Más artistas deben financiar sus exhibiciones.

Cuando la artista dominicana-estadounidense Lucia Hierro comenzó a trabajar en una instalación audaz centrada en una silla monobloc de 7.5 pies, un objeto común en la vida de la diáspora latinoamericana y caribeña, no imaginaba la dificultad financiera que enfrentaría para hacerla realidad. El costo de fabricación de su obra se estimó entre 35,000 y 40,000 dólares, una cifra que superaba con creces el apoyo financiero que podía ofrecer la institución que la comisionó. Aunque su intención nunca fue beneficiarse económicamente de su trabajo, el hecho de que, a pesar de la promesa institucional, tuviera que buscar fondos por su cuenta fue una sorpresa desagradable.

Desafortunadamente, esta situación se está volviendo cada vez más habitual. En los Estados Unidos, muchos artistas se encuentran subsidiando los presupuestos de exhibiciones en museos, comisiones públicas e incluso adquisiciones. En ocasiones, estas oportunidades desaparecen por completo cuando las instituciones y los artistas no pueden reunir el dinero necesario para la producción. “Las instituciones quieren la obra, pero la brecha entre la visión y la ejecución se ha convertido en la carga del artista”, señala Hierro.

A medida que Hierro desarrollaba su proyecto, tuvo el apoyo inicial de su galerista Graham Wilson, pero fue gracias a una iniciativa de Fountainhead Arts, una organización sin fines de lucro con sede en Miami, que pudo continuar avanzando. Este programa, llamado Forum, se creó específicamente para ayudar a los artistas a enfrentar los déficit presupuestarios en exhibiciones institucionales. Sin embargo, la demanda de fondos superó con creces la oferta: en la primera ronda de solicitudes, Fountainhead recibió 96 peticiones por un total de 1.8 millones de dólares, mientras solo había 125,000 dólares disponibles para subvenciones.

Los desafíos económicos para los artistas se intensificaron tras la eliminación de subvenciones de la National Endowment for the Arts y otros organismos, lo que ha afectado a pequeñas y medianas organizaciones culturales, especialmente aquellas que apoyan a comunidades de color y regiones rurales. Estas reducciones de fondos están repercutiendo a nivel institucional, donde las exhibiciones, que suelen ser los mayores costos variables en sus presupuestos, son los primeros gastos que se recortan.

La complejidad de esta situación también se ve amplificada por factores como el aumento de los costos de vida en los centros culturales y los ataques legislativos a programas de diversidad, equidad e inclusión. Más que solicitar apoyo solo para proyectos, los artistas están pidiendo ayuda para necesidades esenciales, desde servicios legales hasta atención médica. “La inestabilidad es emocional, financiera y existencial”, afirma Anne Ishii, directora de programas de United States Artists, quien describe este momento como uno de los más precarios para los artistas en la memoria reciente.

La falta de transparencia en cómo se financian las exhibiciones en los museos también complica estas dinámicas. La mayoría de las instituciones no publican información clara sobre la asignación de presupuestos para sus exhibiciones, lo que dificulta que el público y posibles donantes comprendan la magnitud de las necesidades. Sin esta visibilidad, el apoyo y la comprensión de la importancia de la contribución artística se ven comprometidos.

Como consecuencia de estos recortes, los artistas de comunidades históricamente marginadas son los más afectados, y el resultado es una exclusión de aquellos que luchan por tener la oportunidad de exhibir y crear arte. Este fenómeno no solo niega la posibilidad de exhibir a muchos artistas, sino que también afecta la sostenibilidad de sus carreras.

De acuerdo con la experta en economía de museos Stephen Reily, los museos suelen priorizar la adquisición y preservación de objetos por encima del apoyo a los artistas vivos, lo que refleja una desconexión fundamental en la misión institucional. Esto es especialmente evidente en el caso de artistas que no cuentan con representación en galerías, quienes tienen menos opciones para cubrir los déficit en sus propios presupuestos.

En este entorno difícil, residencias y fundaciones sin fines de lucro, como Fountainhead Forum, están surgiendo como estructuras de apoyo de facto para la programación de los museos. Ofreciendo hasta 20,000 dólares por proyecto para apoyar adquisiciones y exhibiciones, estas iniciativas intentan llenar el vacío que deja la reducción de fondos públicos.

Mientras tanto, esfuerzos como el National Arts Policy Alliance de United States Artists buscan reunir a donantes y organizaciones para abordar las necesidades compartidas que quedan entre los sistemas público y privado. Algunos líderes de instituciones culturales comienzan a ver en la colaboración una forma de fortalecer el apoyo a los artistas, destacando la importancia de ajustar la narrativa cultural para entender a los artistas como trabajadores cuyo trabajo tiene valor.

A medida que el panorama cambiante del arte contemporáneo se enfrenta a estos desafíos, resulta fundamental que las instituciones adapten rápidamente sus modelos de financiamiento para garantizar que los artistas puedan continuar creando y exhibiendo su trabajo. La creciente brecha en el financiamiento para las exposiciones de artistas vivos es una preocupación central que definirá el futuro cultural en las próximas décadas. “Si queremos un futuro cultural vibrante, debemos construir sistemas que reconozcan y apoyen el trabajo detrás del arte. De lo contrario, corremos el riesgo de perder voces valiosas”, concluye Mikesell.

El apoyo recibido por Hierro a través del programa Forum le permitió avanzar en su proyecto, manteniendo intacta la ambición de su escala y concepto. Sin embargo, es evidente que la carga debe compartirse. “Si las instituciones quieren trabajos ambiciosos, necesitan encontrarse con nosotros donde estamos, no solo con entusiasmo, sino con los recursos necesarios”. Ante una realidad desafiante, la colaboración y el apoyo efectivo emergen como claves para garantizar un ecosistema artístico sostenible y vibrante.

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