevo guion se produjo meses después de que el director cancelara el proyecto 'The Movie Critic', que originalmente iba a ser su décimo largometraje, para concentrarse en su nueva idea.¹

Próximos estrenos relacionados

Mientras Tarantino se dedica al teatro, la plataforma Netflix estrenará a finales de este año la película 'Las aventuras de Cliff Booth', un spin-off derivado de 'Erase una vez en Hollywood'.¹ El guion fue escrito por Tarantino, la dirección está a cargo de David Fincher y Brad Pitt protagoniza la cinta.¹

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

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1. El Heraldo de México

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El Heraldo de México: https://heraldodemexico.com.mx/espectaculos/2026/10/19/quentin-tarantino-termino-el-guion-de-su-decima-ultima-pelicula-pero-tomo-una-decision-que-retrasa-su-despedida-del-cine-911750.html

El concurso, convocado por la Secretaría de Cultura del gobierno de México y el Fondo Nacional para el Fomento de las Artesanías (Fonart), premió obras en categorías como textiles, alfarería, cerámica, cantería, lapidaria y arte plumario, entre otras.^1,2

Premios para Puebla: técnicas y tradiciones

Cinco artesanas y artesanos de Puebla fueron distinguidos en la edición 51 del Gran Premio Nacional de Arte Popular 2026, en las categorías de textiles, alfarería, cerámica, cantería y lapidaria.¹ Maribel Santos Secundino, originaria de Naupan, obtuvo el segundo lugar en bordado sobre tela industrial y tejido con hilos industriales por su obra 'Quexquémetl', que incorpora 21 diseños diferentes y utiliza tintes de grana cochinilla, añil y zapote; recibió un premio de 20 mil pesos.¹

Edit Pacheco Carrillo, de Los Reyes Metzontla, municipio de Zapotitlán, consiguió el tercer lugar en barro bruñido con 'Vajilla café de barro bruñido', premiada con 17 mil pesos.¹ Donato Cruz Toribio, de San Miguel Tenextatiloyan, municipio de Zautla, obtuvo el segundo lugar en barro vidriado con 'De la arcilla al durazno', pieza decorada con pastillaje e iconografía de árboles y flores de durazno, y recibió 20 mil pesos.¹

En cantería y lapidaria, Cristian Mena Fernández fue premiado con el segundo lugar por 'Don Goyo Chino Popocatépetl', y Jorge Luis Ochoa Popoca obtuvo el tercer puesto con 'El Maíz', ambas piezas en basalto negro labrado; los premios fueron de 20 mil y 17 mil pesos, respectivamente.¹

Michoacán: 29 galardones y diversidad de obras

Artesanas y artesanos de Michoacán lograron 29 galardones en el Gran Premio Nacional de Arte Popular 2026, con una bolsa total de 550 mil pesos, según informó Cástor Estrada Robles, director general de la Casa de las Artesanías de Michoacán.² Las obras premiadas abarcan técnicas y materiales diversos, desde arte plumario hasta cerámica, cobre y cera.²

Entre las personas ganadoras del primer lugar destacan Norma Lucero Rafael Julián, de Ocumicho, con 'El diablito quemando'; Luis Martín Villafuerte Solís, de Zinapécuaro, con una charola cuadrada decorada; Raúl Gildardo Ayala, de Capula, con una batea con peces; Jeovany Punzo Cázares, de Santa Clara del Cobre, con un florero de cobre con baño de estaño; María Ángeles Martina Mondragón Santoyo, de Acuitzio, con un cuadro de arte plumario; y José Luis Espinoza Zepeda, de Purépero, con una pieza en cera llamada 'Sacratísimo Corazón de Jesús'.²

También se otorgaron segundos y terceros lugares a creadores de distintas localidades, así como menciones honoríficas a maestras artesanas como Magdalena Silva Bartolo, Rosaura Ortega Pérez y Emma Tamayo Ruiz.²

La organización y el respaldo institucional

El certamen busca incentivar la preservación de técnicas ancestrales y valorar la identidad cultural de las comunidades artesanales de México, reconociendo la creatividad y el trabajo de las y los creadores en todo el país.^1,2

Versiones de los hechos

• Número de galardones obtenidos por artesanas y artesanos de Michoacán: No especifica el número de galardones para Michoacán¹; 29 galardones para Michoacán².
• Fecha y número de edición del Gran Premio Nacional de Arte Popular 2026: LI edición del concurso (51ª edición)¹; Edición 51 del Gran Premio Nacional de Arte Popular 2026².

Fuentes

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1. Puebla Online
2. Changoonga

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Puebla Online: https://www.pueblaonline.com.mx/2026/actualidad/cultura/artesanas-y-artesanos-de-puebla-ganan-el-gran-premio-nacional-de-arte-popular/167533/

Guillermo del Toro manifestó su respaldo a las protestas que exigen soluciones a la crisis del agua en Guadalajara, durante una conferencia de prensa en el Teatro Melchor Ocampo, en el marco del 24º Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM)^1,2. El cineasta calificó como "insostenible" e "indescifrable" que el acceso al agua de calidad siga siendo motivo de lucha y manifestó que se trata de un derecho humano básico^1,2.

El pronunciamiento de Guillermo del Toro

En una rueda de prensa celebrada en el Teatro Melchor Ocampo, Guillermo del Toro abordó la crisis del agua que afecta a Guadalajara, su ciudad natal, y mostró su apoyo a las manifestaciones ciudadanas que han surgido en respuesta a la mala calidad del servicio^1,2. El director afirmó que hablar del tema es urgente y sostuvo que el acceso al agua es una necesidad y una urgencia de primer orden. "Es un derecho, una necesidad y una urgencia de primerísimo humano de mínima conciencia social que se resuelva eso", expresó Del Toro¹.

El cineasta también rechazó los señalamientos de que las protestas no deban realizarse en ciertos lugares o momentos. "Hay lugares donde dice la gente 'este no es el momento', no, este es el momento; 'este no es el lugar', no, este es el lugar. Hay que decirlo y hay que manifestarlo, estoy con ellos al 100% absolutamente insostenible e indescifrable", afirmó¹.

El contexto del Festival Internacional de Cine de Morelia

La presencia de Guillermo del Toro en el Festival Internacional de Cine de Morelia no estuvo relacionada con el estreno de una nueva película, sino con la proyección especial de "El laberinto del fauno", a 20 años de su lanzamiento². El evento atrajo a numerosos periodistas y cinéfilos, quienes esperaron durante horas para escuchar al director².

Durante la conferencia, Del Toro compartió el escenario con la productora Bertha Navarro, el cinefotógrafo Guillermo Navarro, la actriz Ivana Baquero y la directora del FICM, Daniela Michel². La sala del teatro se encontraba llena y la expectativa era alta entre los asistentes².

Recepción y emociones en el encuentro

La intervención de Guillermo del Toro estuvo marcada por la emoción. El director rompió en llanto sobre el escenario al hablar sobre el presente y el futuro de las nuevas generaciones². Señaló que el mundo que se entrega a los jóvenes está "en ruinas: moral, social, espiritualmente" y lamentó la desintegración del tejido social².

El público respondió con muestras de apoyo, y algunos asistentes lograron entregarle obsequios sobre el escenario². Del Toro agradeció los gestos, aunque se mostró visiblemente afectado durante varios minutos².

Dónde y cuándo ver las actividades del FICM

El Festival Internacional de Cine de Morelia se realiza en la capital michoacana y su edición número 24 incluye proyecciones, conferencias y encuentros con figuras del cine como Guillermo del Toro^1,2. Las actividades principales se desarrollan en recintos como el Teatro Melchor Ocampo, donde se llevó a cabo la conferencia de prensa^1,2.

Nota de la Redacción: al publicar esta nota contrastamos la información disponible; la actualizaremos si otras fuentes aportan versiones distintas.

Fuentes

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1. Changoonga
2. El Economista

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/guillermo-del-toro-exige-resolver-la-crisis-del-agua-en-jalisco-es-absolutamente-insostenible-dice/

El evento, realizado en Cintermex, reunió a 700 autores de más de 15 países y ofreció una programación de 634 actividades, incluyendo presentaciones editoriales, conciertos, proyecciones y encuentros con lectores. La participación de instituciones como El Colegio Nacional y la colaboración del Tecnológico de Monterrey destacaron en la agenda cultural de esta edición^1,2.

Una edición con cifras históricas

La FIL Monterrey 2026 registró una asistencia estimada de 501,982 personas, la cifra más alta en su historia, según el balance presentado durante la clausura². Carmen Junco, presidenta de la Feria, señaló que el conteo hasta la noche del sábado era de 450,000 visitantes y que se esperaba superar el medio millón al cierre¹. El evento contó con 592 stands, 209 expositores y 502 sellos editoriales, que exhibieron más de 25,800 libros^1,2.

La programación incluyó 634 actividades, de las cuales 579 se realizaron en auditorios y salones, y más de 100 fueron organizadas por el Tecnológico de Monterrey. Participaron 700 autores de 15 países, y se registró la visita de 439 escuelas y 37,412 estudiantes. El Pabellón de la Niñez atrajo a 65,450 asistentes, mientras que el Programa Juvenil reunió a 20,350 estudiantes de secundaria, preparatoria y universidad^1,2.

El Colegio Nacional y la agenda cultural

El Colegio Nacional tuvo una presencia destacada como invitado de honor, con 10 presentaciones editoriales, conciertos y proyecciones en espacios como el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y la Cineteca de Nuevo León².

El stand de El Colegio Nacional recibió alrededor de 15,000 visitantes y vendió 3,000 ejemplares durante la Feria, según Teresa Vicencio, secretaria de la institución¹.

España y la Generación del 27, invitados en 2027

Durante la clausura se anunció que España será el país invitado de honor en la edición 2027, con un enfoque especial en la Generación del 27 y bajo el concepto 'El Gran Viaje Cultural Transatlántico'^1,2.

La próxima edición celebrará tres aniversarios: los 35 años de la Feria, los 50 años del restablecimiento de relaciones diplomáticas entre España y México y el centenario de la Generación del 27². Los organizadores buscan propiciar un diálogo entre la tradición y la contemporaneidad de España y América Latina, así como entre distintas generaciones de lectores¹.

Balance y perspectivas de la FIL Monterrey

Henoc de Santiago, director de la FIL Monterrey, agradeció el trabajo de asistentes, aliados, colaboradores, expositores y voluntarios. Judith Ruiz Godoy, decana nacional de la Escuela de Humanidades y Educación del Tecnológico de Monterrey, y Eva de Mingo, consejera científica y cultural de la Embajada de España en México, resaltaron el legado cultural y la memoria colectiva que une a España y México².

Carmen Junco afirmó que la Feria apuesta por una programación diversa y relevante, capaz de convocar distintas voces y ofrecer experiencias que inviten a regresar. 'Una feria del libro debe generar conversaciones, conectar comunidades y ampliar el acceso a la cultura', expresó Junco².

Versiones de los hechos

• Cifra total de visitantes: El conteo hasta la noche del sábado era de 450,000 visitantes y se esperaba sobrepasar el medio millón¹; La asistencia estimada fue de 501,982 visitantes².

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1. El Universal
2. El Economista

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/fil-monterrey-cierra-con-medio-millon-de-visitantes-en-2027-la-invitada-sera-espana/

La gira, titulada Fantasma, abarca un total de 18 ciudades y ha registrado llenos totales no solo en la capital, sino también en Guadalajara, Tijuana y Querétaro, consolidando el crecimiento del grupo en la escena musical mexicana¹.

La banda y su evolución

Monte Carlo nació en 2021 como proyecto solista de Ricardo Alcaraz, quien también es creador de contenido digital; en 2023 se sumaron Daniel Nuño (DNL) y Carlos Medina (Mochis), formando el actual trío¹.

El grupo ha pisado escenarios como el Lunario del Auditorio Nacional, el Foro Indie Rocks! y el C3 Stage, y ahora busca consolidarse a nivel nacional a través de su gira¹.

Alcaraz cuenta con una comunidad digital de más de 1.19 millones de suscriptores en YouTube y más de 210 millones de reproducciones, lo que ha ayudado a abrir puertas para la banda, aunque sus integrantes enfatizan que el reconocimiento debe ser por el trabajo musical colectivo¹.

El repertorio y el proceso creativo

Durante el concierto en la Ciudad de México, el público disfrutó de clásicos como 'Tal vez', 'Sagitario' y 'Lo que yo necesito', así como de éxitos recientes como 'Eternidad', 'Alguien más', 'Anoche' y 'Fantasma-Tú', que da nombre al tour¹.

Las letras de Monte Carlo abordan temas de relaciones personales, desamor y ansiedad, muchas de ellas inspiradas en experiencias personales de los integrantes, especialmente de Ricardo Alcaraz¹.

El proceso de composición varía: algunas canciones surgen en conjunto y otras individualmente, lo que, según la banda, aporta frescura y diversidad a su sonido, que en su nuevo material incorpora más sintetizadores y melodías de teclado sin abandonar las guitarras¹.

Recepción y significado de la gira

La respuesta del público ha sorprendido a la banda, que ha encontrado mayor asistencia en varias ciudades incluso al regresar tras pocos meses¹.

Para Monte Carlo, esta primera gira nacional representa la oportunidad de encontrarse cara a cara con el público que han formado en los últimos años y de aprender a trabajar en carretera, consolidando su transición de fenómeno digital a banda de escenario¹.

Próximas fechas y ciudades

La gira Fantasma contempla 18 fechas en aproximadamente mes y medio, con presentaciones en ciudades como Guadalajara, Tijuana, Querétaro y Mérida, entre otras¹.

Las ventas han sido positivas incluso en ciudades lejanas, lo que refuerza el alcance nacional que la banda está logrando en esta etapa de su carrera¹.

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Fuentes

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/monte-carlo-del-fenomeno-digital-a-su-primera-gira-nacional/

La producción informó a los concursantes que el proyecto llegaría a su fin por la temporada, en medio de despedidas emotivas y agradecimientos al público. La decisión también fue motivada por las múltiples salidas de otros participantes que afectaron la dinámica del juego¹.

La salida de Kimberly y su impacto

Kimberly Irene, conocida como 'La más preciosa', anunció a través de redes sociales que abandonaría 'El Sultanato' para atender la situación de salud de su mamá en México. Aunque no se detalló la causa de la hospitalización, la influencer comunicó posteriormente que doña Martha se encontraba estable, aunque continuaba internada¹.

En palabras de Kimberly, la noticia la tomó por sorpresa y la llevó a dejar el programa de inmediato. Expresó su agradecimiento a la producción y compartió que la experiencia fue difícil por el apego generado con el equipo y los participantes¹.

Motivos de la cancelación del reality

La producción de 'El Sultanato' notificó a los concursantes que la temporada sería cancelada tras la salida de Kimberly. Además de su partida, se reportaron otras salidas previas de participantes, lo que generó un desajuste en la dinámica del juego y llevó a la conclusión anticipada del programa¹.

Los participantes que permanecían en la competencia se despidieron entre lágrimas y agradecieron el apoyo de sus seguidores. Uno de ellos expresó que el formato tendrá otras temporadas y que este cierre no es definitivo para el proyecto¹.

El formato y grabación de 'El Sultanato'

'El Sultanato' se grabó en Miami, Florida, bajo un formato de reality show 24/7, en el que los participantes convivían y competían en tiempo real. El programa había reunido a varias personalidades de redes sociales y buscaba diferenciarse por su dinámica continua y la interacción directa con el público¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. El Heraldo de México

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El Heraldo de México: https://heraldodemexico.com.mx/espectaculos/2026/10/18/cancelan-reality-show-que-kimberly-la-mas-preciosa-abandono-por-del-delicado-estado-de-salud-de-su-mama-911116.html

Brook, quien murió en 1995 a los 68 años, es recordado por la complejidad de los personajes que interpretó y por su colaboración con directores como Luis Buñuel, Arturo Ripstein y Juan López Moctezuma¹.

Papeles emblemáticos en el cine mexicano

Claudio Brook debutó en 1958 y participó en cintas de diversos géneros, pero algunas de sus actuaciones más recordadas corresponden a películas de culto. En 'El ángel exterminador' (1962), dirigida por Luis Buñuel, Brook interpretó a Julio, el único trabajador de servicio que permanece en la casa de la familia Nobile cuando el resto del personal decide irse. Su personaje intenta abastecer de agua a los invitados atrapados por una fuerza sobrenatural, llegando a romper tuberías en un acto desesperado¹.

En 'El castillo de la pureza' (1972), bajo la dirección de Arturo Ripstein, Brook encarnó a un padre de familia autoritario que mantiene a sus hijos aislados del mundo exterior por miedo a los peligros que cree existen fuera de casa. Esta interpretación mostró el lado más oscuro y complejo del actor, quien compartió pantalla con Diana Bracho y Arturo Beristain¹.

Otra de sus participaciones destacadas fue en 'Alucarda, la hija de las tinieblas' (1978), de Juan López Moctezuma, donde dio vida al doctor Oszek. En esta cinta, su personaje intenta proteger a una joven huérfana tras una serie de sucesos sobrenaturales en un convento, sin prever el desenlace trágico que se avecina¹.

Colaboraciones con grandes directores

Brook trabajó con figuras clave del cine mexicano. Luis Buñuel lo dirigió en 'El ángel exterminador', mientras que Arturo Ripstein lo eligió para 'El castillo de la pureza', película que el joven director rodó a los 29 años¹.

Juan López Moctezuma, referente del cine de culto en México, también contó con Brook en 'Alucarda', consolidando la reputación del actor como uno de los intérpretes más versátiles y respetados de su generación¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/a-31-anos-del-fallecimiento-de-claudio-brook-las-peliculas-de-culto-mexicanas-en-las-que-aparecio/

La supermodelo publicó este 18 de octubre un mensaje en su cuenta oficial de Instagram, donde expresó el dolor que atraviesa su familia y agradeció las muestras de apoyo recibidas tras la pérdida^1,2,3,4.

El mensaje de Cindy Crawford y su familia

En su publicación, Cindy Crawford manifestó que ella, su esposo Rande Gerber y su hija Kaia están 'más que desconsolados' por la pérdida de Presley y se sienten afortunados de haberlo tenido en sus vidas durante 27 años^1,2,3,4. La modelo describió a su hijo como 'un alma dulce y hermosa que amó y es amado, ahora y para siempre', y resaltó el orgullo de la familia por 'cómo se mostró ante el mundo, con amabilidad y vulnerabilidad'^1,2,3,4.

El mensaje, acompañado de una fotografía en blanco y negro de Presley con alas de ángel, cierra con una despedida firmada por los tres integrantes de la familia: 'Hasta que nos volvamos a encontrar, nuestro dulce niño. Te amaremos por siempre. Mamá, papá y Kaia'^1,2,3,4.

La reacción de Kaia Gerber y el entorno

Kaia Gerber, hermana menor de Presley, también compartió un homenaje en redes sociales, recordando momentos de su infancia juntos y expresando la dificultad de afrontar la pérdida^3,4. En su carta, Kaia relató que Presley siempre era quien 'iba primero', y lamentó que esta vez también haya sido así^3,4.

La familia agradeció públicamente las muestras de cariño y apoyo recibidas tanto de conocidos como de personas desconocidas, y pidió respeto y privacidad para procesar el duelo lejos del escrutinio mediático^1,2,3,4.

Circunstancias de la muerte de Presley Gerber

Presley Gerber falleció el 20 de septiembre de 2026 mientras se encontraba internado en una clínica de rehabilitación en Santa Mónica, California^1,2,3,4. Las autoridades informaron que sufrió un paro cardíaco; la sobredosis es una sospecha policial y la causa de muerte sigue pendiente del forense y del informe toxicológico^1,2,3,4.

El Departamento de Policía de Santa Mónica investiga el caso como una sobredosis sospechosa, y el médico forense del condado de Los Ángeles mantiene la causa oficial como 'pendiente de investigación adicional'^1,3,4. No hay indicios de que se trate de un crimen, según la policía local⁴.

Trayectoria y vida pública de Presley Gerber

Presley Gerber, nacido el 2 de julio de 1999, era el hijo mayor de Cindy Crawford y Rande Gerber^2,3,4. Al igual que su madre y su hermana, trabajó como modelo y debutó en la pasarela a los 16 años para la firma Moschino⁴.

En los últimos años, Presley habló abiertamente sobre sus problemas de adicciones y salud mental, compartiendo su experiencia en redes sociales^1,4. Su padre, Rande Gerber, es conocido por ser cofundador de la marca de tequila Casamigos junto a George Clooney⁴.

Versiones de los hechos

• Causa oficial de muerte de Presley Gerber: Murió por una posible sobredosis; toxicología aún está pendiente¹; Reportes oficiales indicaron un paro cardíaco provocado por una sobredosis accidental²; La causa de muerte fue 'diferida', el caso sigue bajo investigación, se sospecha una sobredosis³; El médico forense cataloga el caso como pendiente de investigación adicional; la policía investiga una posible sobredosis⁴.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. El Universal
2. La Nación
3. Fox News
4. BBC

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/cindy-crawford-habla-por-primera-vez-sobre-la-muerte-de-su-hijo-presley-estamos-desconsolados-la-modelo-dedica-una-emotiva-despedida/

Un repaso a la historia y los cambios

El primer desfile de Victoria’s Secret se celebró en 1995, reuniendo a supermodelos como Stephanie Seymour, Catherine McCord, Veronica Webb e Ingrid Seynhaeve en un concepto sencillo que fascinó a la audiencia¹.

La marca fue fundada en 1977 por Roy Raymond, quien abrió cinco sucursales antes de venderla en 1982 a Les Wexner, responsable de expandirla a unas 350 tiendas en Estados Unidos para inicios de los noventa¹.

Durante años, la preparación física de las modelos fue rigurosa e inflexible, como recuerda Veronica Webb: "Hice casi mil sentadillas la semana anterior y seguí una dieta especial para reducir la hinchazón"¹.

Cancelación y regreso con enfoque inclusivo

El desfile fue cancelado en 2019 tras una caída significativa en los índices de audiencia y críticas por mantener patrones considerados obsoletos sobre la estética y la belleza femeninas¹.

Victoria’s Secret retomó el evento en 2024, realizando su vigésima cuarta edición e incorporando modelos catalogadas como "plus-size" y una modelo transexual, mostrando un compromiso público con la inclusión¹.

Participantes y detalles del desfile 2026

El desfile se realiza la noche del 18 de octubre de 2026 y puede verse en vivo desde México, según la información publicada por la marca¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/el-primer-desfile-de-victorias-secret-se-realizo-hace-31-anos-que-ha-cambiado-en-su-dinamica-tras-su-cancelacion-temporal/

El sábado, cientos de personas se manifestaron frente al museo en Bogotá, mientras que el miércoles anterior hubo marchas en todo el país contra las políticas del nuevo gobierno, que lleva poco más de dos meses en el poder¹.

Lo que había pasado: El 16 de octubre reportamos que alrededor de 30 obras relacionadas con movimientos LGBT, feministas y víctimas de violencia política fueron retiradas del Museo Nacional de Colombia, desatando una polémica sobre memoria y derechos sociales (Retiran obras LGTB y feministas del Museo Nacional de Colombia).

Las obras y el argumento oficial

Las piezas retiradas abarcaban temas de diversidad sexual, feminismo y memoria del conflicto armado, según testimonios de manifestantes y trabajadores del museo¹.

La ministra de Cultura, Paola Holguín, acompañó al presidente en advertencias contra la llamada cultura 'woke', calificándola como 'uno de los grandes cánceres que amenazan la unidad nacional'¹. Desde esta semana, se prohibió tomar fotografías dentro del museo, según informaron trabajadores a la agencia AFP¹.

Reacción de la comunidad cultural y manifestaciones

La remoción de las obras provocó una respuesta inmediata de la comunidad artística y de museos. El Museo de Arte Moderno de Bogotá y otros cinco museos del país firmaron una declaración conjunta en la que expresaron su 'profunda preocupación' y exigieron a la ministra de Cultura que garantice la autonomía de los museos¹.

Las protestas frente al Museo Nacional se desarrollaron de manera pacífica durante el día, con música, cánticos y consignas como 'somos artistas, no somos terroristas', pero fueron disueltas por la policía antidisturbios en la noche con bombas aturdidoras, gases lacrimógenos y una tanqueta de agua¹. Los manifestantes convocaron a un nuevo plantón el domingo a las 10:00 locales¹.

Testimonios y contexto político

Paola Castañeda, profesora de geografía, declaró que las decisiones del gobierno buscan 'reescribir esa memoria, esa historia según la narrativa que quiere posicionar el gobierno'¹. Leti Muñoz, pensionada y manifestante, expresó: 'Me siento con mucha desesperanza, porque una obra de arte es una obra de arte. No es una amenaza'¹.

Artistas como Daniel Jiménez, de la comunidad LGBT, advirtieron sobre la gravedad de la situación, señalando que 'no han pasado ni siquiera tres meses de este nuevo gobierno y está sucediendo este tipo de cosas'¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. Infobae

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Infobae: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/18/censura-en-colombia-el-gobierno-retiro-obras-lgbt-y-del-proceso-de-paz-del-museo-nacional-y-encendio-una-protesta-historica/

Durante cinco días, la feria ofrecerá actividades, charlas y exhibiciones que recuperan el espíritu de las vanguardias artísticas y literarias de comienzos del siglo XX, así como la presencia de piezas históricas y colecciones especializadas¹.

El eje temático: 1926 y las vanguardias

La edición de este año está dedicada a 1926, año en que se publicaron dos obras fundamentales de la literatura argentina: Don Segundo Sombra y El juguete rabioso¹.

La programación incluye actividades que exploran las tensiones entre el mito criollo y las vanguardias artísticas, con charlas abiertas a cargo de especialistas como Sergio Baur, quien analizará la influencia de las vanguardias en la obra de Güiraldes y la importancia de Don Segundo Sombra como exponente del mito nacional¹.

Expositores y actividades destacadas

En la Plaza Seca del Palacio Libertad, ubicada en Sarmiento 151, Ciudad Autónoma de Buenos Aires, se instalarán los stands de 26 librerías, incluyendo cuatro que participan por primera vez y una proveniente de Ecuador¹.

El evento, organizado por la Asociación de Libreros Anticuarios de Argentina (ALADA), contará con la presencia de profesionales del libro antiguo, bibliófilos, coleccionistas y lectores, así como con la participación especial del Archivo General de la Nación y bibliotecas especializadas¹.

Entre las actividades, destacan una muestra fotográfica dedicada a los libreros anticuarios, una exposición de la colección Ricardo Vallejos sobre las Islas Malvinas, con más de 4,000 ejemplares, y un Espacio-Taller donde artistas y restauradores mostrarán su trabajo en vivo¹.

Horarios, acceso y público esperado

La feria se desarrollará de 14 a 20 horas, con entrada libre y gratuita para todos los asistentes¹.

El evento convoca tanto a profesionales del libro antiguo de Argentina y del exterior como a entusiastas y lectores interesados en la conservación del patrimonio bibliográfico¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. Infobae

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Infobae: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/18/la-feria-del-libro-antiguo-de-buenos-aires-vuelve-con-1926-como-eje-el-ano-de-arlt-guiraldes-y-las-vanguardias-que-cambiaron-la-literatura-argentina/

Las actividades buscan acercar al público a las posibilidades de la comunicación visual y su impacto social, a través de encuentros con diseñadores, especialistas y propuestas artísticas que conectan el diseño con otras disciplinas como la música, el cine y las artes visuales¹.

Programación y sedes de la Bienal

La programación incluye actividades para distintas edades, con talleres, exposiciones y conferencias que exploran la creatividad y el poder de las imágenes para transmitir ideas y generar reflexión¹.

Veracruz, como invitado de honor, estará presente con propuestas musicales, cine, títeres y artes visuales, destacando la diversidad cultural del estado y su vínculo con las tradiciones mexicanas¹.

Espectáculos destacados y agenda

La inauguración de la Bienal será el jueves 22 de octubre a las 20:00 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con el espectáculo Jarocho Son, que reunirá a Son de Madera y Son Ellas, junto a Erika Suárez y Luis García Ireta, 'El Meduso'. El son jarocho, con sus voces, instrumentos y zapateado, será una de las expresiones principales de la cultura veracruzana en el festival¹.

El cartel como motor de cambio social

La Bienal Internacional del Cartel busca más que exhibir carteles: pretende acercar al público a las posibilidades del diseño gráfico como herramienta de comunicación y reflexión social. Las actividades están diseñadas para explorar cómo las imágenes pueden abrir conversaciones sobre justicia, identidad y convivencia, y fomentar la cultura de paz en México¹.

El evento está dirigido tanto a creadores como a público interesado en arte y cultura, con una programación que puede consultarse en el sitio oficial de la Bienal Internacional del Cartel en México¹.

Qué significa para México

La Bienal Internacional del Cartel en Ciudad de México representa una oportunidad para impulsar el diseño gráfico nacional y promover la cultura de paz a través del arte. Al reunir a creadores de 80 países y destacar la diversidad cultural de Veracruz, el evento fomenta el intercambio artístico y fortalece el papel de México como referente internacional en comunicación visual¹.

Además, la programación abierta al público permite que personas de todas las edades participen en actividades que exploran la creatividad y la reflexión social, beneficiando tanto a profesionales del diseño como a quienes buscan acercarse al arte y la cultura¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. 24 Horas

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24 Horas: https://24-horas.mx/vida/diseno-y-cultura-de-paz-80-paises-se-reunen-en-la-19a-bienal-internacional-del-cartel-en-cdmx/

La violencia que marcó el partido Querétaro vs Atlas en el Estadio Corregidora el 5 de marzo de 2022 vuelve a estar en el centro de la conversación con el estreno de la serie documental 'Tragedia en el Estadio Corregidora' en HBO Max. La producción, disponible desde el 15 de octubre de 2026, reconstruye los hechos y examina las distintas versiones y consecuencias de uno de los episodios más violentos en la historia reciente del futbol mexicano^1,2,3,4.

A través de tres episodios, la docuserie dirigida por Alberto Arnaut reúne material de archivo, testimonios inéditos y entrevistas con víctimas, testigos, periodistas, autoridades y directivos deportivos, para ofrecer una visión amplia de lo ocurrido y de las interrogantes que persisten cuatro años después^1,3,4.

La obra: estructura y voces

‘Tragedia en el Estadio Corregidora’ es una serie documental de tres episodios dirigida por Alberto Arnaut, con guion de Mauricio Vélez y Lisa Estella, y producción ejecutiva de Mariano Cesar, Sergio Nakasone y Cecilia Abraham por Warner Bros. Discovery, junto con Luis del Valle de Pacha Films^1,4. La producción se estrenó el 15 de octubre de 2026 en HBO Max, donde está disponible para su visualización en línea^1,4.

La serie reúne testimonios de periodistas como Óscar Balderas, Marion Reimers y Álvaro Morales; de Mauricio Kuri, gobernador de Querétaro, y de Gabriel Solares, presidente del Club Querétaro en 2022¹. También participan aficionados de ambos equipos y personas vinculadas al caso, cuyas voces permiten reconstruir los hechos desde múltiples perspectivas^1,3,4.

El episodio: violencia en el estadio

El 5 de marzo de 2022, durante la Jornada 9 del torneo Clausura de la Liga MX, el partido entre Gallos Blancos de Querétaro y Atlas FC se tornó violento cuando, con el marcador 1-0 a favor de Atlas, comenzaron riñas en las gradas entre aficionados locales^2,3. La situación escaló y decenas de personas invadieron la cancha, buscando resguardarse o continuando los enfrentamientos^2,3.

Las imágenes de televisión y redes sociales mostraron agresiones en tribunas, pasillos y el campo, así como deficiencias en el operativo de seguridad³. El árbitro central, Fernando Guerrero, detuvo el partido tras la invasión de la cancha, y la Liga MX anunció que el encuentro no se reanudaría, iniciando una investigación sobre lo sucedido³.

Consecuencias y preguntas abiertas

Las autoridades informaron en ese momento que no hubo personas fallecidas, aunque decenas resultaron lesionadas³. El Club Querétaro fue sancionado y jugó sin público durante un año, del 8 de marzo de 2022 al 7 de marzo de 2023³. Además, se abrieron investigaciones contra presuntos agresores y se cuestionaron las fallas en las medidas de seguridad del estadio^3,4.

El documental examina las dudas sobre el número de víctimas, las circunstancias que detonaron la violencia y las posibles responsabilidades de los involucrados, así como las secuelas para las víctimas y el futbol mexicano en general^1,3,4.

Dónde y cómo ver la serie

‘Tragedia en el Estadio Corregidora’ está disponible en HBO Max desde el 15 de octubre de 2026^1,4. Los tres episodios pueden verse en línea a través de la plataforma de streaming, buscando el título en su catálogo o accediendo desde el sitio oficial de HBO Max⁴.

Nota de la Redacción: al publicar esta nota contrastamos la información disponible; la actualizaremos si otras fuentes aportan versiones distintas.

Fuentes

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1. eleconomista.com.mx
2. elfinanciero.com.mx
3. infobae.com
4. heraldodemexico.com.mx

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El Economista: https://www.eleconomista.com.mx/arteseideas/tragedia-estadio-corregidora-llega-hbo-max-documental-revive-violencia-queretaro-atlas-20261018-839148.html

En la historia, la incapacidad de detener la crisis lleva a Rockwell a enfrentar a un parlamento europeo, donde es acusado de voracidad petrolera, aunque sin consecuencias personales. La trama avanza hacia un mundo postapocalíptico, donde el personaje debe sobrevivir en un refugio marítimo tras perder el apoyo gubernamental, mientras se revela que todo lo sucedido es una representación teatral para escenificar la caída del villano capitalista.¹

Lo que había pasado: El 13 de octubre de 2026, se informó que Digger enfrentaba pérdidas estimadas en 245 millones de dólares tras una caída del 60% en taquilla durante su segundo fin de semana en cartelera. (Digger, de González Iñárritu y Tom Cruise, enfrenta pérdidas de 245 millones de dólares)

El reparto y la visión de González Iñárritu

El elenco de Digger incluye a Tom Cruise en un doble papel: como el magnate Digger Rockwell y como el actor Curtis Makson, quien interpreta a Rockwell en la representación teatral dentro de la película. El reparto lo completan John Goodman como el presidente Compson, Riz Ahmed como el asesor científico Ganesh, Michael Stuhlberg como el vicepresidente Eddie, Jesse Plemons como el sobrino Kenny, Sandra Hüller como la hermana Emma Rockwell y Sophie Wilde como la directora Hannah.¹

González Iñárritu, junto con Sabina Berman y otros guionistas, construye una sátira que combina elementos teatrales y cinematográficos para retratar la megalomanía y la indiferencia de las élites ante la crisis ambiental. La película utiliza recursos visuales y musicales distintivos, con fotografía de Emmanuel Lubezki y música de Cosmo Sheldrake.¹

Recepción y referencias de la película

El filme ha sido descrito por algunos críticos como una farsa ecoterrorista que utiliza la ironía y el exceso para criticar la falta de responsabilidad de los poderosos ante el cambio climático. Entre sus momentos clave destaca el discurso de diez minutos de Digger Rockwell ante el parlamento europeo, que termina en un conflicto físico entre los presentes.¹

Digger hace referencias a clásicos del cine como El ciudadano Kane y Dr. Insólito, así como a películas contemporáneas sobre crisis globales. La puesta en escena final muestra a la multitud usando máscaras para respirar en una ciudad devastada, evocando imágenes de ciencia ficción y distopía.¹

Dónde y cuándo ver Digger

Digger se encuentra actualmente en cartelera en cines de México, España, Estados Unidos y otros países. El estreno ha sido acompañado de debates sobre su mensaje ambiental y su estilo satírico.¹

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/confabulario/alejandro-gonzalez-inarritu-y-la-destruccion-planetaria-por-jorge-ayala-blanco/

Durante el evento, Solís agradeció el cariño del público y, ante la prensa, dejó abierta la puerta a una posible reunión futura de Los Bukis, tras los conciertos de despedida programados para diciembre en Ciudad de México y Guadalajara.

Lo que había pasado: En una nota anterior, se informó que Marco Antonio Solís no descarta una futura reunión de Los Bukis tras sus conciertos de despedida en diciembre, según expresó durante el Festival Internacional de Cine de Morelia. (Marco Antonio Solís deja abierta posible reunión de Los Bukis)

La película remasterizada y su presentación

El filme, dirigido por Sergio Olhovich y estrenado originalmente en 1991, retrata el ascenso de la banda y reúne temas emblemáticos como 'Tu cárcel' y 'Cómo fui a enamorarme de ti'¹.

Durante la alfombra roja en el Centro Histórico de Morelia, Solís fue recibido con gritos y cantos de los asistentes, mientras que el director Sergio Olhovich expresó su emoción y calificó a Los Bukis como 'los mejores actores que he dirigido'¹. Lourdes Munguía, actriz del filme, envió un mensaje en video desde una gira teatral, declarando su admiración por la agrupación¹.

Reconocimientos y regalos en el FICM

Los Bukis y Marco Antonio Solís recibieron una artesanía de Capula que representaba a los integrantes como catrines de barro^1,2. Además, el Festival Internacional de Cine de Morelia otorgó un reconocimiento a la trayectoria de la agrupación². Solís compartió que la autenticidad de la música y los arreglos ha sido clave en la permanencia del grupo, así como el talento de cada uno de sus miembros².

Posible reunión futura de Los Bukis

Marco Antonio Solís confirmó que el grupo se despedirá oficialmente con dos conciertos en diciembre en Ciudad de México y Guadalajara, pero no descartó una futura reunión. 'Terminamos, sabe Dios qué puede pasar, a veces el público quiere, demanda y se da, haremos lo que haya que hacer', declaró Solís en el marco del FICM².

El cantante también mencionó que no siempre es posible compaginar su carrera individual con la del grupo, pero no se ve lejos de los escenarios y consideró que a veces es necesario descansar².

Dónde y cuándo ver la película

La versión remasterizada de 'Cómo fui a enamorarme de ti' se proyectó el sábado 17 de octubre de 2026 a las 16:30 horas en el Teatro Mariano Matamoros, como parte de la programación del FICM¹. No se ha anunciado una fecha para su estreno comercial o en plataformas digitales.

Fuentes

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1. Changoonga
2. El Universal

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Changoonga: https://changoonga.com/2026/10/17/los-bukis-conquistan-alfombra-roja-del-ficm-con-pelicula-remasterizada/

La muestra, titulada 'Aquí está el detalle', propone un recorrido por la vida, obra y legado de Mario Moreno, conocido mundialmente como Cantinflas, a través de documentos, objetos personales, vestuario, fotografías y experiencias interactivas^1,2.

La obra y la exposición permanente

La exposición permanente 'Aquí está el detalle' está organizada en siete núcleos temáticos que permiten conocer tanto al personaje de Cantinflas como al hombre detrás de él¹. El recorrido inicia con fotografías familiares, documentos escolares y registros de su paso por el Ejército, mostrando los primeros años de Mario Moreno, nacido el 12 de agosto de 1911 en el barrio de Santa María la Redonda, Ciudad de México^1,2.

Entre las más de 400 piezas originales se encuentran prendas del personaje, artículos de arreglo personal, fotografías de los procesos de maquillaje y vestuario, así como objetos icónicos como el casco de 'El patrullero 777', un reloj Omega, lentes de sol, y el Globo de Oro que recibió en 1957^1,2. También se exhibe una recreación de la Carpa Valentina y materiales de la serie animada Cantinflas Show².

El hombre detrás del personaje

El museo no solo presenta la trayectoria profesional de Mario Moreno, sino que también explora su vida íntima y social^1,2.

La exposición recupera testimonios personales, como una cronología familiar escrita por su padre y correspondencia con figuras como Dolores del Río, Jacobo Zabludovsky, Pelé, Diego Rivera y Rufino Tamayo^1,2. Además, se muestra su faceta como empresario y benefactor, destacando su papel en la fundación de POSA Films y su apoyo a instituciones como la Casa del Actor².

La ocasión: apertura y datos para la visita

El Museo Mario Moreno 'Cantinflas' está ubicado en Córdoba 84, colonia Roma Norte, alcaldía Cuauhtémoc, Ciudad de México^1,2. Abrió sus puertas a partir del 10 de octubre de 2026, tras casi tres años de investigación, conservación y trabajo museográfico^1,2.

El horario de visita es de 16:30 a 20:30 horas¹. Los precios de entrada son: $247 para el público general, $147 para residentes de México, $77 para estudiantes, docentes y personas con credencial INAPAM, y entrada gratuita para personas con discapacidad¹. Los boletos pueden adquirirse en el sitio oficial museocantinflas.mx¹.

Recepción y experiencia del recorrido

El espacio final, denominado 'Leyenda', está dedicado a la permanencia de Cantinflas en la cultura popular, con caricaturas, juguetes, títeres y discos, mostrando cómo el personaje sigue presente en la memoria colectiva¹.

Fuentes

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1. 24 Horas
2. México Desconocido

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24 Horas: https://24-horas.mx/vida/museo-de-cantinflas-en-cdmx-precios-horarios-y-que-ver-en-la-nueva-exposicion/

Las sedes principales serán el Centro Nacional de las Artes (Cenart) y el Pabellón de Cultura Comunitaria en la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec, donde se ofrecerán espectáculos musicales, talleres, narraciones orales, exposiciones, altares y actividades lúdicas para preservar y celebrar las tradiciones mexicanas^1,2.

Programación y sedes de la feria

La Feria de las Calacas 2026 tendrá lugar el sábado 31 de octubre y el domingo 1 de noviembre, en un horario de 11:00 a 20:00 horas. Todas las actividades serán gratuitas, sujetas a la disponibilidad de aforo^1,2. Las sedes principales son el Cenart, ubicado en Avenida Río Churubusco 79, colonia Churubusco Country Club, alcaldía Coyoacán, y el Pabellón de Cultura Comunitaria en Avenida Constituyentes 270, Segunda Sección del Bosque de Chapultepec¹.

Actividades destacadas y cartelera musical

Entre los espectáculos musicales en el Cenart destacan Pim Pau, Yucatán A Go Go y Orquesta Basura. La Triciclo Circus Band cerrará las actividades musicales del sábado 31 de octubre, mientras que Sonido Gallo Negro clausurará el evento el domingo 1 de noviembre¹.

También se presentará la actividad escénica 'Raíces de Arteaga: Sones que trascienden el tiempo', con música y danza tradicionales de Michoacán, a cargo de los grupos Danza Folklórica Metzonalli Bailadores 'Luz de Luna' y Arpa 'Melodías de Nuestra Herencia'¹. Otras propuestas musicales incluyen Los Amos del Recreo, Yami, Las Galletas de Mr. Esqueleto, Ruidos del Miplan, Misión Calacas y Tracy Saurios².

Talleres, ofrendas y actividades para infancias

La feria ofrecerá talleres de artes gráficas, narraciones orales y actividades lúdicas para niñas, niños y adolescentes. UNICEF México tendrá un espacio donde los menores podrán realizar dibujos y pequeños altares en memoria de sus seres queridos².

En el Pabellón de Cultura Comunitaria, la programación especial del sábado 31 de octubre, de 11:30 a 16:00 horas, incluirá narraciones como 'Los cuentos de La Calaverita', talleres de arte popular y espectáculos como '¡Muertos de la risa!' con la banda ¡Qué payasos!¹.

La exposición fotográfica 'Desde que te ausentaste', de Mariana Yampolsky, presentará 32 imágenes sobre rituales y tradiciones de distintas comunidades mexicanas en torno a la muerte, en colaboración con la Universidad Iberoamericana¹.

Un espacio seguro e inclusivo para las familias

La Feria de las Calacas busca ser un espacio seguro, cómodo e inclusivo para todas las personas, sin importar sus diferencias, según Laurent Duvillier, representante de UNICEF México². El evento fomenta la convivencia presencial y la transmisión de la memoria y las costumbres familiares entre generaciones.

Antonio Zúñiga Chaparro, director general de Vinculación Cultural, destacó que la feria es una 'fiesta de la memoria' que permite a las familias mexicanas celebrar la vida y la muerte mediante el arte y la cultura².

Qué significa para México

La Feria de las Calacas representa una oportunidad para que las familias mexicanas celebren y preserven las tradiciones del Día de Muertos a través de actividades culturales gratuitas en la capital del país^1,2.

Fuentes

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1. 24 Horas
2. El Heraldo de México

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

24 Horas: https://24-horas.mx/vida/todo-lo-que-debes-saber-de-la-feria-de-las-calacas-2026-mas-de-380-actividades-gratis/

Durante la ceremonia, el artista visual Javier Marín encabezó la apertura oficial del recinto con un gesto simbólico: en lugar del tradicional corte de listón, se abrió un candado que aseguraba una cadena en el acceso, marcando así el inicio de una nueva etapa para el inmueble histórico, ahora dedicado al arte contemporáneo y las expresiones audiovisuales¹.

La transformación del antiguo Palacio Municipal

El MACAAM ocupa el edificio que anteriormente funcionaba como Palacio Municipal de Morelia. La decisión de convertir este inmueble en un espacio cultural fue reconocida por los asistentes, quienes destacaron que la apertura del museo amplía la oferta artística de la ciudad y vincula el patrimonio histórico con las expresiones contemporáneas¹.

El presidente municipal, Alfonso Martínez Alcázar, acompañado de su esposa Paola Delgadillo Hernández y funcionarias de cultura y turismo, realizó un recorrido por las primeras exposiciones del museo junto a los invitados especiales, marcando el inicio de actividades de este nuevo recinto¹.

Reconocimientos y mensajes en la inauguración

Marco Antonio Solís felicitó públicamente al alcalde y a quienes colaboraron en el proyecto, señalando que el nuevo espacio representa una oportunidad para que habitantes y visitantes descubran nuevas expresiones artísticas en Morelia. El músico también reconoció el compromiso de quienes promueven el talento y la imagen de Michoacán desde el arte¹.

Por su parte, Alejandro Ramírez resaltó la importancia de abrir el inmueble a la actividad cultural y consideró que el arte y la cultura pueden ayudar a enfrentar los desafíos sociales. En su intervención, expresó: "Quiero felicitar al presidente por esta extraordinaria idea de transformar este recinto en un espacio cultural abierto y vivo"¹.

Un nuevo espacio para la comunidad artística

El MACAAM inicia su labor como punto de encuentro para artistas, estudiantes, creadores y público en general. Su propuesta busca acercar las manifestaciones artísticas a la ciudadanía y proyectar una perspectiva distinta de Michoacán a través de la riqueza cultural y creativa local¹.

El museo abre nuevas posibilidades para disfrutar, conocer y desarrollar el arte en Morelia, integrando el valor histórico del edificio con las tendencias actuales del arte contemporáneo y audiovisual¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. Changoonga

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Changoonga: https://changoonga.com/2026/10/17/morelia-el-buki-y-alejandro-ramirez-felicitaron-a-alfonso-por-su-trabajo-con-el-macaam/

El grupo, formado en Canadá y con integrantes de diversas nacionalidades, presentó canciones nuevas y piezas improvisadas, adaptando el repertorio a la energía del público. El percusionista mexicano Óscar Lambarri fue clave para integrar elementos de la música tradicional mexicana en la propuesta del conjunto¹.

Un espectáculo de influencias globales

Durante el concierto, Mark Marczyk, fundador de la Lemon Bucket Orkestra, destacó la diversidad musical del grupo al afirmar: "Esto es música ucraniana, esto es música alemana, esto es música mexicana"¹. El repertorio incluyó klezmer, jazz, samba, punk, metal, brass de Nueva Orleans, música de banda mexicana y cumbia, lo que generó una atmósfera en la que la conexión entre los metales de la polka y la música mexicana fue evidente para el público¹.

Óscar Lambarri explicó que el grupo nunca prepara exactamente qué tocará en cada concierto, sino que responde a la energía del público, lo que permitió que el evento se sintiera espontáneo y participativo¹.

La música mexicana en la orquesta

Lambarri compartió que ha enseñado a sus compañeros sobre distintas expresiones musicales mexicanas, desde el son jarocho hasta el mariachi y la música de banda, con el objetivo de enriquecer el sonido de la orquesta con sus raíces¹. Para la mayoría de los integrantes, esta fue su primera visita a México, lo que dio un significado especial al concierto en el Cervantino¹.

El percusionista recordó sus experiencias de infancia en el festival y resaltó cómo la música puede unir a personas de diferentes culturas, señalando similitudes entre géneros como el mariachi y la música de Serbia¹.

Un mensaje de paz y unión

Más allá de la música, la Lemon Bucket Orkestra transmitió un mensaje político y social. Marczyk expresó que la banda se ha alineado con Ucrania en los últimos diez años, apoyando su lucha por la democracia y la paz¹. "Todos aquí pelean por la paz", dijo al público, subrayando que, incluso en situaciones difíciles, la música puede ser un espacio para la unión y el empoderamiento colectivo¹.

El grupo concluyó que, a pesar de los eventos traumáticos que se viven en el mundo, siempre existe la posibilidad de celebrar y encontrar fuerza en la coexistencia¹.

Detalles del concierto en Guanajuato

La presentación de la Lemon Bucket Orkestra se realizó la noche del 16 de octubre de 2026 en la explanada de la Alhóndiga de Granaditas, como parte del último fin de semana del 54 Festival Internacional Cervantino en Guanajuato¹. El acceso al concierto fue gratuito para el público¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Universal

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/lemon-bucket-orkestra-fusiona-musica-ucraniana-y-mexicana-en-el-cervantino/

El evento, que forma parte de las actividades culturales previas al Día de Muertos, reunió alrededor de 300 figuras monumentales elaboradas por artesanos de distintas entidades del país y atrajo a familias y visitantes que se congregaron a lo largo de la ruta para admirar las obras.^2,4

La celebración provocó cierres viales y desvíos en varias calles y avenidas, por lo que las autoridades capitalinas recomendaron rutas alternas y anticipar los traslados. Además, las figuras permanecerán en exhibición sobre Paseo de la Reforma hasta el 8 de noviembre, permitiendo que más personas puedan apreciar el trabajo de los artesanos.^2,3

La ruta y los cierres viales

El trayecto provocó restricciones a la circulación en estas vialidades y afectaciones en calles aledañas, especialmente en los accesos al primer cuadro de la capital y la zona de Bellas Artes.^2,3,4

Las autoridades de tránsito recomendaron utilizar rutas alternas como Eje 1 Norte, Eje 1 Oriente, José María Izazaga, Fray Servando Teresa de Mier, Circuito Interior y avenida Chapultepec para evitar la zona del desfile. Además, se informó que los cortes a la circulación pueden modificarse conforme avance el contingente, por lo que se sugirió consultar las condiciones de tránsito en tiempo real a través de la cuenta de X de Orientación Vial de la SSC.^2,3

La circulación en Paseo de la Reforma entre Eje 1 Poniente y Maestro Antonio Caso, así como en avenida Insurgentes entre avenida Chapultepec y Eje 1 Norte, fue restablecida tras el paso del desfile. Sin embargo, otras vialidades como 5 de Mayo y Maestro Antonio Caso presentaron cierres intermitentes debido a manifestaciones y la presencia de los contingentes.¹

Las figuras y los participantes

En esta edición, el desfile reunió cerca de 300 alebrijes monumentales provenientes de 11 estados del país, creados por artesanos que plasmaron su creatividad en figuras de gran tamaño y colores intensos.^2,4

El contingente fue encabezado por la Banda Sinfónica de la Secretaría de Marina y participaron 28 bandas y grupos, bastoneras y agrupaciones de gimnasia.

Familias y visitantes se congregaron a lo largo de la ruta para admirar las enormes criaturas, muchas de las cuales fueron calificadas como espectaculares por los asistentes. "No me asustan, me gustan. Es un espectáculo grandioso poder ver estas figuras enormes", expresó Orlando, un niño de 10 años.⁴

Exhibición y premiación de los alebrijes

Las figuras monumentales permanecerán en exhibición gratuita sobre Paseo de la Reforma hasta el domingo 8 de noviembre, en el tramo comprendido entre el Ángel de la Independencia y la Estela de Luz.^2,3

La premiación del concurso se realizará el sábado 24 de octubre a las 18:00 horas en el Museo de Arte Popular, donde se reconocerá el trabajo de los artesanos participantes.³

Recepción del público y ambiente

El desfile fue bien recibido por el público, que disfrutó del ambiente festivo y la creatividad de los participantes. Asistentes de distintas edades y entidades coincidieron en que el espectáculo vale la pena cada año y destacaron la calidad de los trabajos presentados.⁴

Martina, una mujer de 60 años, describió el desfile como "espectacular y sorprendente", mientras que Imelda, vecina del Estado de México, señaló que asistir al evento es una experiencia que espera repetir cada año.⁴

Preguntas frecuentes

¿Cuáles son las rutas alternas para evitar cierres viales durante el Desfile de Alebrijes Monumentales?

Las rutas alternas recomendadas incluyen Eje 1 Norte, Eje 1 Oriente, José María Izazaga, Fray Servando Teresa de Mier, Circuito Interior, avenida Chapultepec y avenida Circunvalación, según la zona que se desee evitar.^2,3

¿Dónde y hasta cuándo se pueden ver las figuras de alebrijes monumentales en exhibición?

Las figuras estarán en exhibición gratuita sobre Paseo de la Reforma, entre el Ángel de la Independencia y la Estela de Luz, hasta el 8 de noviembre.^2,3

¿Cuándo y dónde será la premiación del concurso de alebrijes?

La premiación se realizará el sábado 24 de octubre a las 18:00 horas en el Museo de Arte Popular.³

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. Infobae
2. El Economista
3. El Universal
4. El Heraldo de México

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

Infobae: https://www.infobae.com/mexico/deportes/2026/10/17/en-vivo-bloqueos-accidentes-y-manifestaciones-hoy-sabado-17-de-octubre/

La historia sigue a una mujer haitiana con sus hijas y a un hombre del que se enamora, quienes se asientan en un bosque afectado por la tala ilegal y la explotación, mostrando el aislamiento y los desafíos que enfrentan mientras esperan una oportunidad mejor¹.

El trabajo de Joaquín del Paso

Joaquín del Paso, conocido por películas como ‘Maquinaria Panamericana’ y ‘El hoyo en la cerca’, desarrolló el guion de ‘El jardín que soñamos’ al observar cómo la pandemia y el cambio climático afectaron tanto a las personas como al medio ambiente. El director señala que la forma en que se trata al entorno natural refleja el trato hacia los seres humanos, y que el cambio climático impacta a todos por igual¹.

La película fue filmada en bosques del Estado de México y Michoacán, a 3,000 metros sobre el nivel del mar, donde el equipo y los actores debían ascender diariamente para llegar a la locación. Se aprovecharon áreas de tala legal para las escenas, integrando el entorno real en la narrativa¹.

Elenco y representación haitiana

El elenco principal está conformado por Nehemie Bastien, Faustin Pierre, Kimaëlle Holly Preville, Ruth Aicha Pierre Nelson y Carlos Esquivel. Del Paso destaca la presencia de migrantes haitianos en México, quienes suelen pasar desapercibidos por su tránsito temporal, pero cuya situación de aislamiento y diferencia cultural es central en la película¹.

Recepción y próximos estrenos

‘El jardín que soñamos’ tuvo su estreno mundial en la pasada Berlinale, dentro de la sección Panorama, la segunda más importante del festival alemán. En México, la película cuenta ya con distribución a cargo de Pimienta Films y se espera su lanzamiento comercial para finales de este año o principios del próximo¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/migracion-y-explotacion-de-la-naturaleza-se-encuentran-en-el-jardin-que-sonamos-pelicula-que-llega-al-ficm/

Herrera explicó que la operación fue exitosa y que se mantendrá alejado de las plataformas digitales durante algunos días para concentrarse en su proceso de recuperación¹.

El motivo de la intervención

La cirugía a la que se sometió Alfonso Herrera está relacionada con un accidente deportivo que sufrió hace más de una década, el cual afectó gravemente su rodilla¹. Desde ese incidente, el actor ha requerido varias intervenciones, incluyendo una reconstrucción del ligamento cruzado y procedimientos en los meniscos¹. Herrera expresó que espera que esta tercera operación sea la última necesaria para resolver las secuelas del accidente¹.

El mensaje de Alfonso Herrera a sus seguidores

Herrera compartió imágenes en sus historias de Instagram donde aparece con bata médica, canalizado y con una pierna vendada, además de mostrarse de pie para evidenciar su recuperación¹. En una de las publicaciones, escribió: “La tercera es la vencida… Bendita rodilla”¹.

A través de X (antes Twitter), el actor confirmó que la operación fue exitosa y agradeció al equipo médico por su atención. También anunció que se desconectará unos días de las redes sociales para enfocarse en su rehabilitación¹.

Trayectoria reciente y pausa profesional

Alfonso Herrera, conocido por su participación en la telenovela 'Rebelde' y la película 'La captura', no detalló si esta pausa en redes sociales afectará proyectos profesionales en curso¹. Hasta el momento, el actor ha mantenido informados a sus seguidores sobre su estado de salud y reiteró su agradecimiento por el apoyo recibido¹.

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Fuentes

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1. Diario de Yucatán

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Diario de Yucatán: https://www.yucatan.com.mx/espectaculos/2026/10/17/alfonso-herrera-se-muestra-desde-un-hospital-y-revela-que-fue-sometido-a-una-cirugia-de-rodilla.html

La muestra estará abierta hasta el 17 de enero de 2027 en las salas del segundo piso del museo. El director del Bellas Artes, Andrés Duprat, destacó que la institución busca reconocer a una creadora que llevó los lenguajes tradicionales del arte hacia territorios poco explorados, donde se entrelazan la historia y la autobiografía¹.

La obra y los temas centrales

El grabado ha sido un medio permanente en la producción de Susana Rodríguez, en el que abordó temas como el cuerpo, el erotismo, el tiempo y la memoria, con una elaboración conceptual y técnica constante en su carrera¹. Durante los años 70, la artista partió de experiencias íntimas y recurrió a marcos como la psicología y la semiótica, integrando estos enfoques a los discursos cotidianos de la época¹.

Gabriela Naso explicó que la dificultad de comunicación entre las personas y la sexualidad como forma de autoafirmación fueron ejes centrales en estos trabajos. Rodríguez también exploró aspectos difíciles de expresar, buscando plasmar en imágenes lo que es imposible de decir con palabras¹.

Técnicas y búsquedas artísticas

Rodríguez alteró medios tradicionales como el grabado y el dibujo mediante la combinación de técnicas y la apropiación de elementos de la cultura masiva. Su obra reúne abstracción y figuración, narración y hermetismo, así como contrastes entre profusión y vacío, erotismo y siniestro, pulsiones de vida y muerte, y dimensiones tanto personales como colectivas¹.

Dónde y cuándo visitar la exposición

La exposición 'Susana Rodríguez. Historia íntima' podrá visitarse en las salas del segundo piso del Museo Nacional de Bellas Artes desde el 20 de octubre de 2026 hasta el 17 de enero de 2027¹.

Las obras de Rodríguez forman parte de colecciones de museos en Argentina, República Dominicana, España, Estados Unidos, Noruega y de colecciones privadas en Argentina, Brasil, Francia, Italia, España y Estados Unidos¹.

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1. Infobae

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Infobae: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/17/cuerpo-erotismo-y-memoria-el-bellas-artes-rescata-40-obras-de-susana-rodriguez-que-pocas-veces-se-vieron-en-la-argentina/

La trama y sus protagonistas

'El Botín' cuenta la historia del teniente Dane Dumars y el detective J.D. Byrne, interpretados por Matt Damon y Ben Affleck, respectivamente. Ambos policías investigan el asesinato de su jefa y, siguiendo una pista, encuentran 24 millones de dólares escondidos en una casa de los suburbios de Miami. Tras el hallazgo, reciben amenazas y enfrentan desconfianzas mutuas sobre qué hacer con el dinero.¹

La película ofrece cerca de dos horas de suspenso, mostrando cómo las decisiones de los protagonistas los ponen en situaciones cada vez más complicadas.¹

El caso real detrás de la película

La historia se inspira en el operativo realizado en junio de 2016 en Miami Lakes, donde la policía, encabezada por el agente Chris Casiano, decomisó más de 21 millones de dólares en efectivo en la casa de Luis Hernández-González, un empresario cubano acusado de lavar dinero del narcotráfico y de ayudar a traficantes de mariguana.¹

Hernández-González era propietario de la tienda Blossom Experience, dedicada a la venta de artículos de jardinería de interior. Las autoridades lo vincularon con el cultivo ilegal de mariguana tras interceptar una llamada telefónica. Además del dinero hallado en su casa, se encontraron otros 700 mil dólares en su tienda, entre efectivo y giros postales.¹

Sentencia y personajes reales

Luis Hernández-González, ingeniero eléctrico originario de Cuba, llegó a Estados Unidos en 1994 y fue acusado de actividades criminales entre 2010 y 2016. Durante ese periodo, compró giros postales por más de 17.7 millones de dólares para evadir impuestos y colaboró con traficantes de mariguana de Tennessee.¹

A pesar de la defensa que lo presentó como un empresario víctima de las restricciones bancarias sobre la industria de la mariguana, el juez Robert Scola lo sentenció a 65 años de prisión por evasión fiscal y lavado de dinero. El dinero incautado estaba oculto en paquetes naranjas dentro de un compartimiento secreto al que solo se accedía desde el ático.¹

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1. El Financiero

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El Financiero: https://www.elfinanciero.com.mx/entretenimiento/2026/10/17/la-historia-tras-el-botin-pelicula-de-netflix-con-matt-damon-y-ben-affleck-inspirada-en-hechos-reales/

La propuesta busca ofrecer una experiencia cercana a la representación en vivo del teatro Kabuki, mediante imagen en alta definición y sonido envolvente, permitiendo apreciar detalles de la técnica interpretativa y los recursos escénicos de este género japonés¹.

Las obras y sus protagonistas

El programa incluye dos piezas representativas del Kabuki: Ninin Fuji Musume y Nihon Furisode Hajime, con una duración total de 91 minutos¹. Ninin Fuji Musume es una obra de danza interpretada por Bandō Tamasaburō, reconocido como Tesoro Nacional Viviente en Japón, y Nakamura Shichinosuke, ambos especialistas en los papeles de onnagata, técnica en la que actores masculinos representan personajes femeninos¹. La pieza se desarrolla en un escenario cubierto de flores de glicina, donde los intérpretes encarnan a los espíritus de la planta, realizando cambios de vestuario que acompañan la coreografía¹.

La segunda obra, Nihon Furisode Hajime, está basada en el mito de Yamata-no-Orochi, la serpiente de ocho cabezas, y narra la historia del héroe Susanoo-no-Mikoto en su intento de rescatar a la princesa Inada. La obra destaca por su ritmo escénico y los cambios rápidos de vestuario, conocidos como hayagawari, característicos del Kabuki¹.

Organización y detalles de la función

Se trata de una presentación única, sin repeticiones programadas hasta el momento¹.

El acceso será gratuito y las localidades podrán retirarse en la boletería del teatro desde dos horas antes del inicio, programado a las 18:00 del 18 de octubre¹.

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1. Infobae

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Infobae: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/17/el-cinema-kabuki-llega-gratis-a-la-sala-lugones-con-dos-obras-japonesas-en-pantalla-grande/

La obra inaugural: una crítica desde la risa

La obra '¡Usted no me despide, yo renuncio!' fue escrita por Felipe López Bettin y Diego García Morales en 2022, inspirada en un periodo de inestabilidad laboral que vivió la compañía. El montaje explora el desarrollo profesional de quienes eligen el arte como vocación y la precarización laboral que enfrentan. Según Diego García Morales, la intención fue abordar la crisis con humor y hacer visible la problemática desde la perspectiva del payaso, buscando que el público disfrute pero también reflexione sobre el tema¹.

La trama sigue a personajes que pasan del desempleo a la contratación, enfrentando el hostigamiento de un vigilante. García Morales explica que, aunque hay risa, 'el payaso no se burla del tema, sino que lo agranda, lo hace mucho más notorio'¹. El elenco de la obra está conformado por Diego García Morales, Cristian Gil y Karen Sauer¹.

El programa del encuentro y próximas funciones

El Encuentro Internacional de Clown de este año incluye ocho obras y dos talleres impartidos por artistas invitados de Canadá, Colombia, Perú y México. Además de la función inaugural, Átomos Teatro presentará el 25 de octubre 'Todos somos Poe', un espectáculo de música en vivo inspirado en los cuentos más reconocidos de Edgar Allan Poe¹.

Las actividades del encuentro se desarrollan en el Teatro Helénico y en Hidalgo, permitiendo al público asistir a diversas propuestas escénicas y talleres hasta el 25 de octubre, fecha en que concluye el encuentro¹.

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/arranca-el-encuentro-internacional-de-clown-en-el-helenico-las-funciones-estaran-hasta-el-25-de-octubre/

La presentación ocurre en un contexto donde artistas locales se han manifestado para exigir su presencia en los espacios públicos del festival, recordando los orígenes de los Entremeses Cervantinos que se realizaban en las plazas de la ciudad.¹

El espectáculo RoZéO y su mensaje

RoZéO es una obra que invita a la contemplación y a la pausa en medio de la aceleración del mundo actual. Los cuerpos de los artistas danzan sobre mástiles, fusionando el circo contemporáneo con una poética que busca conectar al público con la naturaleza.¹

La música, compuesta por Pauline Frémeau, fue creada tras una inmersión en la montaña, el mar y cerca de volcanes. Según Stéphane Girard, codirector de Gratte Ciel, la música no reproduce los sonidos de la naturaleza, sino lo que ésta movió en la autora, convirtiéndose en una fuerza central del espectáculo.¹

El arte en la calle y la reivindicación de espacios

Stéphane Girard y Camille Beaumier, codirectores de Gratte Ciel, enfatizan que el trabajo de la compañía no tiene sentido dentro de los teatros, ya que las calles permiten un contacto directo y espontáneo con el público. Girard expresó que "la sociedad está dentro de la calle, la diversidad social está ahí. Es el único lugar donde las libertades están".¹

El viernes por la noche, artistas locales se manifestaron frente al Teatro Juárez con música y cantos para exigir su derecho a permanecer en los espacios públicos del festival. Camille Beaumier añadió que "el espacio público es gratis, es accesible y permite una relación directa con el público".¹

Reflexiones sobre el contexto global

Girard destacó que obras como RoZéO son una respuesta a la situación actual marcada por el ascenso de la extrema derecha y el trumpismo, así como la preocupación por una posible guerra en Europa. En sus palabras, "el primer combate es actuar piezas de sensibilidad en el mundo; decir que la única fuerza que queremos es la del amor".¹

El codirector compartió que el espectáculo surgió durante la pandemia de Covid-19, con la intención de hacer una pausa en el tiempo para respirar y reconectarse con la naturaleza. Girard mencionó que en países como la India y México, el público ha terminado llorando al ver RoZéO, señalando la resonancia de la obra con comunidades que mantienen una conexión espiritual.¹

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1. La Razón de México

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La Razón de México: https://www.razon.com.mx/cultura/2026/10/17/gratte-ciel-refrenda-la-importancia-de-llevar-el-arte-a-las-calles/

El evento llega tras 15 funciones con entradas agotadas en La Fábrica, la antigua sala de ensayo de García, y reúne a músicos que participaron en el histórico MTV Unplugged de 1995¹.

El álbum y su impacto

'Hello! el unplugged' fue grabado el 4 de mayo de 1995 en los estudios Post Edge de MTV en Miami Beach, en una sesión de diez horas que desafió las normas del formato acústico¹. Charly García llegó tras lanzar 'La hija de la lágrima' y en un momento de tensión creativa, usando el unplugged como una tregua antes de adentrarse en una etapa más experimental¹.

El álbum incluyó una retrospectiva de su obra solista de los años ochenta y noventa, con temas como 'Yendo de la cama al living', 'Demoliendo hoteles', 'Los dinosaurios' y 'No soy un extraño', e incorporó arreglos de cuerdas que redefinieron su sonido¹. Fue certificado Disco de Platino en Argentina y Disco de Oro en Uruguay, y es considerado un punto clave en la carrera de García por revelar la solidez formal de sus composiciones más allá de la tecnología¹.

El show aniversario en la Semana García

La función especial en el Teatro Coliseo se realiza después de 15 presentaciones con localidades agotadas en La Fábrica y forma parte de la Semana García, una serie de eventos por el 75 cumpleaños de Charly García, que se celebrará el viernes 23¹.

El concierto convoca a músicos que participaron en la grabación original del MTV Unplugged, junto a otros artistas invitados, para interpretar el repertorio del álbum en un escenario emblemático¹.

Un momento histórico del rock en español

El MTV Unplugged de Charly García es considerado uno de los documentos sonoros más importantes del rock en español¹. La grabación estuvo marcada por anécdotas como la exigencia de García de usar un teclado Yamaha a pilas y su interrupción del show para una pausa de más de treinta minutos¹.

Los arreglos camarísticos y la reinterpretación de clásicos, como la transformación de 'No soy un extraño' en tango con bandoneón, consolidaron el prestigio del álbum y su influencia en la música latinoamericana¹.

Dónde y cuándo ver el concierto

El concierto es el lunes 19 de octubre en el Teatro Coliseo, después de 15 funciones con entradas agotadas en La Fábrica, la antigua sala de ensayo de García¹.

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1. Infobae

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Infobae: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/17/hello-el-unplugged-la-banda-original-de-charly-garcia-celebra-los-30-anos-del-album-que-lo-consagro-ante-el-mundo/

La edición número 22 del festival reunirá música, poesía, performance, videopoesía y proyectos tanto nacionales como internacionales, con el objetivo de explorar las posibilidades de la voz y su relación con el cuerpo, el espacio público y otras lenguas¹.

El trabajo y la propuesta de la edición 2026

Bajo el título “Todavía un resonar”, el festival busca ser un refugio y un espacio de reflexión ante las preocupaciones del sector cultural en México. Según Cinthya García Leyva, el encuentro se concibe como un acto de levantar la voz y reunir a la sociedad en un espacio abierto, gratuito e incluyente como el Bosque de Chapultepec¹.

La programación incluye actos donde el cuerpo es protagonista como territorio poético y político, con propuestas performáticas que exploran la relación entre voz, lenguaje, corporalidad y espacio público desde perspectivas críticas y experimentales¹.

Artistas y actividades destacadas

Además, participarán Verónica Gerber Bicecci, Deborah Castillo, Lanza, Icli Zitella, Taquitojocoque y Sara Leghissa¹.

El festival propone actividades que van desde la escucha de poesía y la experimentación con radios, hasta volar papalotes y la presentación de artistas de primer nivel, buscando fortalecer el diálogo entre disciplinas y comunidades¹.

El festival se realizará en Casa del Lago UNAM, los días 17 y 18 de octubre, de 12:00 a 22:00 horas. La entrada es libre. Consulta el programa completo en: https://casadellago.unam.mx/poesiaenvozalta2026¹.

El acceso será gratuito y abierto a todo público, en un entorno que promueve la inclusión y la participación colectiva¹.

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/poesia-en-voz-alta-2026-apuesta-por-la-voz-y-el-cuerpo-como-formas-de-resistencia-el-festival-llega-al-bosque-de-chapultepec/

Von Gunten, nacido en Zürich en 1933, se estableció en México en 1957 y fue parte central del movimiento de La Ruptura. Su obra, reconocida por el uso expresivo del color y la exploración de lo real y lo imaginado, ha sido expuesta en más de 120 muestras individuales y 200 colectivas tanto en México como en el extranjero¹.

El legado de Roger von Gunten

Roger von Gunten adquirió la nacionalidad mexicana en 1980 y fue galardonado en 2014 con la Medalla Bellas Artes, el máximo reconocimiento en las artes plásticas que otorga el INBAL¹. Su obra se caracteriza por paisajes, mujeres, animales y personajes fantásticos que surgen de lo que él llamaba su 'mitología personal', y se distingue por la tensión entre la realidad, la imaginación y la lírica¹.

Alejandra de la Paz Nájera, directora general del INBAL, señaló que Gunten consolidó un universo pictórico autónomo y genuino, guiado por la libertad romántica y la poética de la imaginación. Destacó que su legado no solo representó una ruptura formal, sino una apertura hacia un nuevo lenguaje visual que seguirá dialogando con las miradas del mundo¹.

Testimonios y enseñanzas

Durante el homenaje, Ives von Gunten, hijo del artista, agradeció que el INBAL fuera la sede del tributo y compartió la filosofía de vida de su padre, basada en el concepto 'X libre', que representa el equilibrio entre las responsabilidades y el ímpetu por alcanzar la felicidad¹.

El poeta Homero Aridjis describió la pintura de von Gunten como un itinerario personal y lírico, mientras que el gestor cultural Walter Boelsterly resaltó el compromiso del artista con México y su honestidad creativa. La artista Coral Revueltas subrayó el impacto de Gunten como docente y recordó que el Museo Nacional de la Estampa conserva 29 impresiones suyas, abarcando técnicas como aguafuerte, aguatinta, litografía, serigrafía y heliograbado¹.

María del Sol Argüelles, directora general del Museo de Arte Moderno, afirmó que la huella de von Gunten permanece viva en las generaciones de alumnos que formó, y que su legado continúa tanto en su obra como en los artistas que influyó¹.

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/roger-von-gunten-recibe-homenaje-postumo-del-inbal-reconocen-su-legado-en-el-arte-mexicano/

La Secretaría del Medio Ambiente de la Ciudad de México (SEDEMA) anunció que el evento incluye actividades para todas las edades, con el objetivo de fomentar la convivencia familiar y el disfrute de las tradiciones mexicanas en un entorno natural¹.

Cine al aire libre y cartelera participativa

El festival arrancó el 16 de octubre con funciones de cine al aire libre, que continuarán los días 17, 23, 24, 30 y 31 de octubre, así como el 1 de noviembre¹.

Las proyecciones inician a las 19:00 horas y el acceso está disponible desde las 18:15 por el acceso 1, con funciones en las zonas de los accesos 6 y 8¹.

Los títulos de las películas serán seleccionados mediante votaciones en las redes sociales del bosque, donde también se puede consultar información sobre acceso y estacionamiento¹.

Actividades deportivas, artísticas y para mascotas

El 17 de octubre se realizará una rodada ciclista a las 17:00 horas, partiendo del acceso 1; las personas participantes deben llevar su propia bicicleta¹.

Al finalizar la rodada, el grupo 'Guerreros del cielo y la tierra' del Centro Cultural Futurama presentará una muestra de danza folclórica en el andador central del lago a las 18:00 horas¹.

El 18 de octubre, a las 9:00 horas, se llevará a cabo la caminata canina 'Calaveritas y huellitas', en la que las personas y sus mascotas pueden asistir disfrazadas y recorrer el circuito alrededor del lago, con un bazar al final¹.

Mercadillo, terror y experiencias inmersivas

Entre el 23 y el 31 de octubre y el 1 de noviembre, el andador del acceso 6 albergará un mercadillo, una casona del terror y un domo de realidad virtual¹.

En estas atracciones se ofrecerán artículos de temporada, artesanías, alimentos y una experiencia inmersiva de terror a cargo de The Mistery Room¹.

Desfiles, talleres y actividades infantiles

Los desfiles de Día de Muertos están programados para el 30 de octubre a las 16:00 horas, el 31 de octubre a las 17:00 horas y el 1 de noviembre a las 18:00 horas, con punto de reunión en el acceso 8, cerca de la estación Bosque de Aragón de la Línea B del Metro¹.

Durante la última jornada, niñas y niños disfrazados podrán pedir la tradicional calaverita¹.

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1. 24 Horas

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

24 Horas: https://24-horas.mx/cdmx/dia-de-muertos-en-cdmx-habra-cine-desfiles-y-actividades-para-mascotas-en-el-bosque-de-aragon/

La decisión, que no ha sido explicada oficialmente por el museo, se dio el mismo día en que el presidente Abelardo de la Espriella visitó el Ministerio de Cultura y anunció una 'contrarrevolución cultural', instruyendo la remoción de piezas que, según él, representan una 'oda al terrorismo'¹.

Qué obras fueron retiradas

Entre las piezas retiradas se encuentran obras alusivas a los derechos femeninos y LGTB, así como objetos y afiches relacionados con campañas presidenciales de figuras como Bernardo Jaramillo Ossa y Carlos Pizarro Leongómez, ambos asesinados en 1990 durante periodos de violencia política¹.

Argumentos del gobierno y reacciones

El presidente De la Espriella defendió la medida como parte de una agenda conservadora y 'antiwoke', señalando que el Estado debe impedir que los espacios culturales sean 'captados por el social-comunismo'¹.

La ministra de Cultura, Paola Holguín, afirmó en redes sociales que la vocación del museo no es servir como instrumento de adoctrinamiento político y que la curaduría está siendo rediseñada para salvaguardar el patrimonio nacional¹.

Políticos opositores y colectivos feministas y LGTB han rechazado la decisión, señalando que limita la expresión artística y afecta la memoria del país¹.

Contexto político y cultural

La polémica surge poco más de dos meses después de la llegada de De la Espriella a la presidencia, quien durante su campaña se declaró contrario al 'wokismo' y defensor de valores conservadores y religiosos¹.

Expertos y analistas señalan que la 'batalla cultural' no fue tan central en su campaña como sus propuestas de mano dura contra la delincuencia, pero ahora toma protagonismo en su gobierno¹.

Actualmente, una bancada 'provida' en el Congreso, afín al gobierno, impulsa debates sobre derechos como el aborto y el acceso de menores a tratamientos médicos de género¹.

Rechazo y apoyo social

La retirada de las obras generó críticas de figuras como María José Pizarro, congresista e hija de Carlos Pizarro, quien afirmó que el intento de proscribir la memoria de su padre solo agranda su legado¹.

Ricardo Moreno Patiño, exviceministro de Educación, consideró que la medida limita la narrativa diversa y plural que representa el museo¹.

Grupos conservadores y sectores religiosos han respaldado la agenda cultural del presidente, mientras que la oposición y colectivos sociales han manifestado su rechazo en redes sociales¹.

Por qué importa en América Latina

La controversia por la retirada de obras del Museo Nacional de Colombia refleja tensiones culturales y políticas presentes en varios países latinoamericanos, donde los debates sobre memoria, derechos LGTB, feminismo y libertad de expresión siguen siendo relevantes¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. BBC

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BBC: https://www.bbc.com/mundo/articles/cw98zj48e4r4o?at_medium=RSS&at_campaign=rss

La celebración y sus protagonistas

Durante el evento, Becky Gochman subrayó la importancia central de los artistas en el mundo del arte y afirmó: “Los artistas, en nuestra mente, son los más importantes, y deferir a los artistas es una de las mejores cosas que podemos hacer”¹. Por su parte, Estrellita Brodsky resaltó el papel de los coleccionistas en el apoyo a los creadores, especialmente a los artistas de América Latina y su diáspora, señalando que una parte fundamental de su misión es prestar obras para promover su reconocimiento en un contexto global¹.

Colaboraciones y experiencias de la noche

La fiesta de lanzamiento se realizó en colaboración con The Balvenie, Reckoner Art Finance y Cygnet¹. Los asistentes disfrutaron de cócteles y de cuatro expresiones diferentes de The Balvenie, que recientemente colaboró con el artista Daniel Arsham en un estuche especial para The 1931 Collection¹. Laura Damême, directora ejecutiva de Reckoner Art Finance, conversó con los coleccionistas sobre cómo utilizar el arte que ya poseen para ampliar sus colecciones a través de préstamos respaldados por obras de arte¹. Cygnet, una marca con raíces en el arte y la música, ofreció cócteles personalizados, incluido The Collector’s Royale 22¹.

Dónde y cuándo se realizó el evento

La presentación de la lista 2026 de los 200 principales coleccionistas de arte de ARTnews tuvo lugar el 29 de septiembre en Summit New York 1 Vanderbilt, un espacio con vistas que abarcan desde el edificio Chrysler hasta la torre JPMorgan Chase y el Empire State Building¹. El evento reunió a coleccionistas, artistas y representantes de instituciones del arte contemporáneo¹.

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Fuentes

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1. artnews.com

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artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/artnews-top-200-collectors-2026-issue-launch-party-1234802617/

El evento busca mantener vivas las costumbres de la región y ofrecer un espacio para recordar a quienes ya no están, convirtiéndose en uno de los principales atractivos de la temporada en el municipio¹.

La Mega Ofrenda y otras actividades

La Mega Ofrenda Monumental será el eje central de las celebraciones en Tepotzotlán. Además de la ofrenda principal, se sumarán otras realizadas por colectivos locales, dependencias del Ayuntamiento y escuelas. El centro del Pueblo Mágico se transformará en un punto de encuentro para habitantes y visitantes que deseen participar en las festividades¹.

Entre las actividades más esperadas destaca el desfile de Día de Muertos, que se llevará a cabo el 1 de noviembre a partir de las 20:00 horas. El recorrido contará con carros alegóricos, bailarines, colectivos y familias del municipio, quienes llenarán las calles de color y tradición. Artesanos locales también participarán mostrando esqueletos monumentales como parte del ambiente festivo¹.

Recepción y tradición en Tepotzotlán

En la edición pasada, Tepotzotlán sorprendió a los asistentes con la primera ofrenda digital de México, instalada en la explanada municipal. La estructura permitía a los visitantes recorrerla y apreciar imágenes representativas de la temporada, así como disfrutar de una vista hacia el centro del municipio¹.

El evento ha ganado popularidad y, durante la última edición, el municipio recibió a más de 100 mil visitantes que disfrutaron gratuitamente de las actividades del Día de Muertos¹. Para este año, aún se esperan detalles sobre el tema y diseño de las ofrendas, así como el programa completo de actividades¹.

Fechas, lugares y cómo llegar

Las celebraciones principales se realizarán del 31 de octubre al 2 de noviembre en la Plaza de la Cruz, el Atrio de los Olivos y la Plaza Cívica de Tepotzotlán. Además, el 24 de octubre a las 18:00 horas en el Río Chiquito, se llevará a cabo el Desfile hacia Mictlán, un paseo nocturno y concurso de disfraces para mascotas como antesala al Día de Muertos¹.

Para llegar desde Ciudad de México, se puede tomar la autopista México-Querétaro (MEX-57D) hacia el norte y salir en la caseta de Tepotzotlán, con un costo actual de 113 pesos para automóvil. También existen opciones de transporte público desde la Terminal de Autobuses Tepotzotlán, ubicada sobre la autopista, con conexiones hacia el centro del municipio¹.

Otras celebraciones en el Estado de México

El Valle de México ofrece opciones para todos los gustos durante la temporada. En Zumpango, el 31 de octubre se realizará la Marcha Zombie 2026, un recorrido que inicia a las 16:00 horas en Town Center y culmina en la Deportiva, con premios para los mejores disfraces y presentaciones culturales al finalizar¹.

En Tultitlán, se organiza el primer Concurso Municipal de Catrinas y Catrines de Día de Muertos 2026, dirigido a quienes deseen mostrar su creatividad en vestuario y maquillaje¹.

Además, el Festival de los Suspiros se celebrará del 25 de octubre al 7 de noviembre en Nicolás Romero, Atizapán de Zaragoza, Cuautitlán Izcalli, Tlalnepantla y Villa del Carbón, con desfiles, conciertos, talleres, concursos y experiencias culturales como parte del programa apoyado por PROFEST 2026¹.

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1. Directo al Paladar México

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Directo al Paladar México: https://www.directoalpaladar.com.mx/viajes-y-estilo-de-vida/este-pueblo-magico-edomex-tendra-mega-ofrenda-monumental-que-podras-visitar-gratis-31-octubre-al-2-noviembre

Durante la sesión, Beckert analizó la evolución de las redes comerciales, las estructuras de poder y los mecanismos de acumulación que han definido la economía contemporánea, destacando el carácter dinámico y disputado del capitalismo como construcción social y política¹.

La conferencia de Sven Beckert

En la Sala Alfonso Reyes de El Colegio de México, Sven Beckert abordó las dinámicas fundamentales de la historia global del capitalismo, profundizando en cómo las redes comerciales y las estructuras de poder han influido en la configuración del sistema económico actual¹. El historiador subrayó que el capitalismo no es un proceso estático, sino una construcción en constante transformación y disputa política y social¹.

Debate académico y reflexiones contemporáneas

Tras la conferencia, Beckert sostuvo un diálogo crítico con el historiador económico Carlos Marichal, investigador de El Colegio de México, bajo la moderación de Humberto Beck¹. Los ponentes analizaron tanto los aportes del capitalismo en productividad e innovación, como sus efectos en la desigualdad social y el deterioro ambiental¹.

El encuentro propició una reflexión colectiva sobre los dilemas actuales, incluyendo la financiarización, el extractivismo y la necesidad de cuestionar las narrativas tradicionales para comprender el alcance de los cambios globales¹.

El Colegio de México como foro de debate

Con esta mesa de análisis, El Colegio de México reafirmó su papel como espacio clave para el debate en ciencias sociales e historia económica en América Latina¹. La participación de la comunidad universitaria y la transmisión en vivo del coloquio en las redes sociales de El Colmex ampliaron el alcance de las discusiones¹.

Dónde y cómo seguir el evento

La conferencia y el resto del coloquio pueden seguirse en vivo a través de las redes sociales oficiales de El Colegio de México, donde se transmiten las sesiones del encuentro internacional¹.

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Fuentes

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1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/sven-beckert-analiza-la-historia-del-capitalismo-en-el-colegio-de-mexico-expertos-debaten-sus-desafios-actuales/

Las actividades se realizarán en distintos puntos de la ciudad y municipios cercanos, con eventos para amantes de la música, el cine, los juguetes coleccionables y las tradiciones mexicanas¹.

Lo que había pasado: En la cobertura previa, se informó que Puebla ofrecerá más de 500 eventos culturales del 23 de octubre al 3 de noviembre para celebrar el Día de Muertos en varios municipios del estado (Día de Muertos 2026 en Puebla con más de 500 actividades culturales).

Concierto gratuito de Banda MS y Festival de Mole de Caderas

La Banda MS se presentará de forma gratuita en la explanada del Palacio Municipal de Tehuacán el domingo 18 de octubre a las 20:00 como parte del Festival de Mole de Caderas 2026, evento que marca el inicio de la temporada de este platillo tradicional¹.

El festival también incluye festejos y actividades culturales para quienes deseen conocer más sobre la gastronomía local¹.

Feria de Cempasúchil y recorridos en Atlixco

La región de Atlixco será sede de la Feria de Cempasúchil el 17 y 18 de octubre desde las 11:00, donde productores locales ofrecerán ramos de cempasúchil y terciopelo, además de recorridos por los campos de flores en la junta auxiliar de Santo Domingo Atoyatempan¹.

En Atlixco también se podrán visitar 19 Catrinas monumentales de cartonería y participar en recorridos teatrales de leyendas, paseos en trajinera y exhibiciones especiales durante esos días¹.

Toy Fest y cultura pop en Puebla capital

El Toy Fest reunirá 80 stands de coleccionables de cultura pop, 20 cosplayers, 20 bandas en vivo y la presencia de actores de doblaje en la Mansión Chop, ubicada en Bulevar Lic. Luis Sánchez Pontón 433, el 17 y 18 de octubre desde las 11:00¹.

El evento es gratuito y está dirigido a fanáticos de juguetes, cómics y cultura geek¹.

Cine, talleres y espectáculos de Día de Muertos

El Complejo Cultural Universitario (CCU) ofrecerá un recital de piano por Día de Muertos, un sinfónico de rock y talleres de trompo y yoyo, además de un recorrido especial llamado Sótano Siniestro, con entrada gratuita y acceso limitado por grupos cada 15 minutos¹.

El Museo Nacional de los Ferrocarriles Mexicanos permitirá conocer la historia del transporte en México con recorridos a 22 pesos para mayores de 13 años; el resto de los visitantes entra gratis¹.

En la Escuela de Cinematografía y Medios Audiovisuales, habrá un ciclo de cine de terror, talleres de maquillaje con prostéticos y muestra de cine fantástico mexicano¹.

Otras actividades gratuitas y familiares

El EcoParque Metropolitano ofrecerá un bazar para mascotas, concursos de disfraces y zonas de comida, todo sin costo de entrada¹.

El Museo Infantil impartirá un taller para elaborar calabazas decorativas y el Museo Casa del Títere Marionetas Mexicanas presentará una obra de títeres sobre la leyenda de La Llorona¹.

En el Complejo Cultural Universitario (CCU) también se realizará la Feria de la Sexualidad, con aplicación de vacunas, pruebas rápidas y entrega de preservativos para estudiantes de la BUAP¹.

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1. Puebla Online

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Puebla Online: https://www.pueblaonline.com.mx/2026/puebla/fin-de-semana-en-puebla-banda-ms-gratis-feria-de-cempasuchil-y-toy-fest/167375/

Durante su encuentro con la prensa, DeVito destacó la importancia de apoyar el cine independiente ante el avance de tendencias conservadoras en la industria, y compartió anécdotas sobre su carrera y el trabajo en familia¹.

La obra: Drag y la libertad de la comedia negra

Drag, la película presentada por DeVito en Sitges, es una comedia negra dirigida por Greg Yagolnitzer y Raviv Ullman, y protagonizada por Lucy DeVito, Lizzy Caplan y John Stamos¹. La historia sigue a dos hermanas que intentan robar en una casa en el bosque, lo que las lleva a situaciones tanto sangrientas como cómicas, en una línea que el propio DeVito ha explorado en títulos anteriores como Tira a mamá del tren y La guerra de los Roses¹.

DeVito señaló que la comedia negra le da "libertad" y que disfruta sorprender al público llevando a los personajes a extremos insólitos¹. Los directores de Drag coincidieron en que buscan seguir el ejemplo de DeVito en la creación de historias que exploran esa libertad creativa¹.

El homenaje: un reconocimiento a su trayectoria

El Gran Premio Honorífico de Sitges fue entregado a DeVito como reconocimiento a su extensa carrera como actor, director y productor, con títulos destacados como Alguien voló sobre el nido del cuco, Gemelos, Batman Returns, Matilda y Pulp Fiction^1,2.

Durante la ceremonia, DeVito expresó sentirse "muy feliz" y "honrado" por el homenaje, y agradeció al público de Sitges por su amor al cine¹. "Es maravilloso estar aquí, porque sé que me quieren y yo los quiero, porque ustedes aman el cine y el cine es mi vida", afirmó el actor¹.

La familia DeVito y el trabajo conjunto

Drag es también una producción familiar: DeVito trabaja junto a sus hijos Jake y Lucy en la productora Jersey Films 2nd Avenue^1,2. Lucy DeVito destacó la conexión especial que tienen como familia y la oportunidad de crear y colaborar juntos^1,2.

DeVito relató cómo él y su esposa Rhea Perlman fomentaron la pasión por el cine en sus hijos desde pequeños, llevándolos a rodajes y mostrándoles películas clásicas¹. Jake DeVito señaló que crecer viendo a su padre disfrutar del cine los motivó a seguir ese camino².

Recepción y próximos proyectos

La presencia de DeVito en Sitges fue celebrada tanto por el público como por los organizadores, quienes resaltaron su aporte al cine fantástico y de comedia^1,2.

Además de Drag, DeVito adelantó que participa en la cuarta entrega de Jumanji, que se estrenará en Navidad, y que prepara un concierto especial en Londres para conmemorar los 30 años de Matilda junto a la Royal Philharmonic Concert Orchestra².

Fuentes

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1. Infobae
2. El País

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Infobae: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/16/debemos-recuperar-el-cine-independiente-la-advertencia-de-danny-devito-en-sitges-mientras-presenta-drag-su-comedia-mas-sangrienta-y-familiar/

El GES-2, administrado por la Fundación V-A-C y ubicado frente al Kremlin, abrió sus puertas en 2021 y ha estado rodeado de controversias desde antes de la invasión rusa a Ucrania, incluyendo la renuncia de su cofundadora Teresa Iarocci Mavica y la cancelación de presentaciones artísticas tras el inicio del conflicto¹.

El trabajo y trayectoria de Bonami

Francesco Bonami, nacido en Italia y con ciudadanía estadounidense, ha organizado exposiciones en instituciones como la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo y el Museum of Contemporary Art Chicago, además de ediciones de Manifesta, la Whitney Biennial y SITE Santa Fe International¹. En 1993, fue responsable de la sección 'Aperto' de la Bienal de Venecia dedicada a artistas emergentes, y en 2003 organizó la exposición principal de la misma bienal¹.

Bonami ya había colaborado con la Fundación V-A-C antes de este nombramiento, como en la muestra 'Square and Space: From Malevich to GES-2' en 2024, junto con Zelfira Tregulova, directora de la Galería Tretyakov¹.

El complejo GES-2 y su propietario

El GES-2 House of Culture es un espacio de 440,000 pies cuadrados administrado por la Fundación V-A-C, fundada por Leonid Mikhelson, empresario ruso-israelí y uno de los primeros sancionados en el Reino Unido tras el inicio de la guerra en Ucrania¹. Mikhelson es dueño de una de las mayores empresas de gas natural de Rusia fuera del control estatal y apareció en la lista ARTnews Top 200 Collectors entre 2013 y 2021¹.

El complejo ha enfrentado polémicas desde su apertura, incluyendo la renuncia de su cofundadora Teresa Iarocci Mavica a finales de 2021 y la cancelación de una obra de Ragnar Kjartansson tras la invasión a Ucrania¹.

Recepción y declaraciones

El nombramiento de Bonami ocurre en un contexto de debate sobre la colaboración de curadores occidentales con instituciones rusas durante el actual clima político¹. En 2024, Bonami expresó su postura respecto a la ética en la curaduría y las sanciones culturales, señalando: 'Las sanciones son económicas, no culturales. Sancionar la cultura es un crimen blanco que mata el alma de las personas'¹.

Sobre su nuevo puesto, Bonami declaró que su función será 'catalizar la energía artística' y buscar los mejores proyectos para el GES-2, aprovechando su experiencia internacional¹.

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Fuentes

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1. artnews.com

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artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/francesco-bonami-artistic-director-ges-2-house-of-culture-moscow-1234802581/

Giménez Cacho, quien participó por primera vez en la feria regiomontana, remarcó la necesidad de políticas públicas que protejan la diversidad cultural frente a los discursos dominantes y la influencia de la industria estadounidense¹.

El discurso de Giménez Cacho en la FIL Monterrey

Durante su intervención, Giménez Cacho cuestionó el predominio de Hollywood en la industria cinematográfica y se preguntó: “¿Y todo lo que no es Hollywood, dónde va a estar?”¹. Señaló que el arte latinoamericano enfrenta una fuerte disputa contra los discursos hegemónicos y defendió la importancia de la diversidad cultural para contrarrestar la repetitividad de los contenidos dominantes¹.

El actor también abordó la influencia de las redes sociales y la inmediatez digital, advirtiendo que estas plataformas pueden alejar a las personas de su propio proceso creativo y del contacto consigo mismas¹. Enfatizó que la literatura y el teatro ofrecen experiencias únicas que pueden atraer a nuevos públicos, especialmente a niños y jóvenes que asisten a eventos culturales como la feria¹.

Defensa de la diversidad y el papel del Estado

Giménez Cacho defendió el papel fundamental del Estado en la promoción y protección de la producción cultural y cinematográfica, señalando que las políticas públicas deben garantizar la diversidad y evitar que el mercado libre favorezca solo a los actores más poderosos¹.

Mencionó la situación del cine argentino y los recortes al Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) bajo el gobierno de Javier Milei, considerando esencial la intervención estatal para evitar que las narrativas hegemónicas impidan el acceso a otras voces y expresiones artísticas¹.

La nueva faceta de Giménez Cacho como director

En Monterrey, Daniel Giménez Cacho presentó su primera película como director, titulada “Juana”, en la que explora la lucha de una mujer por sobrevivir, crecer y salvarse¹. El actor describió su experiencia detrás de cámara como la de un “director de orquesta”, enfocado en crear un clima de confianza durante los ensayos para lograr interpretaciones auténticas¹.

Explicó que la fuerza comunicativa del cine surge cuando los actores reflejan procesos internos genuinos, más allá de la simple repetición de indicaciones técnicas¹.

Cine latinoamericano: tensiones y similitudes

Giménez Cacho compartió sus experiencias trabajando con directores argentinos como Lucrecia Martel y Luis Ortega, y señaló que, aunque existen similitudes culturales entre México y Argentina, en México se percibe una mayor presión por la cercanía con Estados Unidos y la influencia de su industria¹.

Destacó que en Argentina siente mayor libertad creativa, ya que la tensión con Hollywood es menos marcada, lo que permite la aparición de propuestas más originales y menos condicionadas por la búsqueda de aceptación en el mercado estadounidense¹.

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Fuentes

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1. Infobae

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Infobae: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/16/daniel-gimenez-cacho-y-la-pelea-del-cine-contra-los-discursos-hegemonicos-no-puedo-ser-obligado-a-solo-consumir-el-hombre-arana/

Esta semana, los cines presentan dos estrenos destacados: ‘La caída de la ballena’, un thriller dramático inspirado en una novela sobre la supervivencia extrema de un hombre dentro de una ballena, y una nueva adaptación cinematográfica del clásico videojuego ‘Street Fighter’^1,2.

Ambas producciones apuestan por historias intensas y el trabajo físico de sus protagonistas, con el objetivo de atraer tanto a los amantes del suspenso como a los seguidores de la cultura pop¹.

‘La caída de la ballena’: supervivencia extrema

‘La caída de la ballena’ narra la historia de Jay Gardiner, un buzo que busca los restos de su padre en el mar y termina atrapado en el interior de un cachalote de más de 20 metros de longitud^1,2. El protagonista dispone de solo una hora de oxígeno para intentar escapar, mientras enfrenta el peligro de los ácidos estomacales y la presión de las profundidades^1,2.

La película, dirigida por Brian Duffield y basada en la novela de Daniel Kraus, se enfoca en la tensión psicológica y física del personaje principal, interpretado por Austin Abrams, acompañado en el elenco por Elisabeth Shue y Josh Brolin^1,2. Para lograr realismo, el equipo de producción construyó el estómago y otras partes internas de la ballena, utilizando efectos prácticos y asesoría científica^1,2.

El director Brian Duffield aseguró que la historia, aunque no está basada en un caso real específico, fue diseñada para ser científicamente precisa y posible, con la colaboración de expertos en cetáceos².

Casos reales de encuentros con ballenas

Si bien la trama de la película parece inverosímil, existen antecedentes documentados de personas que han quedado atrapadas, aunque sea brevemente, en la boca de ballenas^1,2. En 2019, el fotógrafo Rainer Schimpf fue succionado por una ballena durante una expedición de buceo y logró salir ileso tras unos segundos^1,2.

Otro incidente ocurrió en 2021, cuando un buzo dedicado a la pesca de langostas fue atrapado por una ballena jorobada y liberado poco después². En febrero de 2025, Adrián Simancas, de 23 años, fue tragado por una ballena jorobada mientras remaba en kayak en el Estrecho de Magallanes; el animal lo escupió rápidamente, y el suceso fue captado en video por su padre².

‘Street Fighter’: regreso del videojuego al cine

‘Street Fighter’ vuelve a la pantalla grande con una historia ambientada en los años noventa, centrada en los personajes Ryu y Ken, quienes se reencuentran para participar en un torneo mundial en medio de una conspiración¹.

La dirección está a cargo de Kitao Sakurai, y el elenco incluye a Callina Liang como Chun Li, quien se preparó durante meses para replicar los movimientos del personaje y aumentó su masa muscular en seis centímetros¹. Jason Momoa interpreta a Blanka¹.

La producción destaca el compromiso físico de los actores y la fidelidad a los elementos originales del videojuego, buscando ofrecer una versión que satisfaga tanto a los fanáticos de la saga como a nuevos espectadores¹.

Dónde ver los estrenos

Tanto ‘La caída de la ballena’ como ‘Street Fighter’ están disponibles en cines a partir de esta semana^1,2. Los espectadores pueden consultar la cartelera local para horarios y salas disponibles².

Versiones de los hechos

• El incidente de Rainer Schimpf en 2019: Rainer Schimpf fue atrapado por unos instantes en la boca de una ballena en 2019 mientras buceaba¹; Rainer Schimpf quedó atrapado accidentalmente en la boca de una ballena en la costa de Sudáfrica en 2019².

Fuentes

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1. El Universal
2. GQ México

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/una-lucha-por-sobrevivir-dentro-de-una-ballena-y-el-regreso-de-street-fighter-a-la-pantalla-cine-para-todos-los-gustos/

La exposición reúne obras de 27 artistas y busca dialogar entre el arte contemporáneo, la espiritualidad y la tradición judeocristiana, tomando como referencia la encíclica Magnifica Humanitas de León XIV¹.

Obras, artistas y enfoque curatorial

La exposición, bajo la curaduría de María Pimentel de Lanusse y Verónica Parselis, presenta piezas de las ediciones XIII y XIV de la Bienal de Arte Sacro Contemporáneo, vinculando el arte contemporáneo con temas como la condición humana, la espiritualidad, la memoria, la tecnología, la naturaleza y la experiencia de lo trascendente¹.

Algunas obras combinan tecnologías digitales con tradiciones ancestrales o exploran la incertidumbre en un mundo en transformación, mientras otras ponen énfasis en la fragilidad y la vulnerabilidad humana, así como en la responsabilidad ética frente a la naturaleza y la creación¹.

La convocatoria tiene carácter ecuménico y está abierta a artistas de distintas confesiones religiosas¹.

Sentido de la muestra y referencia papal

El enfoque curatorial retoma una idea de León XIV: el desafío de este tiempo no es ser espectadores de lo que se derrumba, sino entrar en la 'obra' de la historia y reconstruirla¹.

También destacan que, en una época que tiende a medir al ser humano por su productividad, la dignidad es un don que precede a toda utilidad y que el arte es un camino para habitar el misterio¹.

Fechas, sede y acceso a la exposición

La exposición abrirá al público el 26 de octubre a las 18 h en el Pabellón de las Bellas Artes de la Universidad Católica Argentina, en Av. Alicia Moreau de Justo 1300, Puerto Madero, Buenos Aires¹.

Permanecerá disponible hasta el 8 de noviembre, con horario de visita de lunes a domingo de 11 a 19 h y entrada libre y gratuita¹.

Historia de la Bienal y organización

Desde 2004 la organiza la Fundación Vetrano y, a partir de la XIII edición, se sumó la Fundación La Santa Faz¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

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1. Infobae

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Infobae: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/16/arte-sacro-tecnologia-ancestral-y-la-enciclica-de-leon-xiv-27-artistas-en-una-muestra-en-honor-a-la-visita-papal/

El aniversario se celebra con homenajes y el reestreno en formato remasterizado en el canal TLNovelas, mientras el personaje de Catalina Creel, interpretado por María Rubio, sigue siendo símbolo de la villanía en la pantalla chica¹.

La obra, sus creadores y el reparto

La historia de ‘Cuna de lobos’ fue creada por Carlos Olmos y producida por Carlos Téllez, quienes apostaron por un guion que rompía con los esquemas tradicionales de las telenovelas mexicanas¹. La trama giraba en torno a la familia Larios Creel y su matriarca, Catalina Creel, quien manipulaba a sus hijos y entorno para mantener el poder y la fortuna familiar².

María Rubio, quien ya tenía una carrera consolidada, fue elegida para dar vida a Catalina Creel después de que varias actrices rechazaran el papel, entre ellas Marga López, Amparo Rivelles y Ana Martin. Ofelia Guilmáin no pudo participar por decisión de un productor, Ernesto Alonso, según versiones de los hechos reproducidas por El Universal y Puntos Ciegos^1,2. La selección final contó con la influencia de Luis Reyes de la Maza, esposo de Rubio, quien la animó a aceptar el personaje².

El elenco principal incluyó a Gonzalo Vega como José Carlos Larios, Diana Bracho como Leonora Navarro, Rebecca Jones como Vilma de la Fuente, Alejandro Camacho como Alejandro Larios y Carmen Montejo como doña Esperanza¹. Humberto Elizondo interpretó al inspector Norberto Suárez². Rosa María Bianchi debutó en las telenovelas como asistente personal de Catalina¹.

El fenómeno de Catalina Creel

Catalina Creel se convirtió en la ‘reina de las villanas’ de la televisión mexicana, reconocida por su parche en el ojo y frases memorables¹. El personaje, que no fue pensado originalmente para María Rubio, casi termina con su carrera debido a la intensidad del papel y las largas jornadas de grabación^1,2. Rubio enfrentó dificultades físicas, como caídas frecuentes por el parche y agotadoras jornadas de hasta 15 horas².

Las frases de Catalina Creel, como ‘Me educaron entre lobos y aprendí a aullar’ y ‘La felicidad es un invento de los pobres de espíritu’, permanecen en la memoria colectiva¹. La interpretación de Rubio fue tan icónica que inspiró parodias, como la de Héctor Herrera ‘Cholo’ en ‘Cuna de perros’¹.

Recepción y legado de la telenovela

‘Cuna de lobos’ no fue la primera opción para sustituir a ‘Monte Calvario’ en la programación de Televisa, pero una decisión de Emilio Azcárraga Milmo, entonces presidente de la empresa, la llevó al horario estelar del Canal de las Estrellas el 13 de octubre de 1986^1,2. El estreno se realizó sin promoción y con pocas semanas de grabación².

En apenas dos semanas, la telenovela se convirtió en la favorita del público, alcanzando un récord de audiencia: ocho de cada diez televisores encendidos en México sintonizaban ‘Cuna de lobos’^1,2. El éxito trascendió fronteras, siendo vista en otros países, como recuerda Humberto Elizondo, quien fue reconocido en el extranjero por su papel².

Críticos de televisión consideran a ‘Cuna de lobos’ como la mejor telenovela mexicana de todos los tiempos, destacando su historia, guion, música incidental de Pedro Plascencia y diálogos¹. La telenovela atrajo a todo tipo de público y sigue cautivando a nuevas generaciones¹.

Dónde y cómo ver el homenaje

Para conmemorar el 40 aniversario, el canal TLNovelas de Televisa reestrenó ‘Cuna de lobos’ en formato remasterizado¹. El homenaje incluye la difusión de episodios originales y la recuperación de anécdotas y testimonios de su producción y elenco¹.

Versiones de los hechos

• Actrices consideradas para Catalina Creel: Marga López y Amparo Rivelles rechazaron el papel; también se menciona a Angélica Aragón para otro personaje¹; Ana Martin y Marga López rechazaron el papel; Ofelia Guilmáin fue considerada pero no aceptada por decisión del productor ejecutivo².
• Motivo del rechazo de Marga López: Rechazó el papel porque consideró que podría afectar su carrera¹; Rechazó el papel porque no llevaría el primer crédito².
• Fecha de estreno: No menciona fecha exacta, solo que fue en 1986 y cumple 40 años en 2026¹; El 13 de octubre de 1986 se estrenó el primer capítulo².

Fuentes

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1. Diario de Yucatán
2. El Universal

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Diario de Yucatán: https://www.yucatan.com.mx/imagen/2026/10/16/cuna-de-lobos-y-catalina-creel-son-inolvidables.html

La película 'Campeón gabacho', dirigida por Jonás Cuarón, inauguró el 24 Festival Internacional de Cine de Morelia, marcando la tercera vez que una cinta mexicana abre este importante encuentro cinematográfico en su historia². Protagonizada por Juan Daniel García Treviño, la cinta adapta la novela homónima de Aura Xilonen y explora la vida de Liborio, un migrante mexicano en Nueva York que enfrenta discriminación y adversidad, pero también encuentra comunidad y amor^1,2.

La función inaugural se realizó en el Teatro Mariano Matamoros, en el Centro Histórico de Morelia, y contó con la presencia de Jonás Cuarón y su padre, Alfonso Cuarón, productor de la película, quienes hicieron historia al ser el primer dúo padre e hijo en inaugurar el festival².

La obra y su enfoque migrante

'Campeón gabacho' narra la historia de Liborio, un adolescente migrante mexicano en Estados Unidos que, a través del boxeo, enfrenta los retos de la discriminación y la búsqueda de identidad en un entorno hostil como Nueva York^1,2. La cinta busca mostrar la experiencia migrante desde una perspectiva humana y cotidiana, alejándose de la visión solemne o meramente estadística que suele dominar el discurso sobre migración^1,2.

Jonás Cuarón, quien reside en Estados Unidos desde hace cuatro años, explicó que la película va más allá del boxeo, abordando la resiliencia de quienes, como Liborio, se levantan ante la adversidad, una condición que asocia no solo a los migrantes, sino a toda persona marginada¹.

El reparto y la música: diversidad latina

El filme cuenta con un elenco internacional de raíces latinas, incluyendo a Rubén Blades (Panamá), Leslie Grace (República Dominicana), Rosario Dawson, Cheech Marin y Dolores Heredia (México)¹. La autora de la novela, Aura Xilonen, participó en la adaptación del guion y pidió que la película fuera una nueva interpretación de su obra, no una transposición literal^1,2.

La música, a cargo de Mateo Cuarón y Édgar Barrera, incluye canciones originales interpretadas por artistas como Maluma, Alemán, Santa Fe Klan, Anitta, Grupo Frontera, Los Tigres del Norte y Rawayana, reflejando la diversidad de las comunidades latinas en Nueva York¹.

Recepción y significado en el festival

Tras la proyección, la película fue descrita como un 'Rocky mexicano', destacando su combinación de humor, humanidad y superación personal¹. Para Jonás Cuarón, la cinta representa una oportunidad de mostrar que la migración implica también alegría, deseo y la capacidad de construir comunidad, no solo tragedia o desarraigo².

El actor Juan Daniel García Treviño resaltó que su papel le permitió romper con la representación tradicionalmente triste de los migrantes, mostrando también su capacidad de reír, jugar y pelear por sus sueños².

Dónde y cuándo verla

'Campeón gabacho' se proyectará en salas de cine de todo México a partir del 29 de octubre, tras su paso por el Festival Internacional de Cine de Morelia^1,2. El rodaje se realizó en locaciones mexicanas ambientadas como barrios neoyorquinos, para recrear el entorno de la historia¹.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. El Universal
2. El Economista

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/jonas-cuaron-lleva-la-migracion-al-ring-con-campeon-gabacho/

La estructura de la exposición

La exposición se divide en cuatro núcleos temáticos y cronológicos. El primero, 'Tlacuilas de ayer y hoy', está dedicado a las mujeres y los pueblos originarios como depositarios de la memoria visual y escrita. El segundo núcleo, 'Al fuego de las palabras', se centra en la participación femenina en los oficios del libro durante la época de la Nueva España¹.

El tercer núcleo, 'Las letradas de una nación independiente', visibiliza a impresoras, encuadernadoras y lectoras del siglo XIX. Finalmente, 'Palabras e imágenes violetas' reúne a escritoras, editoras y artistas del presente, mostrando la diversidad de espacios en los que las mujeres han intervenido en la cultura del libro¹.

Figuras destacadas y hallazgos poco conocidos

La curaduría, a cargo de Marina Garone y Elizabeth Treviño, priorizó la selección de piezas y biografías poco habituales o conocidas. Entre los casos destacados está la imagen de Rosario Castellanos, que enfatiza su labor en la Dirección General de Información y Prensa de la UNAM, un aspecto menos explorado de su trayectoria¹.

También se incluye a Margarita Sada, ilustradora contemporánea que ha trabajado en libros de texto gratuito y cuya labor es poco conocida por el público general. La exposición busca así reconocer tanto a figuras emblemáticas como a quienes han permanecido fuera del foco mediático, mostrando que la presencia femenina en la cultura escrita ha sido constante y no solo excepcional¹.

Materiales y fuentes de la muestra

La exposición reúne materiales procedentes de los acervos digitales de Memórica. México, haz memoria, así como del Archivo General de la Nación. Entre los objetos seleccionados se encuentran inscripciones epigráficas en estelas, estatuas y vasijas de la época prehispánica, que evidencian la relación de las mujeres con la cultura escrita desde tiempos antiguos¹.

Según la curadora Marina Garone, la propuesta es mostrar que la vinculación de las mujeres con la cultura escrita no es reciente, sino que ha sido una realidad habitual en la historia del libro en México¹.

Dónde y cuándo visitar la exposición

El recorrido digital permite acceder a documentos, imágenes y testimonios que exploran la participación femenina en la cultura del libro a lo largo de la historia mexicana¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Universal

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El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/recorrido-virtual-las-mujeres-en-el-mundo-del-libro/

La explanada de la Alhóndiga de Granaditas en Guanajuato fue escenario de uno de los momentos más destacados de la 54.ª edición del Festival Internacional Cervantino: el homenaje a José Alfredo Jiménez por el centenario de su nacimiento, encabezado por el tenor Arturo Chacón-Cruz y el Mariachi Gama 1000 bajo la dirección de Jesús “Chucho” Gama Pérez^1,3.

El concierto, titulado '100 años de José Alfredo', reunió a una multitud que acompañó con entusiasmo las interpretaciones de los temas más emblemáticos del compositor, consolidando la vigencia de su legado musical en la memoria colectiva mexicana^1,3.

El repertorio y los momentos clave

Arturo Chacón-Cruz abrió el homenaje con 'El rey', invitando al público a romper el récord del mayor canto colectivo, lo que generó una respuesta unánime y entusiasta^1,2. Continuó con piezas como 'Ella', 'Camino de Guanajuato', 'Serenata huasteca', 'Amanecí en tus brazos', 'Un mundo raro', y 'Si nos dejan', entre otras, abarcando las distintas etapas creativas de José Alfredo Jiménez^1,2,3.

Uno de los instantes más emotivos de la noche se vivió cuando el tenor interpretó 'Paloma querida' ante la presencia de Paloma Jiménez Gálvez, hija del compositor, quien se mostró visiblemente conmovida por el tributo^1,3. La selección de temas incluyó también 'Corrido del caballo blanco', 'La media vuelta', 'Que te vaya bonito', 'El jinete', 'Pa’ todo el año', 'La que se fue', y 'La vida no vale nada', además de éxitos de otros autores como 'Granada' y 'Cielito lindo', que cerraron la velada con un mar de luces de celulares entre el público^1,3.

La interpretación de Arturo Chacón-Cruz

El tenor sonorense, vestido de charro, demostró su dominio tanto de la técnica operística como de la interpretación ranchera, adaptando su voz y presencia escénica a la esencia de las canciones de José Alfredo Jiménez^1,2. Chacón-Cruz, con más de veinte años de carrera en la ópera, compartió que su afición por el mariachi se remonta a su adolescencia, cuando daba serenatas en Hermosillo y participaba en concursos de canto ranchero².

Durante el concierto, Chacón-Cruz alternó momentos histriónicos, alzando una copa y arrodillándose en el escenario, con interpretaciones íntimas, logrando conectar con el público y transmitir la pasión y el dramatismo de la música ranchera^1,2. Paloma Jiménez Gálvez destacó la sencillez, entrega y virtuosismo vocal del tenor, calificándolo como un digno embajador de la canción mexicana en el panorama internacional³.

Recepción y ambiente en el Cervantino

La explanada de la Alhóndiga de Granaditas se llenó de asistentes que, a pesar del frío de octubre, permanecieron entregados al concierto, acompañando con aplausos, vivas y cantos cada interpretación^2,3. El evento fue señalado como uno de los de mayor convocatoria y asistencia en un espacio público durante la presente edición del festival³.

El público pidió incluso una hora más de concierto, y la atmósfera alcanzó su punto más emotivo cuando, de manera espontánea, los asistentes iluminaron la explanada con las luces de sus celulares al sonar 'Cielito lindo', creando uno de los momentos más recordados del Cervantino este año^1,3.

Próximos homenajes y actividades

Paloma Jiménez Gálvez anunció que los festejos por el centenario de José Alfredo Jiménez continuarán durante todo el año³. Entre los eventos próximos se encuentra un festival conmemorativo en Dolores Hidalgo, Guanajuato, del 21 al 23 de noviembre, con la participación confirmada del Mariachi Gama 1000, cuya cartelera será detallada en los próximos días³.

Además, se develará un altar de muertos dedicado a la memoria del compositor en el Claustro de Sor Juana, diseñado por estudiantes universitarios e inspirado en la estética de una cantina tradicional, con referencias a la vida y obra de José Alfredo Jiménez³.

Versiones de los hechos

• Lista de canciones interpretadas en el homenaje: Incluye 'El rey', 'Ella', 'Camino de Guanajuato', 'Amanecí en tus brazos', 'Un mundo raro', 'La media vuelta', 'Si nos dejan', 'Corrido del caballo blanco', 'Granada', 'Cielito lindo'¹; Incluye 'El rey', 'Ella', 'Camino de Guanajuato', 'Serenata huasteca', 'Amanecí en tus brazos', 'Un mundo raro'²; Incluye 'La enorme distancia', 'Caminos de Guanajuato', 'Si nos dejan', 'Ella', 'Serenata huasteca', 'Amanecí en tus brazos', 'Un mundo raro', 'El jinete', 'Pa’ todo el año', 'Que te vaya bonito', 'La que se fue', 'La vida no vale nada', 'Paloma querida', 'Tu retirada', 'La media vuelta', 'No me amenaces', 'El último trago'³.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. La Razón de México
2. El Heraldo de México
3. El Economista

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La Razón de México: https://www.razon.com.mx/cultura/2026/10/16/homenaje-a-jose-alfredo-con-chacon-en-el-cervantino/

Calaverandia 2026 inicia su séptima edición este 20 de octubre en el Parque Ávila Camacho de Guadalajara, ofreciendo más de 30 actividades y atracciones que combinan tecnología, arte y tradiciones mexicanas para celebrar el Día de Muertos. El parque estará abierto hasta el 8 de noviembre, con horarios nocturnos y una programación que incluye espectáculos, instalaciones artísticas y recorridos temáticos para familias, parejas y grupos de amigos^1,2,3.

Entre los principales atractivos de este año destacan una Catrina monumental de 15 metros de altura, el espectáculo 4D 'Alma' sobre el lago, y un Gran Altar renovado. Los visitantes podrán recorrer senderos iluminados, interactuar con personajes inspirados en leyendas mexicanas y descubrir nuevas propuestas en espacios como Limbo, Tanamundo y el Cementerio interactivo^1,2,3.

Lo que había pasado: Calaverandia 2026 llena de arte y tecnología el Día de Muertos en Guadalajara. El parque temático Calaverandia 2026 transforma el Parque Ávila Camacho en Guadalajara con espectáculos 4D, arte, tecnología y actividades familiares para celebrar el Día de Muertos. (Calaverandia 2026 llena de arte y tecnología el Día de Muertos en Guadalajara)

Las novedades y experiencias de 2026

En 2026, Calaverandia incorpora nuevas experiencias inmersivas dentro de sus más de cinco hectáreas de recorrido. El Gran Altar, uno de los espacios centrales, presenta una estructura renovada y un espectáculo visual dedicado al recuerdo de los seres queridos fallecidos¹. En la zona Limbo, un nuevo alebrije se suma a las criaturas fantásticas que habitan el parque, mientras que los escenarios iluminados y los personajes itinerantes ofrecen oportunidades para fotografías y encuentros con figuras inspiradas en las leyendas mexicanas^1,2.

El Cementerio interactivo, inspirado en las celebraciones de Pátzcuaro, Michoacán, incorpora elementos tradicionales como ofrendas, flores y velaciones¹. Además, Tanamundo, el Lago de las Trajineras y otros espacios temáticos han sido modificados para quienes ya conocen el parque. Los espectáculos 'Alma' y 'Taü', junto con El Inframundo, regresan con propuestas que integran música, escenografía y tecnología^1,2.

Horarios, fechas y precios de boletos

Calaverandia 2026 estará abierto del 20 de octubre al 8 de noviembre, con excepción del lunes 26 de octubre, día en que permanecerá cerrado^1,2,3. Los horarios son de domingo a jueves de 19:00 a 00:00 horas, y viernes y sábado de 19:00 a 01:00 horas^1,2,3.

Los boletos para la edición 2026 tienen diferentes precios según la edad y el tipo de entrada. La entrada general para adultos cuesta $840 MXN y para niños de 4 a 12 años, $420 MXN. La modalidad Comfort tiene un precio de $1,600 MXN para adultos y $870 MXN para niños. Hay tarifas especiales de $580 MXN para adultos mayores con credencial INAPAM y $480 MXN para personas con discapacidad. Los niños de 0 a 3 años entran gratis^2,3.

Cómo llegar y qué más visitar en Guadalajara

El Parque Ávila Camacho se ubica en avenida Manuel Ávila Camacho s/n, colonia Lomas del Country, Guadalajara, Jalisco, cerca de Plaza Patria. Para quienes prefieren el transporte público, la Línea 3 del Tren Ligero tiene una estación en Plaza Patria, a unos pasos del parque³.

Además de Calaverandia, los visitantes pueden aprovechar para conocer otros sitios emblemáticos de Guadalajara como la Catedral Metropolitana, el Instituto Cultural Cabañas, el Teatro Degollado y el Templo Expiatorio. El Bosque Los Colomos y el Acuario Michin son opciones para quienes buscan espacios naturales, mientras que la colonia Americana ofrece una amplia oferta gastronómica y de entretenimiento^2,3.

Recepción y expectativas para esta edición

Desde su creación en 2018, Calaverandia ha recibido a más de 450 mil visitantes, incluidos turistas de 17 países, y en 2025 reunió a más de 90 mil personas³. Para 2026, los organizadores esperan superar esta cifra y consolidar al parque como una de las experiencias culturales más originales de la temporada^2,3.

El evento está dirigido a personas de todas las edades y busca ofrecer una manera diferente de celebrar el Día de Muertos, combinando elementos tradicionales con instalaciones artísticas y recursos tecnológicos^2,3.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital. Para ofrecer una visión equilibrada, contrastamos la información de estas otras fuentes:

1. El Informador
2. SDP Noticias
3. México Desconocido

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El Informador: https://www.informador.mx/jalisco/calaverandia-2026-las-nuevas-experiencias-que-esperan-a-sus-visitantes-20261015-0192.html

Las críticas de Waters surgieron después de que Hetfield, en uno de los conciertos de Metallica en la Sphere de Las Vegas, se distanciara de los artistas que utilizan el escenario para expresar opiniones políticas, enfatizando que la banda busca enfocarse únicamente en la música¹.

Las declaraciones de Roger Waters

Durante la entrevista, Roger Waters expresó abiertamente su desdén por James Hetfield, diciendo: “Solo está demostrando que es un completo imbécil. Tiene un coeficiente intelectual de unos tres. Honestamente, no sé por qué estamos hablando de él, porque es un don nadie”¹. Waters también cuestionó la relevancia actual de Hetfield y dudó de su calidad musical al afirmar: “Puede que tenga unos cuantos cientos de millones de dólares o lo que sea, pero es un imbécil. Y no es músico. Los escuché tocar instrumentos acústicos y fue lamentable”¹.

El origen de la polémica

La reacción de Waters se dio como respuesta a los comentarios de Hetfield durante un concierto reciente de Metallica en Las Vegas, donde el vocalista señaló que la banda no utiliza el escenario para influir en el público con 'estupideces' ajenas a la música. Hetfield declaró: “Metallica no está aquí, como otros artistas, para influir en ustedes con sus estupideces. Estamos aquí para olvidarnos de todo lo que pasa afuera. La agenda de Metallica es amor, energía y música pesada”¹.

Aunque Hetfield no mencionó a ningún artista en particular, sus palabras se dieron en medio de un debate sobre la postura pública de los músicos frente a temas políticos y sociales, como el conflicto entre Israel y Palestina¹.

Otras polémicas recientes en la música

El debate sobre la expresión política en la música ha generado controversias similares. Ed Sheeran, por ejemplo, también fue criticado recientemente y se deslindó del despido de Macklemore de su gira por Estados Unidos después de que este último se pronunciara a favor de Palestina. Sheeran afirmó que sus presentaciones son un 'lugar seguro' donde no caben temas políticos¹.

Roger Waters, conocido por sus posturas políticas, ha criticado a otros artistas y gobiernos, incluyendo declaraciones sobre la situación en Venezuela y el presidente Nicolás Maduro¹.

Nota de la Redacción: esta nota se basa en la información disponible al publicarla y se actualizará si otras fuentes aportan más datos.

Fuentes

Texto elaborado por la Redacción de Columna Digital a partir de estas fuentes:

1. El Universal

Redacción Columna Digital. Es posible que en la preparación de esta nota se hayan usado herramientas de inteligencia artificial para reunir fuentes, procesar datos, corregir o redactar textos, bajo la supervisión del equipo de Redacción.

El Universal: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/roger-waters-se-lanza-en-contra-de-james-hetfield-vocalista-de-metallica-es-un-imbecil-dice/

El evento inició con un cóctel en las rampas del museo, diseñadas por Frank Lloyd Wright, donde los invitados pudieron observar las obras de Simon, que exploran la relación entre arte y realidad, además de reflexionar sobre identidad y representación. Este entorno permitió que figuras del arte y la moda compartieran sus perspectivas.

Durante la cena, las piezas de Bottega Veneta estuvieron presentes tanto en la vestimenta de los asistentes como en el diseño de los platillos, que fueron presentados como obras de arte, combinando sabores y texturas para enriquecer la experiencia culinaria. La velada fue una celebración de talento y creatividad que fusionó la gastronomía con la moda.

Los invitados, entre los que destacaron personalidades del cine, la música y los negocios, lucieron prendas icónicas de la marca, las cuales reflejaron un compromiso con una moda sostenible y consciente. Las charlas sobre la obra de Simon se integraron naturalmente con el ambiente, reforzando el vínculo entre arte y moda que caracteriza a Bottega Veneta.

El evento demostró que la moda puede ser un espacio de convergencia cultural y creativa, donde cada detalle, desde la conversación hasta la comida, aportó una nueva visión sobre la relación entre elegancia y arte. Bajo la dirección de sus creativos, Bottega Veneta continúa consolidando su presencia en la cultura contemporánea.

dimensionturistica.com: https://dimensionturistica.com/es/bottega-veneta-conquisto-el-guggenheim-en-el-gran-evento-de-taryn-simon/

La autora de 84 años, que hasta ahora publicaba con Penguin Random House, se presentó al concurso bajo el seudónimo Luz Ventura y ocultó el título real de su obra con el nombre ficticio Los que faltan. Allende explicó que desde la publicación de La casa de los espíritus en 1982 recibió muchos mensajes de lectores interesados en saber qué sucedió después, pero que hasta ahora sintió que era el momento adecuado para continuar la historia.

La escritora también mencionó que la situación actual de democracias amenazadas por el autoritarismo y el fascismo le recordó el temor que la llevó a salir de Chile tras el golpe de 1973. Comentó que nunca antes había participado en un concurso literario para evitar la humillación de quedar en último lugar, pero que a su edad consideró que "hay muy poco que perder".

Además, recordó que otras novelas relacionadas con esta historia son Hija de la fortuna, Retrato en sepia y Mi nombre es Emilia del Valle. La novela finalista del Planeta fue La añoranza, de Sergio Hernández, que narra la historia de una mujer en la Barcelona de 1959 que se enamora de un traductor francés vinculado a las brigadas sociales franquistas y un supuesto plan para asesinar a Antonio Machado.

El jurado de esta edición estuvo integrado por Paloma Sánchez Garnica, Javier Sierra, Carmen Posadas, Luz Gabás, Pere Gimferrer, Eva Giner y Belén López.

eluniversal.com.mx cultura: https://www.eluniversal.com.mx/cultura/isabel-allende-gana-el-premio-planeta-con-una-novela-que-retoma-el-universo-de-la-casa-de-los-espiritus/

Las fechas confirmadas son martes 23 y viernes 26 de febrero de 2027. La banda irlandesa interpretará sus canciones más icónicas y presentará su nuevo álbum Carnaval De Luz, que se lanzará el 13 de noviembre de 2026. Además, el músico Beck acompañará a U2 como invitado especial en estos conciertos.

La preventa de boletos comenzará el 19 de octubre de 2026 para suscriptores del grupo Feedback en U2.com, seguida el 20 de octubre por la preventa para el grupo The Hype. El 21 de octubre iniciará la preventa para clientes Banamex, el 22 la venta exclusiva para fans registrados y el 23 de octubre se abrirá la venta general a través de Ticketmaster, todas a partir de las 10:00 horas.

Hasta ahora no se han anunciado los precios oficiales de las entradas. Se advierte a los seguidores que cualquier información sobre costos que circule en redes sociales o plataformas no oficiales debe tomarse con precaución hasta que se publiquen los detalles definitivos.

La banda busca con esta gira reconectar con su público y demostrar la vigencia de su música, ofreciendo un espectáculo lleno de energía y momentos memorables. U2 volverá a encontrarse con sus seguidores y demostrará por qué continúa siendo uno de los grupos más influyentes del rock, señalaron los organizadores.

El álbum Carnaval De Luz estará disponible para preordenar en la página oficial de la banda desde antes de los conciertos.

gq.com.mx: https://www.gq.com.mx/articulo/u2-conciertos-en-mexico-2027-fechas-boletos-precios-preventa

El grupo inició su actuación con la canción “Somos más americanos”, lanzada en 2001, que aborda las dificultades que enfrentan los migrantes para hallar mejores oportunidades y cuestiona la percepción de invasores en territorios que antes pertenecieron a México. En la letra, destacaron frases como “Ellos pintaron la raya, para que yo la brincara y me llaman invasor” y “Soy extranjero en mi tierra, y no vengo a darles guerra, soy hombre trabajador”.

Posteriormente, interpretaron “Golpes en el corazón”, tema escrito por Víctor Valencia, hermano del compositor Enrique Valencia, que se incorporó de manera inesperada a su repertorio. En 2011, grabaron una versión de esta canción junto a Paulina Rubio para el álbum “MTV Unplugged: Los Tigres del Norte and Friends”.

La participación del grupo coincidió con el Mes de la Herencia Hispana en Estados Unidos. Durante la sesión, el público coreó otros temas como “Quiero volar contigo” y “Ni parientes somos”, acompañando el tradicional grito de “¡Otra, otra!”. Para concluir, eligieron “La puerta negra”, uno de sus éxitos más reconocidos, incluido en el álbum “¡Gracias!... América... Sin Fronteras” de 1986.

Además de Los Tigres del Norte, la selección mensual de Tiny Desk contó con artistas como Mon Laferte, Panteón Rococó, Los Texmaniacs, Draco Rosa y Alex Ferreira, entre otros.

eluniversal.com.mx espectaculos: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/los-tigres-del-norte-llevan-su-musica-a-tiny-desk-cantan-somos-mas-americanos-y-sus-clasicos/

Este año protagonizó la serie El otro padre en Netflix junto a Silvia Navarro y Manolo Cardona. La producción alcanzó más de 15 millones de visualizaciones en sus primeras tres semanas y se colocó en el top 10 en más de 50 países. Para Hayser, la mayor satisfacción no está en las cifras, sino en la conexión profunda que la historia logra con el público, especialmente por abordar temas como los trasplantes y contar relatos con los que la gente se identifica.

En la serie interpreta a Emilio Martínez, un personaje cuya evolución abarca dos décadas, pasando de un joven desorientado a un hombre que asume su pasado. El actor señala que el desafío principal fue mostrar esa transformación de manera creíble, destacando la importancia de reivindicar al personaje en el presente y reflejar su madurez y nuevas decisiones.

Hayser se siente atraído por personajes que cambian y permiten al espectador reconsiderar sus juicios, mostrando la posibilidad de redención. Además, la paternidad ha marcado un cambio en su vida personal y profesional desde que nació su hijo hace casi seis años. Expresa que ser padre le ha obligado a ver el mundo de otra forma y a ser un mejor ser humano, predicando con el ejemplo.

Entre sus múltiples intereses, el actor también cultiva su pasión por la relojería como embajador de Rado. Destaca la complejidad técnica y artesanal de los relojes, admirando el tiempo y dedicación que implica su creación. Su pieza favorita es el Captain Cook Over-Pole, un reloj que muestra la hora en distintos husos horarios y que fue relanzado en edición limitada.

Para Hayser, el tiempo es un recurso finito que valora profundamente, lo que lo impulsa a vivir cada instante con intensidad. Esta conciencia ha transformado su forma de abordar la actuación, que ahora realiza con mayor libertad y sin miedo a mostrar diversas facetas de sí mismo. Afirma que ha perdido temores y que esta madurez le permite explorar sus personajes con mayor profundidad.

En cuanto a sus próximos planes, cerrará 2026 con la obra de teatro El método Grönholm, un espacio que considera esencial para su carrera. También iniciará el rodaje de una serie para Prime Video y planea producir su segundo largometraje, una feel-good movie que busca retomar el espíritu de las películas de los noventa que transmiten mensajes profundos y optimistas. Hayser no está enfocado en definir el éxito, sino en seguir explorando nuevas posibilidades en su oficio con tranquilidad y experiencia.

gq.com.mx: https://www.gq.com.mx/articulo/erik-hayser-entrevista-gq-hype-2026

Michaela Yearwood-Dan, una de las artistas más jóvenes representadas por Hauser & Wirth, ha tenido un rápido ascenso en el mercado, con un récord en subastas de 880,000 dólares. Actualmente, la artista radicada en Londres prepara una exhibición individual en Nueva York con Boesky Gallery y tiene una muestra en curso en la Whitworth Art Gallery de Manchester, Inglaterra.

La segunda obra adquirida por Tate es una pieza escultórica de Luis Fernando Zapata, titulada Barge y creada en 1992. Esta escultura fue comprada en Frieze Masters, feria hermana dedicada al arte histórico, a través de los stands de Galería Elvira Moreno y Alonso Garcés Galería. La obra, elaborada en papel maché, imita la apariencia de artefactos antiguos.

Zapata ha tenido poca visibilidad fuera de su país, pero poco a poco ha sido incorporado en museos de Estados Unidos y Europa, incluyendo el Centre Pompidou, el Museo Reina Sofía y el Guggenheim. Ninguno de los dos artistas estaba previamente representado en la colección de Tate.

Karin Hindsbo, directora interina de Tate, afirmó que ambas obras muestran enfoques variados y complejos a la materialidad, evidentes en las superficies ricas y experimentales con materiales naturales y encontrados. Expresó también su expectativa de que el público pueda disfrutar estas piezas en las galerías de Tate y otros espacios.

En Frieze, la Contemporary Art Society, a través del Dasha Shenkman Focus Fund, compró una pintura, una caja de luz y un dibujo preparatorio para la colección de Abbot Hall, Kendal, relacionados con la artista Okiki Akinfe, quien expuso en el stand de Ginny on Frederick en la sección Focus para galerías emergentes. Ella Fleck ganó el premio Camden Art Centre Emerging Artist Award y tendrá una exhibición en ese museo.

Además, la Contemporary Art Society destinó 100,000 libras para comprar tres obras que ingresarán a la colección de la Whitworth, de Claudia Alarcón y Silät, Karimah Ashadu y Gala Porras-Kim. Por su parte, Arts Council England gastó 90,000 libras para adquirir piezas de varios artistas, vendidas por diferentes galerías.

artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/tate-buys-works-frieze-london-michaela-yearwood-dan-1234802454/

Elizabeth Holmes, fundadora de Theranos, fue una figura destacada en Silicon Valley por su promesa de revolucionar los análisis de sangre con una sola gota. Sin embargo, sus modernos e impresionantes avances eran una auténtica farsa. Una mentira a gran escala en el mundo de las tecnológicas y la salud con la que estafó a sus inversores. Fue condenada a 11 años de prisión.

Un mes antes de ingresar a la cárcel, Holmes contactó a Nathan Fielder, comediante y director, para realizar un documental sobre su persona.

Inicialmente, Fielder planeaba pasar solo unas semanas con Holmes y su familia, pero su interés creció debido a la complejidad de su personalidad. Esto lo llevó a continuar grabando y visitándola incluso dentro de la prisión. Así nació You can see everything, que muestra una faceta desconocida de Holmes.

El documental ha recibido críticas favorables, y algunos espectadores lo han descrito como "una experiencia transformadora". El estreno en España permitirá al público conocer más a fondo esta historia que ha capturado la atención internacional.

hipertextual.com: https://hipertextual.com/cine-television/you-can-see-everything-el-documental-viral-de-elizabeth-holmes-ya-tiene-fecha-de-estreno-en-espana/

Drexler expresó su gusto por las letras de Bad Bunny y defendió el reguetón frente a las críticas por su hipersexualidad. Señaló que el reguetón ha ampliado el lenguaje en la música al incluir expresiones íntimas que antes no se escuchaban en las canciones, calificando esta incorporación como "un logro literario. Además, recordó que la misoginia ha estado presente en otros géneros como el tango, el rock y la milonga, y desafió a quien no tenga un pasado misógino a que tire la primera piedra.

El músico uruguayo manifestó su interés en compartir escenario con Bad Bunny y reconoció que la desconfianza hacia lo nuevo es parte de la naturaleza humana. Se mostró abierto a aprender de la música urbana, especialmente porque ha permitido que el idioma español llegue a lugares donde antes no había llegado, incluso más que el Quijote.

Drexler utiliza el español como medio de comunicación, lo que le ha dificultado ingresar a mercados como el francés, al que ahora accede con un disco que incluye ritmos iberoamericanos como el candombe, que da nombre al álbum. Destacó que la música iberoamericana es resultado de múltiples integraciones y la definió como un laboratorio de la globalización mucho antes de que existiera el término.

Aunque reconoció la influencia de referentes franceses en su formación, Drexler se identifica principalmente como iberoamericano, un espacio donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera. Comentó que para él es más natural tocar en Guadalajara que en Lyon, a pesar de la proximidad geográfica, y aseguró conocer mejor la realidad de países como Colombia o Perú que la de Francia.

Desde Madrid, donde ha vivido protestas por el precio de la vivienda, Drexler llegó a un París marcado por manifestaciones estudiantiles, las cuales interpreta como la respuesta de una generación que se creía apática y que ahora reclama derechos esenciales. Considera que el mundo es más inhóspito, polarizado y violento, y que muchas conquistas logradas tras la caída del muro de Berlín se han perdido en pocos años.

El autor de la canción Todo tiempo pasado es peor" aclaró que no es nostálgico y vive con esperanza el presente. Destacó que movimientos como las protestas en la Puerta del Sol de Madrid contribuyen a corregir desequilibrios en las democracias mediante la participación popular.

Drexler reconoció que sus canciones pueden abordar temas de la vida cotidiana, pero negó ser un cronista de la actualidad. Afirmó que su labor es emocionar a través de la conexión consigo mismo y con la humanidad, y que escribe sobre lo que puede y no sobre lo que quiere.

infobae.com cultura: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/15/el-cantante-uruguayo-jorge-drexler-y-una-defensa-del-regueton-bad-bunny-llevo-el-espanol-a-lugares-donde-no-llego-el-quijote/

La Santa Sede señala que su vida reflejó fielmente su enseñanza: las gracias recibidas en la oración fortalecen para el servicio a los demás. El Vaticano explica que, aunque Teresa es reconocida por sus elevadas gracias místicas y visiones, su oración no la alejó del mundo, sino que la impulsó a entregarse con fuerza a las tareas que le fueron asignadas, enfrentando viajes, discusiones, burlas y obstáculos.

Santa Teresa nació el 28 de marzo de 1515. Tras la muerte de su hermano Juan en 1524 y de su madre Beatriz, fue enviada a estudiar al convento de agustinas Santa María de Gracia. Después de una grave enfermedad, regresó a casa, pero en 1536 decidió ingresar al Monasterio de las Carmelitas de la Encarnación en Ávila. Ante la oposición de su padre, huyó y fue aceptada por las monjas, realizando su profesión el 3 de noviembre de 1537.

A lo largo de su vida sufrió enfermedades y tuvo experiencias espirituales que marcaron su relación con Dios. En sus escritos describió visiones y éxtasis místicos que despertaron admiración, pero también sospechas de algunos religiosos que las atribuyeron a influencias demoníacas. Contó con el respaldo de figuras como San Francisco de Borja y San Pedro de Alcántara.

Santa Teresa fue una destacada reformadora de la vida religiosa católica. Promovió la renovación de la Orden del Carmelo y, junto con San Juan de la Cruz, contribuyó a la creación de los Carmelitas Descalzos, fomentando una vida de mayor austeridad y oración. Fundó varios conventos en España y escribió obras espirituales importantes como El castillo interior, Camino de perfección y Las fundaciones. Falleció en Alba de Tormes en 1582, a los 67 años.

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El escritor, ensayista, cronista y traductor recibió el galardón por la amplitud y rigor de su obra en diversos géneros. Durante su intervención, señaló que las carencias en estos sectores generan problemas graves que pueden volverse insalvables. Además, mencionó que uno de los principales obstáculos para aumentar el gasto social es el elevado endeudamiento del país.

Villoro explicó que aunque se han destinado recursos a programas asistenciales, no se invierte lo suficiente en educación, cultura, ciencia y salud, áreas que consideró fundamentales para un gobierno de izquierda. Afirmó que quienes apoyan estas causas esperan que se les dé prioridad.

Sobre la crítica, el autor señaló que la polarización actual genera que las opiniones se perciban en extremos, donde se considera que no criticar lo suficiente es un error o que hacerlo es una traición. Destacó que el análisis crítico debe manejar una gama de grises y que es posible reconocer problemas en una causa política que se apoya, así como virtudes en una que se rechaza, sin que eso signifique un cambio de identidad.

Villoro recordó que el presidente López Obrador le dedicó dos conferencias matutinas, calificándolo de “gelatinoso” por no definirse claramente, lo que el escritor agradeció como un elogio, pues considera que su función es observar la realidad sin anticipar lo que va a comentar. Añadió que en una sociedad polarizada, el analista crítico debe ubicarse en un lugar incómodo, entre los extremos, y desde ahí expresar sus ideas, aunque sean impopulares.

Citando a Martín Luis Guzmán, Villoro mencionó que el cronista supo hacer críticas a Pancho Villa a pesar de apoyarlo, lo que con el tiempo se convirtió en sentido común para analizar la historia. Indicó que ese es el trabajo complejo que deben continuar ejerciendo los analistas.

En su discurso, Villoro también celebró la obra de Carlos Fuentes y mencionó títulos como “La región más transparente”, “Cristóbal nonato” y “El espejo enterrado”. Señaló que, aunque la ultraderecha domina la mayoría de los países de América Latina, México representa una excepción. Finalmente, reconoció las virtudes zapatistas por priorizar temas culturales, artísticos, educativos y políticos.

La ceremonia estuvo presidida por la secretaria de Cultura federal, Claudia Curiel de Icaza; el rector de la UNAM, Leonardo Villanueva Lomelí; y la periodista Silvia Lemus, viuda de Carlos Fuentes.

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El artista japonés Shigeo Otake, nacido en Kobe, se unió a la galería White Cube. Otake es reconocido por sus pinturas con influencias surrealistas que muestran figuras de otro mundo. Presentará nuevas obras en el stand de White Cube en Art Basel París y tendrá una exposición individual en el espacio Mason’s Yard en la primavera de 2028.

La galería Olney Gleason sumó al artista Kour Pour, quien integra tradiciones visuales diversas y su herencia británica e iraní. Tendrá una exposición individual en la galería a principios de 2027 y actualmente muestra obras en su stand en Frieze Londres.

La artista Hanna Hur, nacida en Toronto y radicada en Nueva York, se unió a Greene Naftali. Actualmente exhibe una serie de pinturas nuevas en la galería y fue parte de la bienal Made in L.A. en 2025.

Alexander Berggruen ahora representa al escultor Raul de Lara, conocido por sus piezas hechas a mano en madera que representan flora y objetos domésticos. Recientemente creó obras para Hermès.

La galería Jan Kaps añadió al artista Lukas Luzius Leichtle, reconocido por sus pinturas hiperrealistas del cuerpo humano. Presentó una exposición individual en la galería con sede en Colonia en junio y mostrará nuevas obras en Art Basel París.

Las galerías neoyorquinas Tanja Grunert y Fierman compartirán un espacio en Chinatown, aunque mantendrán sus programas y artistas por separado. El primer evento será una exposición individual de Odette Steinert, que abrirá el 13 de noviembre.

Mary Deleary, de la nación Chippewas of the Thames, asumirá el 19 de octubre la dirección del Museo de Arte Contemporáneo Nativo IAIA en Santa Fe, Nuevo México. Actualmente dirige el Centro de Investigación de Artes Nativas Contemporáneas del IAIA.

En Chicago, la galería Gertie promovió a Chanelle Lacy a directora general. Lacy forma parte de la empresa desde 2023 y la fundadora Abby Pucker destacó que esta designación reconoce su fuerza y le otorga una plataforma mayor.

El Museo Rubin otorgará casi 195,000 dólares en subvenciones para investigación de arte del Himalaya en 2026. Se recibieron 250 solicitudes y 13 beneficiarios obtendrán entre 3,000 y 25,000 dólares para sus proyectos. Entre los artistas seleccionados están Peldon Tshering, Sonam Tshedzom Tingkhye y Tenzing Rigdol.

La escultura de piedra caliza Tête (1911–12) de Amedeo Modigliani tiene una estimación alta de 35 millones de dólares. Esta obra, que no se ha vendido desde 1972, representa la importancia histórica y artística de las esculturas de Modigliani, según Jeremiah Evarts, vicepresidente de Phillips para América y especialista internacional. El precio estimado supera la venta de otra Tête en 2019 por 34.3 millones. El récord del artista en escultura es de 52.8 millones, mientras que en pintura es de 170.4 millones, logrado en 2015 con Nu couché (1918).

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Ser “derecho” significa mantenerse firme por convicción interna, mientras que ser “enderezado” implica depender de un apoyo externo para actuar correctamente, como una planta que crece recta solo si está atada a un tutor. Marco Aurelio no rechaza la ayuda o el consejo, sino que cuestiona que la conducta dependa de ellos.

El emperador señala que quien se comporta bien solo bajo supervisión, regaños o recompensas no tiene un principio propio, sino una dependencia. La presión externa funciona, pero solo temporalmente, ya que desaparece cuando cesa la vigilancia. Esto se observa en personas que llegan puntuales solo cuando el jefe pasa lista, pagan deudas tras un recordatorio o dicen la verdad solo si creen que será revelada.

Por el contrario, la convicción interna no requiere de público ni consecuencias externas, pues la razón para actuar correctamente reside dentro de la persona. Así, la conducta de alguien con criterio propio cambia poco entre días con o sin supervisión.

En el estoicismo, solo dependen de nosotros los juicios y acciones, mientras que la opinión ajena y las circunstancias escapan a nuestro control. Si la conducta dependiera de factores externos, estaríamos a merced de ellos. En el caso de Marco Aurelio, como emperador, tenía pocas personas capaces de corregirlo, por lo que su disciplina debía surgir de sí mismo. Sus Meditaciones son un cuaderno de exigencia personal, escrito para sí y no para convencer a otros.

Para aplicar esta enseñanza en la vida diaria, se recomienda cumplir lo prometido sin esperar reclamos, admitir errores antes de que otros los señalen y mantener principios cuando nadie observa, como devolver un cambio de más o tratar con respeto a quienes no pueden devolver favores. Estas pequeñas decisiones, con el tiempo, definen el carácter.

Marco Aurelio concluye que la verdadera disciplina no consiste en rodearse de controles externos, sino en aprender a dirigir la propia conducta. Los apoyos pueden ayudar, pero no sustituyen el criterio propio. Ser derecho no exige perfección, sino que el motivo de nuestros actos sea interno. Quien logra esto puede equivocarse, corregirse y continuar sin que nadie lo empuje.

mejorconsalud.as.com: https://mejorconsalud.as.com/bienestar/marco-aurelio-emperador-y-filosofo-hay-que-ser-derecho-no-enderezado/

Esta alianza amplía la presencia del artista en Fortnite, donde antes ya se habían incluido gestos musicales relacionados con su repertorio. Ahora se presenta una colección más completa que une su identidad visual con uno de los videojuegos más populares a nivel mundial.

Yeat, cuyo nombre real es Noah Olivier Smith, nació el 26 de febrero de 2000 en Estados Unidos. Se hizo conocido por su estilo particular de rap que mezcla trap, bajos intensos, sintetizadores electrónicos y voces procesadas. Su fama creció especialmente en internet desde 2021 con temas como Gët Busy y Sorry Bout That.

Entre sus álbumes más destacados están Up 2 Më (2021), 2 Alivë (2022), Afterlyfe (2023) y 2093 (2024). Su estética futurista y su influencia en la cultura digital forman parte de la identidad que ahora se traslada al universo de Fortnite.

La colección incluye dos atuendos basados en el rapero, mochilas, un pico, envoltorios para armas y zapatillas cosméticas llamadas Kicks. También habrá contenido musical para Fortnite Festival, el modo en el que los jugadores pueden interpretar canciones con instrumentos y voces. Entre los temas que se podrán escuchar están Gët Busy, If We Being Rëal y Monëy So Big, que representan diferentes etapas de su carrera musical.

heraldodemexico.com.mx: https://heraldodemexico.com.mx/tecnologia/2026/10/14/yeat-llega-fortnite-fecha-de-lanzamiento-skins-como-conseguirlas-908439.html

O’Gieblyn explica que, aunque ha escrito textos personales que podrían considerarse autobiográficos, este libro es su primer memoir directo. Durante su escritura, enfrentó la problemática de si realmente es posible conocerse lo suficiente para contar la propia historia y cuestionó sus motivos para hacerlo. También reflexionó sobre la naturaleza engañosa de la autobiografía, ya que se intenta construir una narrativa de vida en tiempo real.

La autora relata que escribió este libro tras una recaída después de más de una década de sobriedad. Durante esos años, había contado su historia de recuperación siguiendo la fórmula tradicional de estar perdido y luego encontrado, común en testimonios cristianos y memorias personales. En Will and Attention buscó salir de esa estructura sin abandonar la necesidad de contar su historia públicamente y bajo la mirada moral del otro, reconociendo la circularidad de muchas narrativas de conversión y recuperación.

O’Gieblyn describe el proceso de escritura como un diálogo interno, donde las diferentes partes de sí misma pueden expresarse y confrontarse. Este enfoque permitió que las tensiones internas fueran el motor del libro, más que la historia de superación en sí misma. En la segunda mitad, las ideas y los textos que influyeron en su pensamiento toman protagonismo.

Sobre el título del libro, la autora comenta que la idea de poner en diálogo la voluntad y la atención surgió a partir de una frase de Simone Weil: Tenemos que intentar curar nuestras faltas con atención y no con voluntad. Esta reflexión fue clave para O’Gieblyn, quien había experimentado que la fuerza de voluntad no siempre es eficaz para el cambio interior, y en ocasiones puede resultar contraproducente.

La escritora también señala que para ella, escribir es la única manera que conoce para prestar atención. La escritura le permitió detener y ordenar sus pensamientos dispersos y abordar las contradicciones que habían llevado a su recaída. Reconoce que su fracaso para mantenerse sobria estuvo ligado a no haber prestado suficiente atención a esos problemas internos.

En relación con la filosofía, O’Gieblyn cuestiona la idea griega de que el conocimiento del bien lleva automáticamente a actuar bien. Explica que a menudo uno sabe lo que debería hacer, pero no lo hace, lo que indica que una parte profunda de uno mismo no cree realmente en ese conocimiento. Esto la llevó a explorar la diferencia entre el conocimiento intelectual y el entendimiento profundo que motiva acciones.

Finalmente, la autora admite que escribir un libro implica la ilusión de encontrar respuestas definitivas, pero para ella la resolución está en trascender el problema o en crear algo valioso a partir de la lucha. Así, Will and Attention no ofrece soluciones fáciles, sino que muestra la complejidad del autoconocimiento y la transformación personal.

artsjournal.com: https://thepointmag.com/dialogue/rejecting-enlightenment/

Este caso y la historia del galerista involucrado se detallan en el libro Artifacts to Art: Collecting Ancient America in Midcentury L.A. (2026), que analiza cómo los objetos prehispánicos pasaron de ser estudios antropológicos a piezas de arte coleccionables para museos y particulares. El texto también responde a la pregunta de por qué tanto patrimonio cultural de Centro y Sudamérica se conserva en colecciones de Los Ángeles.

Las Stendahl Art Galleries jugaron un papel central en el saqueo ilegal, contrabando y venta de estos objetos a clientes en Los Ángeles. Su archivo, ahora en el Getty Research Institute, permitió una investigación profunda sobre las actividades del comerciante de arte Earl Stendahl, quien mostró poco respeto por las historias culturales que explotaba. El libro presenta cinco años de investigación sobre este archivo, describiendo las fuerzas que crearon un mercado para estos objetos, incluyendo museos internacionales, actores de Hollywood y saqueadores en México.

Earl Stendahl comenzó su carrera vendiendo pinturas en un restaurante de Los Ángeles tras mudarse desde Wisconsin en 1911. Para 1921, participaba en proyectos de desarrollo urbano y abrió las Stendahl Art Galleries en el histórico Hotel Ambassador en Wilshire Boulevard, donde celebridades y políticos admiraban las obras expuestas. En pocos años, Stendahl estableció relaciones con coleccionistas, artistas y comerciantes que le permitieron exhibir obras de Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, además de organizar la única presentación en Los Ángeles del “Guernica” de Pablo Picasso en 1939, exhibición que duró once días y fue polémica antes de la Segunda Guerra Mundial.

Una relación clave para Stendahl fue con los coleccionistas Walter y Louise Arensberg, quienes se mudaron de Nueva York a Los Ángeles y reunieron una de las mayores colecciones de objetos de América antigua sin haber visitado México. Ellos combinaban arte indígena con arte europeo de vanguardia en su hogar, una práctica destacada en un artículo de Vogue de 1945. Esta mezcla sugería que la modernidad tenía raíces estéticas en un pasado antiguo, mientras desplazaba a Europa como cuna del movimiento artístico y resaltaba el papel de coleccionistas occidentales en reclasificar “artefactos antiguos” como “arte”.

En 1935, Stendahl recibió la visita de Guillermo Echániz, coleccionista, anticuario y bibliotecario mexicano, con quien comenzó a colaborar en el robo de antigüedades de sitios arqueológicos en México, como la isla maya de Jaina. Echániz trabajaba con huaqueros, saqueadores, para extraer y contrabandear estas piezas a Estados Unidos. Muchas fueron alteradas por Stendahl o fabricadas por artesanos locales, un proceso documentado en el libro. Los autores describen la violencia de estos actos, señalando que es doloroso imaginar al saqueador o comerciante desfigurando, literalmente, el objeto antiguo. Para 1941, Stendahl había acumulado un gran inventario de artefactos, como él mismo mencionó en una carta a un arqueólogo: Se maravillará de la gran cantidad de buenas cosas que he podido reunir en los últimos seis años.

artsjournal.com: https://hyperallergic.com/the-trafficker-who-furnished-the-museums-of-la/

Ante esta crisis, surgió Continuum: Artist Relief for Iran, un proyecto que conecta a artistas contemporáneos iraníes con coleccionistas, instituciones y públicos internacionales a través de la plataforma iranartistrelief.org. La iniciativa fue creada por Dario Duran, curador canadiense-iraní y fundador de Duran Art Projects, quien se trasladó a Irán hace seis años y se involucró con la dinámica escena artística local.

Duran, de 38 años, relató que tras el estallido del conflicto tuvo que desplazarse junto con su familia desde Shiraz hacia el norte del país, donde encontró a otros trabajadores culturales desplazados. Junto con Mariam Rasti, cofundadora de Duran Art Projects, mantuvo comunicación constante con artistas afectados que enfrentaban la pérdida de esperanza debido a cancelaciones, cierre de galerías y falta de materiales.

El sistema artístico iraní depende en gran medida de la venta de obras en el mercado interno para sostener a los creadores. Duran señaló que en la situación actual, lo que más importa es simplemente las ventas porque los artistas no podían pagar su renta ni continuar su trabajo. Algunos incluso vendían sus materiales o consideraban abandonar el arte temporalmente.

Para apoyar a los creadores, Duran envió una carta abierta a coleccionistas y galeristas internacionales, lo que generó una respuesta inmediata. Lo que comenzó como un catálogo modesto se convirtió en una plataforma con más de 500 obras de más de 200 artistas iraníes. Once galerías comerciales en Irán renunciaron voluntariamente a sus comisiones, y Duran Art Projects no cobra tarifas, por lo que el 100% de las ventas llega directamente a los artistas.

Los precios de las obras se establecieron en tres rangos accesibles para compradores globales: hasta 500 dólares, entre 500 y 2,500 dólares, y entre 2,500 y 5,000 dólares. La logística para enviar las piezas fuera de Irán es compleja debido a las sanciones y el cierre de rutas aéreas, por lo que se utilizan servicios de mensajería terrestre que llevan las obras a Armenia para su envío internacional.

Continuum informa a los compradores que la entrega puede tardar entre tres y seis meses, pero coleccionistas de diversas regiones han mostrado paciencia. Duran criticó que las sanciones afectan principalmente a la población civil y no presionan al gobierno iraní, y destacó que buscan soluciones para continuar apoyando a los artistas.

Entre los artistas beneficiados está Mehrdad Jafari, de 43 años, quien creció en la provincia de Mazandaran y sueña con mantener un estudio en Teherán. Jafari dijo que su vida está dedicada a su trabajo y que debe continuar hasta morir. La escasez de materiales por las sanciones ha obligado a él y a otros artistas a ser más imaginativos y usar materiales alternativos.

Para Jafari, la plataforma representa un puente para conectar con audiencias internacionales y le da esperanza para seguir creando. Tanto Duran como Rasti aclararon que Continuum no busca que los artistas conviertan su sufrimiento en espectáculo ni que su obra se reduzca a un reflejo del conflicto. Duran afirmó: Queríamos que la obra se encontrara primero como arte, no como evidencia sobre un país.

La variedad de piezas en Continuum incluye abstracciones geométricas, retratos figurativos, fotografía vanguardista, grabado experimental y escultura. El apoyo económico generado ya es vital para la escena artística local, donde la devaluación ha afectado los ingresos.

Elham Issari, de 38 años, comentó que la iniciativa crea una cadena de apoyo que permite a los artistas continuar enseñando y a los niños seguir aprendiendo. Durante las semanas de bombardeos en Teherán, Issari no pudo trabajar y sufrió ansiedad por la seguridad de sus seres queridos. Aunque no ha vendido todas sus obras, valora la sensación de ser vista y reconocida internacionalmente, lo que le da fuerza para seguir adelante.

theguardian.com culture: https://www.theguardian.com/artanddesign/2026/oct/14/iran-art-scene-continuum-dario-duran-interview

En una entrevista, Verástegui criticó al gobierno mexicano y aseguró que la persecución religiosa continúa en el país. Comparó a la jefa de gobierno Claudia Sheinbaum con Plutarco Elías Calles, quien gobernó México entre 1924 y 1928 y durante cuyo mandato ocurrió la Guerra Cristera, un conflicto armado entre grupos católicos y el Estado por las restricciones a la Iglesia.

La película "Cristiada, que se reestrena en cines mexicanos el 15 de octubre en español para conmemorar el centenario del inicio de la Guerra Cristera, aborda este enfrentamiento que duró de 1926 a 1929 y causó miles de muertes. Dirigida por Dean Wright y protagonizada por Andy García, Eva Longoria y Peter O'Toole, la cinta muestra el impacto de la Ley Calles, que impuso duras sanciones contra quienes violaran las restricciones religiosas.

Verástegui interpreta en Cristiada" a Anacleto González Flores, abogado y activista católico ejecutado en 1927. El actor sostiene que la guerra religiosa no ha terminado, sino que continúa en otra forma, y afirma que "la persecución no ha terminado. Además, critica al sistema político mexicano, señalando que los partidos se reparten el poder y que no existe una verdadera oposición.

Respecto a la educación pública, que en México es laica, Verástegui propone que se retome la enseñanza de la religión, argumentando que la educación debe incluir valores, civismo, principios, virtud y a Dios como centro para mejorar el país. Señaló que la ausencia de formación religiosa contribuye a problemas como adicciones, suicidios y divorcios, y afirmó que los jóvenes viven en desorden, lo que incrementa estos problemas.

El actor defendió la tradición católica en México y mencionó el caso de Arabia Saudita para ilustrar una relación diferente entre religión y Estado. Atribuyó al sistema político las dificultades que enfrentó para crear un partido y competir en las elecciones presidenciales, afirmando que es imposible para un outsider formar un partido político.

Actualmente, Verástegui continúa su trabajo en el cine. Además de Cristiada", prepara la película "El año cero", sobre el nacimiento de Jesucristo, prevista para el 3 de diciembre, y "Sonido en libertad 2", con estreno programado para 2027. Expresó su intención de promover cambios culturales, políticos y espirituales desde el cine con propósito.

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La misión arqueológica, integrada por el Instituto Europeo de Arqueología Subacuática y el Consejo Supremo de Antigüedades de Egipto, informó que es la primera vez que se encuentra una imagen del faro tallada en un anillo de sello. Aunque pequeño, el objeto puede aportar información sobre el funcionamiento del complejo palaciego y su relación con la administración del puerto, uno de los más importantes del Mediterráneo antiguo.

La imagen grabada en el anillo tiene similitudes con las representaciones del faro que aparecen en monedas de Alejandría del siglo II después de Cristo. El anillo fue localizado durante excavaciones en el palacio de la isla que formaba parte del área de poder de Alejandría en la época ptolemaica y romana, ahora sumergida bajo las aguas del puerto oriental.

Este tipo de anillos servía como sello para dejar marcas sobre cera o arcilla, validando comunicaciones, bienes o documentos. La presencia del faro en un objeto con estas características genera preguntas sobre quién lo utilizó y para qué función específica. Aunque no se ha establecido una fecha precisa para el anillo, su diseño coincide con imágenes del faro en monedas del siglo II d.C., lo que sugiere que pertenece a una tradición visual reconocida en la ciudad.

El Faro de Alejandría fue construido en la isla de Faros durante el período ptolemaico para guiar a los navegantes en la entrada del puerto, que era un centro comercial clave. Además, se convirtió en un símbolo de identidad para la ciudad. El faro fue una de las siete maravillas del mundo antiguo, pero desapareció tras varios terremotos en la Edad Media. Sus restos quedaron dispersos entre la costa, el fondo marino y construcciones posteriores.

El hallazgo del anillo en Antírrodos añade valor al descubrimiento, ya que esta isla albergó un palacio que fue un centro de poder. El arqueólogo Franck Goddio, presidente del Instituto Europeo de Arqueología Subacuática, destacó que el anillo-sello fue excavado en el legendario palacio de Antírrodos, lo que podría indicar que el lugar tuvo funciones administrativas relacionadas con la gestión del faro.

Aunque el anillo no prueba la existencia de una oficina encargada del faro, ofrece pistas para estudiar la actividad del complejo palaciego durante la época romana. Las excavaciones en la isla han revelado estructuras arquitectónicas que cubren varios miles de metros cuadrados.

Además del anillo, los arqueólogos encontraron cerámicas y objetos de vidrio que abarcan un período de aproximadamente ocho siglos, desde el siglo IV antes de Cristo hasta el siglo IV después de Cristo. Estos hallazgos permiten seguir la evolución de Alejandría desde la época ptolemaica hasta la dominación romana.

El ministro de Turismo y Antigüedades de Egipto, Sherif Fathy, resaltó la importancia de documentar el patrimonio arqueológico sumergido en el Mediterráneo durante una visita a la misión. También asistieron autoridades del Consejo Supremo de Antigüedades para supervisar las excavaciones.

Una vez concluidos los trabajos en el puerto oriental, la misión planea continuar sus investigaciones en la bahía de Abu Qir, otro sector costero egipcio con restos sumergidos de antiguas ciudades y santuarios.

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El intérprete, conocido por su papel como Gárgola en el programa, expresó que le hubiera gustado permanecer más tiempo en la competencia, pero esta experiencia le ayudó a identificar los límites que no está dispuesto a cruzar. Él mismo se define como un aventurero que se lanza a conquistar todo lo que considera bello, inteligente o artístico, aunque siempre con plena conciencia de sus propias limitaciones.

Con una carrera que abarca cine, teatro y televisión, Casados es recordado por telenovelas como La madrastra y Cuando me enamoro. En esta ocasión, dejó de lado los personajes tradicionales para crear a una criatura nocturna con un espíritu romántico. Explicó que el personaje fue concebido como un hombre fuera del tiempo, una especie de bestia hermosa y luminosa.

Además, habló sobre la influencia de la tecnología en la industria del entretenimiento y afirmó que mantenerse abierto a los cambios es fundamental para su trabajo. Dijo que su forma de asumir y trascender en su oficio es “sintiéndome sorprendido por lo que este nuevo milenio trae, donde está esta revolución digital y tecnológica”.

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La filmación se realizó hace aproximadamente cuatro años en un entorno natural adaptado especialmente para la producción. En lugar de grabar en el sitio real de Xochimilco, se eligió un lago ficticio en Tenango de las Flores, donde se crearon a mano casi 3 mil muñecas y se usaron efectos reales, como incendios, para generar un ambiente aterrador para el elenco.

Para Ponce, que desde pequeño sentía miedo hacia las muñecas, actuar rodeado de miles de estas figuras con aspecto siniestro fue una experiencia tanto terrorífica como enriquecedora, que puso a prueba sus emociones y su capacidad expresiva. La película tiene previsto su estreno en salas de cine el 15 de octubre.

La ambientación visual fue fundamental para que el actor se conectara con la atmósfera claustrofóbica que requiere el género. La producción eligió una locación histórica donde se filmó la película Tizoc: amor indio, adaptando la isla para reflejar la angustia de los personajes. Esta inmersión escénica ayudó a Ponce a transmitir sensaciones reales de pánico y dolor físico, alejándose de los géneros en los que había trabajado antes, como comedia, acción o drama tradicional.

El actor comentó que “fue divertido porque fue una experiencia de terror, entonces meterme en esta atmósfera enriqueció mucho mi carrera. La producción se esmeró mucho también para recrear todo esto de las muñecas, todas son hechas a mano, casi 3 mil muñecas, el incendio real. Entonces, como actor como que te mete mucho más porque realmente lo estás viendo”.

Ponce explicó que el género de terror exige estimular la imaginación para reaccionar con verosimilitud ante amenazas ficticias frente a la cámara, algo distinto a otros géneros donde los sentimientos se conectan de manera cotidiana. Añadió que “el terror y el miedo sí es más difícil justo imaginarte esa situación, ver a la niña fantasma y sabes que es la actriz, pero imaginarte que te quiere matar, también en el caso de mi personaje que le pasan muchas cosas, incluso con heridas y eso, entonces también como el sentir esa sensación de miedo y de dolor fue difícil, pero también fue muy padre y enriquecedor”.

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La construcción del templo inició en 1650 y su fachada barroca se terminó entre 1720 y 1760. Durante más de cien años, artesanos y maestros ceramistas poblanos trabajaron en la decoración de la fachada principal y la torre campanario con miles de piezas de talavera hechas a mano. La cerámica no es solo ornamental, sino que se adapta a las formas de columnas, nichos y estípites en la estructura.

El atrio del templo tiene forma octagonal y tres accesos. En la época novohispana, este espacio sirvió como capilla abierta para la evangelización y luego como camposanto comunitario. En el interior destaca un retablo dorado en el altar, un ejemplo del barroco que contrasta con el templo de Santa María Tonantzintla, que representa el barroco indígena.

Los colores de la talavera tienen significados específicos: los tonos blancos y azules simbolizan la Inmaculada Concepción, mientras que los amarillos y verdes representan a San José. Tras un incendio en 1939, la comunidad y la familia de artesanos Pantle dedicaron décadas a restaurar los relieves y molduras en yeso, recuperando la belleza original de los altares.

El templo se localiza en el kilómetro 12 de la carretera federal Puebla-Izúcar de Matamoros, en San Andrés Cholula. Desde la Ciudad de México, el viaje en auto dura aproximadamente una hora y 45 minutos por la autopista México-Puebla. También es posible llegar desde Puebla o en transporte público desde la terminal TAPO en CDMX o la terminal CAPU en Puebla, con conexiones directas a Cholula.

El templo está abierto todos los días de 09:00 a 18:00 horas. Se recomienda aprovechar la visita para observar con calma los detalles de la fachada y tomar fotografías. A 1.5 kilómetros se encuentra el templo de Santa María Tonantzintla, que ofrece un contraste arquitectónico.

Además de la visita cultural, se sugiere disfrutar de la gastronomía local con platillos como las cemitas poblanas y bebidas tradicionales como el agua de barranca, elaborada con cacao, maíz, haba y canela. Por la tarde, es posible degustar cerveza artesanal o sidra en los centros culturales y restaurantes de San Andrés Cholula. También se puede continuar el recorrido visitando el centro de San Andrés y San Pablo Cholula, y subir al santuario de la Virgen de los Remedios en la Gran Pirámide de Tlachihualtepetl, con vistas al volcán Popocatépetl.

Este templo es un referente del barroco talaveresco, definido por la sofisticación del trabajo cerámico novohispano, y representa uno de los tesoros arquitectónicos más destacados de América Latina.

mexicodesconocido.com.mx: https://www.mexicodesconocido.com.mx/templo-de-san-francisco-acatepec-puebla.html

Fundado en 1992 y nombrado en honor a Irène Bizot, exdirectora de la Réunion des Musées Nationaux de Francia, el grupo tiene como presidente actual a Taco Dibbits, director del Rijksmuseum. Los miembros se reunieron en Roma y en la Ciudad del Vaticano, incluyendo los Museos Vaticanos, para discutir el tema de la materialidad. En su discurso, el papa afirmó que el arte es el medio por el cual las personas, mediante su ingenio, realzan y transfiguran la materia y agregó que este tema es relevante para explorar la relación entre el objeto y la interpretación de la obra artística, así como para reflexionar sobre la materia como el lugar donde Dios eligió revelarse.

Citando una carta de 2015 del papa Francisco, León XIV comparó a los artistas con Jesús, quien trabajó con sus manos, en contacto diario con la materia creada por Dios, a la que dio forma con su artesanía. Además, señaló que la materia es también memoria y que las obras conservadas en los museos dan testimonio de una historia que habla a cada persona, de una generación a otra. Por ello, felicitó a los directores por su labor en la administración y protección de un patrimonio que pertenece a toda la humanidad.

Este mensaje se dio pocos días después de que el papa se dirigiera a artistas y curadores, destacando la necesidad de su trabajo especialmente en la era de la inteligencia artificial, donde es urgente distinguir el arte humano del producido por máquinas.

artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/pope-leo-addresses-global-museum-directors-1234802258/

La Fiscalía de Queens acusa a Blair, de 54 años, de patear a una agente de la Policía de la Autoridad Portuaria mientras la trasladaban en camilla desde el aeropuerto John F. Kennedy hasta el Jamaica Hospital Medical Center. Según la declaración jurada de la agente, Blair movió una pierna fuera de las correas de la camilla y la golpeó en la cara, el cuello y el pecho.

Además, Blair enfrenta una segunda acusación por presuntamente dar una patada en el pecho a una enfermera que la ayudaba a trasladar dentro del hospital en la madrugada del lunes. La actriz quedó en libertad bajo fianza.

Estos cargos estatales se suman a una investigación federal por el incidente durante el vuelo del domingo, donde supuestamente agredió a miembros de la tripulación y trató de abrir la puerta del avión mientras estaba en vuelo. Un representante de Blair explicó que el incidente fue consecuencia de una emergencia médica y que la actriz recibió atención inmediata tras el aterrizaje.

Delta Air Lines emitió un comunicado en el que afirmó que "tiene tolerancia cero ante comportamientos conflictivos o ilegales, ya que la seguridad de nuestros clientes y de la tripulación es siempre la prioridad".

No es la primera vez que Blair protagoniza un incidente similar en un avión. En 2016 fue evacuada en camilla de un vuelo tras sufrir lo que describió como un "colapso psicótico total" mientras viajaba con su hijo de cuatro años.

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Pilat y Patrick Moran, Director de Estrategia Comercial y Alianzas de Barbican Immersive, ofrecieron una charla en el museo el sábado para dialogar sobre el tema. La artista explicó que Basia requiere un equipo de personas para su mantenimiento. Pilat describió a su perro robot como “mágica” y señaló que, aunque sabe que es una máquina, siente que tiene vida, ya que la considera un puente para conectar con otras personas.

La exposición se presenta en un momento en que la inteligencia artificial genera tanto miedo como curiosidad. Pilat afirmó que “es un gran momento para la exposición porque hay miedo, entusiasmo y mucha curiosidad por el tema”. Ambos coincidieron en que es necesario reevaluar conceptos como creatividad, originalidad y artista. Moran comentó que el artista siempre ha trabajado en equipo, citando a Alberto Durero y su taller, y que el mito del artista individual favorece al mercado del arte. Pilat añadió que en el futuro los artistas serán más como directores de cine o artísticos, requiriendo colaboración humana y tecnológica.

La artista se mostró optimista sobre el uso de la IA en la producción artística, destacando que el humano mantiene el control sobre la tecnología. Señaló que el miedo debería centrarse en si la IA puede contar historias, ya que estas influyen en las decisiones. Además, aclaró que aunque los robots tienen aspectos humanos, “sólo es una máquina” y estamos lejos de que tomen el control. Pilat recomendó involucrarse y conocer más sobre la inteligencia artificial para perder el miedo y mantener el control.

La exposición “IA: Más que humano” presenta 185 piezas entre obras, proyectos de arquitectura y diseño, investigaciones científicas, proyecciones e instalaciones. Ha recorrido Países Bajos, España, China, Canadá y Estados Unidos, y ahora se encuentra en México, en el Museo Franz Mayer, donde permanecerá hasta el 4 de abril de 2027.

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Steinbeck recibió el Premio Nobel de Literatura en 1962 y su obra está marcada por los conflictos sociales de Estados Unidos. Sus personajes buscan una vida mejor, pero enfrentan dificultades económicas, prejuicios y desigualdades que limitan sus oportunidades.

La crisis económica de 1929 y las sequías que afectaron regiones agrícolas durante la década siguiente influyeron en su escritura. El fenómeno conocido como Dust Bowl desplazó a miles de familias rurales que emigraron en busca de trabajo. Steinbeck conoció esta realidad de cerca, pues antes de ser escritor trabajó en cosechas, una azucarera y en construcción, junto con trabajadores mexicanos y filipinos.

Pittella lo definió como “el autor de la Gran Depresión” y señaló que su literatura surge de una experiencia directa en el mundo laboral. En sus relatos, la pobreza no es un problema individual, sino resultado de condiciones sociales que afectan a sus protagonistas.

De ratones y hombres, publicada en 1937, ejemplifica esta visión. La novela sigue a dos trabajadores rurales que recorren California buscando empleo y soñando con tener una propiedad propia. La inestabilidad laboral y las dificultades para lograr ese sueño reflejan los límites de una sociedad donde el esfuerzo no siempre asegura oportunidades.

En 1939, Steinbeck publicó Las uvas de la ira, novela que ganó el Premio Pulitzer de ficción en 1940. La historia narra a la familia Joad, que abandona sus tierras en Oklahoma para trasladarse a California con la esperanza de encontrar trabajo y escapar de la pobreza. Sin embargo, la llegada no soluciona sus problemas, ya que enfrentan bajos salarios, explotación y competencia por empleo.

La novela denuncia las desigualdades sociales y provocó críticas de sectores vinculados a la propiedad rural, que rechazaron la representación de las condiciones laborales en el campo. Esta obra consolidó a Steinbeck como una figura clave de la literatura social estadounidense y su mirada sobre el desplazamiento y la precariedad también está presente en Al este del Edén.

Publicada en 1952, Al este del Edén es una saga familiar ambientada en el valle de Salinas, California. A través de las familias Trask y Hamilton, Steinbeck explora rivalidades entre hermanos, secretos, culpa y decisiones que atraviesan generaciones. La novela cuestiona la idea de que el destino está determinado por el origen familiar y plantea la tensión entre el bien y el mal, con la referencia bíblica a Caín y Abel como eje simbólico.

Pittella recomendó el libro Diario de una novela, que recopila las cartas que Steinbeck enviaba a su editor durante la escritura de Al este del Edén, mostrando las dudas y dificultades que enfrentó en el proceso creativo.

La nueva adaptación audiovisual de Al este del Edén, producida por Zoe Kazan, nieta del director Elia Kazan, se enfoca en el personaje de Cathy Ames, interpretado por Florence Pugh. La serie permite desarrollar con mayor profundidad los personajes y conflictos de la novela. Pittella destacó que la versión audiovisual debe entenderse como una interpretación y no una reproducción exacta del texto original.

La crítica sugirió acercarse tanto al libro como a sus adaptaciones sin un orden obligatorio, ya que la serie puede ser una puerta de entrada a Steinbeck, mientras que la lectura permite profundizar en los matices de sus personajes y las contradicciones sociales que atraviesan su obra.

Más de seis décadas después de recibir el Nobel, Steinbeck sigue ofreciendo una mirada sobre las promesas de prosperidad, las desigualdades y los conflictos humanos que marcaron a Estados Unidos, mostrando la distancia entre las expectativas de vida y las condiciones reales para alcanzarlas.

infobae.com cultura: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/13/quien-fue-john-steinbeck-el-nobel-de-literatura-que-retrato-las-contradicciones-del-sueno-americano/

Esta edición cuenta con 300 páginas y se distribuirá gratuitamente en 33 librerías y tiendas especializadas independientes en 22 países, incluyendo ACO Books en Hong Kong, Casa Bosques en Ciudad de México, Rococo News & Magazines en Londres y 7L en París. Entre sus contenidos destacan letras manuscritas originales de Patti Smith, una conversación entre la dramaturga ganadora del Pulitzer Lynn Nottage y la directora del National Theatre de Londres, Indhu Rubasingham, sobre la narrativa en el teatro, y un texto del escritor Andrew Durbin sobre la vida y legado de Peggy Guggenheim, quien será protagonista de una exposición en la Royal Academy a partir del 21 de noviembre.

Yana Peel, presidenta de artes, cultura y patrimonio en Chanel, explicó que la revista refleja el compromiso del fondo con las ideas, los artistas y la creación. Destacó que Cindy Sherman, que ha explorado la construcción de la identidad femenina durante cinco décadas, es la figura ideal para esta portada. Sherman se inspiró en Gabrielle Chanel y en los archivos de la fundadora para su última serie.

Además, la revista estará disponible en la sede de Hauser & Wirth en Londres, donde se exhiben fotografías de la serie "Fabric Matrons" de Cindy Sherman.

artnews.com: https://www.artnews.com/art-news/news/chanel-culture-fund-and-cindy-sherman-collaborate-on-arts-culture-magazine-ahead-of-hauser-wirth-exhibition-1234802228/

El cantautor y productor mexicano firmó un contrato de distribución global con Virgin Records para su proyecto JESSE AND THE SUPERNOVAS, cuya música será lanzada a través de Nebulosa Records, el sello discográfico que él mismo fundó. Esta noticia surge después de que Jesse comunicara en redes sociales su decisión de tomarse un tiempo para cuidar su salud mental y estar con su familia. En sus palabras, “He decidido tomarme un tiempo para estar con mi familia, cuidar de mí y darme el respiro que hoy siento que necesito”.

Aunque inicialmente generó incertidumbre sobre el futuro de su carrera y del grupo, días después se reveló que Jesse ya trabajaba en un proyecto paralelo como solista. Su primer álbum, “SOMBRERO”, contiene canciones escritas, grabadas y producidas por él mismo. La propuesta busca mostrar una faceta distinta, con una exploración sonora que incluye guitarras, sintetizadores y arreglos cinematográficos.

Gran parte del material fue creado en su estudio personal durante los descansos de una extensa gira, aprovechando los espacios entre conciertos y viajes para componer, grabar y producir el álbum. Jesse explicó que “JESSE AND THE SUPERNOVAS nace de la necesidad de abrir un espacio propio para otras ideas, sonidos e inquietudes que también forman parte de mí”. Además, destacó que aunque el tiempo para desarrollar el proyecto fue limitado, “el cuidado y la atención puestos en cada detalle nunca lo fueron”.

Con la fundación de Nebulosa Records, Jesse Huerta podrá impulsar esta iniciativa bajo su propio control creativo, mientras que el convenio con Virgin Records apoyará la llegada de su música a mercados internacionales. Como adelanto de esta nueva etapa, el músico lanzará el sencillo “Interestelar” el próximo 21 de octubre, que será el primer tema oficial de “SOMBRERO”.

Antes de este sencillo, se publicó “Génesis”, una pieza instrumental que sirve como introducción al universo musical del álbum. Esta composición se desarrolla en tres movimientos que preparan el camino para “Interestelar”. La fecha de estreno del disco completo aún no ha sido anunciada. Mientras tanto, Jesse comenzará a presentar el concepto de JESSE AND THE SUPERNOVAS a través de sus plataformas digitales.

eluniversal.com.mx espectaculos: https://www.eluniversal.com.mx/espectaculos/jesse-huerta-inicia-una-nueva-etapa-fuera-de-jesse-joy-da-detalles-sobre-su-primer-disco-como-solista/

Durante su intervención en la ceremonia de apertura del evento, que se realiza en Monterrey, Nuevo León, del 10 al 18 de octubre, el autor planteó dudas sobre la capacidad de los lectores para interpretar correctamente el significado de un texto y responder adecuadamente a las observaciones de otros en la vida cotidiana. También preguntó cómo pueden existir “buenos ciudadanos” en una sociedad donde no se comprende lo que se dice.

Manguel recordó que a mediados del siglo XIII Tomás de Aquino señaló que las limitaciones del lenguaje humano impiden exigir actos virtuosos a los ciudadanos más que de forma superficial. Además, explicó que la sociedad es producto de la imaginación humana y de la materialización de ideas que surgen para resolver cómo convivir. “Imaginamos el mundo para experimentarlo en la mente antes de experimentarlo en la realidad, imaginamos un sistema de convivencia antes de establecer gobiernos y definir fronteras y contamos esas imaginaciones en lo que llamamos literatura”, dijo.

Ante un auditorio lleno, Manguel afirmó: “Si el libro ha muerto, me alegra ver tanta gente en su funeral, cuerpo y alma presentes”. También señaló que “en estos días donde el prestigio de la palabra escrita ya casi desvanecido y donde la creación artística está amenazada por máquinas que diestramente imitan la creación humana; cómo y porqué seguir creyendo en el libro, esa criatura que Monterrey, valientemente se esfuerza en ensalzar”.

La edición 2026 de la Feria Internacional del Libro Monterrey se realiza en las instalaciones del Centro Internacional de Negocios (Cintermex) y cuenta con la participación especial de El Colegio Nacional, una institución que desde hace ocho décadas agrupa a las voces más destacadas del pensamiento mexicano.

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Durante la charla, Jackson recordó su llegada a Sitges en 1992 con la película 'Braindead', antes de realizar filmes más populares como 'Criaturas celestiales' y la trilogía de 'El señor de los anillos' y 'El Hobbit'. Explicó que no tenía claro cómo logró que un estudio confiara en él para proyectos tan grandes, y que fue él quien buscó los derechos de Tolkien para iniciar el proceso. También comentó que filmar tres películas simultáneamente durante 288 días fue “agotador”.

El cineasta señaló que durante un rodaje “si algo puede ir mal, seguramente irá mal” y admitió que aunque no le desagrada filmar, prefiere la etapa inicial de idear la película y trabajar en el guion. Jackson recomendó a los jóvenes cineastas que utilicen un teléfono móvil para comenzar a hacer películas, ya que “es todo lo que necesitas para empezar”.

Sobre las dudas que surgen en la edición, dijo que siempre siente que está creando “la peor cinta de la historia del cine”, pero que con el tiempo la película toma forma y mejora. Destacó que equivocarse es fundamental para aprender y comparó cada nuevo proyecto con regresar a la escuela de cine.

Respecto a sus próximos trabajos, Jackson anunció que está preparando una nueva película basada en 'Tintín', el personaje de cómic. Además, participa como productor y coguionista en nuevas entregas de 'El señor de los anillos', colaborando con el comunicador Stephen Colbert, amigo suyo cuyo programa de televisión fue cancelado en Estados Unidos.

Jackson comenzó a hacer películas en su adolescencia y se dio a conocer internacionalmente en 1987 con 'Mal gusto'. Posteriormente dirigió 'Braindead' y junto a Dame Fran Walsh creó títulos como 'Criaturas celestiales' y 'Agárrame esos fantasmas'. Su trilogía de 'El señor de los anillos' le valió 17 premios Óscar, incluyendo Mejor Director y Mejor Película. También realizó la versión de 'King Kong' en 2005 y la trilogía de 'El Hobbit'. En años recientes, ha trabajado en series documentales como 'Ellos no envejecerán' y 'The Beatles: get back'.

infobae.com cultura: https://www.infobae.com/cultura/2026/10/13/peter-jackson-en-sitges-el-regreso-de-el-senor-de-los-anillos-tintin-y-la-peor-pelicula-de-la-historia/

Los personajes principales son Daisy Edgar-Jones como Elinor Dashwood, Esmé Creed-Miles como Marianne Dashwood, Frank Dillane como John Willoughby, Herbert Nordrum como el coronel Brandon, y la directora Georgia Oakley, quienes parecen coincidir en que el tiempo no ha cambiado mucho la situación. La historia se centra en las hermanas Dashwood, que enfrentan la vida desde dos perspectivas opuestas: la mayor se guía por la razón, mientras que la menor se deja llevar por la pasión, en un contexto donde las leyes favorecen a los hombres y el medio hermano controla la herencia familiar.

Georgia Oakley explicó que al recibir la propuesta para hacer una nueva versión de la novela pensó en modernizarla, pero se dio cuenta de que no era necesario porque "Jane Austen estaba escribiendo sobre temas bastante contemporáneos". La directora señaló que, aunque se dice que las mujeres pueden ser independientes, existen muchos sistemas socioeconómicos que limitan esa independencia. Comentó que las conversaciones actuales que tiene con sus amigas sobre el significado de ser mujer son similares a las de hace dos siglos.

Como ejemplo de esta persistencia, mencionó regímenes como el talibán y el iraní, donde las mujeres no tienen acceso a la educación superior ni autonomía, dependiendo del permiso de sus esposos o padres. También citó culturas africanas y comunidades latinoamericanas con costumbres en las que las mujeres carecen de voz y son tratadas como mercancías.

La directora aclaró que no quiere que la película sea vista solo como la historia de dos mujeres en busca de esposo, sino que es un pretexto para abordar temas más amplios. Frank Dillane comentó que su personaje se ve obligado a actuar según las presiones sociales y que la película refleja cómo la sociedad valora más el dinero y el estatus que otros aspectos. Explicó que "somos una cultura que ama el chisme, nos gusta el escándalo; somos una cultura muy obsesionada con el dinero, y este filme se trata mucho de dinero, estatus, poder, influencia".

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La actriz subrayó la importancia de dar voz a narrativas que merecen ser escuchadas en un mundo dominado por la hiperconectividad y la presión social. Hayek ha sido una figura clave en la lucha contra los estereotipos en la industria del entretenimiento y promueve espacios que celebren la diversidad.

Nacida el 2 de septiembre de 1966 en Coatzacoalcos, Veracruz, Hayek inició su carrera en México con la telenovela "Teresa" y alcanzó reconocimiento internacional con su papel en Frida, que la convirtió en la primera actriz mexicana nominada al Óscar. Ha utilizado su plataforma para abogar por una mayor representación de las culturas latinas y por los derechos de las mujeres.

Durante su trayectoria, ha insistido en la relevancia de contar historias que reflejen la diversidad y complejidad de la experiencia latina. Su activismo se ha alineado con otras voces influyentes del cine que buscan un cambio en la representación de las minorías en pantalla.

Salma Hayek explicó que cada historia, especialmente las provenientes de comunidades subrepresentadas, tiene un valor intrínseco. A través de su trabajo en Frida y otros proyectos, se ha dedicado a preservar y compartir estas narrativas para evitar que queden en el silencio.

En la actualidad, en un mundo saturado de información, Hayek destacó que muchas personas sienten que sus historias no son relevantes. Sin embargo, su mensaje es un llamado a reconocer que cada experiencia humana es valiosa y que la creatividad es esencial para conectar y construir un entorno más inclusivo.

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La trama se desarrolla en un pequeño pueblo que sufre un ataque zombi. Diego Bernal interpreta al estudiante infectado, apoyado por su amiga, a cargo de Lilith Curiel, y su amor platónico, papel de Farah Justiniani. Soto comenta que desde que leyó el guion le pareció muy interesante y que fue divertido ver a los actores jóvenes en el set, señalando que ahora interpreta a una mujer adulta y responsable.

El elenco también incluye a Fernanda Castillo, Luis Fernando Peña, Armando Hernández y Tiaré Scanda. Prefiero la muerte es una producción original de Prime Video dirigida por Sebastián Sariñana y Humberto Hinojosa, estrenada en más de 200 países.

Además, Esmeralda Soto participa actualmente en la comedia de humor negro A toda madre, junto a “El Cojo Feliz” y Ricardo Pérez de La Cotorrisa, y presta su voz a uno de los protagonistas en la animación La isla olvidada.

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Daniel Hernández Bocanegra, director General Latinoamérica de Secuoya Content Group, explicó que la historia se centra en los paradigmas de la belleza y su impacto en la vida de un grupo de mujeres que atraviesan diferentes etapas. Castillo ha sido una de las actrices mexicanas más taquilleras en la última década con películas como Ya veremos y Una mujer sin filtro, mientras que Perroni ha participado en dramas como Triada.

Secuoya Content Group está consolidándose como productora y distribuidora con títulos como La celda de los milagros, protagonizada por Omar Chaparro, y Bajo el volcán con William Levy. Belleza tiene previsto su estreno para el primer semestre de 2027, primero en cines y posteriormente en plataformas de streaming. Hernández Bocanegra señaló que esperan que la película "genere preguntas y que la audiencia reflexione sobre dónde está la verdadera belleza y cuál es su significado".

La película es un remake de una historia original alemana, siguiendo un modelo similar al de La celda de los milagros, que se originó en Corea del Sur y luego se adaptó a otros países. Durante el encuentro Iberseries & Platino Industria, Hernández Bocanegra y otros directivos de Secuoya anunciaron una alianza con Manolo Caro, creador de La casa de las flores y Sagrada familia, para desarrollar diversos proyectos entre series y largometrajes.

El director General Latinoamérica de Secuoya afirmó que la empresa no planea utilizar inteligencia artificial en sus producciones ni crear contenido vertical en el futuro cercano.

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Ante la presencia de 10 mil personas, Enrique inició el concierto con “Creer que se puede creer” y “Las chingadas ganas de llorar” sin decir palabra. Vestido con traje rojo y camisa amarilla, saludó a sus seguidores y los invitó a disfrutar su “Nuevas Mutaciones Tour”, nombre de su más reciente álbum y gira.

El cantante expresó que era un honor regresar a ese escenario después de aproximadamente 10 años y dio la bienvenida a sus “nuevas mutaciones” antes de interpretar “Infinito”. Durante esta canción, se acercó al público que rodeaba el escenario, interactuando con algunos asistentes.

Continuó con “La actitud correcta”, moviéndose por el escenario, cantando cercano a la gente e incluso saludando a quienes lo veían desde el balcón. A diferencia de otros conciertos en el Auditorio Nacional, en este show apenas se veían algunos celulares, respetando la petición de Bunbury de dejar de lado las pantallas.

El artista también se dirigió a quienes estaban en las filas más alejadas para hacerles saber que los veía y estaba con todos ellos. Cambió su saco por un sombrero, recordando su estilo rockero inicial. Tras interpretar “La carta”, tomó su guitarra para acompañar algunas canciones como “Porque las cosas cambian” y “Más alto que nosotros solo el cielo”.

Después de un llamado del público para otra canción, agradeció el cariño que recibe en México y alentó a no asistir a sus conciertos esperando solo los éxitos de siempre. Comentó que muchos ya tienen sus discos o los pueden escuchar en streaming y anunció que cantarían un tema que hacía tiempo no tocaban, en celebración de un 20 aniversario, antes de interpretar “Puta desagradecida”.

El concierto concluyó con 21 canciones, cerrando con dos de sus temas más emblemáticos: “Lady Blue” y “La constante”.

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El barroco surgió en Europa a finales del siglo XVI, con su auge en el siglo XVII y culminación a mediados del XVIII. Originado en Italia, especialmente en Roma, se extendió por Europa y América. Fue concebido como una respuesta a la reforma protestante, destacando por su complejidad y dramatismo. Al estar vinculado al catolicismo, buscó intensificar la pasión religiosa mediante un lenguaje teatral e impactante, utilizando claroscuros, volutas y metáforas para resaltar lo místico y dramático.

A finales del siglo XVI, esta corriente llegó a la Nueva España, donde fue adoptada y transformada por artistas locales. El sincretismo entre las raíces prehispánicas y el catolicismo dio origen al barroco novohispano, que se caracterizó por una mayor intensidad, colores vibrantes y esculturas que reflejaban el encuentro de dos mundos. El drama europeo se convirtió en espectacularidad en esta versión local.

El barroco novohispano no solo fue un estilo artístico, sino que se convirtió en una forma de interpretar la realidad y las relaciones humanas. Según el filósofo Bolívar Echeverría, este estilo representa un ethos barroco mexicano, una estrategia de supervivencia y afirmación frente a la modernidad capitalista, caracterizada por la desmesura, la paradoja y la contradicción. Esta estética permite resistir y negociar con las reglas impuestas mediante negaciones indirectas y subversión.

Este ethos nació del sincretismo entre el humanismo renacentista-cristiano traído por los evangelizadores y la cosmovisión indígena, con el barroco internacional como último componente. El barroco novohispano se centró en la pasión y usó el drama y la complejidad como formas de expresión para interpretar el mundo.

Entre los principales exponentes del barroco novohispano en pintura destacan Miguel Cabrera, José Juárez, Cristóbal de Villalpando y Juan Correa. En arquitectura sobresalen Jerónimo de Balbas, Pedro de Arrieta y Lorenzo Rodríguez. En poesía, teatro y filosofía, figuras como Sor Juana Inés de la Cruz, Juan Ruiz de Alarcón y Mendoza, y Carlos de Sigüenza y Góngora fueron fundamentales. En música, Manuel de Sumaya, Juan Gutiérrez de Padilla, Gaspar Fernandes e Ignacio de Jerusalem y Stella fueron destacados.

Algunos ejemplos emblemáticos de esta corriente son el Altar de los Reyes en la Catedral Metropolitana de Ciudad de México, el Templo de San Francisco Javier en Tepotzotlán, el Templo de Santo Domingo en Oaxaca, la Biblioteca Palafoxiana en Puebla y el Templo de Santa Prisca en Taxco, Guerrero.

mexicodesconocido.com.mx: https://www.mexicodesconocido.com.mx/el-barroco-novohispano-en-mexico.html

La fascinación por las bailarinas no se limita a la moda actual. Desde la infancia, muchas personas, incluida la autora de este texto, han sido cautivadas por la figura de la bailarina, simbolizando gracia y belleza. Aunque nuestra realidad puede no permitirnos ser bailarinas profesionales, el vestirse con prendas inspiradas en el ballet nos permite evocar esa elegancia. La ropa de “ballet core” puede transformar incluso un atuendo simple, dotándolo de sofisticación.

Contrastando con la cultura de la moda, las bailarinas de la Compañía de Ballet de Los Ángeles (LAB) no se preocupan por tendencias. En sus ensayos, la practicidad se antepone a la estética. Los leotardos ajustados y las mallas permiten al director artístico, Melissa Barak, observar cuidadosamente los movimientos de las bailarinas mientras perfeccionan nuevas coreografías, incluida una obra inspirada en la música de la compositora mexicana Gabriela Ortiz.

Recientemente, la LAB se preparó para su estreno en el icónico Hollywood Bowl, una performance marcada dentro de su temporada 2026-2027. Durante un ensayo, la atención se centró no solo en la técnica, sino en la profundidad del proceso artístico. En ese entorno, los elementos de la vestimenta se convierten en una extensión de la identidad personal de cada bailarina. Ropa como leotardos de terciopelo gris o faldas de flores no solo cumplen una función práctica, sino que agregan un matiz personal en el proceso de actuación.

Las imágenes de bailarinas preparándose para sus ensayos evocan las famosas obras de Edgar Degas, quien prefería observar la vida detrás del escenario en lugar de las actuaciones. Las bailarinas, con la mirada fija en los espejos, se preparan con cuidado, aplicando maquillaje y ajustando su vestuario, involucrándose en discusiones y reflexiones que van más allá de los pasos de danza.

La esencia de un ensayo es la búsqueda constante del perfeccionamiento. Como muchos de nosotros frente a un espejo, las bailarinas ajustan no solo su técnica sino también su presentación personal. Esto reforza la idea de que la forma en que nos vestimos está intrínsecamente ligada a nuestra identidad. Cada pieza de ropa, cada accesorio actúan como un guion que nos permite presentar una versión de nosotros mismos al mundo.

Mientras se acerca la fecha del debut de la LAB en el Hollywood Bowl el 8 de septiembre, queda claro que el ballet, lejos de ser una "fuerza cultural" en declive, reinventa su presencia en la sociedad contemporánea. Así, cada ensayo culmina en una danza que no solo se ejecuta sobre el escenario, sino que se refleja en nuestra conexión con la gracia y la belleza presentes en nuestras vidas cotidianas.

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En una de las escenas iniciales de su nuevo libro, un grupo de neo-nazis asiste a una fiesta en un ambiente que, a pesar de haber sido escrito en un contexto más optimista, ahora resonó con escalofríos de actualidad. Niffenegger no se considera “psíquica”, sino que sostiene que las pistas sobre la evolución política de Estados Unidos han estado presentes durante décadas: desde Watergate hasta un creciente legado de presidentes republicanos cuya administración se ha caracterizado por el desastre. Esta progresión lógica, advierte, podría llevar a un estado de fascismo.

La secuela de su obra maestra, “The Time Traveler’s Wife”, titulada “Life Out of Order”, introduce a Alba, la hija de Clare y Henry, dos personajes atrapados en un romance a través del tiempo. Mientras que Henry lidia con las inevitabilidades del tiempo, Alba tiene más control sobre su habilidad y la utiliza para perseguir sus propios objetivos políticos y personales.

A diferencia de lo que muchos han interpretado como un relato romántico, Niffenegger aborda la obra como algo más complejo y oscuro. Del amor y el deseo a la fatalidad, la narrativa revela que, aunque el amor entre Clare y Henry es profundo, el dolor y la insatisfacción también son inevitables. La autora expresa que su novela ha resonado con personas que experimentan la ausencia en sus relaciones, lo que ha llevado a muchos a nombrar a sus hijos Henry o Clare.

El éxito de Niffenegger fue inesperado; su primer libro, publicado en 2003, se convirtió en un fenómeno cultural, vendiendo más de 9 millones de copias. Aunque en su momento no pensó que su trabajo sería tan influyente, el interés que suscitó la llevó a la atención mediática internacional, generando en ella sentimientos de “síndrome del impostor”.

Si bien en su juventud tuvo pocas oportunidades de viajar, la súbita fama le permitió moverse por el mundo, asistiendo a festivales literarios y encuentros inesperados con otros escritores. Sin embargo, su crecimiento no ha estado exento de dificultades; a menudo, se siente más cómoda en su hogar de Chicago, un lugar lleno de arte y sus propias creaciones. En sus paredes cuelgan pinturas que combinan el sueño y la realidad, reflectando sus intereses artísticos a lo largo de su carrera.

Su nueva novela también aborda problemáticas contemporáneas, explorando la inestabilidad política y el impacto del cambio climático, temas que Niffenegger ha encontrado cada vez más urgente. A medida que su escritura se desarrolla, reconoce que la desconexión entre su trabajo y la política estadounidense actual es alarmante.

Con un tono crítico y sarcástico, Niffenegger ha notado un cambio en su enfoque hacia la política. La reciente administración ha radicalizado su compromiso con el activismo social. Hasta hace poco, no era habitual que participara en manifestaciones, pero siente una nueva urgencia por involucrarse en la defensa de causas.

A pesar del tiempo dedicado a la escritura de su obra, Niffenegger se muestra ansiosa por seguir creando y explorando nuevas ideas. La experiencia de haber pasado tantos años en una sola historia la ha llevado a considerar una pausa, reflexionando sobre su próximo movimiento. Además, su deseo de expandir otros proyectos, como una serie de relatos gráficos, se mantendrá presente en su agenda.

Actualización: La publicación de “Life Out of Order” está programada para el 12 de octubre de 2026, con una preventa ya disponible en diversas plataformas.

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theguardian.com: https://www.theguardian.com/books/2026/oct/10/people-forgot-i-existed-audrey-niffenegger-on-taking-14-years-to-write-a-sequel-to-the-time-travelers-wife

2026 marks a significant milestone: the centenary of choral evensong broadcast on BBC radio. On 7 October 1926, listeners tuned in for the first live service from Westminster Abbey, a moment that intertwined public broadcasting with rich tradition. Today, choral evensong continues its legacy on Radio 3, hosted weekly from various cathedrals, churches, and chapels across the UK. It holds the title of the BBC’s longest-running outside broadcast, capturing the hearts of hundreds of thousands each week.

The power of this music transcends its medium. For many listeners, it transforms a distant cathedral into an intimate space, allowing for deeper connection. However, the significance lies not merely in the survival of the broadcast but in its representation of a living cultural heritage. Evensong is a multifaceted experience, serving as prayer, inspiration, or simply a moment of serenity—its impact felt by both the devout and the secular alike.

This is culture in its purest form: a communal experience that should not be restricted to a select few. It is essential to examine the pressures faced by the traditions that sustain this cherished practice. Cathedral music is not just a relic; it thrives in the present, showcasing new compositions alongside time-honored works. Currently, around 3,000 children and young people sing as choristers in the UK’s places of worship, supported by thousands more participating in school and youth choirs. These experiences foster not only exceptional musical talent but also instill confidence, teamwork, and a profound sense of belonging.

Participation in a choir can open doors to remarkable opportunities. Cathedral choirs provide world-class musical training and cultural exposure that might be otherwise inaccessible. However, barriers still exist; issues such as affordability, the availability of music instruction, and a lack of familiarity with cathedral culture can inhibit access. To truly preserve this tradition, we must also strive to broaden its reach and inclusion.

The transformative power of singing as a child can be life-altering. It offers not just an artistic outlet but also rich experiences that enhance personal development. As individuals journey through these formative moments, they learn the importance of collaboration, resilience, and the value of persistence.

Organizations like the Cathedral Music Trust are actively championing these opportunities and advocating for Unesco status for English sacred choral music. Their aim is to ensure that this vibrant and evolving art form is not only acknowledged but celebrated on a national level. Seeking Living Heritage status emphasizes the necessity of protecting this culture while recognizing its ongoing vitality.

As the UK shines a spotlight on its renowned theatres, galleries, and museums, it is equally important to acknowledge everyday cultural and religious traditions performed in community hubs by skilled musicians. This tradition remains vibrant, reaching an expansive audience through the simple act of radio broadcasting. There is a collective responsibility to not only cherish this remarkable tradition but also to safeguard it for future generations, ensuring that they, too, can claim it as their own.

En el presente, la fecha 2026-10-12 07:30:00 subraya la continuidad de este legado cultural.

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theguardian.com: https://www.theguardian.com/music/2026/oct/07/evensong-bbc-centenary-choral-music-jonathan-davies-mp

Este año se conmemora el centenario de la “choral evensong” en la radio británica. Un 7 de octubre de 1926, cuando la BBC apenas comenzaba su andadura, los oyentes pudieron escuchar una transmisión en directo desde la Abadía de Westminster. Cien años después, la “evensong” sigue resonando en Radio 3 cada semana, llegando a cientos de miles de personas desde catedrales, iglesias, capillas y abadías a lo largo del país. Este programa se destaca como la transmisión en vivo más longeva de la BBC, un hecho que trasciende la mera supervivencia de un formato de emisión: representa un componente vital de nuestro patrimonio cultural.

Para quienes escuchan desde casa, la radio logra acercar una catedral distante, pero esta tradición merece ser celebrada no solo por ser un hito en la historia de la radiodifusión, sino porque simboliza una parte integrante y viva de nuestra identidad común. Para algunos, la “evensong” es una forma de oración; para otros, un momento de contemplación, inspiración o simplemente una pausa de la vida moderna.

No es necesario ser religioso o musicalmente inclinado para apreciar la profundidad de la “evensong”. Sentarse en silencio en un edificio imponente y dejarse llevar por la mezcla de voces, jóvenes y ancianos, es una experiencia profundamente humana. En un espacio dedicado a la belleza musical por 45 minutos, se encuentra permiso para desconectar del frenético ritmo de la vida contemporánea.

La música en las catedrales no se limita a preservar un repertorio antiguo; es una tradición viva. Aproximadamente 3,000 niños y jóvenes son actualmente coristas en las catedrales, iglesias y capillas del Reino Unido, mientras que miles más participan en coros escolares, lo que les brinda la ocasión de desarrollar habilidades musicales excepcionales junto con confianza, disciplina y un sentido de pertenencia a algo más grande. Estas capacidades a menudo se trasladan a carreras muy diversas.

Además, la historia de la movilidad social está profundamente entrelazada con la música coral en las catedrales. Pertenecer a un coro catedral puede abrir oportunidades de formación musical de alto nivel, experiencias culturales extraordinarias y acceso educativo que, de otro modo, podrían estar fuera de alcance. Sin embargo, también es necesario ser realista respecto a las barreras que existen: la asequibilidad de la educación musical y la familiaridad con la cultura de la catedral son factores que pueden limitar el acceso.

Es crucial avanzar en la preservación de esta tradición, ampliando su accesibilidad. Reconocimientos como el de la charity que promueve la continuidad de estas oportunidades y la campaña para asegurar el estatus de la música coral sagrada inglesa ante la Unesco buscan no solo la apreciación de un arte que perdura, sino el compromiso de mantenerlo vibrante y relevante, renovado por las voces de los niños que lo interpretan.

El Reino Unido celebra con razón sus grandes teatros, galerías y museos. Sin embargo, debemos también reconocer y valorar una tradición cultural y religiosa que encuentra su expresión a diario en edificios que son el corazón de sus comunidades. A través de la magia de la radio, esta tradición ha tocado innumerables vidas, y es nuestra responsabilidad protegerla para que las generaciones futuras puedan reclamarla como propia.

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Lorenzano describió la experiencia como un invento maravilloso que, aunque no sustituye la presencialidad, permitió sentir la cercanía del escritor. Durante la charla, el autor leyó un texto titulado “En persecución de la realidad” y recibió aplausos efusivos. Al final, la tecnología presentó un pequeño desfase entre la imagen y el audio.

El público pudo enviar preguntas por escrito que la moderadora leyó para Le Clézio. Algunos asistentes desconocían que el autor estaría virtualmente, mientras otros tenían expectativas sobre su intervención. María de los Ángeles, asistente desde la primera edición de la feria, comentó que la experiencia holográfica es una oportunidad para escuchar y aprender. Ventura Contreras, joven de 27 años, expresó que esperaba la presencia física, pero comprendía que las condiciones de salud dificultaban su asistencia.

Le Clézio resaltó la relevancia de la literatura y los libros en la construcción de la paz, afirmando que “Los libros son ladrillos para construir el monumento de la paz que todavía no está acabado”. Destacó la digitalización de libros como una herramienta valiosa para preservar la historia en zonas de conflicto, mencionando los bombardeos en Irak y la destrucción de escuelas en Palestina.

El escritor también señaló que los libros digitales facilitan el acceso a la literatura para familias con recursos limitados, como en su lugar natal, San Mauricio. Por ello, consideró importante financiar bibliotecas en todo el mundo.

Durante su intervención, Le Clézio habló sobre mexicanos incluidos en su libro Tres entradas a México, como Juan Rulfo, Sor Juana Inés de la Cruz y Luis González. Destacó la tradición oral reconstruida por Rulfo y la provocación implícita en los versos en náhuatl de Sor Juana. Comentó que México es un país donde el pasado y el presente conviven constantemente.

Finalmente, adelantó que trabaja en un nuevo libro titulado Las aventuras de Juan Ventura, inspirado en la historia de un joven purépecha de Michoacán que viaja por el mundo vendiendo juguetes.

razon.com.mx cultura: https://www.razon.com.mx/cultura/2026/10/12/le-clezio-los-libros-son-ladrillos-para-construir-la-paz/

Bruno Javier, encargado de vinculación y eventos de Vaso Roto, señaló que volverán a surtir los libros el martes y expresó que la obtención del Nobel fue una gran sorpresa para ellos, pues como lectores llevaban 15 años esperando ese reconocimiento. Para esta edición de la feria, el stand de la editorial creció y se decidió aumentar la cantidad de ejemplares de Anne Carson, aunque el premio superó la demanda prevista.

Normalmente, la editorial maneja alrededor de dos mil 500 libros en la Feria de Monterrey, pero este año trajeron mil ejemplares adicionales. Este incremento se debía a que el espacio del stand fue el doble de grande, ya que la editorial buscaba posicionarse más en Nuevo León. Sin embargo, la logística tuvo que cambiar de viernes a sábado para reorganizar el acomodo y ajustar la selección de los libros más vendidos de Carson.

Para abastecer la demanda, Vaso Roto contactó bodegas en España y Ciudad de México, incluso buscando ejemplares con algún detalle para ofrecerlos a precios accesibles. Antes del Nobel, los libros más solicitados de la poeta eran Decreación y Si no, el invierno, además de la obra Nox, que fue uno de los primeros en agotarse. Bruno Javier explicó que Nox es difícil de producir en Latinoamérica porque el papel no se imprime fácilmente en la región, por lo que se imprime en España con materiales provenientes de China.

Inés Sainz Negrete, directora de proyectos especiales y relaciones institucionales de Vaso Roto, destacó la relevancia de la obra de Anne Carson. Comentó que es una poeta necesaria que provoca en sus lectores una experiencia que cambia su forma de ver y entender el mundo, y que su valor trasciende cualquier premio o reconocimiento. "Leerla provoca algo en quienes la leemos, cambia nuestra manera de ver el mundo, de entenderlo", afirmó.

razon.com.mx cultura: https://www.razon.com.mx/cultura/2026/10/12/se-agotan-nox-y-decreacion-de-anne-carson/

Los constantes enfrentamientos entre figuras prominentes del Frente Amplio han dado lugar a un escenario desalentador. Desde la ministra de sanidad, cuya gestión ha desencadenado conflictos con los médicos, hasta un demagogo que ha logrado mantenerse en el Congreso mucho más de lo anticipado. A su vez, se encuentran nombres que son objeto de burla pública, como el ministro de cultura, considerado uno de los menos destacados en la historia reciente, y la exalcaldesa con resultados cuestionables en materia de vivienda. Estos liderazgos, sin embargo, son frágiles en comparación con el contexto más amplio, ya que lo relevante, como señala el sociólogo Luis Miller, es la capacidad de presentar propuestas válidas en regiones como Castilla y León o Extremadura, donde los liderazgos en ciudades como Madrid y Barcelona no impactan significativamente.

En este marco, Pedro Sánchez ha inclinado su posición hacia la izquierda, una estrategia dirigida a captar votos en un contexto de polarización. Este cambio, marcado por sus recientes posturas sobre Israel y la migración, ha resquebrajado la cohesión dentro de sus aliados, mientras que Sumar, el bloque emergente, ha quedado relegado a un papel de comparsa sin autonomía real. Este fenómeno se traduce en un rechazo general hacia la corrupción y la falta de acción efectiva en aspectos cruciales.

La trayectoria de distintas figuras políticas dentro de Podemos, cuya naturaleza ha sido cuestionada, pone de manifiesto que, a menudo, la política se convierte en un campo minado de intereses cruzados. La idea de coaliciones diversas es, en muchos casos, una ilusión que, al igual que en el pasado, ha resultado en fracasos. Recientemente, las negociaciones para una candidatura conjunta de izquierdas recuerdan una experiencia fallida del año 2000, reafirmando que, de hecho, el candidato más significativo del Frente Amplio podría muy bien ser Pedro Sánchez.

La situación actual, a medida que se acerca el horizonte electoral, plantea una serie de retos para la coalición y sus líderes. En un paisaje político cargado de tensiones, resulta evidente que el camino hacia adelante será complejo y lleno de decisiones cruciales que determinarán el futuro del Frente Amplio y su capacidad de articular un mensaje coherente y efectivo en el panorama político español.

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Su formación académica comenzó en una prestigiosa public school en Somerset, antes de alcanzar su licenciatura en 1971 en la Universidad de Oxford, en un entorno dominado por figuras como Peter Brown y J. Michael Wallace-Hadrill. En 1975, obtuvo su doctorado bajo la supervisión de Eric Stone y Donald Bullough, dedicándose inicialmente al estudio de la Toscana en el siglo VIII. Esta primera investigación marcó el inicio de una carrera que se convertiría en fundamental para entender la historia de la disciplina.

Establecido en la Universidad de Birmingham desde 1977, Wickham centró sus estudios en la Italia de la Alta Edad Media, analizando en detalle las dinámicas de poder en las aldeas de los Apeninos a través de documentos judiciales. Sus trabajos publicados entre 1982 y 1988 reflejan sus principales inquietudes teóricas, influenciadas por el marxismo y en diálogo con científicos sociales y arqueólogos, en un periodo donde la arqueología medieval comenzaba a florecer en Italia.

Wickham destacó por su enfoque innovador al estudiar fenómenos como el >incastellamento<, la fortificación de los asentamientos rurales, estableciendo un puente entre la teoría y el análisis empírico. Su obra más conocida, Framing the Early Middle Ages: Europe and the Mediterranean, 400-800 (2005), se convirtió en un referente de la historiografía medieval, combinando un análisis detallado con un enfoque comparativo que abarca desde Siria hasta Irlanda.

En 2023, Wickham publicó The Donkey and the Boat, una reinterpretación del comercio mediterráneo entre 950 y 1180, que ofreció nuevas perspectivas sobre las conexiones económicas del período, basándose en un amplio dominio del conocimiento arqueológico y documental. A través de sus libros, como The Inheritance of Rome: Illuminating the Dark Ages, 400-1000 (2009) y Medieval Europe (2016), logró acercar la historia medieval a un público más amplio, sin sacrificar el rigor académico.

El impacto de Wickham no se limitó a sus publicaciones; su generosidad en la enseñanza y su capacidad para fomentar el diálogo académico fueron igualmente significativas. A pesar de su prestigio, se destacó por su humildad y su disposición a ayudar a nuevas generaciones de historiadores, ofreciendo consejos y colaborando en proyectos a pesar de la exigencia de su labor.

La muerte de Chris Wickham representa una pérdida irreparable para el campo de la historia, tanto por la profundidad de su obra como por su enfoque crítico y su capacidad de conectar diversos aspectos del pasado. Su legado perdura, no solo en su prolífica producción intelectual, sino en la forma en que inspiró a otros a abordar la historia con un enfoque rigurosamente analítico y un entusiasmo contagioso.

Chris Wickham deja un vacío difícil de llenar en la historiografía, pero su influencia se sentirá durante muchas generaciones, recordándonos la importancia de abordar la historia con un conocimiento exhaustivo y una mirada crítica hacia las fuentes. Su contribución al estudio de la historia medieval marcará un antes y un después, garantizando que su voz siga resonando en los debates académicos del futuro.

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